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sábado, 29 de agosto de 2009

NINA HAGEN




Nina Hagen Nació el 11 de marzo de 1955 en Berlín Este, República Democrática Alemana. Nina es hija de Hans Hagen, un guionista de origen judío y Eva María Hagen, una actriz. Su padre murió cuando ella era una niña. Su madre contrajo matrimonio nuevamente con Wolf Biermann un cantautor de ópera alemana; Nina dejó el colegio cuando cursaba el décimo año y se unió a la banda de covers Fritzens Dampferband . Su padrastro fue acusado de revolucionario en la estalinista Berlín Oriental, es por eso que Nina y su familia debieron exiliarse en el exterior por un tiempo. Formó parte de la banda Automóvil, la cual tuvo buena aceptación en Alemania; en 1977 forma la banda The Nina Hagen Band, con la que un año después grabaría el disco homónimo que incluye temas como TV-Glotzer cover de White Punks, On Dope y Auf'm Bahnhof Zoo . Durante una gira europea, Nina decide marcharse de la banda, aunque seguiría cumpliendo con el contrato, y grabó un segundo álbum en 1977 titulado Unbehagen, que en español significa incomodidad o inquietud ; este álbum fue eventualmente producido con grabaciones que la banda hacía en Berlín y las partes vocales que Nina grababa en California; este albúm incluyó el tema African Reggae y Luke Number un cover de Lene Lovich.

En 1982 Hagen realiza su primer disco como solista Nun Sex, Monk Rock , una disonante mezcla de punk, funk y ó pera; ese mismo año comienza una gira mundial con No Problem Orchestra . En 1983 graba el álbum Angstlos y realiza un pequeño tour europeo. Para este tiempo las apariciones públicas de Nina Hagen se hacían extrañas y era frecuente, que en sus discusiones incluyera temas relacionados con Dios, extraterrestres , su postura social y política, a la vez que también se declaraba defensora de los derechos de los animales. La versión en inglés de Angstlos llamada Fearless (en español: Intrépido), generó dos de los máximos hits que se escucharon en las discotecas norteamericanas, Zarah, un cover de la canción: Ich weiss, es wird einmal ein Wunder geschehen de Zarah Leander y el clásico de la opera/punk/disco, New York New York.

En 1991, con un nuevo disco llamado Street, comienza una gira por el viejo continente. Un año después conduce un programa televisivo en la cadena alemana RTLplus . En el año 2000, su tema Schön ist die Welt, fue la canción oficial de la Expo 2000; Der Wind hat mir ein lied erzählt fue otro cover de Zarah Leander y se convirtió en su nuevo hit ese mismo año; luego, Nina presta su voz para doblar a Sally en la versión alemana de la película de Tim Burton The Nightmare Before Christmas; además colabora con otras bandas como Oomph! en el tema Fieber; más recientemente junto a Apocalyptica hizo un cover de la canción Seemann de la banda alemana Rammstein.

Steven Wilson y Porcupine Tree



Steven Wilson Nació en Londres el 3 de noviembre de 1967, es un músico conocido por ser la espina dorsal del grupo de Rock Progresivo Porcupine Tree . Siendo Porcupine Tree, el proyecto que tiene como preferencia, caben destacar otros trabajos que configuran su extensa discografía: Blackfield, No-Man, Bass Comunion o I.E.M; y Además ha colaborado con otras bandas como Opeth ; donde ejerce labores de productor e ingeniero de sonido. En un futuro no demasiado lejano, Steven Wilson junto a Mikael Åkerfeldt , (Vocalista y Guitarrista ) de Opeth y Mike Portnoy ( baterista) de Dream Theater, elaborarán un proyecto discográfico, que aún no está muy claro el estilo para esto los tres músicos.

Porcupine Tree:
es una banda de Rock formada en Hemel Hempstead, Inglaterra en 1987. Esta banda es el proyecto más exitoso, del músico Steven Wilson de creciente popularidad. Con una mezcla de rock psicodélico, rock progresivo, música ambiental y más recientemente H eavy metal; han desarrollado piezas musicales bastante impresionantes por su diversidad y por la calidad distintiva del sonido en sus grabaciones . Wilson, es un músico autodidacta amante de diversos géneros musicales, que comenzó con el proyecto como una parodia cómica de los grupos progresivos de los '70; en paralelo a otro de sus múltiples proyectos, No-Man, ha trabajado con una buena cantidad de músicos y artistas, entre los que destacan Marillion, Opeth o Dream Theater. Porcupine Tree se engloba dentro del rock progresivo, aunque Steven Wilson ha expresado su disconformidad con esta etiqueta: La música de Porcupine Tree es muy muy simple; no hay nada complejo en ella, lo complejo está en la producción, la complejidad está en que los álbumes están firmemente construidos; todo el trabajo consiste en crear la textura y el sonido, y hacer que suene bien. No hay nada de complicado en nuestra música en absoluto Y por eso, es por lo que no me gusta que la gente nos describa como rock progresivo. No creo que seamos una banda progresiva; creo que sólo somos una banda de rock. Creo que lo que lleva a la gente a darnos la categoría de progresiva es la manera en la que las canciones están producidas .

Entre sus discos más destacados están:

1. Signify

2. Stupid Dream

3. Deadwing

4. Fear of A Blank Planet

Aunque Steven Wilson diga, que la banda Porcupine Tree, no es Rock Progresivo , su sonido es de un ambiente de música progresiva; tal vez la banda busque, nuevos sonidos y cambie de estilo con el transcurso de los años.

Dave Mustaine y Megadeth


David Scott Mustaine: nació el 13 de septiembre de 1961 en La Mesa, California, Estados Unidos; es el guitarrista, compositor y vocalista de la banda de Thrash Metal, Megadeth . Dave Mustaine pasó su infancia viviendo en varios suburbios del sur de california y actualmente reside en Fallbrook, California. Mustaine es uno de los fundadores de Metallica . A la edad de 15, Mustaine alquiló su propio apartamento y sobrevivió financieramente mediante la venta de narcóticos. Uno de sus clientes a menudo estaba falto de efectivo, pero trabajaba en una tienda de discos, así que le ofrecía de intercambio los álbumes de artistas como Iron Maiden y Judas Priest, lo que contribuyó a que se formará un gusto por el heavy metal . A fines de la década de 1970, Mustaine comenzó a tocar la guitarra eléctrica, en particular una BC Rich y se unió a una banda conocida como Panic por un tiempo. En 1981, Mustaine dejó Panic para unirse a Metallica como principal guitarrista. Lars Ulrich baterista de Metallica había publicado un anuncio en un periódico local, The Recycler, en busca de un guitarrista. En sus propias palabras, Mustaine recuerda su primer encuentro con James Hetfield y Lars Ulrich. Mustaine duraría menos de dos años como miembro de Metallica . Brian Slagel, manager durante los principios de la banda, recuerda en una entrevista en la cual se expresa:

« Dave es un hombre increíblemente talentoso, pero también tenía un increíble gran problema con el alcohol y las drogas; se emborrachaba y se convertía en un verdadero loco, un furioso maniático, y después de un tiempo, los otros chicos no podían manejar la situación. Es decir, todos bebían, por supuesto, pero Dave bebía más... mucho más. Pude ver que estaban empezando a hartarse de ver a Dave borracho todo el tiempo

Megadeth: En 1983, cuando Dave fue expulsado de Metallica y enviado de regreso a casa por Lars Ulrich y James Hetfield, llegó a la conclusión de que uno de sus objetivos en la vida debería ser la creación de una banda más exitosa que Metallica. En el viaje leyó un panfleto político el término Megadeath (megamuerte, unidad de medida equivalente a un millón de muertes humanas empleada en cálculos del ejército estadounidense) y de ahí vino el nombre de esta banda de thrash metal . Aquel verano conoció al bajista Dave Ellefson con quien formó Megadeth. Luego enlistó a Greg Handevidt en la guitarra y a Dijon Carruthers como baterista. Después de una serie de audiciones infructuosas en búsqueda de un vocalista, Mustaine eligió asumir las funciones él mismo, además de tocar la guitarra. En 1984, Megadeth grabó un demo de tres canciones con el baterista Lee Raush, y Kerry King se unió a la banda durante unos shows. Sin embargo, optó por abandonar Megadeth después de menos de una semana para trabajar en su banda Slayer . Gar Samuel, un baterista altamente influenciado por el jazz , sustituye a Raush . En noviembre, la banda firmó un acuerdo con Combat Records, un mes antes el guitarrista Chris Poland se unió a la banda y tuvieron su primer recital en Nueva York.

Mejores discos:

  1. Youthanasia
  2. The World Needs A Hero
  3. The System Has Failed
  4. Countdown To Extinction

viernes, 28 de agosto de 2009

MALAS CANCIONES PARA CASARSE


Bandas de sonido desaconsejadas para entrar al salón de fiestas.

Hace un tiempo Sting se burlaba de la gente que usa "Every Breath You Take" en su casamiento, teniendo en cuenta que la canción trata de un acosador que persigue insanamente a una chica a cada paso. Y sí, el músico altruista que rescató a Timmy O' Toole tiene razón: hay quienes escuchan sólo la superficie de los temas y no piensan en lo que las letras esconden en realidad.Aqui 5 canciones. Algunas son más sutiles y otras son una burradas, pero todas ellas son capaces de hacer que tu suegro, si es del palo y entiende, se atragante con un canapé y la quede en pleno trencito.





5) "DIE MY BRIDE" - MURDERDOLLS
Letra desubicada: "Prefiero cortarte a vos antes que a la torta de bodas / y tus tripas sangrientas están sobre mi smoking alquilado / y acepto, acepto, acepto matarte".
Problema: si te lo tengo que explicar... ¿cómo es que te vas a casar?
Reacción: el padre de la novia y el novio te van a capar con una cuchara de postre.





4) "I KNEW THE BRIDE WHEN SHE USED TO ROCK AND ROLL" - NICK LOWE
Letra desubicada: "La puedo ver como si fuera ahora / como se emborrachaba con los pibes / y rompía sus corazones como si fueran juguetes".
Problema: descubrir que su novia no era la carmelita descalza que ellos creían puede despertar el instinto asesino en ciertos especímenes del sexo masculino.
Reacción: el novio te tira como si fuera el ramo para que sus amigos te abarajen.





3) "DON'T MARRY HER, FUCK ME" - THE BEAUTIFUL SOUTH
Letra desubicada: "Yo nunca me voy a poner tan vieja y fofa / eso nunca podrá ser / no te cases con ella, cógeme a mí" ("teneme a mí", dice la versión censurada).
Problema: sospechamos que a la novia no le va a simpatizar.
Reacción: la chica saca las garras y se arma flor de catfight justo antes de que llegue el lomo al champignon.





2) "LOS PIRATAS" - LOS AUTÉNTICOS DECADENTES
Letra desubicada: "Nos sacamos el anillo carcelero / y vivimos una noche de soltero" (y prácticamente todo el resto).
Problema: de repente no sos el mejor prospecto de marido fiel (y de paso, ¿no es irónico que esta canción suene en casi todos los casamientos?).
Reacción: el hermano de la novia, famoso por haber hecho llorar a Jorge "Acero" Cali, te va a hacer tres o cuatro caricias.





