tag:blogger.com,1999:blog-42236350934323596742024-03-13T01:47:46.081-03:00El Refugio de los MúsicosUn espacio para mantenerte al día con los últimos sucesos de la música en el mundoAnonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.comBlogger1790125tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-44987870880384149812014-03-12T20:48:00.001-03:002014-03-12T20:48:19.570-03:00HUGH LAURIE REGRESA A LA ARGENTINA PARA PRESENTAR SU ALBUM DIDN’T IT RAIN<div class="volantasuple">
</div>
<h2>
<span style="color: red;"><span style="font-size: x-large;"><span class="cespectaculos"> </span></span></span></h2>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-Rlu9-jfjWRk/UyDxBLMRGHI/AAAAAAAAO6g/IXSclZFp4ew/s1600/hugh-laurie-el-refugio-de-los-musicos8.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-Rlu9-jfjWRk/UyDxBLMRGHI/AAAAAAAAO6g/IXSclZFp4ew/s1600/hugh-laurie-el-refugio-de-los-musicos8.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hugh Laurie</td></tr>
</tbody></table>
<h2>
<span style="color: red;"><span style="font-size: x-large;"><span class="cespectaculos">“La música nos da un confort único”</span></span></span></h2>
<div class="intro">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>El actor de Dr. House ya estuvo en 2012 junto a su
banda, con la que explora páginas remotas del jazz y el blues rural.
Esta vez tocará en el Gran Rex, el sábado 15 y el domingo 16. “La gente
se dio cuenta de que nuestro amor por esta música es genuino”, asegura.</b></span></span></div>
<div class="botones">
<br /><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-dZGLM2BcGao/UyDxAjeFSWI/AAAAAAAAO6Q/OcO76sEMGXU/s1600/Hugh-Laurie-el-refugio-de-los-musicos11.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-dZGLM2BcGao/UyDxAjeFSWI/AAAAAAAAO6Q/OcO76sEMGXU/s1600/Hugh-Laurie-el-refugio-de-los-musicos11.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hugh Laurie</td></tr>
</tbody></table>
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</div>
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<div class="autor">
Por Joaquín Vismara</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
Así
como existen los actores que anhelan el éxito y las mieles del
estrellato, están también aquellos que le huyen a la simple idea de
estar en el centro del ojo público. Hugh Laurie encaja en esta última
definición: el actor británico llevaba ya dos décadas de trabajo en su
país cuando decidió presentarse en Los Angeles al casting para el papel
protagónico de la serie dramática Dr. House. Su histrionismo y su humor
flemático fueron clave para el desarrollo del huraño Gregory House, un
médico con dosis iguales de brillantez en su profesión, antipatía social
y desprecio por casi toda condición humana. El éxito de la tira
sobrepasó las fronteras estadounidenses y le dio a Laurie una exposición
que no sólo no pudo manejar, sino que ni siquiera buscó. Acostumbrado a
una vida de perfil bajo en su Oxford natal, el actor tuvo que lidiar
con lo que para la industria son no más que los gajes del oficio en
California: paparazzi, las reacciones tan demostrativas como intrusivas
por parte de sus admiradores en la calle y la constante sensación de
sentirse observado. La situación llegó a su cenit cuando, para poder
pasar sus vacaciones en paz, Laurie comenzó a elegir destinos en los que
la serie no estuviera en circulación.</div>
Quizá por eso, poco antes de que Dr. House se despidiera de la
pantalla chica, Laurie llevó a cabo un plan con el que saldó una deuda
con sus inquietudes artísticas y que también redujo de manera
exponencial su exposición pública. Después de relegar su formación
musical a un segundo plano durante años, el actor grabó en 2011 su debut
discográfico, Let Them Talk. El álbum, un éxito tanto comercial como
con la crítica especializada, sorprendió por su contenido: lejos de
indagar en la música de su país, Laurie se adentró en las páginas más
remotas del jazz y el blues rural, secundado por The Copper Bottom Band,
un puñado de sesionistas con años de oficio, y con el apoyo de artistas
de la talla de Tom Jones, el pianista Dr. John, y arreglos del
compositor y productor Allen Touissaint, figura clave de la música de
Nueva Orleans. Lejos del oportunismo, el álbum permitió no sólo dar a
conocer la formación musical de Laurie tras años de estudiar piano y
guitarra, sino que además dejó ver que su trabajo no se quedaba sólo en
buenas intenciones.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-jTg5SSr-mQE/UyDxA7cBe_I/AAAAAAAAO6Y/I_KknP6XtXk/s1600/Hugh-Laurie-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-jTg5SSr-mQE/UyDxA7cBe_I/AAAAAAAAO6Y/I_KknP6XtXk/s1600/Hugh-Laurie-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hugh Laurie</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Let Them Talk le significó al músico y actor su primera gira
mundial, con la que pasó por Buenos Aires y Rosario en 2012, a pocos
meses del final de Dr. House. Su estadía porteña fue en algún modo el
punto de partida para la inspiración de su segundo disco, Didn’t It
Rain, en el que incluyó una interpretación de “Ring of Fire”, la versión
que Louis Armstrong hizo en inglés del tango “El choclo”. “Amo cada
nota que tocó Satchmo, es el mejor músico que haya existido jamás”, le
explicó el músico y actor a Página/12 por correo electrónico. “Cuando
estuve allí fui a ver tango y, cuando sonó esa canción, el recuerdo
volvió a mí de manera inmediata.”<br />
<br />
Lejos de alejarse de su predecesor, el álbum profundiza su búsqueda
por las raíces de la música estadounidense y contó con el aporte de Taj
Mahal, un guitarrista que redefinió al blues en más de cincuenta años de
trayectoria. El énfasis en su carrera musical llevó a Laurie a relegar
su trabajo como actor (su próxima aparición en la pantalla será a
mediados del 2015, junto a George Clooney, en el film de ciencia ficción
Tomorrowland), por lo que tiene con este álbum una excusa ideal para su
regreso a Buenos Aires, con dos shows en el Teatro Gran Rex el sábado
15 y el domingo 16.<br />
<br />
<strong>–Tanto Let Them Talk como Didn’t It Rain consisten en
versiones de viejos estándares de blues y jazz. ¿Cómo llegó a
profundizar en este tipo de música en su adolescencia en Inglaterra?</strong><br />
<br />
–No sé realmente cómo pasó. Simplemente escuché una canción en la
radio y supe al instante que ésa era la música adecuada para mí. Nunca
me interesé demasiado en la música pop porque jamás me sentí conectado
con ella de ninguna manera. De hecho, los únicos discos de ese género
que me gustaban eran de músicos que parecían estar pasando por lo mismo
que yo, como los Rolling Stones, Led Zeppelin y Steve Winwood.<br />
<br />
<strong>–Por lo general, cuando algunos actores decidieron comenzar
una carrera en la música, el público tendió a desconfiar de sus
propuestas, pero éste no fue su caso. ¿Por qué cree que ocurrió?</strong><br />
<br />
–Creo que mucha gente desconfió y no la culpo. Yo hubiera hecho lo
mismo y, a decir verdad, lo hago. Pero gradualmente pudimos ganar más
público cuando se dieron cuenta de que nuestro amor por esta música es
genuino y que hay músicos muy profesionales sobre el escenario, tan
buenos como los que escucharían en cualquier otro lado.<br />
<br />
<strong>–¿Cuál es la sensación más reconfortante que obtiene de la música que no consigue al actuar?</strong><br />
<br />
–Es algo muy difícil de poner en palabras y, al fin y al cabo, ¡para
eso se inventó la música en un principio! Creo que hay un confort que
todos encontramos en las canciones que no se puede hallar en ningún otro
lado. Mi propia teoría es que toda la música comienza con una madre
cantándole a su bebé y algunos de nosotros volvemos a ese estado
mientras escuchamos música.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-E0Alsp7Y9UQ/UyDxANTgYDI/AAAAAAAAO6M/S1FaF5808L8/s1600/Hugh-Laurie-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-E0Alsp7Y9UQ/UyDxANTgYDI/AAAAAAAAO6M/S1FaF5808L8/s1600/Hugh-Laurie-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Hugh Laurie</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<strong>–Hace tiempo declaró que solía ponerse muy tenso antes y después de los shows. ¿Pudo aprender a relajarse y disfrutarlo más?</strong><br />
<br />
–Creo que todos, no sólo yo, aprendimos a relajar un poco más, lo
cual es fantástico. Los primeros shows fueron muy “destrozanervios”,
pero ya tenemos más de un centenar de recitales encima. Aprendimos a
estar más seguros de lo que hacemos y, con suerte, a ser mejores en lo
nuestro.<br />
<br />
<strong>–A la par de su carrera actoral, en 1996 publicó el policial
El vendedor de armas, que se hizo conocido varios años después. ¿Tiene
pensado retomar su faceta como escritor?</strong><br />
<br />
–Estoy quince años demorado en la entrega de mi segunda novela...
¡así que más me vale que sea lo suficientemente buena! Hoy en día, la
música es mi prioridad número uno y quizá siempre lo haya sido, aunque
amo actuar y escribir historias también. Soy muy, muy afortunado al
tener la posibilidad de hacer cosas que amo tanto.<br />
<br />
<strong>–A dos años de su final, ¿cómo ve Dr. House a la distancia? ¿Aceptaría tomar un rol protagónico en otra serie?</strong><br />
<br />
–Estoy muy orgulloso de lo que hicimos con Dr. House y siento que
debería honrar esa labor al dejar pasar un tiempo prudente antes de
meterme de lleno en otra cosa; no quisiera aceptar hacer otro programa
de televisión sólo por querer hacerlo. Por otra parte, soy muy
consciente de que no habría tenido la increíble oportunidad de tocar con
tantos grandes músicos si no hubiera sido por mi carrera actoral.<br />
<br />
<br />
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-8251878665397681952014-03-01T19:20:00.000-03:002014-03-01T19:20:03.083-03:0025 de febrero de 2014 LA DESPEDIDA A PACO DE LUCIA, FIGURA IRREPETIBLE DE LA GUITARRA<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-NxBwIPvtajs/UxJaYUnkEuI/AAAAAAAAO40/xu7JLfSOHt8/s1600/PACO+DE+LUCIA+222222.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-NxBwIPvtajs/UxJaYUnkEuI/AAAAAAAAO40/xu7JLfSOHt8/s1600/PACO+DE+LUCIA+222222.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<h2>
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><span class="cespectaculos"></span></span></span></h2>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-4LlNNAK0MMc/UxJaZJGaT3I/AAAAAAAAO5E/JFgk6-EJln8/s1600/paco+de+lucia+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-YD1LHjBnY0s/UxJaXl355OI/AAAAAAAAO4s/PwXKJOQKahw/s1600/PACO+DE+LUCIA+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<b><span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><span class="cespectaculos">El músico que prefirió ser salvaje antes que intelectual</span></span></span></b><br />
<br />
<div class="nota">
<div class="intro">
<b><span style="font-size: large;"><span style="color: red;">Un infarto lo sorprendió en México, donde vivía la
mayor parte del año. Desde sus inicios con Sabicas, Francisco Sánchez
Gómez creció y produjo cruces memorables, dándole al flamenco una
dimensión que cautivó a públicos de todo el mundo.</span></span></b></div>
<div class="botones">
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</div>
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<div class="autor">
Por Diego Fischerman</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div class="autor">
Francisco Sánchez Gómez (Algeciras, Cádiz, España, 21 de diciembre de 1947 - Playa del Carmen, Quintana Roo, México, 25 de febrero de 2014),1 de nombre artístico Paco de Lucía, fue un compositor y guitarrista español de flamenco.<br />Recibió, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002) y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004). Fue Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music, distinción concedida en mayo de 2010.<br /><br />Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, grabó algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión del flamenco con el jazz y otros estilos musicales.</div>
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Paco_de_Luc%C3%ADa#cite_note-6"></a><div class="autor">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-4LlNNAK0MMc/UxJaZJGaT3I/AAAAAAAAO5E/JFgk6-EJln8/s1600/paco+de+lucia+1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-4LlNNAK0MMc/UxJaZJGaT3I/AAAAAAAAO5E/JFgk6-EJln8/s1600/paco+de+lucia+1.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
<br /></div>
<div class="margen0">
La
muerte nunca es recibida de buen grado. Y siempre es un poco sorpresiva.
Pero, a veces, mucho más. Paco de Lucía había estado en Buenos Aires en
noviembre pasado, después de dieciséis años de ausencia. Sus conciertos
en esta ciudad fueron magistrales. Paco de Lucía, apenas este martes,
estaba jugando con sus nietos en la playa de Tulum, donde vivía la mayor
parte del año. Un fuerte dolor en el pecho hizo que lo llevaran al
hospital Hospitem, en la ciudad de Playa del Carmen. Y falleció allí, en
la sala de urgencias. Un infarto acabó, a los 66 años, con el músico
que les había dado un nuevo estatuto a la guitarra y al flamenco. Con el
que se había animado a releer la tradición y con el que fue capaz de
juntarse con guitarristas de jazz para inventar otras músicas. O, en
realidad, a flamenquizarlos. A llevar a John McLaughlin y Al Di Meola a
su propio terreno para, desde allí, buscar algo nuevo. A aquel que,
siendo infiel al flamenco, volvió a crearlo.</div>
Rechazado por los fundamentalistas –que mucho más tarde aprendieron a
reconocerlo como uno de los suyos–, Paco de Lucía conoció como nadie
los mandatos del género, pero no se ciñó ni a las costumbres ni a los
moldes más rígidos de eso que se enseñaba de padres a hijos. Usó el
lenguaje en lugar de ser usado por él. Fue, más que un filologista, un
creador. Revolucionó una música caracterizada por su lealtad a viejos
arcanos. Y esa libertad fue la que, paradójicamente, le dio nueva vida
al flamenco. Y es que, más allá de las críticas de los puristas más
cerriles, no hubo música en la que ese género pudiera sentirse más a
gusto –y más soberano– que en la suya. Tanto cuando se movía en los
formatos más asimilables a la tradición –dos guitarras, una percusión–
como cuando integró grupos como su ejemplar sexteto, con el flautista y
saxofonista Jorge Pardo, Paco de Lucía siempre fue renovador y, al mismo
tiempo, flamenco en el lado más esencial y profundo de esa música. En
sus frenos repentinos y sus arranques furibundos. En el juego entre la
inmovilidad –y la tensión extrema– y la sensualidad.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-MG-_iq6L4yA/UxJaZL6uN2I/AAAAAAAAO5A/Vh00Y5rCf_k/s1600/PACO+DE+LUCIA+Y+CAMARON+DE+LA+ISLA.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-MG-_iq6L4yA/UxJaZL6uN2I/AAAAAAAAO5A/Vh00Y5rCf_k/s1600/PACO+DE+LUCIA+Y+CAMARON+DE+LA+ISLA.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía y Camarón de la Isla.</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
Hace casi treinta años, en 1986, en una entrevista realizada por
Diego Caballero y publicada por el periódico Puerta de Sevilla, el
guitarrista hablaba sobre la opinión que tenía Sabicas, uno de sus
grandes maestros, acerca de sus experiencias junto a músicos de otros
géneros. “Tú no los necesitas para ser grande”, había dicho su mentor.
“Es una opinión que respeto como si viniera de mi mismo padre, porque
ante Sabicas hay que quitarse el sombrero, pero no deja de ser una
opinión”, decía De Lucía. “Los flamencos no sabemos de acordes, ni hemos
dispuesto de la capacidad de ir a la escuela para aprender música. Y es
que el flamenco está en un momento especial, que necesita aportaciones
de todos lados para que aprendamos también de lo que no es usual en
nuestra música. A mí sí me han servido estas uniones. La guitarra está
cambiando y yo tengo una obligación con la gente que me sigue, de abrir
nuevos campos.”<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-DmDIcSjOh6s/UxJaY_MqqNI/AAAAAAAAO44/KyKv7Nopsdw/s1600/PACO+DE+LUCIA+2222222.JPG" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-DmDIcSjOh6s/UxJaY_MqqNI/AAAAAAAAO44/KyKv7Nopsdw/s1600/PACO+DE+LUCIA+2222222.JPG" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
Allí también decía que “en cualquier sitio es más fácil tocar que en
Sevilla. Hay mucha gente que sabe de verdad y oyen de otra manera. Aquí
se fijan en si tienes aire o no, si eres flamenco en definitiva, pero
por otras partes no, allí te oyen tocar como músico, que es precisamente
donde me siento más relajado y con menos miedo. En Sevilla estás
pensando en tocar cosas más sencillitas y flamencas, por ahí tienes más
libertad. Y también pasa, hay que decirlo, que en Sevilla hay críticos
de flamenco que no tienen ni puta idea de lo que es el flamenco. Los que
saben de flamenco son los gitanos, pero los gitanos no escriben en los
diarios. El tema de la renovación musical implica, por una parte, ceder
algo de lo de uno. Pero, también, reivindicar a un pueblo. Cuando he
tocado con músicos de jazz, tuve que olvidarme un poco del flamenco, por
lo menos del más purista, por eso lo pasaba a veces bastante mal, pero
por otro lado mereció la pena por lo que tuvo de aprendizaje. Y además,
allí se escuchaba la música de una raza que son los flamencos,
marginados durante siglos hasta que llegaron Manuel de Falla y Federico
García Lorca, que iniciaron su dignificación. Antes era una deshonra ser
flamenco. Tenemos que agradecer mucho a Manuel de Falla y a todos los
músicos que nos traigan savia nueva. Nosotros somos músicos y flamencos,
es nuestro lugar. No me iré de las raíces y trataré de hacer cosas
nuevas sin que se pierda el olor y el sabor del flamenco. En mis
actuaciones hay mucho de rabia reivindicativa a cuenta de esta
marginación, que todavía queda, pero en menor medida, porque
afortunadamente las cosas van cambiando”.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-HhlxSWeQc3s/UxJaZ5vZyaI/AAAAAAAAO5Y/-M40_JPF6_4/s1600/paco+de+lucia+25.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-HhlxSWeQc3s/UxJaZ5vZyaI/AAAAAAAAO5Y/-M40_JPF6_4/s1600/paco+de+lucia+25.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
El flamenco es, tal vez, una de las músicas más antiguas y, a la
vez, más cargadas de la posibilidad de modernidad. Es posible que allí
se centre parte del misterio y de la fascinación que Chick Corea o John
McLaughlin sintieron por el flamenco. O, más precisamente, por uno de
sus músicos más virtuosos, por alguien que fue discutido por los
fundamentalistas del género y que logró la doble hazaña de convertirse
en el máximo renovador que el lenguaje había tenido en mucho tiempo y, a
la vez, en el mejor guardián de su tradición. Paco de Lucía, llamado en
realidad Francisco Sánchez Gómez, hijo de Lucía y nacido en Algeciras,
Cádiz, en 1947, apocado hasta el improbable paroxismo de la timidez y
parco hasta el propio límite del silencio, bromeó alguna vez con
Página/12 asegurando que “lo de la modernidad y la tradición tendrá que
ver con que soy mitad payo y mitad gitano”. En realidad, esa herencia
casi dolorosa que habita el flamenco, aparece, más bien, en la
conciencia acerca de la naturaleza conflictiva de la creación. “No es
fácil”, decía hace quince años el guitarrista, en una entrevista con
este diario. “Yo sufro cuando tengo que hacer un disco, aunque ese
sufrimiento tenga que ver, también, con el placer de hacer la música que
amo.”<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-HKzSGGZ1PTA/UxJaZ2D5sqI/AAAAAAAAO5U/O8cdKH5Ird4/s1600/paco+de+luciaerwe.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-HKzSGGZ1PTA/UxJaZ2D5sqI/AAAAAAAAO5U/O8cdKH5Ird4/s1600/paco+de+luciaerwe.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
Parte de esa especie de incomodidad tiene que ver con sus propias
inseguridades. “Cuando tocaba con McLaughlin y Di Meola, por ejemplo,
sentía que no sabía improvisar y que ellos se reían de mí. Siempre que
subía al escenario pensaba que iba a hacer un verdadero papelón”,
explicaba, refiriéndose al famoso trío de guitarristas que se convirtió
en un impensado fenómeno de ventas. “Un músico de éxito está obligado a
hacer un disco cada año, y uno no tiene esa capacidad, sobre todo si es
compositor de su obra. Otra cosa sucede si uno es cantante y quiere
hacer un disco. Le mandan 40 compositores con otras tantas canciones
para que elija y luego un arreglista para que haga la orquestación. Pero
para el creador cada disco es un parto y la demanda discográfica no le
da tiempo a sentir y vivir lo suficiente para renovarse y hacer una obra
nueva. La composición es neurótica y la actuación en vivo es
extrovertida y comunicativa. Uno se cura tocando en vivo. En cambio los
que viven sólo de la composición dan miedo: miran con cara de locos.”<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-LgBwb0VET-k/UxJaalr7rNI/AAAAAAAAO5o/wfBWgrpawOA/s1600/paco+de+lucua.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-LgBwb0VET-k/UxJaalr7rNI/AAAAAAAAO5o/wfBWgrpawOA/s1600/paco+de+lucua.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
Cantaor frustrado y reacio a escuchar su propios discos (“nunca los
escucho, son puntos dolorosos; cuando intenté hacerlo no lo disfruté”),
Paco de Lucía vivía además la contradicción del intérprete de una
tradición popular que las formas de circulación de la cultura del siglo
XX convirtieron en otra cosa. Por un lado, decía reivindicar el
sentimiento sobre la razón (“es mejor ser un salvaje que un
intelectual”) pero, por otro, se sentía disminuido por no haber
realizado un aprendizaje de música sistemático y académico: “A medida
que pasa el tiempo siento cada vez más la necesidad de eso de lo que
carezco. Con la edad se tiene menos energía, menos estímulos, menos
ganas de encerrarse ocho horas para descubrir una melodía. En esas
ocasiones se echa de menos poder manipular la música sin tener que
buscar con tanto trabajo cosas que luego resulta que ya estaban
descubiertas”. No obstante, Paco de Lucía jamás paró de estudiar. Otros
cuentan que de niño jamás dejaba de tocar. El decía: “Es cierto, sobre
todo en la primera época, entre los 8 y los 12 o los 15 años. Nací en
una familia con problemas económicos. Mi padre lo pasaba muy mal
tratando de encontrar dinero para comer cada día y yo de chiquitito
tenía la idea de que debía aprender rápido a tocar la guitarra para
ganar plata y ayudar cuanto antes en mi casa. Efectivamente, a los doce
años ya estaba ganando dinero. Me fui a Estados Unidos y me pagaban cien
dólares a la semana. Yo era muy feliz entonces. En vez de ir a la
escuela, con doce años estaba viajando y ganando dinero. A esa edad uno
no sufre; uno sufre cuando se va haciendo viejo”. Su primer disco, Los
chiquitos de Algeciras, grabado en 1963, a los 18 años y junto a su
hermano Pepe, da cuenta de esa osadía y del virtuosismo todavía tan
cercanos a la alegría infantil.<br />
<br />
Galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes,
discípulo de Niño Ricardo además de Sabicas, ganador del Grammy al mejor
álbum flamenco en 2004, del Premio Nacional de Guitarra de Arte
Flamenco, de la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 1992,
del Premio Pastora Pavón La Niña de los Peines 2002, y del Gran Premio
de Honor en los Premios de la Música 2002, De Lucía había comenzado su
carrera profesional en 1960, contratado por el bailarín José Greco en
1960 como tercer guitarrista de la Compañía del Ballet Clásico Español. A
los 17 años, patrocinado por los productores alemanes Horst Lippmann y
Fritz Rau, se integró al Festival Flamenco Gitano, con el que recorrió
Europa junto a Camarón, El Lebrijano, El Farruco y Juan Moya. Acompañado
en el cante, con frecuencia, por sus hermanos Ramón de Algeciras y Pepe
de Lucía, sus discos consagratorios como solista llegaron al final de
esa década: La Fabulosa Guitarra de Paco de Lucía, de 1967, y Fantasía
Flamenca, de 1969. Junto a Camarón grabó más de diez discos de estudio,
entre ellos El Duende Flamenco (1972) y Fuente y Caudal (1973). Y en
1976 ganó un disco de oro por el single con la notable rumba “Entre dos
aguas”. Zyryab, Siroco y Lucía, o el más reciente Cositas buenas, donde
participa quien tal vez sea su principal heredero, Tomatito, son como
parte de su legado. El ayuntamiento de Algeciras, su ciudad natal,
decretó tres días de luto por la pérdida del “más grande guitarrista de
todos los tiempos”. Tomatito, en Twitter, decía “hoy no hay palabras”. Y
es cierto. Queda, nada menos, su música.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-BFdXe1cGIkE/UxJaZqioaUI/AAAAAAAAO5g/reqbIMiUc5s/s1600/paco+de+lucia+11.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-BFdXe1cGIkE/UxJaZqioaUI/AAAAAAAAO5g/reqbIMiUc5s/s1600/paco+de+lucia+11.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<h2>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><span class="cespectaculos">El recuerdo de los colegas</span></span></span></h2>
<div class="botones">
<div class="icono">
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<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
<strong>*</strong>
Javier Malosetti: “Triste noticia la de la muerte de Paco de Lucía. El
año pasado pasamos por pérdidas muy fuertes en el ámbito de la música, y
desgraciadamente, este 2014 ha empezado también de manera triste. De
Lucía fue un creador bestial, los que pudimos verlo en vivo las veces
que vino a la Argentina lo comprobamos también entonces. Tuve la suerte
además de conocer a Carles Benavent, su bajista histórico, otro
virtuoso, pude compartir con él ese toque flamenco único. Soy fan del
arte de Paco, lo vamos a extrañar”.</div>
<div class="margen0">
<br /></div>
<strong>*</strong> Esteban Morgado: “La primera sensación ante esta
noticia es de tristeza y estupor. Aunque no lo conocía personalmente es
como si se fuera un amigo, uno tiene esa sensación con los grandes
artistas, los que nos han acompañado a lo largo de nuestras vidas. Paco
de Lucía fue el tipo que nos enseñó a apreciar un flamenco de
vanguardia, con mucho de improvisación, de pasión y de sutileza. Fue un
ser de un virtuosismo guitarrístico increíble, al que siempre uno trató
de imitar, sin llegarle ni a los talones. Tuve la suerte de verlo
muchísimas veces, una de ellas en el Colón tocando “Aranjuez”. Cuentan
que lo aprendió de memoria, porque no sabía leer música. Más allá de que
esto haya sido verdad o leyenda, lo cierto es que escuché una versión
única de “Aranjuez”, por supuesto, pasada por un flamenco también
único”.<br />
<br />
<strong>*</strong> Diego El Cigala: “No se ha ido parte de la
historia, se ha ido el flamenco mismo. Nadie tocará la guitarra como el
maestro Paco de Lucía. Estoy hecho polvo, destrozado. La muerte de Paco
deja mudo al flamenco, ya sin él, no hay nada”.<br />
<br />
<strong>*</strong> Tomatito: “Paco ha dignificado el arte flamenco y
ha convertido la guitarra flamenca en instrumento de entendimiento
universal. Gracias a su genialidad y su compromiso, muchos intérpretes,
entre ellos yo, hemos podido compartir nuestra música, nuestro cante y
baile, con públicos de todo el Globo”.<br />
<br />
<strong>*</strong> Niña Pastori: “El entendido del flamenco, al que
le gusta el flamenco y lo admira, sabe que Camarón y Paco de Lucía han
sido los dos pilares más importantes”.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-YD1LHjBnY0s/UxJaXl355OI/AAAAAAAAO4s/PwXKJOQKahw/s1600/PACO+DE+LUCIA+2.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-YD1LHjBnY0s/UxJaXl355OI/AAAAAAAAO4s/PwXKJOQKahw/s1600/PACO+DE+LUCIA+2.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paco de Lucía</td></tr>
</tbody></table>
<br />
</div>
</div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-7860989804494724902014-02-11T14:02:00.001-03:002014-02-11T14:02:56.288-03:00DISCOS: THE MARSHALL MATHERS LP 2, EL DISCO DEL REGRESO DE EMINEM
<br />
<div class="logosuple top12">
<a href="http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/index-2014-02-05.html" title=""></a>
<div class="volanta piefecha">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-NKDYcyQ80UU/UvpXXvqtqxI/AAAAAAAAO4A/LTj2P8nBXks/s1600/EMINEM-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-NKDYcyQ80UU/UvpXXvqtqxI/AAAAAAAAO4A/LTj2P8nBXks/s1600/EMINEM-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;">Eminem</span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="volanta piefecha">
Miércoles, 5 de febrero de 2014</div>
<div class="volanta piefecha">
<br /></div>
<div class="volanta piefecha">
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><b> <span class="cespectaculos">Mugre, furia, belleza y amor</span></b></span></span></div>
<div class="volanta piefecha">
<br /></div>
</div>
<div class="intro">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Trece años después de The Marshall Mathers LP, disco bisagra en su carrera, el <span class="fb0gv3im215" id="fb0gv3im215_3">más grande</span>
rapero blanco entrega un álbum que exuda dignidad, sangre y, de a
ratos, buena música. Y que lo muestra lejos de las maniobras paródicas y
las poses de machito vacías de sentido.</b></span></span></div>
<div class="botones">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b></b></span></span><div class="icono">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><a href="https://www.blogger.com/null" title="Recortar esta nota y guardarla"></a></b></span></span></div>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>
</b></span></span><div class="icono">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><a href="http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/espectaculos/7-31242-2014-02-05.html" title="Versión para imprimir"></a></b></span></span></div>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>
</b></span></span><div class="icono">
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</div>
<a href="https://www.blogger.com/null" name="formu_mail"></a>
<div class="autor">
Por Luis Paz</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
Marshall
Bruce Mathers III, entonces Marshall Mathers, entonces M.M., entonces
M’n’M, entonces Eminem. Aunque no el primero (honor estadístico que en
1981 acreditó DJ Flash, posterior miembro del Rappers Rap Group), el MC
de 42 años de Mi-ssouri es el solista <span class="fb0gv3im215" id="fb0gv3im215_5">blanco más</span>
importante habido en el rap. Talentoso, explosivo, brutal, mandaparte o
boludón, Eminem hilvanó en el cambio de siglo una trilogía fenomenal
con The Slim Shady LP (1999), The Marshall Mathers LP (2000) y The
Eminem Show (2002), soberbia galería de cortes para pasear: “My Name
Is”, “The <span class="fb0gv3im215" id="fb0gv3im215_1">Real Slim Shady</span>”,
“The Way I Am”, “Cleanin’ Out my Closet”. Pero el nervio estaba debajo
de esa grasa, en partes oscuras como “Role Model”, “Stan”, “Kim” o hasta
“Drug Ballad”.</div>
<div class="margen0">
<br /></div>
Marshall Mathers fue la bisagra y cima de todo eso: pasado el ácido
de Slim Shady y lejana aún la megalomanía del Show de Eminem (que lo
condujo, al fin, a una espiral descendente íntima y musical para Encore,
Relapse y Recovery, discos de monomanía y “revelaciones”), en ese disco
de 2000 el rapero blanco por antonomasia destiló mugre, furia, belleza y
amor en un extenso disco de hora y cuarto. A trece años de aquello,
hace un par de meses publicó The Marshall Mathers LP 2, hora y media de
mugre, furia, belleza y amor purificados, podridos del todo, vencidos o
refundados, nunca iguales.<br />
<br />
Como esa casa <span class="fb0gv3im215" id="fb0gv3im215_6">que muestra</span>
la portada del disco, toma actual del hogar que fue tapa del primer
volumen, algunos de los actos del Show de Eminem parecen clausurados.