1) "LOVE STINKS" - J. GEILS BAND
Letra desubicada: "Vos la amás / pero ella lo ama a él / y él ama a otra / nunca podés ganar (.) el amor apesta".
Problema: sé un poco más romántico, cínico de cuarta, te estás casando.
Reacción: el novio lo va a pensar otra vez, la novia se va a poner a llorar desconsoladamente, el padre de la novia va a sacar una Smith & Wesson K-22 y se va a armar una deliciosa hecatombe.

Diego Mancusi


EL REGRESO DE WILLY ITURRI




Nueve años después

Por Juan Ignacio Provéndola

El currículum de Willy Iturri sabe de muchas páginas notables, no sólo al frente del trío GIT, sino también como músico de los primeros tiempos solistas de León Gieco, Gustavo Santaolalla, Raúl Porchetto y Charly García (con quien grabó discos históricos como Yendo de la cama al living, Clics modernos y Piano bar). Ahora, después de nueve años de no tocar en la Argentina, acaba de publicar su primer disco solista, AyerHoy, y lo presenta en vivo hoy en el Teatro IFT (Boulogne Sur Mer 549).

Para él no todo tiempo pasado fue mejor. El baterista que no se define como tal (“ojo, también toco guitarra y piano, además de cantar y componer”) tuvo que sortear la vuelta de los excesos: “Mañana cumplo nueve años desde que comencé mi rehabilitación de drogas y alcohol, y estoy feliz –sostiene–. Tomo cada día como el primero del resto de mi vida. Las recuperaciones son difíciles, pero no imposibles. Subo al escenario sano y con muchas ganas de tirar buena onda y de recibirla, un ida y vuelta que antes no hubiera podido disfrutar porque sólo miraba mi propio ombligo”.

–¿Tocó fondo?

–Hacía tiempo que no me sentía bien y estaba podrido de vivir mal. La única forma de cambiar es tocar fondo, y yo pude salir gracias a Alcohólicos Anónimos, a médicos y a mí mismo. La recuperación no es para inteligentes, sino para obedientes. Al principio me costó horrores y la pasé mal, aunque ahora disfruto el premio. Eso sí: hay que tener en claro que uno tiene esa enfermedad para siempre y lo que se logra es simplemente la suspensión diaria de una sentencia. Es una enfermedad de pérdidas afectivas y económicas que te come física, mental y espiritualmente: el cuerpo te pide algo que te tritura las neuronas.

–Fue referente de una época del rock local como la de los ’80, que estuvo muy identificada con los excesos.

–Por suerte nunca tuve recaídas, aunque tuve amigos que las sufrieron y que, incluso, murieron. Igualmente quiero aclarar que mis compañeros de terapia son médicos y arquitectos. Es una enfermedad lenta y mortal que no distingue profesiones ni clases sociales, pese a que muchos creen que los excesos son exclusivos del ámbito de la música.

Su vida y obra entre el final de GIT y esta reaparición solista estuvo marcada por un silencio que el propio Iturri niega rotundamente: “Argentina no es el mundo, hermano. Yo siempre estuve haciendo giras por Latinoamérica y si no vine acá es porque no había gente seria con quien organizar shows. Lo que sucedió es que en 2003 me fui a vivir a Chile invitado por el presidente Ricardo Lagos, y medio que desaparecí del plano local. El desarraigo fue muy duro y a veces me siento solo, pero las cosas se dieron así. Ahora vuelvo a tocar en mi país tras nueve años y espero no tener que esperar otros tantos porque, si no, me van a ver en silla de ruedas”.

Para el show de hoy promete indagar en toda su carrera (“comenzando por el ayer”) y hasta deja la puerta abierta a la posibilidad de algún invitado. “Siempre hay alguna sorpresa, y si no se da, al menos tendrán la sorpresa de verme a mí después de tantos años”, sostiene.

–La primera canción de su disco se llama “Esperando tu e-mail”. ¿Cómo se relaciona con las nuevas tecnologías?

–Estoy todo el día en Internet y no podría estar de otra forma. Con el Skype me contacto con productores o incluso con una de mis hijas, que vive en Barcelona. También uso la computadora para componer, aunque por el momento no hay con qué darle al estudio de grabación propiamente dicho.

–Se cumplen 25 años del primer disco de GIT. ¿Qué ve a la distancia? ¿Sigue en contacto con sus viejos compañeros?

–Casualmente el otro día lo estaba escuchando... ¡y cómo suena! Eramos unos animales y, en vivo, matábamos. Disco a disco fuimos buscamos formas diferentes, lo cual a veces desorientaba. A Alfredo (Toth) y a Pablo (Guyot) no los veo mucho, aunque cuando venía a la Argentina me hacía un tiempo para comer con ellos. Si aparece una empresa que nos proponga hacer 15 o 20 shows, como pasó con Soda, nos juntaríamos sin ningún problema. Al fin y al cabo, acá no se le dio toda la trascendencia que tenía, pero creo que GIT fue más que Soda. Por lo menos eso es lo que veo en el exterior, aunque muchos piensen que estoy loco.


G.I.T

















Alfredo Toth: bajo y voz Pablo Guyot: guitarra Willy Iturri: batería y voz

Pablo Guyot y Willy Iturri tocaban juntos en Banana, una banda que duró cuatro años y logró cierta repercusión en los pubs del Gran Buenos Aires. Alfredo Toth venía de integrar Los Gatos Salvajes, Los Gatos, Sacramento, la banda de León Gieco y la de Nito Mestre.

Fueron invitados por Raúl Porchetto para ser su banda soporte en 1980, para la presentación de "Metegol". Cuando decidieron independizarse como trío, Charly García convocó a Iturri para su disco "Yendo de la cama al living". Ante la magnitud de la propuesta, la iniciativa quedó postergada. Guyot se incorporó entonces a Zas y Toth tocó con Fantasía y con Piero. En 1983 decidieron grabar un demo para difusión radial y Charly García los convocó nuevamente para grabar "Clics Modernos" (1983) y "Piano Bar" (1984).

Sus primeros simples son "Oh mi amor" y "Acaba de nacer", que conducirían a la grabación de la primera placa propia: "G.I.T." (1984), con producción de García. Alternaron entonces presentaciones como GIT y como la banda de Charly.

La segunda placa llamada "el disco negro de GIT" fue duramente criticada por la prensa, pero alcanzó cifras muy altas en ventas, hecho que se confirmó con los shows e más alto en Chile y Perú. Fueron la primera banda argentina en editar un disco en Estados Unidos. El sello Interdisc publicó en 1987 una recopilación de las dos primeras placas del grupo.

Lograron revertir el desgaste natural de 4 años de éxito para grabar "Primera sangre" y encarar otra popular gira por Argentina y Estados Unidos.

Tras una separación de cuatro años, retornaron a las salas de ensayo en 1992 y dieron forma a "Distorsión". Con cierto aire a "Achtung Baby" de U2, el material era demasiado complejo para un trío. Convocaron entonces a Víctor Skorupsky (saxo), Miguel Angel Tallrita (trompeta), Bebe Ferreyra (trombón), Celsa Mel Gowland y Sandra Baylac (coros), Gustavo Díaz (teclados) y a Nito Mestre como invitado especial.


Discografía
G.I.T., 1984
GIT Volumen 2, 1985
GIT Volumen 3, 1986
Primera sangre, 1988
Distorsión, 1992
Oro, 2003
Aire De Todos: Antologia 1984/1986, 2004

Fuente:www.rock.com.ar

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Susan Boyle ya tiene su disco debut


Se llama "I dreamed a dream", como la canción con la que saltó a la fama en el programa Britain´s Got Talent. Se puede encargar por Internet. Cuesta 14,50 dólares y lo entregarán el 23 de noviembre.


¿EXITO? ¿Podrá la escocesa repetir el boom de su video en Internet?

Lo anunció ella misma y a todo trapo a través de Internet. La británica Susan Boyle volvió al ruedo y esta vez con disco bajo el brazo. La escocesa de 48 años, que sorprendió al mundo con su magnífica voz en el programa de talentos Britqain´s Got Talent ya tiene listo su primer CD. Se llama "I dreamed a dream", el mismo nombre de la canción con la que dejó boquiabierto a Simon Cowell, el jurado más despiadado del show.

Después de haber sido internada tras perder en la final del programa y tras pasar semanas alejada de los escenarios debido al stress, Susan parece haber vuelto con todo. Esta mañana, sus más 1,8 millones de fanáticos que la siguen vía Facebook se enteraron de la noticia: ya pueden ordenar el disco de la artista a través de un sistema de pre-ventas. Una vez hecho el pedido, sólo deberán esperar hasta el 23 de noviembre, ese día será el lanzamiento oficial del CD debut.

Para evitar un colapso en las ventas y que el disco se agote en segundos, la empresa Play.com, que comercializa el primer trabajo de Susan, decidó sacarlo a la venta con este sistema de orden previa. Para hacerse con "I dreamed a dream", hay que desembolsar 8,95 libras o 14,50 dólares al cambio de hoy. El envío, prometen, es gratis.

¿El gran misterio? El contenido del CD. La lista de canciones que incluye el trabajo, por ahora, es una incógnita que los fanáticos estarán –seguro- dispuestos a soportar con tal de tener un CD original de Susan en sus manos. ¿Repetirá el éxito que tuvo su video en YouTube?

ENTREVISTA A FAVIO POSCA Y FABIAN "ZORRITO" VON QUINTIERO


El actor y su banda, formada por músicos de reconocida trayectoria en el rock nacional, presentan Gigi.

Por: Eduardo Slusarczuk
PROYECTO ORIGINAL CON UNO DE SUS PERSONAJES (ANGELITO) Y MUSICOS COMO EL ZORRITO, POSCA ARMO GIGI, LA BANDA QUE TOCA SUS CANCIONES.

Mientras sobre algún escenario, Favio Posca cantaba, cambiaba personajes, monologaba y escupía sus punzantes dosis de humor rancio, en la platea, el Zorrito Von Quintiero pensaba en cómo sería el show con músicos en vivo". "Me pareció que juntarlo con una banda podía ser buenísimo. Se lo dije, y la idea quedó picando", cuenta el músico.

El tiempo pasó, la propuesta maduró y, de pronto, Favio parió a Gigi. "Apenas me di cuenta de que tenía el proyecto, lo llamé al Zorro y lo pusimos en marcha", recuerda el actor. "Gigi es noche, es la pureza del rock", escribió su frontman en la gacetilla. "Gigi es -dice ahora- la unión de Angelito con Von Quintiero, Fernando Samalea, el Negro García López y Matías Mango". Para los no iniciados, vale aclarar que Angelito es un personaje del mundo Posca: un muchacho que se recibió de abogado a los 24, se fue a festejar la graduación con unos amigos un par de meses a Londres, y se quedó allí nueve años. "Más rockero que eso no hay", refrenda el Zorrito.

Lo que siguió fue un esquema de trabajo tan habitual para Posca como novedoso para los músicos. "El método es así: el tipo viene, nos pasa la melodía, el ritmo, la dirección en la que quiere que vaya, y nosotros las pasamos a acordes y surfeamos sobre la data que nos tira. Como somos músicos con mucho oficio, las cosas salen rápido", revela el tecladista. "Además -agrega-, mientras ensayamos nos cagamos de risa, porque la data que tira Angelito nosotros ya la vimos. La curtimos muchos años. El tipo es de nuestro palo. Aunque ahora estemos, cada uno, en un película propia, somos del mismo palo."