Las maniobras paródicas, el abuso de la pose macha. “Me siento mucho
mejor”, canta en “So Much Better”. Y ante eso uno podría imaginar que,
entonces, la gracia de Eminem ya fue. Es cierto que del rudo
resentimiento hacia su madre, su ex esposa y sus verdugos extirpó sus
más hirvientes versos, pero Marshall Mathers 2 tampoco es un tecito
helado. Es Eminem llegando a los 40 con la <span class="fb0gv3im215" id="fb0gv3im215_2">ciudad de Detroit</span>
(tema y problema suyo) en bancarrota, Kanye West corporizando en un
solo envase a Dr. Dre y a Prince; Kendric Lamar y Tyler The Creator
cebando al piberío urbano cool, y Jay Z tocando para el cumpleaños de
Michelle Obama con su esposa Beyoncé.<br />
<br />
Acá Eminem mama del rock y los Beastie Boys (“So Far...”,
“Berzerk”), del dubstep (“Evil Twin”), pero se mantiene anclado en una
personalísima manera de rapear que podría señalarse con Breaking
Gangsta: Eminem es, sin dudas, el original del Jesse de Breaking Bad,
pibe conflictuadito que gana onda a partir de un oficio no convencional
(rapero, cocinero de cristales de metaanfetamina, da lo mismo). De
hecho, ¡Jesse Pinkman habla como M.M.! Después, los factores permanecen
variables: donde estaban Carson Daily y Britney Spears ahora aparecen
ajusticiados Justin Bieber y Lady Gaga.<br />
El encanto de Eminem siempre fue directamente proporcional al
volumen de saliva expelido en el vértigo del rap. Aunque detrás parezca
tener un coro de porristas pasadas (“Survival”), encare una “balada” que
suena a cover de Matisyahu (“Stronger Than I Was”) o se monte al canto
de sirena de Rihanna (“The Monster”), el Eminem que importa de The
Marshall Mathers LP 2 es ése que se esconde en los pliegues de un disco
menos ríspido y duro (en todos los sentidos) que los de su obra en torno
del año 2000, pero con una energía recobrada de aquel reflejo en el
espejo del milenio estrenado. “Todo el mundo quiere la llave y el
secreto para la inmortalidad en el rap como la tengo. Bueno, para ser
sincero, el plan no es más que rabia y exuberancia juvenil”, apura en
“Rap God”. Si bien no se trata del disco más iluminado, rabioso y
exuberante, y claramente tampoco el más juvenil, esta segunda vuelta
tiene dignidad, sangre y, de a ratos, <span class="fb0gv3im215" id="fb0gv3im215_4">buena música</span>,
si lo que se espera de la música es que en su vibración alcance las
cuerdas del mundo, sean las de la bondad o del rencor, de lo bello o lo
nefasto.<br />
<br />
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-38791881448430911372014-02-10T14:59:00.000-03:002014-02-10T15:20:31.365-03:00LA CANTANTE JOAN BAEZ VUELVE A CANTAR EN BUENOS AIRES.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-krVhEzL8VMw/UvkVlYga6sI/AAAAAAAAO3g/ntpoTVhX8Ag/s1600/JOAN+BAEZ+XXXX.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-krVhEzL8VMw/UvkVlYga6sI/AAAAAAAAO3g/ntpoTVhX8Ag/s1600/JOAN+BAEZ+XXXX.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;"><b>Joan Baez</b></span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-a1kV3wHz3VI/UvkU42nM_6I/AAAAAAAAO3Q/vmqFiJbTheI/s1600/joan+baez+xx.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-KVOPpD9OylQ/UvkVl0pfFOI/AAAAAAAAO3k/SodtONGphY4/s1600/Joan-Baez_Y+JIMI+HENDRIX+XXXXXX1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<b> <span style="color: red;"><span style="font-size: x-large;"><span class="cespectaculos">“Hoy no hay una causa única que aglutine a la gente”</span></span></span></b><span class="cespectaculos"> </span><br />
<div class="nota">
<h2>
<span style="color: red;"><span class="cespectaculos"> </span>La cantante de 73 años es un icono del renacimiento del folk en los ’60, cantó al lado de <span class="i9f8r89y" id="i9f8r89y_1">Martin Luther King</span>,
“descubrió” a Bob Dylan y se hizo amiga de Mercedes Sosa. Su regreso a
Buenos Aires será a treinta y tres años de su última e histórica visita.</span></h2>
<a href="https://www.blogger.com/null" name="formu_mail"></a>
<br />
<div class="autor">
Por Claudio Kleiman</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
¿Cómo hablar con un icono? Esa es la pregunta que se hace este cronista mientras espera <span class="i9f8r89y" id="i9f8r89y_2">una llamada internacional</span>
que lo va a poner en contacto con Joan Baez. La sola mención de su
nombre –una sílaba que al pronunciarla ya evoca dulzura y feminidad,
seguida de un apellido latino que revela parte de sus raíces (su padre
era mexicano)– conjura la visión de los años ’60, el renacimiento del
folk, las marchas de protesta, los movimientos pacifistas, la oposición a
la Guerra de Vietnam, Bob Dylan, “We Shall Overcome” (la canción
popularizada por Pete Seeger que Baez cantó en la legendaria marcha por
los derechos civiles en Washington DC, 1963)... Y más adelante, su
participación en Woodstock o en la Rolling Thunder Revue de Dylan a
mediados de los ’70, o su visita a la Argentina en plena dictadura
militar.</div>
<div class="margen0">
<br /></div>
Justamente, lo que posibilita el contacto telefónico es la nueva
visita a Buenos Aires, después de treinta y tres años de ausencia, de la
reina del folk: Baez lleva ese título con suprema elegancia desde
comienzos de los ‘60. El Gracias a la vida tour 2014 traerá a la
cantante a América latina, en un recorrido que abarcará también a
Uruguay, Chile y Brasil, y la depositará en la Argentina para dos
recitales en el Gran Rex los días 6 y 7 de marzo.<br />
<br />
Pero todas estas elucubraciones se cortan cuando suena el teléfono y
del otro lado de la línea, en lugar del procedimiento habitual que
implica la intermediación de un representante avisando que va a
comunicar con el artista, aparece directamente una voz dulce e
inconfundible que dice simplemente, “Hello, it’s Joan Baez here.” La
leyenda es un ser humano, que a sus 73 años mantiene el tono juvenil y
la desenvoltura en su manera de hablar, y se expresa con lucidez y <span class="i9f8r89y" id="i9f8r89y_6">buen humor</span> sobre una serie de tópicos que abarcan desde <span class="i9f8r89y" id="i9f8r89y_4">Bob Dylan</span> hasta Mercedes Sosa y desde Martin <span class="i9f8r89y" id="i9f8r89y_3">Luther King</span> hasta Barack Obama. Pero para hablar del pasado de un mito, nada mejor que empezar por el futuro inmediato.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-ydzMuj50a_0/UvkRC2abDFI/AAAAAAAAO2k/WdHn-jBXUGM/s1600/JOAN+BAEZ+1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-ydzMuj50a_0/UvkRC2abDFI/AAAAAAAAO2k/WdHn-jBXUGM/s1600/JOAN+BAEZ+1.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Joan Baez</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
–¿Cómo van a ser sus shows en Buenos Aires?<br />
<br />
–Voy a estar con un músico que toca siete instrumentos y con un
percusionista, que además es mi hijo: esa es toda la gente que me
acompaña en el escenario. Por supuesto, el hecho de tocar con mi hijo es
maravilloso, me siento muy afortunada. En este momento todavía estoy
armando lo que va a ser mi show para América latina, pero probablemente
va a ser una mayoría de canciones en inglés, muchas de las cuales la
gente puede reconocer, y también alguna en español.<br />
<br />
–Aun reconociendo que es imposible recorrer su carrera en un show, ¿piensa tocar canciones viejas y nuevas?<br />
<br />
–Sí, tiene que ser así, porque son más de cincuenta años<br />
(se ríe). Tiene que ser una mezcla, y tiene que ser una buena
mezcla. Si la canción es vieja, tiene que ser hecha de una manera
fresca, porque no quiero que la noche sea simplemente nostalgia, aunque
un poco de nostalgia es inevitable y eso está bien. Pero tiene que ser
fresco, esa es la palabra clave.<br />
<br />
–¿Puede ser que aparezca “Gracias a la vida”?<br />
<br />
–Seguramente. Va a haber algún tema en español, lo voy a tener
resuelto para cuando llegue allí. Pero es algo que hago habitualmente:
trato de integrarme a la cultura del país en el que me encuentro,
cualquiera que sea. Y es un desafío, realmente estoy esperando ese
momento, porque tengo raíces latinas por parte de mi padre, aunque
siempre he cantado en inglés, y no me metí mucho con eso. De modo que
esta gira será un viaje muy excitante y muy importante para mí.<br />
<br />
–¿Hay alguna explicación para el hecho de que no haya venido durante tanto tiempo?<br />
<br />
–No estoy segura del motivo, aún hay lugares en los que nunca
estuve. Pero definitivamente éste es un lugar al cual estoy muy contenta
de poder volver y poder cantar.<br />
<br />
–A través de su carrera, ha descubierto nuevos compositores y nuevas
canciones, de distintas generaciones. ¿Está siempre a la búsqueda de
canciones para interpretar?<br />
<br />
–Tengo que darles bastante crédito por eso a dos personas, mi
asistente y mi manager, porque ellos realizan la búsqueda, mientras yo
estoy ocupada pintando y haciendo otras cosas. Así que cuando estoy
buscando canciones, les pido a ellos que empiecen la selección, luego me
envían las que consideran las mejores, y veo si funcionan. Es un largo
proceso conseguir canciones realmente buenas.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-a1kV3wHz3VI/UvkU42nM_6I/AAAAAAAAO3Q/vmqFiJbTheI/s1600/joan+baez+xx.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-a1kV3wHz3VI/UvkU42nM_6I/AAAAAAAAO3Q/vmqFiJbTheI/s1600/joan+baez+xx.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Joan Baez</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<br />
–¿Qué tiene que tener una canción para que usted la cante?<br />
<br />
–Sé que puede sonar un poco tonto, pero para que la incluya en mi
repertorio, la canción tiene que llegarme. Puede ser principalmente la
melodía, puede ser el sentimiento, puede ser que la canción haga resonar
algo dentro de mí. Pero a través de toda una vida cantando, sé que las
canciones más significativas para mí han sido las que tienen tanto la
belleza de la melodía y las palabras como también algún tipo de
resonancia política o social. No me gusta cantar las que tienen sólo una
protesta explícita, trato de encontrar las que son sutiles, hermosas, y
llenas de arte. Y esas canciones existen. Son difíciles de
escribir. Los años ’60 y ’70 fueron muy especiales, una época llena de
desafíos. Y esos desafíos cruzaron desde la contracultura hacia la
cultura. Pero, en la actualidad, en primer lugar no ha surgido un
talento sobresaliente como el de Dylan o Lennon, y en segundo lugar, hay
un montón de buenas canciones, pero la dirección del activismo político
o social es muy diversificada, no hay una causa única que aglutine a la
gente, así que es difícil para un compositor ser escuchado, aun cuando
la canción sea buena.<br />
<br />
–¿Tiene alguna explicación para eso? Porque el mundo parece ser un
lugar tan injusto, o más, de lo que lo era en los años ’60 y ’70...<br />
<br />
–Conozco un montón de gente joven que hace cosas muy interesantes y
es muy generosa. Por ejemplo, conozco a algunas personas que enseñan a
la gente pobre en las montañas y no tienen vida social, están
completamente dedicadas a eso. Y hay miles de personas como ellas. Pero
pienso que el principal problema es que el sentimiento que teníamos de
estar conectados, en los ‘60 y los ‘70, está casi completamente ausente.
Para describir ese sentimiento, diría que lo más cercano que tuvimos a
eso fue Obama cuando estaba haciendo su campaña para presidente y daba
esos discursos. Eso cambió el mundo. Cuando llegó a la presidencia, era
imposible responder a las expectativas en cuanto a lo que él había
generado. Pero durante ese tiempo, la gente se sentía conectada de una
manera que no había visto en cuarenta años. Así que, al menos, nos
recordó que era posible tener ese sentimiento. Al mismo tiempo, pienso
que si él hubiera decidido liderar un movimiento, y evitar la Casa
Blanca, podría haber tenido una oportunidad más grande de realizar un
cambio social.<br />
<br />
–¿Se siente algo desilusionada con sus períodos como presidente?<br />
<br />
–Bueno, contrariando mi característica (se refiere a que
habitualmente no interviene en política partidaria), yo lo apoyé, porque
me sentí conmovida por sus discursos. El me recordaba un poco al doctor
(Martin Luther) King. Y al igual que la mayoría, estoy decepcionada.
Pero solamente te podés sentir decepcionado si esperabas algo, y eso no
es justo realmente, especialmente pensando en las circunstancias. Yo no
podría funcionar en ese tipo de atmósfera política, así que no sería
apropiado para mí sentirme ilusionada. Durante la mayor parte de mi vida
he tenido una visión bastante pesimista de la raza humana, ¡porque se
comporta terriblemente!<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-KVOPpD9OylQ/UvkVl0pfFOI/AAAAAAAAO3k/SodtONGphY4/s1600/Joan-Baez_Y+JIMI+HENDRIX+XXXXXX1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-KVOPpD9OylQ/UvkVl0pfFOI/AAAAAAAAO3k/SodtONGphY4/s1600/Joan-Baez_Y+JIMI+HENDRIX+XXXXXX1.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Joan Baez y Jimi Hendrix</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<br />
–Nadie pensaría en una idealista como usted como alguien pesimista.<br />
<br />
–Creo que soy bastante realista.<br />
<br />
–Ya que mencionó a Martin Luther King, ¿tiene algún recuerdo especial de la Marcha por los <span class="i9f8r89y" id="i9f8r89y_5">Derechos Civiles</span> en 1963, en la cual pronunció su famoso discurso y de la que usted participó?<br />
<br />
–Tengo más recuerdos de todo el proceso del cual esa marcha formó
parte. Ese fue sólo un día, claro que un día extraordinario, pero como
tuve la buena fortuna de trabajar con el doctor King en otras
situaciones, tengo recuerdos de otros acontecimientos que no fueron
famosos, pero en las que él se comportó de una forma igualmente
valiente.<br />
<br />
–Ese día usted cantó, al igual que Bob Dylan y Peter Paul and Mary.<br />
<br />
–Sí, lo recuerdo como una especie de caos excitante, y pensar en
cosas tales como de qué manera iban a conseguir comida para toda esa
gente, dónde iban a ir al baño, pensamientos prácticos (risas). Pero el
hecho de que me permitieran cantar ese día ha sido uno de los tesoros de
mi vida. Quiero decir, cantar es uno de los tesoros de mi vida.<br />
<br />
La influencia de Joan Baez es tan amplia y abarcadora que llega
hasta lugares y artistas impensados, incluso algunos de los que la
propia cantante no tiene conciencia. Por ejemplo, el hecho de que una de
sus canciones, “Babe, I’m Gonna Leave You” –que abría su álbum Joan
Baez in Concert, Part 1, editado en 1962–, fue la que inspiró a Jimmy
Page y Robert Plant, ambos fans confesos de la cantante, a formar Led
Ze-ppelin. Según cuenta la leyenda, fue ése el primer tema que Plant y
Page trabajaron en conjunto, haciendo una adaptación eléctrica de la
versión acústica de Baez, lo que marcaría el futuro rumbo musical del
grupo. “¡¿Cómo?!”, se sorprende Baez. “No lo sabía, pero para eso tengo
mis amigos de la Argentina (risas). Es maravilloso escuchar eso.”<br />
<br />
–¿Recuerda sus visitas a la Argentina?<br />
<br />
–Seguro, fueron fascinantes. Visité a Adolfo Pérez Esquivel...