"Lo loco es que siendo una experiencia nueva para todos, cuando estrenamos, hace dos semanas, sentí que había tocado con ellos toda la vida", agrega Posca.

¿La estructura es similar a la de tus otros espectáculos?

FP: No. En este caso son canciones sueltas, interpretadas por Angelito, quien entre tema y tema va desarrollando historias. Con una enorme carga de verdad, porque él habla de la noche con conocimiento de causa. Entonces, habla de las adicciones, pero también de la soledad, del encierro, de cómo se lleva con las minas. Todo con actitud rockera. Acá no hay música electrónica, ni tango, ni rancheras. Hay rock.

VQ: Es que Angelito está siempre al mango. No es un tibio. Y a nosotros nos gusta estar con gente así. No con tibios. Además, le debemos unos cuantos favores. Nos sacó de varios balurdos.

FP: Aparte, tiene mucho dinero, así que se consiguió no sólo músicos geniales, sino también uno de los mejores sonidistas.

VQ: El tipo tiene power. Y convocatoria. Eso, más el lugar, que está buenísimo, hace que Gigi sea más que recomendable como un plan buenísimo para sábado a la noche.

NOEL GALLAGHER: Abandona Oasis



El principal compositor y guitarrista de la banda declara que no puede "continuar trabajando con [su hermano] Liam ni un día más"

Noel Gallagher, el principal compositor y guitarrista de Oasis, ha anunciado este viernes por la noche que abandona el grupo debido la pésima relación que mantiene con su hermano Liam Gallagher, vocalista de la formación. "Con algo de tristeza y gran pesar os comento que dejo Oasis esta noche", ha escrito Gallagher, de 42 años, en la página oficial de Oasis .

"La gente escribirá y dirá lo que quiera, pero simplemente no podía continuar trabajando con Liam un solo día más", añadió el autor de clásicos como Live Forever, Wonderwall o Don't Look Back in Anger.

Gallagher, que debía haber actuado este viernes junto a la banda en un festival de música de París, canceló el concierto en el último momento debido a una pelea con su hermano, según informaron los organizadores del evento.

El portavoz del festival Rock en Seine ha agregado que el grupo cancelará el resto de su gira europea, dato que ha sido confirmado por el propio Noel Gallagher a través de la web de Oasis. "Disculpas a toda la gente que compró entradas para París, Konstanz (Alemania) y Milán", escribe el artista .

Fuentes del festival han asegurado que el grupo "ya no existe" tras la disputa de este viernes, aunque ese dato aún no ha sido confirmado por la propia banda.

El pasado domingo la banda de Manchester ya canceló una actuación en el festival V, en la localidad británica de Chelmsford, debido a una afonía de Liam Gallagher. No obstante, por entonces ya existían rumores sobre la mala relación entre los hermanos.

No es la primera vez que Noel Gallagher deja el grupo. A finales de mayo de 2000 el guitarrista se despidió de la banda por "diferencias de criterio" con su hermano Liam, y en 1994 abandonó momentáneamente la formación durante su primera gira por EEUU.

miércoles, 26 de agosto de 2009

JEAN MICHEL JARRE: nació el 24 de agosto de 1948












Jean-Michel André Jarre (24 de agosto, 1948), popularmente conocido como Jean Michel Jarre, es un compositor e intérprete francés de música electrónica.

Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyon, Francia. Hijo de France Pejot y el destacado compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, "Le Chat qui Pêche" donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.

Más adelante se integró al "Grupo de buscadores musicales", liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto o instrumento. Así experimentó en diversos frentes: Su primera banda de rock, "The Dustbins", donde era vocalista y primera guitarra; sus primeros singles, "La Cage", "Erosmachine", "Hypnose", "Happiness is a Sad Song"; colaborando con otros artistas, componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo "AOR". En fin, su camino lo llevaba para muchos lados en pos de descubrir su orientación definitiva.

Consagración

Así llegó 1976, cuando este joven de 27 años compuso y grabó, en su pequeño comedor convertido en estudio, mediante una grabadora de 8 pistas y arcaicos instrumentos esa obra maestra de 6 piezas llamada Oxygene (considerado el álbum más importante de música electrónica). Este disco es la obra con la cual se indentifica a Jarre, en especial el tema Oxygene 4. Fue todo un evento, éxito de ventas en todo el mundo, y comenzaba a escribirse una nueva época de la música mundial, aquella donde se rompían los mitos de que la electrónica no era aceptada, y en la cual se consideraba a los sintetizadores no como instrumentos musicales, sino como elementos de experimentación.

Por supuesto, Jarre no imaginó nunca el tremendo éxito que obtendría con Oxygene, así como tampoco con su posterior Equinoxe, que terminó consolidándolo como el más destacado de la escena mundial. Y dio inicio a otra era, la de los megaconciertos, con su show en la Plaza de la Concordia en París en 1979, reuniendo a 1.000.000 de personas y rompiendo por primera vez en su vida un "Récord de Guinness". Tras esto prepara su tercer disco oficial, Chants magnétiques (cantos magnéticos juego de palabra con campos magnéticos, ambos se pronuncian igual en francés), que incluso en Estados Unidos (bajo el nombre Magnetic Fields) lideró las ventas en las categorías de Jazz y Clásica. Debido a este tremendo éxito, es invitado por el gobierno chino, Jean Michel se transforma en el primer músico en brindar una serie de conciertos en el país oriental, con una audiencia estimada de ochocientos millones de auditores sólo en ese país. Ese histórico momento está registrado en el disco The Concerts in China.

En 1983 graba Musique pour supermarchés (música para supermercados), disco de una sola copia, cuyos masters fueron destruidos y que fue subastado para incrementar la partida presupuestaria para los artistas franceses. Tras ese notable experimento (Récord Guinness de nuevo) llega Zoolook, uno de los trabajos preferidos de los fanáticos, en el que Jarre crea bases y sonidos musicales con palabras y frases tomados de más 30 lenguas y dialectos diferentes.

Ya convertido en una personalidad internacional, es invitado por la NASA para celebrar su 25 aniversario con un espectacular concierto en Houston, Texas, reuniendo a más de 1 millón de personas (otro Récord mas). El astronauta Ronald McNair fue elegido para interpretar la parte de saxofón de Rendez-Vous VI (Ron´s Piece) de Jarre, en órbita desde el Transbordador Espacial Challenger. Iba a ser la primera pieza de música grabada en el espacio. Tras el desastre del Challenger el 28 de enero de 1986, la pieza fue grabada con otro saxofonista, retitulada "Ron's Piece", y el concierto y su trabajo Rendez-Vous fue dedicado a la tripulación del Challenger y en especial a su amigo Ron McNair.

Llega 1988 y con su disco Revolutions hace un repaso de los cambios y la evolución de la humanidad. Prepara y cancela varias veces un concierto en Londres, que finalmente se lleva a cabo los días 8 y 9 de Octubre de 1988 en el Muelle Victoria ante más de 200.000 espectadores y que cuenta con la participación especial del guitarrista de The Shadows, Hank Marvin, con quien Jarre hace duple en London Kid, uno de los temas más destacados del álbum.

A principios de 1991, Jarre comienza la promoción de un concierto que tendría lugar en la zona arqueológica de Teotihuacán, México durante el eclipse solar del 11 de julio de 1991. De acuerdo con algunas fuentes, problemas con los patrocinadores y con autoridades nacionales forzaron la cancelación del proyecto.[1] Sin embargo, en el documental "Making the Steamroller Fly", que está incluido en el DVD "Oxygene Moscow", Jarre y otros colaboradores cuentan que la verdadera razón para la cancelación del concierto en México fue el hundimiento de un barco que transportaba desde Europa el escenario en forma de pirámide especialmente diseñado para la ocasión y otro material técnico sin el cual era imposible para Jarre realizar el espectáculo como lo tenía concebido. El músico comenta que había compuesto piezas especiales con influencias mayas y aztecas para el evento. El propio Jarre señala que fue tal su frustración con la cancelación de este proyecto que "no pudo probar comida mexicana durante dos años".

Años '90

Al comenzar la década de 1990 Jean Michel dedica su trabajo En attendant Cousteau (esperando a Cousteau) al biólogo francés Jacques-Yves Cousteau, en el cual mezcla el sonido caribeño de los steeldrums -tambores metálicos con un característico sonido melódico, muy populares en Trinidad y Tobago o en Jamaica en los temas Calypso 1, 2 y 3 con un enigmático corte de 47 minutos.

Paris - La Défense fue uno de los shows más espectaculares, reuniendo a casi 2.000.000 de personas (convirtiendo en récord la reunión), y donde hace una revisión de todos sus discos, como manera de presentación de su disco recopilatorio Images, en donde además aparecen tres temas inéditos: Eldorado, Globetrotter y Moon Machine. Ya en 1993, e inspirado en el libro de Stephen Hawking La Historia del Tiempo lanza Chronologie, un disco que nos comunica la evolución en la historia del hombre. Este álbum incluye samples de sus primeros trabajos, como Eros Machine. Inicia un espectacular tour por Europa que lo lleva además a Hong-Kong. Es nombrado Embajador Universal por la Unesco y con este propósito realiza el megaconcierto Concert pour la Tolerance.

En 1997 Jarre firma un contrato con Sony Music y anuncia la continuación de su trabajo más significativo, Oxygene 7-13. Un álbum donde amalgama mágicamente los viejos sonidos con las nuevas tendencias de la electrónica. Brinda un concierto en Moscú donde más de 3.500.000 de personas disfrutaron del show, y del cual recientemente se ha publicado la edición en DVD. Además, en 1998 y con ocasión del mundial de fútbol, cierra los juegos con otro espectacular concierto bajo la Torre Eiffel y en donde se le unen diversos Dj's y músicos como Apollo 440, Tetsuya Komuro y Dj Cam, entre otros. Ellos también participan del álbum de remezclas Odyssey Through O2.

1999 fue el año donde planifica su más ambicioso proyecto: The 12 Dreams of the Sun, un espectacular show de doce horas para celebrar la llegada del séptimo milenio bajo las Pirámides de Egipto. Los temas recibieron una nueva armonización y el músico francés aprovechó para mostrar algunos cortes de su nuevo disco. El concierto fue transmitido por Internet y ganó varios premios. Su lanzamiento en DVD se retrasa debido a problemas de derechos con el gobierno egipcio, pero es probable que se edite de aquí a tres años según una entrevista en el periódico El Mundo.

La metamorfosis del nuevo milenio

Tras la euforia del cambio de milenio, Jean Michel volvió a sorprender con Metamorphoses. Un disco que ha dividido a los fanáticos sobre el "nuevo rumbo" de Jarre. En este disco participan destacadas figuras como Laurie Anderson, Natacha Atlas y Sharon Corr, y se acerca más a las corrientes electrónicas modernas, pero sin perder la esencia de su música.


















Durante el año 2000 se cancelaron varios conciertos. Jarre estaba ocupado preparando una actuación junto a su nuevo proyecto (una banda denominada The Vizitors) para el 1 de enero 2001 en Okinawa, Japón. En esta banda participaban Tetsuya Komuro, Francis Rimbert y con la asistencia del productor Mark Fisher además de Jean Michel.
