Recuerdo que había una manifestación de las Madres de Plaza de Mayo y él
vino donde estábamos para recomendarme que no participara, porque
alguien se había acercado amenazándolo y diciéndole que iban a atentar
contra mí. Y mucha gente me decía “¡hacelo, hacelo!”, pero yo tengo que
recordar, cuando hago un concierto, que tengo que volver a casa. Así que
no participé de la manifestación, pero me reuní con ellas al día
siguiente, y fue muy importante. Como usted sabe, fue fascinante
estar prohibido (lo dice en español), mucho más que ir simplemente y dar
un concierto (se ríe).<br />
<br />
–Eso fue en el ’81, pero también hubo una visita anterior, en el ’74, cuando cantó junto con Mercedes Sosa.<br />
<br />
–Fue cuando Mercedes Sosa salvó mi vida.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-lZlufIKsdnE/UvkU43Cx8rI/AAAAAAAAO3U/567FtS4dRfY/s1600/joan+baez+xxx.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-lZlufIKsdnE/UvkU43Cx8rI/AAAAAAAAO3U/567FtS4dRfY/s1600/joan+baez+xxx.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Joan Baez</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
<br />
–¿Cómo fue eso?<br />
<br />
–Había un estadio lleno y yo estaba hablando acerca de la no
violencia, pero la gente no quería escuchar nada de eso, entonces salió
Mercedes y empezó a reprocharles. Y finalmente empezó a cantar la
canción “No nos moverán”, y a increpar al público (imita la voz de
Mercedes), “¡no nos moverán! ¡Más fuerte! ¡Más fuerte!”. Y esos pobres
chicos no tuvieron más remedio que obedecerle, porque ella era una
figura muy poderosa.<br />
<br />
–Después se hicieron amigas.<br />
<br />
–Sí, no nos veíamos demasiado a menudo, pero hicimos una gira juntas
por Alemania con un famoso artista alemán (Konstantin Wecker, en 1988),
y dimos una cantidad de conciertos en distintas ciudades, así que tuve
la oportunidad de compartir tiempo con esa persona tan dulce que era
Mercedes y que pudiéramos cantar juntas.<br />
<br />
La última película de los hermanos Coen, Inside Llewyn Davis, desató
en las jóvenes generaciones un nuevo interés por la música folk, así
como años atrás también lo había hecho otro film de los mismos
directores, O Brother, Where Art Thou? Recientemente, en un escenario
histórico de Nueva York como es el Town Hall, las nuevas luminarias del
folk se reunieron para rendir homenaje al legado de sus mayores, en un
concierto denominado Another Day, Another Time: The Inside Llewyn Davis
Concert. Baez estuvo allí. “En su mayoría eran artistas jóvenes y la
calidad de su música era maravillosa”, recuerda la cantante. “Ese es un
ejemplo acerca de lo que hablamos antes: estos chicos componen e
interpretan con gran calidad y talento, y hace falta una película como
esa, que es casi una película underground, para que la gente escuche
estos grupos. Simplemente amé esa noche. Fui elegida como la
representante mayor de los años ’60, y disfruté de tocar y cantar con
ellos, tanto como ellos disfrutaron de tocar con una leyenda. Fue muy
dulce, muy divertido y la música fue muy hermosa.<br />
<br />
–La película está basada en la autobiografía de Dave Van Ronk y es
como una celebración del movimiento de renacimiento del folk que tuvo su
centro en el Greenwich Village a comienzos de los ’60. ¿Usted formaba
parte de ese movimiento?<br />
<br />
–Bueno, durante la mayor parte de esa época yo vivía en Boston.
Porque hubo dos lugares centrales donde la música folk realmente comenzó
a popularizarse: uno era el Greenwich Village, en Nueva York, y el otro
era Harvard Square, en Cambridge. Yo empecé a trabajar cuando tenía 19
años y para ese entonces ya tenía mi público. Estaba rodeada de músicos
que tocaban banjos y guitarras, y aprendí simplemente mirándolos; nunca
tomé clases y tampoco lo hizo ninguna de la gente que conocía: así era
la manera en que se transmitía esa música. Fui algunas veces a Nueva
York; de hecho, fue ahí donde conocí a Bob Dylan, en Gerde’s Folk City,
en Greenwich Village. Durante ese período, la escena era vibrante,
enormemente creativa. Yo era la persona correcta, con la voz apropiada,
en el momento justo.<br />
<br />
–¿Recuerda cómo conoció a Bob Dylan?<br />
<br />
–Alguien dijo, “tenés que ir a escuchar a ese chico”, que escribía y
cantaba y blablablá, no recuerdo bien lo que dijo. Así que fui, con mi
novio, y él estaba cada vez más enojado... (se ríe).<br />
<br />
–Claro, su atención se había volcado totalmente hacia Dylan...<br />
<br />
–Absolutamente. No había forma de no hacerlo. Era increíblemente
brillante, las palabras eran inteligentes, y además, tengo una tendencia
a elegir gente que necesita ayuda (ríe nuevamente, algo avergonzada).<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-L93KKwunNHo/UvkRGlVOotI/AAAAAAAAO24/9_JBB6Hj6Xw/s1600/JoanBaez_DayAfterTmrw.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-L93KKwunNHo/UvkRGlVOotI/AAAAAAAAO24/9_JBB6Hj6Xw/s1600/JoanBaez_DayAfterTmrw.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;"><b>Joan Baez</b></span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<br />
–Usted lo apadrinó durante la primera época.<br />
<br />
–Sí, y estoy muy contenta de haberlo hecho. Igualmente algún otro lo
hubiera descubierto, pero estoy contenta de haber sido yo quien lo
invitó. Y tuve que educar a mi público, porque no quería escucharlo.
Dylan tenía una voz terrible y ellos venían a escucharme a mí, eso no
era por lo que habían pagado. Tenía que decirles (con tono admonitorio)
“¡tienen que escuchar a este chico, escuchen las palabras que canta, él
va a ser muy grande!”. Algunos no se lo tomaban demasiado en serio, pero
la mayoría comprendió que teníamos un genio.<br />
<br />
–¿Se mantiene en contacto con Dylan?<br />
<br />
–No, él es un individuo muy... remoto. Y yo respeto eso.<br />
<br />
–Usted grabó un álbum muy hermoso con canciones de Dylan, Any Day Now. ¿Nunca hubo un plan para grabar algo juntos?<br />
–No. Honestamente, es absolutamente imposible trabajar con él
(risas). Así que cualquiera que tenga la imagen de que puedo estar
compartiendo tiempo con él, que cantamos y componemos juntos, ya puede
ir abandonando esa fantasía. Pero sigo admirándolo y apoyándolo. No hay
malos sentimientos entre nosotros, para nada.<br />
<br />
–¿Dylan fue importante para que usted dejara el material folk
tradicional que hacía en sus comienzos y pasara a cantar canciones de
sus contemporáneos?<br />
<br />
–Dylan no fue la razón por la que cambié, él simplemente llenó un
lugar vacío. Quiero decir, musicalmente cambié, pero realmente fueron
sus palabras las que llenaron una parte de mi vida, de mi carrera, y de
la política, a la que ninguna de las baladas folk tradicionales podía
acercarse, simplemente sirvió ese propósito.<br />
<br />
–Usted ha participado de montones de movimientos por la paz, por los
derechos civiles, contra las injusticias sociales. ¿Cómo ve el mundo en
la actualidad, en comparación a como lo veía cuando empezó a cantar
sobre estos temas a finales de los ’50?<br />
<br />
–¿Conoce la expresión “aprendemos de nuestros errores”? Bueno ¡eso es una gran mentira!<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-TnHY4JPUviQ/UvkRDOY-eKI/AAAAAAAAO2o/zTyip2r50g4/s1600/JOAN+BAEZ+Y+BOB+DYLAN.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-TnHY4JPUviQ/UvkRDOY-eKI/AAAAAAAAO2o/zTyip2r50g4/s1600/JOAN+BAEZ+Y+BOB+DYLAN.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">an Baez y Bob Dylan</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<br />
</div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-87462177661365878892014-01-01T01:03:00.000-03:002014-01-01T01:03:56.105-03:00LEONOR MARCHESI, A TREINTA AÑOS DE PURPURA.<div class="nota">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-MmcqFj6rACc/UsOSNVMgMzI/AAAAAAAAO2U/i1z2_YDWXHw/s1600/LEONOR-MARCHESI-el-refugio-de-los-musicos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-MmcqFj6rACc/UsOSNVMgMzI/AAAAAAAAO2U/i1z2_YDWXHw/s1600/LEONOR-MARCHESI-el-refugio-de-los-musicos.jpg" title="Leonor Marchesi" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Leonor Marchesi</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<div class="volantasuple">
</div>
<h2>
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><span class="cespectaculos">“Mi vida ha sido un torbellino”</span></span></span></h2>
<div class="intro">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">Aquella <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_8">cantante</span> de <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_7">hardrock</span> que se hizo conocida en los ’80 vive desde hace tres décadas en España. Con la <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_5">banda</span> Onliryca acaba de <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_4">publicar</span> Reloj de arena, un disco en el que cita a Borges y propone versiones de “Juana Azurduy” y “Alfonsina y el mar” en clave heavy.</span></span></div>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">
</span></span><div class="botones">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">
</span></span><div class="icono">
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">
</span></span><div class="iconoa">
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">
</span></span><div class="icono">
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">
</span></span><div class="icono">
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</span></span><div class="icono">
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</span></span><div class="icono">
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</div>
<a href="http://www.blogger.com/null" name="formu_mail"></a>
<div class="autor">
Por Cristian Vitale</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
<em>No te habrá de salvar lo que dejaron,<br />
escrito aquellos que tu miedo implora;<br />
No eres los otros y te ves ahora,<br />
centro del laberinto que tramaron,<br />
tus pasos.</em></div>
<div class="margen0">
<br /></div>
No es poeta ni escritora, pero Leonor Marchesi cita a Borges y
pretende que no la asocien solo a lo que fue: aquella cantante hardrock
que, al frente del grupo Púrpura, puso cuerpo y voz para sopesar al
heavy-macho-argento tipo de principios de los ochenta. “Es un tema
nuevo, se llama ‘Para el alma’ y cito a Borges porque se lo dedico a los
grandes poetas de Hispanoamérica: a él, a Benedetti, a Neruda, a
Machado...”, detalla. Y va por más: lo de tema nuevo tiene que <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_1">ver con</span>
Reloj de arena, flamante disco de Onliryca –banda española que integra
hoy, a casi 30 años de su partida– del que no sólo surgen citas a tales
poetas, sino también temas intensos de pluma propia (“Somi”, “Banderas
de piedra”) y versiones de “Juana Azurduy” y “Alfonsina y el mar”, en
clave heavy. Casi un hallazgo. Casi un misterio para el país que la vio
nacer. Y casi un éxito en aquel que la acogió cuando, tentada por un
productor –y con Púrpura desbandado– cruzó el océano, se integró a otra
banda del palo (Santa) y se convirtió en una de las mejores voces
femeninas del rock español.<br />
“De algún modo subjetivo sentía el deseo de representar al rock de
mi país, y lo hice con total entrega, dejando la piel en los escenarios y
trabajando con intensidad. Fue un desafío en <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_3">todos los</span>
sentidos, porque llegás a un país donde nadie te conoce, reemplazás a
una cantante totalmente heavy, súper agresiva y decís ‘a por todas
Leo’”, dice ella, amparada en un derrotero español que supera largamente
al argentino: un disco con Santa (Templario), otro como solista
(Encrucijada), presentaciones masivas junto a Barón Rojo, buena llegada a
la prensa especializada, varios reconocimientos como mejor cantante de
rock y un presente como voz madre de Onlyrica, otra banda clave del
género, que comparte con otro pesado del clan: Juan Revilla.<br />
<h4>
–Contrafáctico pero viene al caso. ¿Qué hubiese ocurrido si se hubiese quedado en el país?</h4>
(Risas) –Bueno, mi vida ha sido un torbellino y siempre me están pasando <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_2">cosas que</span>
mi mente no capta al instante. No sé, si me hubiese quedado allí
conocerían más de mis tímidas locuras creativas o mis vanguardias
musicales rockeras. Muchos me dicen: “Leo, ¿por qué te fuiste?, hubieses
roto con los estereotipos en el rock femenino”, pero ahora pienso ¿cómo
regresar si uno no se va? En realidad siento que nunca me marché.<br />
<h4>
–Pero se marchó, y esto es fáctico. Hace casi 30 años que vive en España.</h4>
–Sí, claro (risas), y fue por mis deseos de explorar, de aprender,
de experimentar con otra cultura. Sentí una ilusión tremenda en su
momento y un gran desafío a la vez, y esa sensación me agradaba y me
agrada. La verdad es que no pensaba quedarme tanto tiempo, pero eché
raíces afectivas y, claro, el amor es más fuerte.<br />
<h4>
–¿Qué fue Púrpura?, ¿le quedó lejos?</h4>
–No, para nada. Púrpura fue un grupo de hardrock algo lírico para la
época, que llegó a Obras cuando no era fácil. La verdad es que tenía un
sonido brillante, poderoso, con una base compacta y guitarra de amplios
matices, a lo Deep Purple. Dentro de Púrpura me veía como mujer en el
rock.<br />
<h4>
–¿En Santa no?</h4>
–Me veía más heavy femenina, dentro del rock... libre en los
escenarios y muy contenida por los músicos, porque lo que hacíamos era
metal rock, con gran aporte de teclados, guitarras oscuras, temas épicos
y cierta cosa vanguardista.<br />
<h4>
–La referencia que llega de aquel grupo hasta aquí habla de heavy melódico.</h4>
–La verdad es que las categorías nunca me han gustado demasiado,
aunque comprendo que la gente debe identificarte con algún estilo. La
palabra melódico, a mi entender, proviene de melodías más elaboradas,
pero lo que importa, al final, es tener un espíritu siempre rebelde y
deseos de aprender algo más. Y ese es un proceso infinito para mí.
Ahora, con Onlyrica, me veo como una rockera con tintes heavy, góticos y
étnicos... mi voz es como un instrumento que intenta colorear esa
fusión, o al menos así lo intento. Trato de moverme bien entre ritmos
nativos, voces místicas, metal moderno y sonidos góticos. Entre la
oscuridad y la contundencia, digamos.<br />
<h4>
–Le dieron muchos premios en España, incluso fue especialmente
reconocida por la sociedad de autores y compositores de ese país. ¿Le
importa mucho, poco o nada?</h4>
–Todo bien, pero de todo eso me quedo con la gente que me pregunta ¿cuándo vas a venir a la Argentina?..., lo demás es efímero.<br />
<h4>
–En Reloj de arena, disco que además presentó en La Riviera de
Madrid con otros músicos argentinos que viven allí (Claudio Gabis y
Ariel Rot, entre ellos), tiene una activa participación en la
composición. ¿De dónde nacen sus temas?</h4>
–De sensaciones y visualizaciones. Y del compromiso de pertenecer a este planeta, de vivir en él, ¿no?... en “Reloj de <span class="rai347fuxq6" id="rai347fuxq6_6">arena</span>”
–el tema– pienso en las guerras que perjudican a los niños: “Corazones
solitarios que navegan por los siglos y reencarnan sus anhelos en los
cuerpos desalmados”. No sé, me paro entre el amor, la esperanza, la
rabia ante lo injusto y una épica espiritual que siempre tuve.<br />
</div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-79289212719160534392013-12-29T12:46:00.001-03:002013-12-29T12:46:23.571-03:0020 de diciembre de 2013, el adiós a Nelly Omar. <br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-8ocUsn7FEME/UsBCz9SAxeI/AAAAAAAAO10/MecHinY6wg8/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-8ocUsn7FEME/UsBCz9SAxeI/AAAAAAAAO10/MecHinY6wg8/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-e-TTDnUUBHQ/UsBC005vHlI/AAAAAAAAO2E/_jZyO3FjGmM/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
A LOS 102 AÑOS, MURIO LA CANTANTE NELLY OMAR
<br />
<h2>
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><span class="cespectaculos">Una voz y mucho más que una voz</span></span></span></h2>
<div class="intro">
<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">Referente de una época <span class="bu2cl8" id="bu2cl8_7">brillante</span> del tango, en los últimos años había vivido una <span class="bu2cl8" id="bu2cl8_5">notable</span>
reaparición pública. Tangos, milongas y valses forjaron su repertorio,
que le hizo ganar el mote de “la Gardel con polleras”. Fue amiga de
Evita y pagó por eso.</span></b></span></div>
<div class="botones">
<div class="icono">
<a href="http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/espectaculos/3-30882-2013-12-21.html" title="Versión para imprimir"></a></div>
<div class="icono">
<a href="http://www.blogger.com/null" title="Enviar por mail"><br /></a></div>
</div>
<a href="http://www.blogger.com/null" name="formu_mail"></a>
<div class="autor">
Por Karina Micheletto</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
Ayer,
a los 102 años, falleció Nelly Omar, la última cantora nacional, “la
Gardel con polleras”, según el mote que le colgaron cuando recién inició
su carrera, la que años después se plantó y dijo: “Yo soy Malena”. En
forma y activa hasta el final de sus días, Omar se dio el gusto de
festejar su cumpleaños número cien cantando, en uno de los tantos <span class="bu2cl8" id="bu2cl8_2">Luna Park</span>
repletos que dio a lo largo de sus últimos años, cuando vivió una
suerte de reaparición pública. Su figura fue la de la última
sobreviviente de una época dorada de cancionistas como Tita Merello,
Azucena Maizani o Libertad Lamarque. En comparación, su carrera tuvo al
menos dos singularidades: la de haber pasado un largo período de
ostracismo, prohibida y relegada por su adhesión al peronismo, y la de
haber regresado con una voz sorprendentemente plena, como lo atestigua
su disco La criolla, grabado en 2007, en el que rinde honor a la
tradición del tango con guitarras.</div>
<div class="margen0">
<br /></div>
Nelly Omar había nacido el 10 de septiembre de 1911 como Nilda
Elvira Vattuone en la localidad bonaerense de Bonifacio, aunque fue
inscripta y criada en Guaminí. Allí vivió hasta los 11 años, y allí,
contó en una nota a Página/12, conoció a Gardel, o mejor dicho, lo
espió: “Mi papá era muy amigo de Gardel –recordaba–. En 1918, él vino a
mi casa de Guaminí, donde vivíamos. Mi papá, como buen gringo chapado a
la antigua, no nos permitía a los chicos tratar con los hombres grandes,
¡y menos con los artistas! Pero yo, a través de la persiana, lo espié.
Ahí lo vi, un hombre gordito, con el peinado al medio, con unas onditas,
también estaba Razzano. Hasta que murió, mi padre tuvo una amistad con
Gardel, le llevaba los discos a casa”. De esos discos que el mismo
Gardel llevaba a su casa, contaba Omar que aprendió, siendo una niña, a
cantar y a amar el <span class="bu2cl8" id="bu2cl8_8">tango</span>, escuchándolos una y <span class="bu2cl8" id="bu2cl8_4">otra vez</span>.<br />
<br />
Tenía once años cuando murió su padre, y toda su familia –madre viuda, diez hermanos– se trasladó a <span class="bu2cl8" id="bu2cl8_1">Buenos Aires</span>.
Enseguida empezó a trabajar en una fábrica de medias, para aportar al
hogar. Fue cuestión de pocos años para que aparecieran las primeras
pequeñas presentaciones mostrando sus dotes como cantora, y a los 17
años tuvo su oportunidad en Radio Splendid. Durante algún tiempo mantuvo
un dúo con su hermana Nélida, a quien le “robó” el sobrenombre. Pero
enseguida apareció el brillo propio y los títulos como el de “Gardel con
polleras”, que era lo que le gritaba el público en una de sus primeras
presentaciones en un cine de Valentín Alsina. “La voz dramática del
tango” se la llamó más tarde. “La voz diferente” la bautizó el
guionista, actor y director Enrique De Rosas, cuando cantaba en Radio
Belgrano. Hasta que, trabajando en esa radio, conoció a Homero Manzi,
con quien inició un romance prohibido y extendido en el tiempo. Desde
entonces, para siempre, fue Malena, la del tango.<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-e-TTDnUUBHQ/UsBC005vHlI/AAAAAAAAO2E/_jZyO3FjGmM/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-e-TTDnUUBHQ/UsBC005vHlI/AAAAAAAAO2E/_jZyO3FjGmM/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" /></a><br />
<h3>
<span style="color: red;"><span class="fgespectaculos">Malena</span></span></h3>
“Yo estuve casada, pero mi matrimonio fue un fracaso, duró un
suspiro, sólo convivimos un año”, contaba Omar sin vueltas sobre su
historia amorosa, para enseguida pasar a nombrar, generalmente
criticándolo con ironía, a Homero. Homero era Manzi y Nelly Omar no lo
aceptó públicamente jamás, pero fue el gran amor de su vida. “Fue una
cosa de parte de él, no mía”, dijo por ejemplo en una entrevista con
este diario. “A mí me simpatizaba, era un hombre talentoso, valía la
pena tener una charla con él. Pero yo no lo amaba, él me amaba a mí,
estaba enamorado locamente. Tanto que lo conocí en el año ’37 y
empezamos a estar juntos en el ’44. Me persiguió todos esos años. Me
mandaba regalos, regalos, regalos. Una vez hasta se me apareció con una
valija llena de oro, joyas, piedras, de todo. Me dio tanta bronca que le
dije: ‘¿Te creés que me vas a comprar con eso? Lleváselo a tu mujer,
que le aproveche, dejame en paz’.” Entre cientos de idas y venidas de la
pareja, Homero Manzi nunca se separó de su esposa. De algún modo,
siguió junto a Nelly Omar hasta el momento de su muerte, cuando, ya
enfermo de cáncer, mandó a llamarla para que lo acompañara en sus
últimos días en el hospital.<br />
<br />
Aunque durante años fue sólo una suposición, “Malena”, una de las
obras más célebres de Manzi, con música de Lucio Demare, fue escrita a
partir de su recuerdo, y la misma Nelly Omar lo fue admitiendo
públicamente con el paso de los años. Según reconstruye Horacio Salas en
su biografía sobre Manzi, en realidad el poeta habría escuchado a una
cancionista llamada Malena, en un lugar geográfico que no queda claro
del todo, que le habría hecho acordar a Nelly Omar. “En los años que
estuvimos juntos, debido a nuestra situación, tuvimos muchos
desencuentros, no voy a negarlo, y cada vez que estábamos separados, él
me escribía tangos, que era su manera de comunicarse, de decirme que me
extrañaba”, contaba la cantante en una entrevista que le hizo Salas para
ese libro. “Me escribió muchos: ‘Fuimos’, ‘Solamente ella’, ‘Después’,
‘Torrente’, y otros que ahora no recuerdo. Pero todos sus amigos sabían
que era la destinataria de sus versos. Y tarde o temprano volvíamos a
reunirnos...”<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-z72wmS05pcY/UsBC0MxdIJI/AAAAAAAAO14/3E2Qw3lrbzg/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-z72wmS05pcY/UsBC0MxdIJI/AAAAAAAAO14/3E2Qw3lrbzg/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS12.jpg" /></a><br />
<h3>
<span style="color: red;"><span class="fgespectaculos">La descamisada</span></span></h3>
Para Nelly Omar, como para otros artistas, hubo un quiebre abrupto
en su carrera con la prohibición y proscripción del peronismo. Como
muchos de los que adherían públicamente a este movimiento, su caída
marcó el ingreso de la cantante a las listas negras. No sonó más por
radio ni tevé. No fue contratada nunca más. Pasó a estar prohibida. De
la noche a la mañana perdió su única fuente de ingresos, que era su voz.
“Yo no me arrepentí nunca de haberle grabado a Evita esas dos canciones
por las que quedé marcada. Ni me arrepentiré”, se plantaba ella cuando
se le preguntaba por aquella época. Se refería a “Ese pueblo” y sobre
todo a “La descamisada”, que grabó para la campaña del ’45 y quedó
fijada en su voz: “Soy la mujer argentina, la que nunca se doblega, y la
que siempre se juega, por Evita y por Perón”. Aunque lo suficientemente
“rebelde”, “difícil de encuadrar” o “espíritu libre” como para que su
figura haya podido ser retomada públicamente por el actual gobierno
peronista, Nelly Omar pudo cantar esos versos con la misma convicción
hasta sus últimos días. En su bolsillo llevaba siempre una imagen de
Evita, la Evita joven, sonriente, recortada a mano de una postal. “Para
tenerla cerca”, decía.<br />
Contaba que la llamada Revolución Libertadora hasta mandó a allanar
su casa con una falsa denuncia de que allí se escondían armas. Lo único
que encontraron como sospechoso, y se llevaron, fueron las imágenes y
cuadros de Perón y de Evita. “Yo estuve 17 años sin trabajar porque me
metieron en una lista negra impuesta por la revolución fusiladora, por
ser peronista de Perón y amiga de Evita, una mujer con gran personalidad
que se fue demasiado pronto cuando tenía mucho por hacer. Como
desgraciadamente no tenía a nadie a quien darle de comer, porque no
tengo hijos, me las fui arreglando sola. Pero, claro, tuve que vender el
piano”, contaba.<br />
<h3>
<span style="color: red;"><span class="fgespectaculos">La criolla</span></span></h3>
Tango, milonga, vals, música criolla con guitarras, fueron tomados por Omar para formar un <span class="bu2cl8" id="bu2cl8_6">repertorio</span>;
su voz quedó fijada en temas como “Sur” –ella aseguraba que lo había
estrenado–, “Amar y callar”, “El adiós de Gabino Ezeiza”, “Del tiempo de
la morocha”, “Manoblanca”, “Nobleza de arrabal”, la milonga “Tu vuelta”
–su gran clásico–, entre muchos otros registros. Cuando volvió, fue
como un milagro, toda ella: parecía haber firmado algún pacto secreto
vaya uno a saber con quién. Realmente costaba creer que tenía más de
cien años. No sólo al verla tan bella, con esa piel privilegiada, esas
piernas envidiables, ese peinado con brillitos. Al escuchar la lucidez
con la que hablaba, salpicando sus dichos con ese sarcasmo que era
propio y que revelaba toda una personalidad –era brava la Omar–. En sus
conciertos en el Luna Park recordaba todas las letras de memoria, pedía
perdón por tener que usar un machete para seguir los temas de su último
disco, La criolla. A ese machete, lo leía sin anteojos. Pero la sorpresa
aparecía, sobre todo, al escucharla cantar, con una voz limpia y
afinada, que podía ser dulce o agreste, con un fraseo que realzaba cada
verso.<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-amOxDOoOmEE/UsBCzRA1dMI/AAAAAAAAO1s/LuvAA8Rp37w/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-amOxDOoOmEE/UsBCzRA1dMI/AAAAAAAAO1s/LuvAA8Rp37w/s1600/NELLY-OMAR-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" /></a><br />
<br />
Cuando llegaba el momento de “La descamisada” levantaba dedos en ve,
invitaba a la liturgia. “Y sí, yo soy peronista hasta la médula. Cuando
venga alguno que sea mejor que Perón y Evita, bueno, hablamos”,
arengaba. Y era conmovedor asistir a lo que despertaba entre el público,
conformado por todas las edades, también por aquellos que seguramente
cantaron con ella tantos años atrás. Como ese matrimonio que había
sacado plateas en primera fila y había desplegado la bandera casera, con
el escudo peronista estampado: “Gracias, compañera cantora. Andrea y
Luis Solari”.<br />
“Cantando me he de morir, cantando me han de enterrar... Dende el
vientre de mi madre vine a este mundo a cantar” citaba al Martín Fierro
Nelly Omar en sus espectáculos. Ese espíritu libre y rebelde, el de la
última cantora nacional, parece haber sabido cumplir su voluntad. <br />
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-59112077819786301552013-12-28T11:34:00.001-03:002013-12-28T11:34:26.928-03:00RAMÓN AYALA, EL VIEJO RÍO QUE VA...<h2>
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><span class="cradar"> <table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/--5K27DVvM-k/Ur7gm6z6roI/AAAAAAAAO1Y/GFSjZ-qTOgU/s1600/ramon-ayala-el-refugio-de-los-musicos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/--5K27DVvM-k/Ur7gm6z6roI/AAAAAAAAO1Y/GFSjZ-qTOgU/s320/ramon-ayala-el-refugio-de-los-musicos.jpg" title="Ramón Ayala" width="255" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;">Ramón Ayala</span></td></tr>
</tbody></table>
</span></span></span></h2>
<h2>
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><span class="cradar"> EL VIEJO RÍO QUE VA</span></span></span></h2>
<div class="intro">
<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">Detrás de una seguidilla de <span class="n54p83h" id="n54p83h_6">canciones</span> extraordinarias como “El mensú”, “El jangadero”, “El cosechero” o “Amanecer en Misiones”, interpretadas por <span class="n54p83h" id="n54p83h_1">los mejores</span>
cantantes durante décadas, se esconde la firma y estampa del misionero
Ramón Ayala, un gigante del folklore equiparable a Atahualpa Yupanqui.
Recuperado por las nuevas generaciones, en los últimos tiempos le llegó
el momento de mayor visibilidad, con la edición del disco Cosechero y el
documental del fotógrafo Marcos López, dedicado a retratar su vida y la
relación con su público. A los 80 años confiesa estar cantando mejor
que nunca en su vida, reconciliado con su voz, dispuesto a seguir
adelante. En esta entrevista, Ayala también hace un alto para recordar
sus inicios en el Palermo Palace, donde Julio Cortázar ambientó el
célebre “Las puertas del cielo”, la creación de un ritmo como el
gualambao y el recuerdo imperecedero de un encuentro con el Che Guevara.</span></b></span></div>
<div class="botones">
<div class="icono">
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</div>
<a href="http://www.blogger.com/null" name="formu_mail"></a>
<div class="autor">
Por Sergio Pujol</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
María Teresa Cuenca prepara café y acomoda unas medialunas sobre la bandeja. <span class="n54p83h" id="n54p83h_4">Son las</span> 11 de la mañana, mes de diciembre. En la antigua casa <span class="n54p83h" id="n54p83h_3">del barrio</span>
de San Cristóbal no se oye un alma, como si estuviéramos en medio del
campo, o en una de esas ciudades que se apagan por completo después de
la medianoche. Charlamos informalmente, observados por cuadros de un
realismo más bien geométrico. Estos óleos traen a la vida tópicos
netamente misioneros: esa planta de caraguatá que, con ganas de salirse
del marco, descansa a pocos centímetros de la mesa del comedor, o
aquellos hacheros que se gastan en el almacén del obraje sus pocos
dineros, después de soportar los gritos del capanga: “¡Neike, neike!”.