En junio del 2001 Jarre brindó dos conciertos en la Acrópolis de Atenas, Grecia, en un evento a beneficio de la asociación griega Elpida. También lanzó un disco llamado Interior Music (del cual sólo se regalaron mil copias) con 2 piezas de música incidental especialmente preparadas para las tiendas de Bang & Olufsen (una marca de equipos de sonido y video) en Francia. En este año también preparó la banda sonora de la película Who wants to be a Star y diversas composiciones para el canal francés Match Tv.

Durante el 2002 preparó un nuevo disco y el 7 de septiembre realizó un concierto en la localidad de Aalborg, Dinamarca. Este concierto tuvo como tema central la ecología. Gran parte de la energía necesaria para el concierto fue obtenida de los molinos de viento del parque en el cual se desarrolló el evento.
























El 10 de octubre de 2004 realizó un concierto en la Ciudad Prohibida de Pekín, China, para celebrar el inicio del Año de Francia en China, y presentar los remixes 5.1 de sus temas clásicos, así como algunos temas inéditos, contenidos en el álbum AERO.

En lo sentimental, el músico francés ha estado casado con la actriz y fotógrafa británica Charlotte Rampling, de la que se separó. En 2002, se le relacionó con la actriz francesa Isabelle Adjani, con quién rompió en 2004. Más tarde, en 2005 contrajo matrimonio con la intérprete Anne Parillaud, conocida por su papel en "La Femme Nikita".

En Octubre 2 del 2006 Tadlow Music lanzó un disco con 20 temas en versiones sinfónicas de trabajos previos de Jarre, titulado "The Symphonic Jean Michel Jarre", agrupadas en 2 discos. El 16 de diciembre de 2006 realizó un concierto en el desierto de Marruecos (Merzouga), a beneficio de la Unesco titulado Water For Life.

El 26 de marzo de 2007 lanzó su nuevo disco de estudio, titulado "Téo & Téa", que cuenta con 13 temas orientados al género dance.

El 26 de julio de 2007 Jarre tenía que dar un concierto en un parque eólico en Albanella (Italia), dentro del festival de tres días Powerstock, pero a cinco días antes del concierto el Power Stock Festival aún no se había dignado a firmar el pliego de condiciones de honorarios de la agencia del músico francés para su participación en el festival. Muchos fans que habían adquirido sus entradas, comprado sus billetes de avión y reservado sus hoteles, se quedaron tirados sin capacidad de cancelar, perdiendo mucho dinero por esta falta de seriedad del organizador italiano.



















El 4 de diciembre del 2007 lanza una edición especial de Oxygene (Oxygene:Live In Your Living Room) para celebrar el 30º aniversario del disco que hizo revolucionar la música electrónica. Se encuentra disponible en 3 versiones. CD de oxygene remasterizado + DVD con vision 3D + Gafas 3D (version limitada).

Las otras dos opciones son las mismas pero quitando material, CD o CD+DVD con vision 2D.

En diciembre de 2007 Jarre, acompañado de Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samard, actúa durante diez noches en el Theatre Marigny de Paris, interpretando en directo el disco "Oxygene" junto con unas variaciones compuestas para la ocasión.

El éxito de estos conciertos continúa en 2008 con una gira por toda Europa interpretando Oxygene. Después de casi quince años, en abril de 2008, Jarre ha actuado de nuevo en España en su gira "Oxygene". El primer concierto fue en el Liceu de Barcelona el 21 de abril, continuando en el Palacio de Congresos de Madrid el 22 de abril, en el Auditorio de Valladolid el 23 y finalmente en Salamanca el 29 de abril.

Actualmente Jarre está realizando una nueva gira que denomina mundial (World Arena Tour) llamada In Doors que comenzó el 4 de Mayo de 2009 en el pabellón Fonix Csarnok de la localidad húngara de Debrecen acompañado de nuevo por Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samard. Esta gira durará un año aunque por ahora solo se han confirmado fechas para el mes de Mayo en algunos paises de Europa. Esta gira incluye algunos temas de la gira Oxygene del año anterior más una recopilación de grandes éxitos interpretados en directo contando con una gran variedad de efectos láser y luminotécnicos.
























Discografía

* Deserted Palace (1972)
* Les Granges Brulées (1973)
* Oxygene (Oxigeno para Latinoamérica) (1976 para Francia, 1977 para el resto del mundo)
* Equinoxe (Equinoxio en LA) (1978)
* Les Chants magnétiques (Magnetic Fields o Campos Magnéticos para EE.UU. y LA respectivamente) (1981)
* Musique pour supermarché (Music for Supermarkets) (1983, sólo se produjo una copia y fue subastada)
* Zoolook (1984)
* Rendez-Vous (1986)
* Revolutions (1988)
* En attendant Cousteau (Waiting for Cousteau) (1990)
* Images (1991, re-edición 1997, compilación con 3 temas nuevos)
* Chronologie (1993)
* Jarremix (1995)
* Oxygène 7-13 (Oxigeno 7-13 para Latinoamérica) (1997)
* Metamorphoses (2000)
* Sessions 2000 (2002)
* Geometry of love (2003)
* Aero (2004, compilación con 4 temas nuevos. CD y DVD 5.1)
* Le Printemps de Bourges (2006, concierto sólo con temas inéditos)
* Téo & Téa (2007, CD y DVD 5.1)
* Oxygene: Live in your Living Room (2007, CD remasterizado y DVD 5.1 con versión en vivo)

Conciertos editados

* The Concerts in China (Originalmente Les Concerts En Chine) (1982)
* In Concert - Houston-Lyon (1987, 1997 sustituido por Cities In Concert - Houston-Lyon)
* Live (1989, 1997 renombrado Destination Docklands 'The London Concert')
* Hong-Kong (1994, versión doble y de un disco)
* Oxygene Moscow (1997, Live in Moscow, DVD, celebración del 850 aniversario de la fundación de la ciudad de Moscú.)
* Jarre in China - Live in Beijing (2004, disco junto al DVD con el concierto)
* Live from Gdansk - Solidarnosc Live (2005, disco vendido en Polonia; también viene en la Collectors Edition del DVD con el concierto)
* Le Printemps de Bourges (2006, concierto inédito vendido a través de Internet)

Singles

* La Cage / Eros Machine (1971, sólo single de 7")
* Aerology - Neimo Remix (2004)
* Téo & Téa Single (2007)
* Vintage (2007)

Compilaciones

* Musik aus Zeit und Raum (1983)
* The Essential Jean Michel Jarre (1983)
* The Essential 1976-1986 (1985, misma música que en The Essential Jean Michel Jarre)
* Images – The Best Of Jean Michel Jarre (Versión internacional con 17 temas, 3 nuevos) (1991)
* Images – The Best Of Jean Michel Jarre (Versión británica con 20 temas, 3 nuevos) (1991)
* The Essential 2004 (2004)
* Aero (Compilación en CD y DVD 5.1, 4 temas nuevos) (2004)
* Sublime Mix (Edición promocional especial limitada para Jaguar France) (2006)

Otros

* Les Années Laser (The Laser Years) (1989, caja de 9 CD conteniendo en exclusiva Cities In Concert Houston-Lyon)
* L'Intégrale (1992, caja de 10 CD)
* Rarities (1994, recopilatorio de la música de Jarre antes de Oxygene)
* Jarremix (1995)
* Odyssey Through O2 (1998)
* Rarities 2 (2001)
* Rarities 3 (2001)
* The Symphonic Jean Michel Jarre (2006)

martes, 25 de agosto de 2009

TREMOR, UNA RAMA DIFERENTE DEL ARBOL FOLKLORICO



“Hay mil folklores válidos”

Leonardo Martinelli, Camilo Carabajal y Gerardo Farez le ponen el cuerpo a un proyecto que nació como la experimentación del primero, pero sumó una dinámica de grupo para darle forma a un proyecto atípico, tan atractivo como lo que suena en Viajante.

Por Cristian Vitale

Tremor significa temblor. Más específicamente, un temblor involuntario que los médicos definen como una especie de desorden neurológico esencial. Es rítmico, genético y puede atacar cualquier parte del cuerpo, de la cabeza a los pies. A Leonardo Martinelli –músico de variado bagaje– le pareció la definición más apropiada para nombrar a su banda que, junto a Doña María y Gaby Kerpel, le pondrá sal gruesa al Limbo Fest el jueves 3 de septiembre, en Ultra Bar. “Me encantaba esa cosa del ritmo orgánico, del ritmo en el cuerpo como algo involuntario”, cristaliza él. Se refiere a Landing (Aterrizaje), disco debut que mezcla ruidos de monedas, cuchillos e impresoras como patrón rítmico, pero también a Defecto Primario –el segundo–, un inaudito compendio musical en el que flautas traversas, clarinetes, pianos y violines se ponen al servicio de objetos domésticos, y dan una música difícil de absorber a primer trago. Sigue Leo: “Los discos de Tremor tienen una cosa de collage. Hasta lo que es ejecutado está como trozado y vuelto a rearmar. Algo que tiene que ver con la identidad del grupo, más allá de los elementos folklóricos, es ese crossover de distintos elementos que pasan por una especie de multiprocesadora... digo, también podría haber un Tremor Celta”.

Ambos, Landing y Defecto Primario, fueron cosa suya. Después, Leo sumó a un Carabajal segunda generación –Camilo– en bombo legüero, a Gerardo Farez en sintetizador y redobló, con ellos, la pata folklórica. Viajante, de edición reciente, incorpora huaynos hipnóticos, carnavalitos en trance y ritmos andinos de ensueño a lo esencial, y ubica al grupo entre lo más jugado del neofolklore argentino. “Es muy interesante la relectura de la identidad desde el hoy, pero no como una cosa fija. Yo crecí en Once, en un décimo piso, y me acomplejaba a veces esto de tocar folklore... digamos, como porteño. Pero los viajes me hicieron ver que hay miles de folklores en cada región que tienen que ver con climas, idiosincrasias e historias, y que todos son válidos. Yo siempre aclaro que no hacemos folklore, pero sí jugamos con elementos del género y tratamos de usarlos de una forma diferente. Es la verdadera búsqueda del proyecto”, especifica Martinelli.

–¿Siguen siendo un grupo experimental?

Leonardo Martinelli: –Bueno, es una palabra que mete miedo, pero en todo lo que hacemos hay un porcentaje de experimentación, aunque no desde lo snob como para que la gente diga “mirá qué loco lo que hicieron” escuchando tres minutos de ruido de una aspiradora (risas). Los elementos que tienen que ver con la experimentación, en Tremor, forman parte de la música.

–¿La impresora también?

L. M.: –Sí, porque en el tema hace un ritmo, e incluso va con bombo legüero. Hay una intención experimental, pero no es el eje: lo más importante, siempre es la música.

–Lo que sí prevalece, mirado desde afuera, es la idea de riesgo como parte central de la identidad del grupo. ¿Acuerda?

L. M.: –Sí, vivimos en un estado de excitación constante, pese a que hace tres años que tocamos juntos. Antes de hacer un tema me interesa no saber el resultado. No entiendo a esa gente que dice “yo toco blues” antes de empezar. Para mí es al revés: mata no saber qué va a pasar. Eso nos genera adrenalina..., el día que eso desaparezca lo dejaremos de hacer. No me gusta hacer lo mismo una y otra vez.

Farez y Carabajal –hijo mayor de Cuti– no contradicen nada. Ambos le siguen el dribbling al creador y se miran. Hablan poco y, como Leo, son bateristas. Camilo, el histriónico bombisto de Semilla, fue el primero en integrarse. “Lo vi en una nota en Canal a y anoté su página web. Me metí, escuché lo que hacía y le mandé un mail al toque. Me respondió, vino a zapar a la peña eléctrica y enganchamos.” Farez, baterista de la banda de Iván Noble, se incorporó a los pocos meses. Y los cambios se notaron de inmediato: los aportes de Camilo y Gerardo transformaron lo ambiental y tímbrico de los discos iniciales en las melodías concretas y la potencia instrumental que muestra Viajante. “Igual, creo que ya superamos esa instancia. Hoy por hoy, la banda es mucho más fuerte que lo que revela el disco”, aclara Martinelli. Tercia Farez: “El proyecto se basa en la regeneración de cosas nuevas. Los temas viejos son rehechos por emociones nuevas, o más hipnóticas. Los temas se reciclan”.

–Hay una movida emergente de neofolklore que está teniendo una gran popularidad: Arbolito, Semilla, Imperio Diablo... ¿Ustedes se sienten parte del centro o, más bien, se paran en los márgenes?

L. M.: –Voy a tratar de moderarme (risas). La verdad es que pertenecemos a los márgenes, pero no lo padecemos para nada, porque para salir de esos márgenes tenés que hacer una serie de concesiones artísticas que no nos interesa hacer. Si para llegar a otra cosa tengo que ponerme a cantar tal clásico, no me interesa. Ultimamente veo que hay propuestas que están creciendo en lo folklórico, pero las veo con cierto escepticismo, con dudas. Nosotros no estamos tratando de ganar plata con esto. Tenemos un grupito de gente que nos viene a ver siempre, y le pone unos huevos bárbaros..., son como agitadores profesionales (risas) y con eso nos alcanza. Es una onda de bajo egocentrismo. Es cierto que uno hace música con la idea de conectarse, si no sería como hablar solo, pero no a cualquier precio. Nos interesa conectar con gente a la que le interese vibrar por el mismo lugar, ¿no? Digo, es cierto que está lleno de propuestas, pero nosotros no pulseamos.

RO VITALE: "Compongo compulsivamente"


Aclara que no es la hija de Lito, sino del músico Marcelo Vitale. Debutó a los 4 años y, a los 31, va por su segundo disco.

Por: Sandra Commisso

"Prefiero estar con vos", nuevo video del segundo disco de Ro Vitale, "Etnica".

Su debut musical fue a los cuatro años, no recuerda en qué escenario de Paraguay. La banda que tocaba esa noche era Los Bárbaros, de la que su papá, Marcelo, formaba parte. "Yo hacía dadadá, algo así. Pero me encantaba, era divertido", cuenta Ro Vitale, cantante. Acostumbrada a aclarar que no es la hija de Lito (ni tiene algún parentesco con él), agrega: "Al que le molesta es a mi papá, que también es músico".

Desde entonces, Ro (su nombre, Romina, comprimido, pasó del ámbito familiar a ser su marca artística) asegura que siente la música como algo natural. "Me acuerdo que mi viejo me despertaba en medio de la noche para que cantara con él en el escenario. Para mí era un poco traumático al principio, pero después me enganchaba y me quedaba jugando en el escenario". Ro dice que empezó a cantar antes de hablar: "Mi mamá me cuenta que cuando yo era bebé, ella se comunicaba conmigo cantando".

A los 31 años, acaba de editar su segundo disco, Etnica, con composiciones propias. "Soy un poco obsesiva y acaparadora, quiero hacer todo yo. Me gusta estar presente en todo el proceso artístico, lo disfruto muchísimo".

Con algunos estudios básicos de canto, armonía y piano, ya a los 15 años escribía sus propias canciones dedicadas a los noviecitos de turno, siempre con melodías ligadas al soul y al rythm & blues. "Después de una leve lesión en la voz, le empecé a prestar más atención a la técnica vocal", reconoce.

En 2002 salió su primer trabajo discográfico, con un sonido más hip hop. "Era algo muy urbano. Yo rapeaba, pero me di cuenta de que no me salía bien, así que ahora hago temas más simples, relacionados con lo cotidiano. Algunas son canciones minimalistas, como para cantar al oído".

Para este nuevo disco, se acercó a la música más ritual. "Me interesa todo lo que tiene que ver con la música como manifestación espiritual, me conmueve esa conexión entre el cuerpo y los dioses que puede suscitar un sonido. Así que me puse a investigar por ese lado y me di cuenta de que fue eligiendo arreglos con sonidos más bien étnicos para el disco. Y todo se fue mezclando", asegura. Sonidos como flautas vietnamitas, percusión hindú o cuerdas árabes, además de otros típicos latinoamericanos, aparecen fusionados en sus canciones.

"La marca personal se repite y se multiplica. Y tiene que ver con una búsqueda que nunca termina. Para mí, lo más importante es no ser una repetidora, es encontrar una identidad y conectar con las emociones. Me gusta ser un poco kamikaze en lo emocional para poder comunicarme mejor con el público".

Con su pelo larguísimo y su simpatía a flor de piel, Vitale muestra enseguida un costado gracioso que también forma parte de su estilo (y que quizás se traduce en cierta espontaneidad y audacia en lo musical). Su oído musical le permitió aprender desde muy chica el dialecto napolitano, heredado de su padre. Y lo repite con una naturalidad muy sorprendente.

"Compongo compulsivamente; tengo períodos de internación total donde hago una canción atrás de otra. Y después paro por un tiempo. Lo necesito para realimentarme de ideas y no convertirme en una ermitaña... Porque me gusta estar con gente, soy un poco payasa y necesito la respuesta de los demás", dice, verborrágica.

Cuenta que ahora vive con cinco gatos. "Me encantan los animales y trabajo para la asociación Ojo Avisor, que defiende los derechos de los animales. He rescatado a muchos de la calle". Y agrega: "Y a algún que otro humano también".

Aretha Franklin, Whitney Houston, Lauren Hill, Alicia Keys y todas las grandes divas del soul son fuente de inspiración para ella: "También tuve mi momento heavy y mi enganche con la música indígena". Y se queja de que aún hoy hay bastante machismo en el ambiente musical más rockero: "Les cuesta ver a una mujer productora, es difícil hacerse un lugar. Pero yo lo aprovecho como un desafío".

ANDRES CALAMARO_FRASES...



" La honestidad no es una virtud, es una obligación "
  • "Grande el salmón, que navega contra corriente para vivir"
  • "La honestidad no es una virtud, es una obligación"
  • "La música es de aquellos que la quieren escuchar y de nadie más"
  • "Las canciones tienen que dar la sensación de poder detener el tiempo."
  • "Lo mio es querer matarme y matar,esa es mi sensación, en el fondo de la botella solo pienso en llevarme unos cuantos conmigo"
    • Entrevista Ratones Coloraos, 2008
  • "Más importante que vender discos, es un repertorio que pueda vender siempre"
    • Entrevista Mtv 1999
  • " No solo lo volvería a decir, me la volvería a fumar"
  • "Todos los músicos que componemos nuestras propias canciones conocemos la desesperación"
  • "Qué pena recordar a la sirena cada vez que pasan los bomberos, la poli o la ambulancia"
  • "Un compacto se vende al 2000 por ciento de su valor: ¿eso es música o narcotráfico?"
  • "Uno puede mentir y la canción sigue diciendo la verdad"
  • "En realidad, mejor morir de pie que vivir de rodillas es una frase de bastante mal gusto, pensando en los inválidos"
  • "El pueblo me conoce y no por verme en la tele"
    • (en una emisiòn radial del programa de Mario Pergolini en Rock and Pop)
  • "La vida es luces y sombras, y a todos nos va a llegar la hora de enfrentar dificultades y el dolor ajeno."
    • (A Pergolini)
  • "Paso yo directamente del amor al odio, pero muy de vez en cuando"
    • Entrevista Mtv 1999
  • "Para mi el pasado no existe, es cruel"
    • Entrevista Mtv 1999
  • "Por egoismo, pensé: si alguien tiene que abrir para Dylan, que sea yo"
    • Entrevista Mtv 1999
  • "Si lo hubiera hecho por dinero (refiriéndose a su hermano)...se lo hubiera perdonado"
  • "Si la soledad y la deriva, también fueron mis compañeras, también hicimos desastres juntos"
    • Entrevista Ratones Coloraos, 2008
  • "Si tuviera que elegir un día para morir y volver a nacer, sería este"
    • (29 de octubre de 2008, Rakiura Resort Day, concierto en Paraguay)
  • "Soy yo músico por insistencia, osea, hace poco me enteré que el talento no existe en la música"
    • Entrevista Mtv 1999

Canciones

  • "La vida es una gran sala de espera, la otra es una caja de madera"

Diez años después" (con los Rodríguez)

  • "un poco de drogas y rock & roll y a seguir adelante con farmacia y con aguante porque me falta lo más importante"

Negrita, Honestidad Brutal.vol 2 (1999)

  • "Hay que ser hombre, para olvidar a una mujer si no hay otra igual" RH

Lorena, El salmón (2000)

  • "La vida es una cárcel con las puertas abiertas"

Media Verónica, Alta Suciedad (1997)

  • "Voy siguiendo el ejemplo del salmón, sólo creo en mi propia dirección y en la verdad"

Mi bandera, El palacio de las flores (2006)

  • "Nada debería estar prohibido"

Aquí No Podemos Hacerlo, Palabras Mas, Palabras Menos (1995)

  • "Qué más quisiera que pasar la vida entera como estudiante el día de la primavera"

La Parte De Adelante, Honestidad Brutal CD1 (1999)

  • "Yo, que soñaba despierto, ya no sueño dormido"

El Día Mundial De La Mujer, Honestidad Brutal CD1 (1999)

  • "Quiero vivir dos veces para poder olvidarte"

Paloma, Honestidad Brutal CD1 (1999)

  • "Miguel Ángel Peralta ya son diez años de alta en este hospital..."

Con Abuelo, Honestidad Brutal CD1 (1999)

  • "Qué finita es la frontera entre la angustia y la felicidad"

Me cago en todo, El salmón (2000)

  • "Aunque casi te confieso que también he sido un perro compañero, un perro ideal que aprendió a ladrar y a volver al hogar para poder comer."

Flaca, Alta suciedad (1997)

  • "No estoy solo, de verdad. Me acompaña mi propia soledad.."

"Mi funeral 11, El salmón"

  • "Nos hacen sentir como putos amos del rock n roll".
En el concierto "2 son multitud" en Barcelona.
  • "Que mezcla de orgullo y de miedo, ser el dedo que toca, el que te besa en la boca"

"De orgullo y de miedo, La Lengua Popular"

  • "Porque el amor te espera en la esquina, y el dolor te espera en cualquier lado, ya no quiero mi aliento oxidado, solo para mí".

"No se olvidar, El Salmón".