Estas pinturas evocan un lugar en el mundo, un ecosistema bien diferente
del rioplatense. De pronto, una extrañeza atraviesa el aire. Es una voz
bien templada que parece venir de una de las habitaciones de la parte
delantera de la casona. Alguien está vocalizando intervalos de una
melodía que pugna por nacer. Se trata de una voz amplia, de barítono
volcado a lo popular. Suena joven, aunque con las voces nunca se sabe.
María Teresa no parece advertirla; al menos no le da más importancia de
la que puede concederle al canto de un benteveo en el techo de su casa.
Sólo al notar mi cara de sorpresa, se limitará a decir: “Por ahí anda
Ramón”. Seguimos conversando, pero la voz se intensifica, tiende a
imponerse por su propio volumen. Finalmente, una melodía cobra forma,
encuentra su letra y revela su cuerpo: “¡Amor, vida mía, sangre de mi
corazón...!”.</div>
Así sale a escena Ramón Ayala, cantando antes del saludo, o
saludando con su canto. Viste sin pudor y sin canas: camisa roja, jeans
apretados, zapatos de cuero marrón y una cabellera apócrifa color café.
Si a Horacio Guarany, que supo versionarlo en los ’60, le dicen El
Potro, ¿cómo llamar a este señor que, habiendo cruzado ya los 80 años,
tiene los bríos de una edad incierta? Ramón piropea a María Teresa, una
paraguaya encantadora que se enamoró de él tres décadas atrás, sin saber
que era un músico célebre, y luego se zambulle en una entrevista a la
que le impondrá su propio ritmo. “Nunca en mi vida he cantado mejor que
ahora”, empieza. “Nunca en mi vida me he sentido mejor; hoy tengo un
poder de gozar las cosas. Digamos que le he tomado el tiempo a la vida.”<br />
Escondido por décadas en una serie de canciones extraordinarias –“El
mensú”, “El jangadero”, “El cosechero”, “El cachapecero”, “Amanecer en
Misiones”, “Corochiré”, “Mi pequeño amor”, “Posadeña linda”, “Canto al
río Uruguay”, “Pilincho Piernera”... y siguen los títulos–, Ramón Ayala
goza en estos días de una visibilidad tan notable <span class="n54p83h" id="n54p83h_7">como</span>
la que a simple vista imponen su figura y su voz. Algunos hemos vuelto a
hablar de él; otros, silenciosa mayoría, lo han descubierto. Sus
canciones nunca se fueron del todo, aunque estaban a punto de volverse
anónimas. Su nueva hora comparte titulares con la revalorización de la
música litoraleña. Ayala representa esa música de un modo cabal y a la
vez heterodoxo.<br />
<h3>
<span style="color: red;"><span class="fgradar">BUSCANDO LA VOZ DEL LITORAL</span></span></h3>
<div class="izq">
<div class="foto borde0" style="width: px;">
</div>
<div class="foto borde0" style="width: px;">
<img alt="" src="http://www.pagina12.com.ar/fotos/radar/20131222/notas_r/sl04fo03.jpg" /></div>
</div>
<br />
¿Cómo historiar este rescate? ¿En qué momento el público joven se
sintió atraído por canciones que hablaban de plantas acuáticas, zorzales
de la selva y grandes peces de aguas dulces? ¿Qué factores convergieron
para que esta colorida suma de historias y mitos fluviales, mitad en
español, mitad en guaraní, de pronto cobraran sentido en intérpretes tan
diferentes entre sí como Los Nocheros y Tonolec? Un posible punto de
partida de esta historia podría situarse en las clases que Juan Falú
impartía a fines de los ‘90 en el Conservatorio Manuel de Falla. Uno de
sus alumnos, Pablo Dacal, aprendió el ritmo del rasguido doble y se
enamoró de “El cosechero”, que luego incluyó en su disco Música de
salón, de 2001. Pero el gran espaldarazo vendría cinco años más tarde
con Litoral, el álbum doble de Liliana Herrero consagrado a las
representaciones musicales y poéticas de los ríos Paraguay y Uruguay.
Allí, sendas relecturas de “Canto al río Uruguay” y “El cosechero” nos
recordaron la existencia de este insuperable baqueano del río y el
monte: “El viejo río que va/ cruzando el amanecer, / como un gran
camalotal/ lleva la balsa en su loco vaivén”.<br />
<br />
Quien también entendió que Ayala es cosa seria es el fotógrafo
Marcos López, que debutó en el cine con un notable documental sobre el
músico y su público. “Misiones es una provincia mágica en tono mayor”,
sentencia Ayala en un tramo de este film que sorprendió en la edición
2013 del Bafici. Agasajado por sus pares de la música popular, Ramón
acaba de compartir escenario con Pedro Aznar en la edición 44ª del
Festival Nacional de la Música del Litoral. Y así podríamos seguir.
Finalmente, sus pinturas dejaron de ser su segunda actividad. Con sus
colores fauve y sus construcciones equilibradas, estas obras han cobrado
cierta entidad en el mundo de la plástica argentina, como pudo
comprobarse en la exposición que le organizó el Museo Quinquela Martín
de La Boca.<br />
<br />
Pero tal vez lo más importante que le ha sucedido a Ramón en estos
últimos años sea el CD Cosechero, producido por Javier Tenenbaum y
editado por Los Años Luz Discos, el mismo sello que en 2010 lanzó el
magnífico Corochiré, un disco de Cecilia Pahl íntegramente dedicado al
repertorio ayalero. Ramón no grababa desde 2006, cuando Epsa le editó
Entraña misionera y Testimonial 1, inadvertidos discos de recitado con
guitarra. Indudablemente, la reaparición discográfica de Ayala adquiere
un valor difícil de exagerar, aun en el universo siempre exagerado de
quien, sin enrojecerse, no duda en comparar algunos de sus versos a los <span class="n54p83h" id="n54p83h_5">mejores</span>
de Pablo Neruda –a cuyo “Poema XX” Ramón le puso música–, o en
declararse el inventor de un ritmo, el gualambao, que en el futuro,
según augurios de su creador, será la identidad sonora de toda una
provincia.<br />
<br />
En definitiva, ¿cuáles de sus grabaciones “históricas” –algunas
grabadas en París o en Asunción– hoy se consiguen sin andar molestando a
los coleccionistas? El hombre no parece tener registro de sus
registros. No lo sabe, no le interesa. En el fondo, nunca se consideró
tan buen intérprete como autor, aunque algo parece haber cambiado con
Cosechero. El nuevo disco incluye canciones fundamentales, desde el
chamamé romántico “Posadeña linda” hasta la galopa “El mensú”, puestas
nuevamente en valor por un cuarteto virtuoso de bandoneón, guitarra,
contrabajo y percusión. La interpretación es cálida y concentrada. La
voz grave de Ayala se integra con naturalidad a los juegos de textura
del grupo.<br />
“Anduve siempre detrás de mi voz –confiesa–. No me satisfacía, no me
daba ímpetu para cantar. La usaba como podía, más como decidor que como
cantante. Tenía una voz muy de garganta, hasta que empecé a tomar
lecciones de canto y descubrí que hay un aparato importante en el
cuerpo: el diafragma.”<br />
<br />
<strong>¿Cómo fue pensado el disco? Da la impresión de haber sido
trabajado juntamente con los hermanos Juan y Marcos Núñez, que le
hallaron una sonoridad a la vez tradicional y moderna, con esa base
rítmica tan seductora de Facundo Guevara en percusión y Juan Pablo
Navarro en contrabajo.<br />
</strong>
–En realidad hubo ganas de hacerlo, no mucho más que eso. Los Núñez
son admiradores de mi obra, y han hecho una aproximación bastante
interesante. Por ejemplo, Juan toca el bandoneón, que funciona
perfectamente con la guitarra de Marcos. Es cierto que en la música del
Litoral predomina el acordeón, pero no olvidemos que Damasio Esquivel
era un bandoneonista extraordinario. Había trabajado con el gran Samuel
Aguayo, un músico paraguayo que, podríamos decir, inventó el chamamé. O
por lo menos le puso el nombre, aunque con un dejo un tanto despectivo.
Bueno, yo estuve allí, conocí a toda esa gente.<br />
<h3>
<span style="color: red;"><span class="fgradar">CRUZANDO EL AMANECER</span></span></h3>
<div class="der">
<div class="foto borde0" style="width: px;">
<img alt="" src="http://www.pagina12.com.ar/fotos/radar/20131222/notas_r/sl04fo02.jpg" /></div>
</div>
<br />
El mayor de cinco hermanos –a todos los sobrevivió–, Ramón Ayala
nació como Ramón Gumercindo Cidade, en Guarupá, a sólo 15 kilómetros de
Posadas. Su padre, un correntino de ascendencia brasileña, murió joven,
lo que obligó a su madre, hija de paraguayos, a emigrar a la ciudad de
Buenos Aires con tres de sus hijos, en busca de trabajo. La escena es
sintomática de un momento particular de la historia social argentina:
los migrantes internos van poblando los bordes de una ciudad que se
hincha al ritmo de la industrialización sustitutiva. Aquella gente será
la mano de obra que exija el capital, pero serán también un mundo de
música y poesía hasta ese momento desconocido en Buenos Aires. Es la
época de los “20 y 20”: muchachos del trabajo –pronto muchachos
peronistas– que eligen gastar sus cuarenta centavos entre la porción de
pizza y el disco de Antonio Tormo bramando “El rancho’e la Cambicha”.<br />
<br />
Como tantos correntinos y chaqueños, el misionero Ayala vivió entre
el Dock y La Boca. Todavía era un niño cuando se ganaba la vida haciendo
changas callejeras. Después trabajó en los frigoríficos, y finalmente
se sumó a la orquesta del gran Dalmacio (“Damasio”) Esquivel. Así empezó
a mejorar: lo redimió la guitarra, que había aprendido tocando unos
tanguitos, y lo puso en carrera el folklore argentino. De la mano del
autor de “Alma guaraní”, Ramón no sólo se instruyó en un contexto
instrumental amplio y musicalmente disciplinado (la orquesta formaba con
dos bandoneones, viola, cello, tres violines, contrabajo, piano y dos
guitarras), sino también –y sobre todo– aprendió a desentrañar eso que,
hasta entonces, había hegemonizado la cultura del tango: la noche
porteña. El tango gozaba de muy buena salud, con sus orquestas típicas
encabezadas por directores diestros y cantores carismáticos. Pero a su
ronca maldición maleva le había aparecido un rival: el folklore.<br />
<br />
Si bien el genérico “folklore” padecía de cierta vaguedad –de la
vidala norteña al rasguido doble correntino había una distancia
irreductible–, la imagen de cantores vestidos de gaucho, trajinando con
sus guitarras a cuestas las calles cercanas a Retiro a la hora del
cierre, era muy poderosa. ¿Qué importaba si remedaban al arriero de
Yupanqui o al mensú de Las aguas bajan turbias? Algo estaba cambiando en
los códigos porteños. Para beneplácito de muchos, para malestar de
varios. “Con el folklore había un rechazo de clase”, sintetiza Ayala.
“Estaba mal visto, pero en realidad no se sabía qué mierda era. Se
conocía la compañía de Andrés Chazarreta y no mucho más que eso. Sin
embargo, en los grandes bailes se oía mucho folklore, sobre todo chamamé
y música paraguaya.”<br />
<br />
<strong>Usted frecuentó el <span class="n54p83h" id="n54p83h_2">Palermo Palace</span>,
en Santa Fe y Godoy Cruz. Junto a La Enramada, era una de las casas de
baile más concurridas en los años ’40. Allí debutó Alberto Castillo. Hay
un cuento de Julio Cortázar, “Las puertas del cielo”, que describe
despectivamente esos sitios. ¿Por qué esa estigmatización?<br />
</strong>
–Porque era un lugar con muchas minas y mucha ginebra. Yo era un
pendejo de provincia que me pasaba la noche vestido con bombachas de
seda, tocando la guitarra con Esquivel. En el Palermo Palace se cocinaba
el folklore, tanto el del Noroeste como el del Litoral. Yo también
debuté ahí, como Castillo. Recuerdo perfectamente la noche del debut,
fue un sábado. Después de tocar me llevaron preso, porque me vieron con
unas chicas paseando por los alrededores. Estuve en un calabozo hasta
las cinco de la tarde del domingo, y de allí me volví al Palermo, de
nuevo a tocar con la orquesta. Estaban la orquesta de música guaraní o
paraguaya –el verdadero chamamé estaba en los albores–, la
característica de Feliciano Brunelli, que mezclaba el pasodoble con todo
lo demás, y a veces una de tango. Las chicas morían por los cantores, y
yo tenía mucho que aprender de la vida. Me ruborizaba con las mujeres
que practicaban el amor verdaderamente platónico, el de la plata:
“Cuánta plata tenés en la cartera”, eso te preguntaban ni bien te veían
interesado.<br />
<br />
Ramón festeja sus ocurrencias. Es rápido para el retruécano, le
gustan los juegos de palabras y siempre recuerda con picardía. Cuenta
mucho y calla bastante, pero no por timidez –habla de las mujeres
desembozadamente–, sino más bien porque un nuevo recuerdo termina
desplazando al anterior antes de que éste haya adquirido su forma
completa. Sin embargo, hay recuerdos que no se diluyen fácilmente. Por
ejemplo, el de Margarita Palacios, la gran cantora catamarqueña. Con
ella y con el músico mendocino Félix Palorma, del dúo Dávila-Paz, Ramón
recorrió el país de Ushuaia a La Quiaca. En ese tiempo se familiarizó
con el folklore del noroeste. Hoy Palacios y Palorma son entradas clave
en el diccionario de la música argentina de raíz nativa, pero Ramón los
frecuentó cuando recién empezaban. “Con Margarita viajé por todas
partes. Llegué hasta Tierra del Fuego, para luego subir por toda la
precordillera. Yo tocaba la guitarra y hacía la segunda voz y algunos
coros. Estando con ella me compré el primer esmoquin. A mí siempre me
gustó vestir de paisano. Tengo diez trajes de paisano, con diez
sombreros y diez pares de botas. Pero aquel esmoquin fue una emoción
inolvidable. Con él pude entrar a lugares más elegantes, como la
confitería Ruca, en avenida Corrientes. Era un sitio grande, muy caté
(de categoría), como decían los paisanos. Ahí conocí a Eduardo Falú.
Todo eso se lo debo a Margarita, un ser lleno de gracia e inocencia.”<br />
Hacia 1950, Ramón ya era un guitarrista bastante solicitado. “Me
perfilaba bien”, reconoce. Acompañaba a cantores y cancionistas en las
radios y en los bailes. Tocaba la guitarra con destreza y tenía cierta
facilidad para cantar en armonía. A lo largo de los años ’50, su nombre
brilló en el trío Sánchez-Monges-Ayala, donde hacía segunda guitarra y
primera voz, “aunque los otros tenían mejor voz que yo”. Ni la
heterogeneidad del repertorio ni el formato de trío a la manera de Los
Panchos parecían concordar demasiado con la idea de una tradición
cristalizada. “Con el trío tocábamos de todo”, recuerda Ramón. “Nos
sabíamos guaranias, tangos, canciones indias y guaraníes, pero también
algunos boleros.”<br />
<br />
<strong>¿Ya componía en tiempos de Sánchez-Monges-Ayala?<br />
</strong>
–Sí, “El mensú” lo hice en 1955, cuando todavía estaba en el trío.