  • "Nada que ver, no habrá flores en la tumba del pasado"

Media Verónica, Honestidad Brutal

  • "Hay días para quedarse a mirar, hay días en que hay poco para ver"

Mi gin tonic, La lengua popular

  • "Cuantas veces me dijeron que no a mi, y sobrevivi"

Ok perdón, El Salmón

  • "Ahora que soy grande me habré dado cuenta que no todo es tan beno"

Vigilante medio argentino

  • "La culpa es un invento muy poco generoso, y el tiempo tremendo invento sabandija"

Las oportunidades, El Cantante (2004)

  • "Las dos eran demasiado, pero una no era poca"

Victoria y soledad, Honestidad brutal

  • "Soy todo corazón y eso me hace mal"

Socio de la soledad, Honestidad Brutal

  • "Mejor será sacarme de costado ese puñal que quema todo el tiempo y que la sangre limpie lo que pueda"

Gaviotas, El Salmón

  • "Esta vez no se si gane o perdi, pero sufri y también fui feliz"

Socio de la soledad, Honestidad Brutal

  • "Maradona no es una persona cualquiera, es un hombre pegado a una pelota de cuero"

Maradona, Honestidad Brutal

  • "La moneda cayó por el lado de la soledad y el dolor"
  • "¿Sentiste alguna vez lo que es tener el corazón roto?"
  • "Todo lo que termina, termina mal y sino termina, se contamina más"

Crímenes perfectos

  • "No voy a tomar la ruta de los sacrificios; prefiero el vicio, la música y el amor."

Días distintos,El Salmón

  • "...un idioma que los enamorados conocemos de tanto recordar"

Por mirarte

  • "Le dije a mi corazón, sin gloria pero sin pena no cometas el crimen varón, si no vas a cumplir la condena"

Paloma, Honestidad Brutal CD1 (1999)

  • "Si me olvido de vivir colgado de sentimientos voy a vivir para repetir otra vez este momento"

Paloma

  • "Quiero que me comprendan y que me dejen vivir a mi modo pero parece malo no respetar los horarios esclavos"

Horarios Esclavos, El Salmón

  • "Alguna vez pedí perdón mil veces pero tengo mil más y respiro sin mirarte en el aire"

Chicas, El Salmón

  • "Como vivir no se estudia en la escuela ni hay facultad para saber la verdad"

Revolución Turra, El Salmón

  • "Serias dificultades para aquel que pasó la curva de los 18"

"Revolución Turra", El Salmón.

  • "Dicen que sufrir es necesario pero yo no veo la necesidad de sufrir"

Revolución Turra, El Salmón

  • "¿Qué tiene de malo meterse una raya de coca? Que es poca!"

Problemas, El Salmón

lunes, 24 de agosto de 2009

ANDRES CALAMARO_nació en Buenos Aires el 22 de agosto de 1961

















Andrés Calamaro Masel (Buenos Aires, 22 de agosto de 1961) es un músico, compositor, intérprete y productor argentino. Es considerado uno de los más grandes artistas del rock Argentino. Durante toda su carrera ha pertenecido a bandas de gran importancia como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez. Artísta prolífico que ha compuesto varias de las canciones más importantes del rock en español.

Comienzos

Cuando Calamaro cumplió 8 años pidió de regalo un bandoneón, y más tarde un tambor, después de golpear los parches en casa de unos vecinos en el casco antiguo de Buenos Aires en el barrio antiguo de Once. A los 10 años, componía su primera canción "La chica del paraguas" y a los 13 y ya pasado el tiempo, se fue volcando a la guitarra eléctrica y al piano, el instrumento donde muestra mayor fluidez y versatilidad después de aprender a tocarlo junto a su maestro Oswaldo Calo.

Años después, pescando tiburones en Uruguay, Calamaro escuchó su primera oferta de trabajo, un grupo musical, que ya en sus horas bajas necesitaba un reemplazo en los teclados, y fue entonces cuando Calamaro salió a las carreteras por primera vez. Tejió su futuro propio, y fue a una audición para entrar en el grupo Raíces, al que fue recomendado por el mismo Sergio Makaroff, y entre los gritos del Mundial de fútbol, los tambores del candombé y luego de incluso haber actuado en un corto cinematográfico, dio sus primeros pasos en el Latin Jazz y fue detenido por la policía de la dictadura. Calamaro debutó oficialmente como músico con el disco de éste grupo: B.O.V. Dombe en el año de 1978, junto a ellos adquirió experiencia en vivo y una sencilla pero importante presencia en la escena rockera de aquellos tiempos, donde conseguiría relacionarse con personajes influyentes con los que compartiría éxito y talento posteriormente.

Durante su juventud y habiendo tenido ya experiencia como tecladista, cursó durante poco tiempo su carrera en Derecho para finalmente dedicarse de lleno a la música. Probó suerte con la "Chorizo Colorado Blues Band" que formó con su amigo Augusto "Gringui" Herrera siguiendo después con una agrupación que seguía la linea de The Platters, inclinado un poco por el rock, para así definirse de nuevo junto a Gringui en lo que sería su proyecto "Elmer's Band" al que se sumaba Eduardo Cano (Posterior Bajista de Los Twist).

Tocó como músico de sesión para artistas muy variados como los hermanos Makaroff y Julián Petrina, perteneció a la banda progresiva llamada "Trigénimo" e hizo presencia incluso con integrantes de una secta religiosa, y allá donde pudiera sentarse a hacer sonar un teclado. Poco a poco, el joven Andrés se formó íntegramente en un ámbito social muy artístico y fue estructurando su gran personalidad y apertura musical. Héctor Zeta Bosio lo invitó a unirse a una banda local llamada The Morgan, que se transformó posteriormente en Proyecto Erekto cuando se sumó a ellos Gustavo Cerati y que, finalmente, se convertiría tiempo después en lo que se conocería como Soda Stereo, ya sin la presencia de Calamaro, en pleno inicio de la década de los ochenta.

Sin embargo, y gracias a la ayuda de su amigo Alejandro Lerner y de Pipo Lernoud, quienes lo recomendaron como teclista, en los primeros meses del año 1981, Calamaro recibió la llamada que cambiaría su destino: era Miguel Abuelo recién llegado de la isla de Ibiza.

























Los Abuelos de la Nada y Carrera Solista

Con Miguel Abuelo, se formaría la nueva alineación de Los Abuelos de la Nada, en la cual encontró su lugar, tan deseado, en el olimpo criollo del rock argentino; eran los primeros años ochenta. Los Abuelos era un combinado de poesía, funky, carretera y armonías, formado por seis músicos de curtido talento y personalidad, entre los cuales estaban el productor y bajista Cachorro López, el cantor de tangos y saxofonista Daniel Melingo, el gran guitarrista de La Máquina de Hacer Pájaros Gustavo Bazterrica, el baterista Polo Corbella y, desde luego, el gran pionero del rock argentino Miguel Abuelo. Mientras militaba en la banda de Miguel Abuelo, Calamaro tuvo la oportunidad de pertenecer a la banda soporte de Charly García, quien había producido ya a Los Abuelos de la Nada y se había fijado en ellos para sus presentaciones en vivo.

Miguel Abuelo consiguió la confianza suficiente para que Calamaro realizara sus propias canciones y las cantara, y fue así como en muy poco tiempo logró gran popularidad como compositor. En 1982 sale a la venta el primer disco de Los Abuelos de la Nada, con el cual despiertan toda la atención de la escena rockera de aquel tiempo por el sencillo "Sin gamulán" compuesto por Andrés y un año más tarde, sucedería lo mismo con el sencillo "Mil horas", de su disco 'Vasos y Besos'. Mientras tocaba con esta banda, participaría en la musicalización de la obra "Tango Salsa" de Roberto Granados, lo que lo impulsó a componer cada vez más temas propios, de los cuales algunos eran compartidos con su siempre amigo Augusto "Gringui" Herrera, con lo que para el año de 1984 y aún sin publicar el tercer álbum de estudio de Los Abuelos de la Nada, lanzaría su primer disco solista Hotel Calamaro producido por Charly García. Al mismo tiempo, abandonaría su acompañamiento en la banda soporte de García debido a sus compromisos con Los Abuelos de la Nada, aquel puesto no quedaría vacío por mucho tiempo pues en cuestión de días llegaría su reemplazo, el rosarino Fito Páez. En 1984 saldría a la venta el último disco de estudio firmado por Andrés Calamaro con Los Abuelos de la Nada, Himno de mi Corazón, que fue al igual que los anteriores un éxito rotundo.

Durante estos años Andrés formaría la "Ray Milland Band", agrupación formada por él junto a Daniel Melingo, Pipo Cipolatti (con quien ya había tenido experiencias musicales en una fortuita banda llamada Los Almirantes), Miguel Zavaleta, Camilo Iezzi, Charly García, Pedro Aznar, entre otros, cuando fue grabado el primer disco de Los Twist, La dicha en movimiento en el que Andrés estaba participando como teclista invitado. Cabe destacar que junto a sus amigos más cercanos Andrés solía, en sus domésticos estudios de grabación, formar bandas de incluso un solo día de duración como la poco conocida "Zoilo Goes to Rancho" que formaría también con Melingo y Cipolatti.

En 1985 graba junto a Los Abuelos de la Nada, un material En Vivo que supuso el fin de su carrera junto a esta banda. Aún con el eterno liderazgo de Miguel Abuelo, esta agrupación nunca volvería a ser la misma, pues sin Calamaro el público disminuyó completamente. Un poco después y ya desligado de su anterior banda, Calamaro publica un disco algo más personal, experimental, titulado Vida cruel, en 1985, para el disco se reunió una banda llena de talento con nombres importantes de la escena argentina, además de participaciónes muy importantes. Richard Coleman, Luis Alberto Spinetta y Charly García fueron algunos, pero el éxito que Calamaro había conseguido en Los Abuelos no regresó.

























Inicia entonces su trabajo como productor de bandas como Los Fabulosos Cadillacs y Enanitos Verdes, además durante esta época participó como bajista y teclista invitado de Luis Alberto Spinetta, en su disco "Privé", y regaló algunas de sus canciones a artistas de la talla de Nito Mestre, Monica Posse y María Rosa Yorio, que las grabarían en sus discos.

Conduciendo su propio programa de radio ("Bienvenidos al Hotel"), conoce a Ariel Rot y conforman una sociedad musical para grabar, entonces, dos discos solitarios de Calamaro y salir a las carreteras de Argentina. Esta vez se desinteresan por seguir los cánones musicales de la época y se dedican a su pasión: el rock and roll. Junto con grandes músicos y en colaboración estrecha con algunas personalidades salen a la venta en 1988 y 1989 respectivamente los discos "Por mirarte" y "Nadie sale vivo de aquí" con los que Calamaro demuestra su independencia y madurez musical, llenos de grandes cosas tanto musical como líricamente, aunque el éxito era mínimo apenas con algunos sencillos como "Cartas sin marcar". De nuevo Calamaro salía con su banda, a realizar una gira, y es del material de uno de sus conciertos que saldría entonces en 1994 un disco titulado "Live in Ayacucho '88".Por aquellos días sería productor una vez más, en aquella ocasión, de la banda chilena UPA.

Cabe resaltar que su álbum Nadie sale vivo de aquí recibió exelentes críticas por parte de la prensa especializada, tanto que fue escogido como el mejor disco de aquel año (1989). En el año 2007 sería ubicado en el puesto 60 por 180 músicos y periodistas musicales en lo que serían Los 100 mejores álbumes del rock argentino según Rolling Stone.,[1] un puesto más arriba que el aclamado trabajo en conjunto de Spinetta/Fito Páez titulado "La La La". Lo que no llegaba era el reconocimiento masivo y económico.

Calamaro y Rot deciden entonces intentarlo en España en 1990 y refundarse como Los Rodríguez, con el recordado Julián Infante, el igualmente querido Guillermo Martín, y un baterista llamado Germán Vilella, pues la situación en Argentina no era nada favorable.

España: Los Rodríguez

























En la primavera de 1990 decidió partir a España, donde se juntó con Ariel Rot y Julián Infante, dos integrantes del grupo Tequila, para llevar a cabo un nuevo proyecto musical bautizado como Los Rodríguez, palabra que tenía un significado español que lo sorprendía (se llama rodríguez al hombre que sigue trabajando mientras la mujer se va de vacaciones con los hijos, esto le da libertad para hacer cosas que no puede el resto del año). Luego de varios años como solista, Calamaro volvía a formar una banda que terminaba su formación con Germán Villela en batería y Daniel Zamora en el bajo. La banda editó tres álbumes en estudio (Buena suerte, Sin documentos y Palabras más, palabras menos) y uno en directo (Disco pirata). Cabe resaltar que la imagen del grupo era muy sólida, pero Calamaro siempre llevó la batuta de lo que fue el éxito de Los Rodríguez, pues durante la primera década de los noventa logró fortalecer su historia musical como gran exponente del rock argentino y elevarse como un letrista y músico exquisito junto a esta banda, que finalmente fue la que le dio su merecido puesto en las grandes ligas del rock en nuestro idioma.

Buena suerte (1991) tuvo mucho éxito en Buenos Aires. Este álbum contenía el tema "Mi enfermedad", considerado un clásico del rock que a su vez dio la apertura radial a Los Rodríguez en muchos países de Sudamérica. Luego de Buena suerte, llegó el segundo CD, Disco pirata donde se encontraban presentaciones en vivo, colaboraciones con Fito Páez e incluso un cover de Sui Generis de la canción “Mr. Jones”.

El tercer disco llamado Sin documentos sale a la venta en 1993 y junto a él vendrían dos de las canciones más importantes de la banda: "Dulce condena" y "Sin documentos", siendo la última una de las mejores piezas compuestas por Calamaro. La combinación de la melodía, la letra y la rítmica la hacen sencillamente espectacular.

El cuarto disco, Palabras más, palabras menos (1995), fue el mayor éxito de la banda. Los llevó en varias giras por España y Sudamérica y los colocó en la cima del rock en español, siempre buscando una nueva estética e incorporando sonidos distintos al rock como el flamenco y la rumba. Dentro de este disco se encontraba la canción "Mucho mejor", una de las más populares de la banda. Además también contenía otro compuesto por Joaquín Sabina y Calamaro, "Todavía una canción de amor". Entre otras se puede encontrar la canción "Para no olvidar", otro de los clásicos de la banda, una canción con estilo flamenco y letra bien calamarense. "La milonga del marinero y el capitán", "Aquí no podemos hacerlo" (con ritmo reggae) y "10 años después" son otras de las muy buenas canciones que hicieron de ese CD uno de los más importantes del rock español.

Andrés Calamaro no podía contener su capacidad creativa, y al mismo tiempo que tocaba con Los Rodríguez seguía componiendo. Es así como editó los dos volúmenes de la serie Grabaciones encontradas, que incluyen, tal como refleja su título, grabaciones encontradas en baúles, muebles de la casa de sus padres y temas en los cuales el músico es acompañado por personajes como Luca Prodan, vocalista de Sumo, o Daniel Melingo. La grabación con Luca Prodan, (La canción "Años" de Pablo Milanés) es considerada histórica en la Argentina.

Las canciones de estos dos volúmenes fueron compuestas durante 10 años, (1984-1994), y fueron desechadas alguna vez por Andrés. La experimentación ronda por los dos discos, en los cuales Andrés muestra su inquetud artística con producciones en distintos estilos, y tocando a la vez guitarras y pianos. Tres de las canciones más importantes y que han sido tocadas en vivo por Calamaro son: "Lou Bizarro", "No se puede Vivir del Amor" y "Buena Suerte y Hasta Luego".
























En este par de discos se guardaba casi una década de experimentaciones instrumentales que fortalecían más la imagen de un gran artista lleno de capacidad creativa. Estos saldrían a la venta en 1993 y 1996 respectivamente. Cabe resaltar también la participación que tendría Calamaro en la banda sonora de la película Caballos salvajes en 1995, haciéndose cargo de parte de la música, y dejando su marca personal con la canción "Algún lugar encontraré".

La actividad con Los Rodríguez continuaba a un ritmo feroz, pero los problemas se empezaban a notar. Hicieron Palabras más, palabras menos en 1995 y un año después la agrupación decidió separarse, habían diferencias artísticas notables entre Andrés y el resto del grupo, éste tenía el liderazgo compositivo de la banda y finalmente decidieron separarse. Se realizó una recopilación de sus mejores temas, algunos grabados en estudios y otros en vivo. Este álbum recopilatorio se denominó Hasta luego, disco que consolidó la banda en lo que a ventas se refiere y que los llevó a realizar una gira española junto a Joaquín Sabina. En 2002 un nuevo recopilatorio saldría a la venta, titulado Para no olvidar, en el que se encuentran algunos inéditos temas de la banda.

Su última polémica aparición aún estando con Los Rodríguez fue la que mantuvo con el argentino Charly García , con quien después de haber entablado amistad durante más de 15 años, formó una fuerte y latente pelea que los alejó, algunos dicen porque Charly García le quitó a Andrés a su esposa, otros que fue por cuestiones fundamentalmente artísticas.

























De nuevo en solitario

Ya en 1997, cuando la exitosa etapa junto a Los Rodríguez había concluido, Calamaro emprendió un nuevo proyecto que lo llevaría a Estados Unidos. En este país grabó, junto a músicos de sesión, los temas de su nuevo trabajo como solista, que se tituló Alta suciedad e incluía canciones como "Flaca", "Media Verónica", "Crímenes perfectos", o "Loco", cuya polémica letra expresaba: “Voy a salir a caminar solito, sentarme en un parque a fumar un porrito(...)”; . El disco superó las 500.000 copias vendidas en todo el mundo (el segundo disco más vendido del rock argentino justo después de El amor después del amor de Fito Páez que alcanzó las 750.000 copias vendidas) y llevó al músico a realizar gran cantidad de recitales, en los cuales compartió el escenario con músicos como en grande ,Fito Páez y Joaquín Sabina, entre otros. Este regreso post-Rodríguez fue perfecto y diez años después (2007) Alta suciedad sería ubicado en el décimo puesto por 180 músicos y periodistas musicales en lo que serían Los 100 mejores álbumes del rock argentino según Rolling Stone.

Durante la gira del disco en un recital en La Plata, Calamaro dijo en público: "Es una linda noche para fumar un porrito", lo que arrancaría para él una complicada acción judicial, que no terminaría hasta ser absuelto del cargo de preconización del consumo de drogas en abril del 2005. Justo después de este disco Calamaro lanzaría Las otras caras de alta suciedad Inéditos + rarezas + canciones donde se encontraban los lados B de la época de producción de Alta suciedad. Durante el año 1997 Calamaro participa en el EP de su antigua banda Raíces titulado Ey Bo Road en la canción “Candombe de las esquinas”.

Con su veloz ritmo de composición, en un lapso de seis meses, entre fines de 1998 y mediados de 1999, más de 100 canciones estaban listas para ser editadas, pero por problemas de espacio sólo se editaron 37 de ellas. Fue así como nació Honestidad brutal, hasta ese momento el disco más largo de la historia del rock argentino y, para algunos críticos, el mejor trabajo de Calamaro. El disco incluye grandes temas de diferentes estilos musicales, siendo un gran ejemplo de versatilidad musical y lírica de este artista. Es un disco que conforma a Calamaro en lo más alto de la escena musical y además, un disco complicado por la situación vital de excesos en que se veía rodeado. En la misma lista Rolling Stone, donde más de 150 músicos escogieron los 100 discos más importantes del rock argentino, Honestidad Brutal ocuparía el puesto 30.

En el año 1999 Andrés Calamaro fue el encargado de abrir los doce conciertos que Bob Dylan realizó durante su gira española llevada a cabo a la vez que la edición del doble álbum en directo The Bootleg Series, Vol. 4: Live 1966. The "Royal Albert Hall" Concert un aclamado disco que durante años fue producido de forma pirata grabado durante su gira de 1966. Un espectáculo acústico y acompañado por dos de sus músicos habituales: Guillermo Martín y Candy Caramelo, donde repasaba algunos éxitos de los Rodríguez, y de su carrera en solitario. No cobró nada y colaboró así con una de sus máximas inspiraciones musicales.

El año 2000, después de hacer una selección de 300 temas, de 500 que graba, el artista viajó a España con sus músicos (Ciro Fogliata, Guillermo Martín, Candy Caramelo, Gringui Herrera, el "Niño Bruno" y el guitarrista Coti Sorokin) y grabó las 103 canciones que fueron presentadas en El salmón, un álbum histórico para la industria musical por contener cinco CD.

Los temas del Salmón tratan del amor perdido y de la vida contracorriente. Todo el álbum transpira una agria melancolía. Muchas canciones tienen un tono de despedida. Incluso en "Tuyo siempre" parece anunciar su retirada temporal de los escenarios. Curiosamente, ya avisa de su futuro regreso en ¿Nos volveremos a ver?. Al disco fue casi imposible hacerle una crítica, ya que era demasiado largo y complejo. Pocos se atrevieron, gracias a ese trabajo se ganó el apodo de "El salmón", como es apodado hoy en día. Aunque el disco es arriesgado y no compromete tanto la visión musical que venía de Honestidad brutal, sí es un trabajo lleno de mucho texto, líricas y madurez.

2004 - 2009

El músico pasó cuatro años sin editar material alguno. El vacío comercial se llenó con participaciones esporádicas, que incluyeron hits como “Para siempre” junto a Los Ratones Paranoicos. A partir de su trabajo en El salmón, Calamaro se manifestó a favor de la libre circulación de canciones por la red. "La música es de los que la quieren escuchar y de nadie más", afirmaba hasta el hartazgo el compositor. Es así como en un lapso de tres años y rodeado de excesos llegó a componer centenares de canciones, las cuales aunque muy sencillas representaban la calidad lírica e inteligencia musical inmediata del artista. Poco a poco estas canciones se fueron conociendo, aunque de ellas solo salieron a la luz pública no más de 50.
























Para apoyar con la acción esta filosofía comenzó a brindar a sus fanáticos con páginas en Internet el material que él producía en estudio doméstico. Estas canciones aparecieron primero en Deepcamboya, un sitio bautizado con el nombre del estudio en donde el artista pasa horas escribiendo canciones. Los materiales colgados en la red eran de baja calidad sonora, por lo cual un grupo de seguidores (Camisetas para todos) se encargó de remasterizar el material y, con el permiso de Calamaro, dejarlo disponible gratuitamente en Internet. Para asegurar la calidad total de sus grabaciones, Andrés Calamaro fundó Radio Salmón Vaticano, iniciando así una suerte de ciberestudio de grabación en su sitio web oficial. No obstante, su ausencia en las tiendas de discos se hacía cada vez más notoria.