La melodía fue una ocurrencia de mi hermano Vicente, que tocaba el
violín. Una noche que volvíamos en colectivo de Dock Sud, después de
cenar en una parrilla paraguayo-argentina, me la tarareó. Yo la
desarrollé un poco y le puse una letra con un propósito bien claro: que
transmitiera el grito desgarrado del monte. Después, ya como solista,
profundicé mi veta autoral. En 1963 compuse “El cosechero”, que fue un
éxito enorme. Y “El jangadero”, que Mercedes Sosa cantó como nadie.
Desde entonces no paré de componer.<br />
<h3>
<span style="color: red;"><span class="fgradar">PAZ PARA MI TIERRA</span></span></h3>
<div class="izq">
<div class="foto borde1" style="width: 232px;">
<img alt="" src="http://www.pagina12.com.ar/fotos/radar/20131222/notas_r/sl04fo07.jpg" /><span style="color: red;"><b> </b></span></div>
<div class="foto borde1" style="width: 232px;">
<span style="color: red;"><b>COSECHERO. RAMON AYALA LOS AÑOS LUZ</b></span></div>
<div class="foto borde1" style="width: 232px;">
<span style="color: red;"><b> </b></span></div>
</div>
En su libro El grito y la porfía, Ariel Gravano considera a “Canto
al río Uruguay”, “El mensú” y “El cosechero” como canciones pioneras del
canto testimonial de los años ’60 y ’70. De algún modo, estos temas
lograron articularse al Nuevo Cancionero de Armando Tejada Gómez y otros
renovadores, pero sin que Ramón dejara de ser una figura solitaria e
inaprensible. En su segundo disco, Canciones con fundamento (1965),
Mercedes Sosa grabó tres canciones seguidas de Ramón: “El cachapecero”,
“El cosechero” y “El “jangadero”. Desde ese momento, el misionero se
convirtió en autor representativo del folklore más contestatario. “Allá
por 1963 viajé a Cuba, invitado por el Instituto Cubano de Amistad con
los Pueblos (ICAP)”, comienza una de sus anécdotas favoritas. “Estuve en
una delegación con Rodolfo Walsh, José María Rosa y Rigoberta Menchú, e
hice amistad con Nicolás Guillén. Un día me avisan que Ernesto Guevara
quería saludarme especialmente. Me reuní entonces con el Che, que me
contó algo increíble: en los fogones de la Sierra Maestra, unas semanas
antes del triunfo de la Revolución, se cantaba mucho ‘El mensú’. Me dijo
que él amaba esa canción, que en un verso dice: ‘Paz para mi tierra
cada día más /roja con la sangre del pobre mensú’. Sentí una gran
emoción: un revolucionario como él cantando ‘El mensú’, yo no lo podía
creer.”<br />
<br />
<strong>Es una tentación compararlo a usted con Atahualpa Yupanqui:
un “Yupanqui del Litoral”, podríamos decir. Son dos autores y
compositores de larga carrera solista, creadores de canciones
folklóricas de contenido social y asimismo de una gran empatía con la
naturaleza. Y además, dos grandes viajeros. Los viajes de Atahualpa son
bastante conocidos, pero los suyos no tanto.<br />
</strong>
–Yo viajé ininterrumpidamente durante diez años. Me fui en 1967 y
volví el año del golpe, cuando los milicos prohibieron “El mensú”. Viajé
con mi guitarra y llevé mis canciones a los países más remotos. Estuve
en Tanzania, Kenia, Uganda, Abu Dhabi, Chipre, Líbano y muchos lugares
más. Una de las ciudades que más tiempo habité fue Barcelona. Allí tuve
un atelier en el barrio Chino, en medio de prostíbulos. Recuerdo que una
noche de 1973 estaba pintando y de pronto oigo la voz de Mercedes Sosa
cantando “El jangadero”. Alguien la estaba escuchando. La verdad es que
soy un artista atípico, ¿no? Se da en mí la coincidencia de la música y
la pintura, como aquella noche en Barcelona.<br />
<br />
<strong>Esa atipicidad lo llevó a crear un ritmo, el gualambao. ¿Cómo y por qué se le ocurrió?<br />
</strong>
–Vengo de una provincia que está puesta como una cuña entre lo afro,
que es Brasil, y lo guaraní, que es Paraguay. Me dije: Misiones tiene
que parir algo que sea esto, lo afro-guaraní. A mí me gusta el chamamé,
compuse “Señor de los campos”, que tiene todo lo que tiene que tener un
chamamé. Pero es de Corrientes. Entonces inventé un ritmo de 12/8, que
combina lo ternario con lo binario. El gualambao tiene melodía guaraní y
ritmo afro. Es algo propio de Misiones, de la Triple Frontera. Y yo soy
un músico de la Triple Frontera, o del Mercosur. Ese es mi mundo.<br />
<br />
La paternidad de Ayala sobre el gualambao fue recientemente
cuestionada por Chango Spasiuk. El asunto tiene enfrentados a los dos
músicos vivos más notables de Misiones. Ayala se malhumoró con Chango, y
es posible que lo asista algo de razón. Al fin y al cabo, un ritmo no
es sólo un esquema acentual. Decimos “ritmo”, y pensamos en un conjunto
de elementos, a modo de especie. En ese sentido, como síntesis del mundo
afro con el guaraní, el gualambao es bastante más que un compás de 12
por 8. ¿Cómo quitarle el crédito a Ramón? El bien podría decir, con
Heitor Villa-Lobos, “el folklore soy yo”.<br />
<br />
El final de la entrevista es un minirrecital de Ramón con su
guitarrón de diez cuerdas que mandó a hacerse especialmente –“me lo
copió Narciso Yepes”, bromea– y que toca como si fuera un arpa, con un
doble rasguido personalísimo. Lo alterna con el recitado de algunas
décimas sueltas de La historia de la abuela o la Guerra Grande, un
inmenso poema épico que está escribiendo a partir de historias que le
contaba su madre sobre la Guerra del Paraguay. Este hombre que viajó por
el mundo entero, que admira a Claude Debussy y a Duke Ellington tanto
como a los compositores paraguayos, que fue niño cuando el folklore
litoraleño era menor de edad y que ha forjado algunas de las metáforas
más impresionantes de nuestro folklore –“plata blanda mojada de luna y
sudor” para el algodón, “muerto el gigante del monte en su viaje final”,
para el árbol derribado–, es un ser íntegramente musical. Lo es cuando
improvisa fragmentos melódicos antes de desayunar, o cuando llena de
melodías y poemas ese cuaderno pentagramado que siempre tiene a mano,
mientras imagina cómo terminará el cuadro de la jangada que navega por
el río. “Me tengo muy analizado”, declara sin inhibiciones, poniendo en
jaque el trabajo de los psicoanalistas. “Y llegué a una conclusión: soy
una línea melódica permanente.”<br />
<br />
<div class="centro">
<div class="foto borde1" style="width: 450px;">
<img alt="" src="http://www.pagina12.com.ar/fotos/radar/20131222/notas_r/sld4.jpg" />CUADROS DE RAMON AYALA </div>
</div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-53076632009630776252013-12-06T03:12:00.001-03:002013-12-06T03:12:19.469-03:00 CACHORRO LOPEZ, DE LOS ABUELOS DE LA NADA A LOS GRAMMY LATINOS
<br />
<div class="logosuple top12">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-_yUo0koA9uo/UqFoJJNh6-I/AAAAAAAAO0s/KGQpgAl48Qo/s1600/cachorro-lopez-el-refugio-de-los-musicos1.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-_yUo0koA9uo/UqFoJJNh6-I/AAAAAAAAO0s/KGQpgAl48Qo/s1600/cachorro-lopez-el-refugio-de-los-musicos1.JPG" title="Cachorro Lopez" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: #134f5c;">Cachorro Lopez</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<b><span style="font-size: large;"> <span style="color: blue;"><span class="cespectaculos">“No creo que la popularidad esté en conflicto con la calidad”</span></span></span></b><br />
<br />
</div>
<div class="intro">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Consagrado como productor de <span class="pa713n1u45" id="pa713n1u45_7">artistas</span> tan diferentes como Andrés Calamaro, Miranda!, Bersuit, Julieta Venegas y Diego Torres, acaba de levantar una estatuilla en <span class="pa713n1u45" id="pa713n1u45_2">Las Vegas</span> por su rol de compositor junto a Vicentico. En esta entrevista repasa su ecléctica carrera.</b></span></span></div>
<div class="botones">
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<div class="autor">
Por Joaquín Vismara</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
La carrera artística de Cachorro López está signada por los viajes. A fines de los ’70, el <span class="pa713n1u45" id="pa713n1u45_1">golpe de Estado</span>
cívico-militar fue motivo más que suficiente para que decidiera enfilar
rumbo a Ibiza. Instalado en España, interactuó con comunidades de
músicos de diversa índole y conoció a otro expatriado: Miguel Abuelo.
Con él empezó a delinear el plan para revivir un grupo que el vocalista
había tenido a fines de los ’60 en Buenos Aires, unos tales Los Abuelos
de la Nada. En esta segunda encarnación, que comenzó una vez que ambos
regresaron a la Argentina, la banda se volvió uno de los pilares del
rock argentino en los últimos tiempos de la dictadura, un espacio de
resistencia artística en el centro del huracán. Terminada la experiencia
con el grupo, en 1987 López puso su bajo al servicio de Zas, el
proyecto comandado por Miguel Mateos, y volvió a hacer las valijas, esta
vez para girar por América latina durante dos años. Al llegar a México,
el músico decidió probarse las ropas de productor, y lo hizo con el
debut homónimo de Caifanes, que se volvió una de las piezas clave de la
renovación del rock de ese país, a fines de los ’80. La experiencia fue
el punto de partida para que López decidiese colgar el instrumento para
plantarse detrás de la consola en álbumes ajenos.</div>
<div class="margen0">
<br /></div>
Desde entonces, López ha recibido en su estudio a artistas de todo
el continente y de estilos bien diversos: desde Miranda! hasta Andrés
Calamaro (a quien le produjo el reciente Bohemio y también La lengua
popular), pasando por Julieta Venegas, Diego <span class="pa713n1u45" id="pa713n1u45_8">Torres</span>,
Bersuit Vergarabat y Rubén Rada. El prefiere no moverse demasiado de su
lugar de trabajo y últimamente sus viajes tuvieron un destino puntual:
la <span class="pa713n1u45" id="pa713n1u45_4">Costa Oeste</span> de
Estados Unidos, donde se celebran los premios Grammy Latinos. En 2006 y
2009 fue galardonado por su trabajo como productor, y en noviembre
también se lo reconoció por su labor en materia compositiva, como lo
indica la estatuilla de Mejor Canción de Rock que López recibió en Las
Vegas en noviembre, por su trabajo junto a Vicentico en la canción “Creo
que me enamoré”.<br />
<br />
<strong>–Es la tercera vez que recibe un Grammy Latino. ¿Cuán relevante es para usted este tipo de premios?</strong><br />
<br />
–Tienen una importancia relativa y, a su vez, son algo que viene
bien de alguna manera. Son una autogratificación de la industria
discográfica, pero el estar ahí da como una señal de que estás metido en
cosas importantes. Para un argentino, ganar un premio en algo que es
básicamente un show de Univisión es un mérito. Es jugar de visitante
definitivamente, y quiere decir que estás todavía vigente allá, donde
hay números diferentes y pasan otras cosas. Estoy muy contento porque
nunca había recibido un Grammy por mi trabajo como compositor, siempre
había sido como productor. Lo disfruto, porque además me gusta mucho
escribir con Vicentico, y me gusta mucho esta canción.<br />
<br />
<strong>–¿Cree que es importante ese reconocimiento regional?</strong><br />
<br />
–Claro, porque acá tenemos una visión muy particular de los Grammy,
pero hay que ir ahí, estar y contar cuántos sombreros mexicanos ves (se
ríe). De repente, en el rubro nuestro había muchos artistas de rock que
acá no se sabe ni quiénes son, pero por ahí tienen unas ventas
tremendas, tocan en foros enormes y tienen una presencia muy fuerte en
ese territorio, que es básicamente donde se decide todo. También estuvo
bueno que Illya Kuryaki and the Valderramas ganara en un rubro que es
muy importante, como lo es “Mejor canción urbana”. Al principio, el hip
hop era la categoría más pequeña de todas, y desde que entregaron los
reguetoneros se volvió algo muy popular e importante, así que es un
logro. Es triunfar en un territorio en el que estamos en desventaja.<br />
<br />
<strong>–Habla del peso de los premios desde la perspectiva de industria. ¿Pesa ese concepto en su trabajo?</strong><br />
<br />
–A mí me gusta la música popular, así que no estoy forzando mi gusto
para nada al integrarme a la intención vendedora de la industria.
Incluso los mismos artistas tienen ganas de que los ayude con los temas
que suenan, que son los que los mantienen tocando. Mientras la música me
guste y se haga con la mayor calidad posible, me parece que es lógico
que un artista trate de que lo que haga sea escuchado y sea recibido por
la mayor cantidad de gente posible.<br />
<br />
<strong>–¿Y no le pesa el planteo de que si algo es popular, entonces es comercial?</strong><br />
<br />
–Soy el primero que abandonó ese prurito, porque me encantan los
hits. Por ahí tengo un gusto vulgar, qué sé yo. Quizá sea una
herramienta profesional, pero no creo que la popularidad esté en
conflicto con la calidad. Lo que puede pasar es que un tema que se
vuelva muy popular, uno lo escuche demasiadas veces. Me pasa con temas
que hago yo, pero prefiero eso a que una canción sea oscura y no se la
pueda compartir con nadie.<br />
<br />
<strong>–Por <span class="pa713n1u45" id="pa713n1u45_6">más que</span> es partidario de los hits, ¿interpreta que el disco debe entenderse como una totalidad?</strong><br />
<br />
–Y, por lo menos en algún momento alguien le tiene que dar
oportunidad al resto. Cuando yo era chico, esperaba que saliera en
vinilo el Album Blanco haciendo cola en la disquería, iba a mi casa y
escuchaba cada lado entero. No me salteaba ningún tema, lo volvía a
escuchar, y todos teníamos más tiempo, paciencia y atención para darle a
todo. Ahora es todo muy veloz y muy explosivo. No quisiera ser un pibe
que recién empieza. Por ahí ellos están más acostumbrados y les parece
un mundo maravilloso, a mí me parece demasiado vertiginoso. Bajo mucho
de iTunes y me gusta la idea de los singles, pero también me gusta la de
un álbum, en el que vos recibís un mensaje un poco más entero y
articulado.<br />
<br />
<strong>–Usted empezó como productor después de su experiencia junto a Miguel Mateos...</strong><br />
<br />
–En realidad, lo primero que produje lo hice durante la época de
Abuelos, que fue un disco de Divina Gloria, y también hice unas cosas
con David Lebon. Cuando estaba de gira con Mateos, surgió el disco de
Caifanes, que terminó siendo una parte importante de la historia del
nuevo rock mexicano, y ahí quedé más asociado al rol. Después de pasarme
dos años de gira con Miguel, en los que estuvimos muy poco en la
Argentina, decidí bajarme del tour y quedarme en el estudio.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-ZsmjXbHUTXU/UqFoI66QMAI/AAAAAAAAO0o/v7GvHhu8rf4/s1600/CACHORRO-LOPEZ-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-ZsmjXbHUTXU/UqFoI66QMAI/AAAAAAAAO0o/v7GvHhu8rf4/s1600/CACHORRO-LOPEZ-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" title="Cachorro Lopez" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: #134f5c;">Cachorro Lopez</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<strong> –¿Y qué lo llevó a tomar esta decisión?</strong><br />
<br />
–Si vos estás de gira, estás tocando las mismas veinte o treinta
canciones durante un año. Y cuando el tour involucra mucho viaje, por
cada hora en la que estás arriba del escenario, estás otras cuarenta en
un avión, en un hotel, en un micro, probando sonido, haciendo prensa o
paseando por una ciudad desconocida. Cuando estás produciendo en un
estudio, estás haciendo música todo el día en una jornada de ocho o
nueve horas, y al terminar te vas a dormir a tu casa. Hay más tiempo
para hacer canciones y cada día me viene una diferente, de un artista o
estilo distinto. Soy una persona muy inquieta y me es más natural esto.