Algunos de sus temas pertenecieron a la banda sonora de la película El delantal de Lili donde en la versatilidad instrumental se ve a un Calamaro con experiencia y creatividad. Cabe resaltar que durante toda su historia ha participado en algunas otras bandas sonoras y colaboraciones con decenas de artistas, que o bien son incontables y probablemente difíciles de organizar totalmente, o bien nunca salieron a la luz pública como él mismo afirmaría cuando confesó haber eliminado todas las canciones suyas que conformaban la banda sonora de la película "Vivir a los 17".

En febrero de 2004 editó el álbum El cantante, un disco de versiones de boleros y temas del cancionero latinoamericano. Además, Calamaro agrega tres temas que estuvieron de algún modo circulando por la web: “Estadio Azteca”, “La libertad” y “Las oportunidades”. Este disco fue producido por Javier Limón y grabado en su estudio. Además cuenta con la participación de músicos del calibre de Niño Josele y Jerry González.

Luego de idas y venidas entre Madrid y Buenos Aires, se reencuentra con sus viejos amigos de Bersuit Vergarabat y, tras acompañarlos en el cierre de su gira a finales de 2004, se unen a ensayar parte del repertorio de Calamaro, habían convencido al salmón de forjar su regreso.

En 2005, el cantante argentino regresa al escenario. El 11 de febrero se presenta, secundado por Bersuit Vergarabat, en el festival Siempre Rock, llevado a cabo en Cosquin, provincia de Córdoba. La emoción transmitida por el público obligó a que Calamaro se subiera de nuevo a un escenario, pero esta vez en Buenos Aires.

Los días 18, 19 y 20 de abril, Calamaro pisaba el estadio Luna Park. Lo acompañaron en esas noches músicos tales como Juanjo Domínguez (con quien interpretó los tangos "Como dos extraños" y "Por una cabeza"), Juanse (líder de Los Ratones Paranoicos, con el que rindió homenaje al fallecido Norberto Napolitano, Pappo, en las canciones "Desconfío" y "Tren de las 16"), Andrés Ciro Martínez (líder de Los Piojos, que aportó la armónica y su voz a canciones como "Alta suciedad") y, por último, su hermano Javier Calamaro, interpretó con el "No me nombres". El día 20, Gustavo Cordera reemplazó al ausente Juanjo Domínguez e interpretaron "Estadio Azteca", "Mi tierra" de Litto Nebbia y el clásico de Bersuit "Mi caramelo". Uno de estos conciertos se convirtió en el disco "El regreso"

























Como colaboraciones de esta época, Andrés Calamaro compartió escenario con Vicentico (en canciones como "Vasos vacíos", "El cantante" o "Algo contigo") y Kevin Johansen (interpretando a dúo el clásico de The Beatles "We Can Work It Out"). Además, cabe mencionar su participación en la vuelta de Los Gatos, poniendo su voz en las canciones "Solo se trata de vivir" y "Mi tierra".

El 17 de diciembre de 2005 Calamaro, por entonces sentimentalmente ligado a la actriz Julieta Cardinali, se presentó en el estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires ante más de 22.000 espectadores. Dicho concierto lleno de temas exitosos durante su carrera se convirtió en el DVD Made In Argentina. Ese mismo año se empezó a preparar un disco tributo al artista argentino.

El 22 de mayo de 2006 salió a la venta el disco Tinta roja, compuesto por diez tangos, producido por Javier Limón y que cuenta con la colaboración del guitarrista español El Niño Josele. En su gira, lo acompañarián el Niño Josele, que también lo hizo en la gira de El cantante, y el argentino Juanjo Domínguez. Andrés Calamaro triunfó en la entrega de los Premios Gardel, una ceremonia realizada en el teatro Gran Rex de Buenos Aires. Obtuvo el Gardel de Oro y tres distinciones por su disco El regreso. Además, consiguió el premio a la mejor interpretación del año por "Tuyo siempre", al mejor álbum de artista masculino de rock y al mejor diseño de portada, creado por Zona de Obras. Durante dicha ceremonia, Charly García arrojó un sombrero que llevaba puesto a las manos de Calamaro al final de su presentación, lo que abrió las puertas a una posible reconciliación de los músicos después de varios intentos fallidos durante 1998 y 1999.

Este mismo año, se lanzaría finalmente el tributo al artista, Calamaro querido! Cantando al salmón. El elenco de este disco homenaje, incluye a buena parte de los históricos del rock argentino como León Gieco, Litto Nebbia, Pedro Aznar, Fabiana Cantilo y Fito Páez, grupos como Los Fabulosos Cadillacs, Los Pericos y Los Auténticos Decadentes, y de otras latitudes Joaquín Sabina, Niña Pastori, Julieta Venegas, pasando por algunos nuevos talentos como el catalán Muchachito Bombo Infierno, dos personalidades que quedaron fuera por cuestiones de última organización fueron el argentino Gustavo Cerati y el español Alejandro Sanz.

Desde mayo de 2006, Calamaro se propuso premiar a los más nostálgicos realizando varios conciertos junto a su compañero Ariel Rot, entregando a ellos varias presentaciones (con llenos totales) e interpretando canciones de los Rodríguez, muy pocas veces escuchadas. Durante el año 2006 sale a la venta el disco El palacio de las flores, el cual graba junto a la banda soporte de Litto Nebia, "La Luz". La mayor parte del material es compuesto íntegramente por Andrés, sin embargo se ven colaboraciones del mismo Nebia y de Vicentico.

Durante el 2007 Andrés es reconocido como la personalidad del año en Argentina, en una ceremonia tributo en la cual se destacaron las presentaciones de Fito Páez (que interpretó la canción "Flaca") y a la cual asistió sin ningún problema el músico Charly García, y estuvieron también Fabiana Cantilo, Nito Mestre y Gustavo Cerati.

Durante el mes de enero de 2007, es padre por primera vez. Calamaro tiene a su primera hija junto con la actriz Julieta Cardinali el día nueve de ese mismo mes. La nena es llamada Charo.

En septiembre de este año sale a la venta "La lengua popular", el 11 de septiembre, quizás el disco más comercial del artista hasta la fecha. Esta producción transpira un nuevo aire en el músico, muestra de su situación sentimental y su condición de padre por primer vez.El primer sencillo del LP, "Cinco minutos más (minibar)" rompe de nuevo con el Calamaro al que estamos acostumbrados, con unos ritmos influenciados por Cachorro López, productor del disco. El segundo single elegido de este CD es “Carnaval de Brasil”. El disco vuelve a la sencillez de lo más popular del artista alejándose de la experimentación y la eclecticidad musical pero lleno de madurez y experiencia, dignas de un artista de larga trayectoria musical. Su gira del álbum La lengua popular empieza en Santiago de Chile el día 9 de diciembre de 2007 ante 10.000 espectadores. Posteriormente continuó en las ciudades de Córdoba y Buenos Aires, en esta última congregando a 60.000 espectadores en dos presentaciones en el Club Ciudad de Buenos Aires. . En este período sale a la venta el DVD "Dos son multitud" sacado de la gira que Andrés hizo con Fito y los Fitipaldis durante el 2007.























En el año 2008 “El Salmón” se reúne con su vieja banda Raíces, 30 años después de su primer producción, para lanzar un nuevo disco con versiones de aquel clásico “B.O.V. Dombe” como algunos temas nuevos, entre ellos se incluyen dos temas inéditos del repertorio que Calamaro grabaria después del salmon en su estudio casero. (De las dos orillas y mancada en la pampa). En marzo de ese año, Andrés Calamaro ganó por segunda vez el premio Carlos Gardel de oro, además de quedarse con otros cinco gardeles en los rubros: artista de rock, diseño de portada, canción del año, videoclip y álbum del año, todos por su disco La lengua popular.
Calamaro durante su actuación en la sala Razzmatazz de Barcelona en septiembre de 2008.

La gira de 'La Lengua Popular' continuó en varias ciudades de España y Argentina, sus primeras presentaciones en Colombia en Cali, Medellín y en el parque Simón Bolívar de Bogotá, dónde reunió 35.000 fanáticos que lo habían esperado toda la vida y que corearon los tangos como si llevaran sangre argentina, el Salmón retribuyó el afecto a sus raíces interpretando por única vez en la gira 'La Copa Rota', canción original del bolerista colombiano Alci Acosta y que se hiciera famosa con Los Rodríguez. Luego siguieron México Ecuador, donde el salmón brindó un espectaculo impresionante que conmovio a todos sus fans que lo habían esperado toda una vida y que colmaron todos los recintos donde se presentó. También se daría su vuelta a Perú y Paraguay (diez años después en ambos casos) luego de mucha espera, cerrando así los conciertos del 2008 en Asunción ante más de 20.000 espectadores en una sola función.

En enero del año 2009, y a raíz de la celebración de los 10 años de la revista "efe eme", Andrés Calamaro ofrecería el disco inédito "Nada se Pierde", cargado de temas desconocidos hasta la fecha. Entre las canciones incluídas figuran inéditos Post-Salmón (2000-2003), versiones de artistas como Bob Marley, Sumo, Moris, y Luis Alberto Spinetta (Con la canción "Bajan" todo un clásico del rock argentino), una grabación encontrada de la gira Honestidad Brutal interpretando la canción I can´t help falling in love...( famosa por Elvis Presley, Bob Dylan y UB40) y finalmente dos canciones en directo extraídas de su gira La Lengua Popular, los Tangos "Los mareados" y "Jugar con Fuego" (de su autoría). Las descargas del disco superarían las 41,000 y muchos de sus seguidores han calificado esta producción como el Volúmen 3 de sus grabaciones encontradas.

En la edición de 2009 de los Grammy Latinos, Calamaro fue reconocido con el premio a Mejor álbum rock vocal, por su disco "La lengua popular".

En medio de la gira, se daría a conocer el lanzamiento de la primera Antología del músico titulada "Andrés (Obras incompletas)". En ella se incluyen las mejores canciones de sus últimos 10 años de vida artística, una selección de versiones de otros músicos como también la grabación de 36 temas inéditos de la época post-salmón escogidos por el mismo Calamaro para la ocasión. El Box-Set se compone de 6 CD's (3 de éxitos y 3 inéditos y conciertos) y 2 DVD's.

Influencia

Su influencia con el paso del tiempo ha sido innegable. Ha compuesto decenas de hits con los que ha sido reconocido en el mundo musical, pero además de eso ha logrado trascendencia con discos que van de lo simple a lo complejo de manera versátil y coherente. Su estilo es ecléctico y en su música podemos encontrar rasgos de puro rock n' roll pasando por el folk, funk, tango, blues, jazz, reggae, bossa nova y hasta incluso hip-hop. Sus discursos y frases célebres le han dado státus de poeta, algo con lo que muchos no estan de acuerdo. Incluso, cultores radicales lo acusan de que lo suyo, no es en absoluto rock (algo similar acontece con Fito Páez, Nito Mestre, Litto Nebbia, Raúl Porchetto, Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré, Lito Vitale y Alejandro Lerner). Sin embargo es un artista totalmente flexible que en sus conciertos ha mezclado el más puro rock n' roll con diversos géneros.

Por otro lado está que de entre sus canciones más conocidas y que más veces toca en sus recitales, como es el caso de "Media Verónica", "Crímenes perfectos" o "Paloma", ninguna de ellas fue en su día sencillo comercial. Finalmente es considerado con algunos cuantos más, como unos de los mejores cantantes solistas del influyente rock argentino, y muchas bandas y cantautores tienen bajo sí mismos una influencia radical de Andrés Calamaro en su música.