Tal vez, si tuviera un proyecto absolutamente mío o con el que me
identificara, como lo era Abuelos, me bancaría toda esa parte operativa
medio molesta. Los grupos ocurren cuando ocurren, uno no puede estar
fabricando esa situación.<br />
<br />
<strong>–Usted fue el artífice del regreso de Miguel Abuelo. ¿Tenía idea de la magnitud que podía llegar a tener ese proyecto?</strong><br />
<br />
–No, para nada. Nosotros éramos muy arrogantes y hablábamos con
mucha visión de grandeza de lo que íbamos a hacer, pero era más una
manera de sostenernos y no achicarnos ante las posibilidades muy bajas
que tenían todos nuestros proyectos. Además, si a mí me hubieran dicho
que iba a pasar eso, yo no lo hubiera creído, directamente. Nosotros
estábamos contentos con tener nuestro grupito y poder tocar. Todo lo que
nos pasó después nos desbordó a todos, creo.<br />
<br />
<strong>–Y cuando ve que hay canciones suyas de esa época que siguen
sonando a la fecha, ¿no le dan ganas de volver al rol de intérprete?</strong><br />
<br />
–Eso es verdad, pero los temas que hago con Vicentico, o los que
compuse para La lengua popular con Andrés (Calamaro), tal vez también
estén sonando de acá a veinte años, y son canciones que yo arreglé,
toqué y produje, por más que no las toque en vivo. A veces tengo la
fantasía de cómo sería volver a tocar en vivo, pero me doy cuenta de que
son más ideas que otra cosa. Me gustaría empezar un proyecto que
involucrara un grupo reducido de músicos, pero es una fantasía que vengo
acariciando hace mucho tiempo y no parece estar materializándose.<br />
<br />
<strong>–Trabajó con una gama muy amplia de artistas y géneros. ¿Qué cosas tiene todavía pendientes?</strong><br />
<br />
–Me divertiría algún día trabajar con Miguel Bosé. Su carrera es
fascinante y me causa gracia: hay cosas que me resultan geniales y otras
que me parecen horribles, pero es un tipo que siempre me pareció
intrigante. No tengo mucha fantasía; van ocurriendo cosas y termino
descubriendo gente. A veces me llaman por un artista que a mí no me
sorprende, entonces escucho su material, veo su actitud frente a la
música, y de repente me llevo sorpresas buenísimas. Me pasó con Bersuit,
que es un grupo que viene de un palo con el que habitualmente no
trabajo, pero elegí tirarme a la pileta. Los conocí en el estudio y son
totalmente geniales. Todos tocan, cantan, componen y tienen una armonía
entre ellos muy trabajada. Terminé disfrutándolo tanto que ahora estamos
terminando un segundo disco juntos.<br />
<br />
<strong>–¿Cómo mide la distancia a mantener con la obra de quienes trabajan con usted?</strong><br />
<br />
–Creo que el que tiene la última palabra es el artista. Ahora, como
tampoco quiero hacer un disco que no me guste, trato de ser muy claro en
la charla previa si veo que no va a haber cierto entendimiento. Sé que
una vez que se empieza, el disco es del artista, porque aparte yo
termino de grabar un álbum, descanso una semana y empiezo a hacer otro,
mientras el artista se queda defendiéndolo dos años. Soy absolutamente
insistente y voy muy fuerte si es un tema que puede cambiar el destino
de un disco y se lo está arruinando por algún motivo. Después, si es una
cosa personal o un guiño para su público, soy extremadamente abierto.
Pero si pienso que se están por cargar el tema que puede levantar toda
su obra en cuanto al poder de comunicación y popularidad, ahí me pongo
un poquito más denso.<br />
<br />
<strong>–¿Suele volver sobre trabajos ya realizados con una visión más crítica?</strong><br />
<br />
–Si lo hiciera, le cambiaría cosas a todo lo que hice. Trato de no
entrar en esa neurosis y prefiero relajarme porque todo es cambiable.
Escucho discos de Los Abuelos, en donde todo está un poco corrido, otro
poco chorreado, y así y todo me parece que están geniales. Si quiero
ponerme crítico con eso, que se supone que es lo más intocable que he
hecho, tengo por dónde entrarle a todo lo demás. <br />
<div class="centro">
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-XqJh8bR3tfc/UqFoPVSmhdI/AAAAAAAAO04/87IHETXsecU/s1600/LOS-ABUELOS-DE-LA-NADA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-XqJh8bR3tfc/UqFoPVSmhdI/AAAAAAAAO04/87IHETXsecU/s1600/LOS-ABUELOS-DE-LA-NADA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" title=" Junto a Miguel Abuelo, Cachorro López armó la formación más exitosa de Los Abuelos de la Nada." /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="centro">
<div class="foto borde0" style="width: px;">
<b><span style="color: #38761d;">Junto a Miguel Abuelo, Cachorro López armó la formación más exitosa de Los Abuelos de la Nada.</span></b></div>
</div>
</div>
</td></tr>
</tbody></table>
<div class="foto borde0" style="width: px;">
<span style="color: #38761d;"><br /></span></div>
</div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-38189255596640453412013-12-05T12:05:00.000-03:002013-12-05T12:05:32.534-03:00SKAY BEILINSON PRESENTA NUEVO DISCO.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-0iUT6_jh42M/Up9Oo098UJI/AAAAAAAAOz4/zLxkp4B2u58/s1600/SKAY+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-7aoeOZY7MaE/Up9Oqirav7I/AAAAAAAAO0Y/tozW5U9ThWY/s1600/skay-redondito-ricota.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-7aoeOZY7MaE/Up9Oqirav7I/AAAAAAAAO0Y/tozW5U9ThWY/s1600/skay-redondito-ricota.jpg" title="Skay en concierto" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;"><b>Skay en concierto</b></span></td></tr>
</tbody></table>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-ksVHFjT9LG0/Up9OpKGfmTI/AAAAAAAAOz8/iUcm4g_Uf3M/s1600/SKAY.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="intro">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Fue parte esencial del fenómeno de los Redonditos de <span class="aw3ovf8d7" id="aw3ovf8d7_5">Ricota</span>
junto al Indio Solari e indudable protagonista de esa épica intensa,
tumultuosa y cargada de hermética belleza. Hoy parece haber dejado atrás
tanto la agitada separación y las peleas como cualquier amague de
nostalgia. Skay Beilinson abrió una carrera personal e independiente
desde hace diez años y actualmente comanda banda propia, Los Fakires.
Ahora es el turno de su quinto disco solista,<span style="color: blue;"> La luna hueca</span>, con <span class="aw3ovf8d7" id="aw3ovf8d7_1">formato de disco</span>
de vinilo de media hora y canciones que asumen una definida influencia
oriental. En esta entrevista, Skay desanda un largo recorrido que
desembocaría en los Redondos después de haber incursionado en
experiencias comunitarias y rupturistas, de La Plata a Pigüé, y llega
hasta un tiempo presente de revalorización de la herencia familiar, de
serenidad y un crecimiento, paso a paso, en los bordes del circuito
alternativo.</b></span></span></div>
<div class="botones">
<div class="icono">
<a href="http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-9319-2013-12-04.html" target="_blank" title="Abrir nota en una ventana nueva"></a></div>
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</div>
<a href="http://www.blogger.com/null" name="formu_mail"></a>
<br />
<div class="autor">
Por Mariano del Mazo</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
La
paz que irradia –una serenidad imperturbable de cara al jardín de su
casa– es inversamente proporcional a lo que proyecta su contoneo
diabólico en vivo, esa amalgama mente-alma-muñeco-guitarra que parece la
corporización punk del famoso óleo de Picasso del viejo y la guitarra.
“Es que soy un perfecto esquizofrénico”, dice, detrás de <span class="aw3ovf8d7" id="aw3ovf8d7_3">los ojos</span> celestes que le valieron el apodo levemente castellanizado.</div>
No debe haber personaje vivo más unánimemente querible dentro del
rock argentino que Eduardo “Skay” Beilinson. Las causas habrá que
buscarlas en cierta manera de parecer siempre ajeno, una humildad
distraída expresada con un tartamudeo breve, borgeano. Son balbuceos,
formas: en definitiva Skay es quien es y supo correrse –al menos
públicamente– de las traumáticas heridas abiertas luego de la separación
de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; paradoja de un músico: la
disciplina que mejor maneja Skay de cara a lo social tiene que <span class="aw3ovf8d7" id="aw3ovf8d7_2">ver con</span> los silencios, deudores tanto de un temperamento tímido como de su fascinación por la cultura oriental.<br />
Espejismo, deseo o resignación, hoy las heridas parecen suturadas.
Se atenuó el tiroteo mediático –casi un homenaje platense a los
perdigones Beatles de los primeros años de la década del 70– y tanto el <span class="aw3ovf8d7" id="aw3ovf8d7_8">Indio</span>
Solari como Skay esquivan parejamente la nostalgia. Son, a su manera,
artistas obcecados que cargan como pueden el peso de una épica demasiado
hermosa, demasiado densa. Son como barcos que se intuyen en el medio
del océano. Cada uno exhibe su plan: el Indio, con sus esporádicos
conciertos que baten records y fogonean la ilusión de la misa ricotera
eterna; Skay, con su trajín por teatros y salas de escala humana, en el
borde de un circuito alternativo macerado después de Cromañón. En esas
elecciones se vislumbran claves del insondable fenómeno de los
Redonditos, el yin y el yan ricotero, el pasaje que fue de la
clandestinidad al centro neurálgico del rock argentino, sobre todo de
los ’90 para acá. “Nunca sé exactamente la cantidad de gente que hay en
mis shows –dice Skay–. De movida, cuando subís al escenario hay como una
especie de cortina que son las luces. No ves mucho más allá, apenas ves
los primeros rostros. La única diferencia está en la cabeza de uno: es
más fácil concebir un espacio cerrado. Cuando yo pruebo sonido, a la
tarde, veo el límite. Es un sitio que después a la noche puedo recorrer
con mi mente y mi imaginación. Los espacios abiertos para decenas de
miles de personas escapan a la imaginación. No podés saber qué hay más
allá, y la multitud es como un monstruo que... ¡más vale ni pensarlo!”<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-ksVHFjT9LG0/Up9OpKGfmTI/AAAAAAAAOz8/iUcm4g_Uf3M/s1600/SKAY.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-ksVHFjT9LG0/Up9OpKGfmTI/AAAAAAAAOz8/iUcm4g_Uf3M/s1600/SKAY.jpg" title="Skay con su Gibson 335" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Skay con su Gibson 335</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"> </span></span></span></h3>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"> </span></span></span></h3>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><span class="fgradar">PIGÜE</span></span></span></h3>
En un discreto segundo plano, la Negra Poli deambula por la casa,
atiende o no el teléfono que suena con ritmo sostenido o filtra con un
viejo contestador, toma algún mate, fuma, acota y deja revelar las
maneras del buen anfitrión: una amabilidad no invasiva, natural, de
facturas, bizcochos y algún leve movimiento de cabeza que afirma o niega
de acuerdo con los contenidos de la entrevista. Uno se pregunta cómo
esta mujer morocha y cautivante llegó a manejar los hilos del formidable
negocio del mastodonte redondito sin usar siquiera fax, celular, mail, y
ahora mucho menos Facebook o lo que sea... No hay respuesta. Y si la
hay, radica en la inteligencia feroz de la Negra Poli, en su capacidad
de manejar los tiempos, en su sapiencia territorial, en su coraje
mitológico –que refiere a enfrentamientos con comisarios sacados o a
botellas rotas ubicadas en el cuello de quien cuadre–, en fin, en el
conocimiento del alma humana. Hace 44 años que se conocen, incluso desde
antes tal vez sin saberlo. Se cruzaron –chocaron– en un concierto
compartido de Diplodocum Red & Brown y La Cofradía de la Flor Solar,
en el Teatro Atenas de La Plata, en 1969. Cumbre de psicodelia y
hippismo, Skay tocaba el bajo en Diplodocum y venía con la cabeza dada
vuelta de un viaje a París y Londres que incluyó piedras y corridas
frente a la policía en el Mayo Francés y un par de shows en vivo de Jimi
Hendrix y Traffic. Poli se había acercado a La Cofradía de la mano de
Rocambole y era artesana y actriz vocacional. Nunca más se despegaron.
“¿Ves? Así éramos. Mirá qué facha”, dice Poli, y señala una foto colgada
en la pared de una nota publicada en la revista dominical de La Nación
en la que se los ve, dueños de una juventud insultante, como hippies o
cuáqueros. Será 1970.<br />
<br />
Ahora, primavera de 2013, la pareja no parece haberse alejado
demasiado de la idea que los unió. El viaje seguramente es el mismo.
Aunque Skay se queje de los ruidos molestos que truenan cada noche desde
la calle Gorriti, aunque ya haya sido desechada la intención de comprar
un pueblo entero para vivir con amigos, el viaje hoy asume la forma de
una bohemia calma que los puede encontrar en un bar de Almagro fumando y
tomando champagne con amigos, o viendo bandas de rock en cualquier
sucucho (“Hay dos bandas que me parten la cabeza: La Doblada, de Javier
Lecumberry, el tecladista de Los Fakires, y Les Inestables, de Daniel
Amiano”, comenta con entusiasmo). Ahora 2013, en verdad, también, el
pasado y el presente es una trama deshilachada. Hasta da la sensación de
que la etapa de Patricio Rey funciona más como un recreo que como el
episodio central de sus vidas. Hubo y hay vida más allá de los
Redonditos de Ricota, porque la existencia de Skay y Poli fue
configurada por una cadena azarosa pre-rock más que por una estrategia
predeterminada. Concientizados en la más impoluta filosofía de los años
’60 –cuando en La Plata el maoísmo, el foquismo, el peronismo, el
siloísmo, el situacionismo, la poesía, el sexo, la droga y el rock and
roll se escudriñaban de cerca, con mayor o menor desconfianza, en
caminos paralelos que a veces llegaban a cruzarse–, se hundieron y
vivieron a tope la experiencia hippie. Por eso, cuando a Skay se le
pregunta cuál fue el instante más feliz de su vida, pasa de largo de
cualquier historia relacionada con los Redonditos, o con algún disco, o
con el dinero. Skay dice: “Pigüé”.<br />
<br />
<b>¿Pigüé?</b></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<b> </b>
–Sí, con la Negra nos fuimos a vivir en comunidad en medio de las
sierras, en Pigüé. Eramos un grupo de siete viviendo solitos, sin nada,
bajo el cielo y las estrellas. A la noche tocábamos la guitarra en un
fogón. Habrá sido 1970. Creo que muchas de las cosas que hago todos los
días tienen <span class="aw3ovf8d7" id="aw3ovf8d7_4">que ver</span> con recrear ese momento alucinante.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-B6F2vd1QTxk/Up9OqDPRTfI/AAAAAAAAO0M/uzQW-Nws7Xw/s1600/skayweb.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-B6F2vd1QTxk/Up9OqDPRTfI/AAAAAAAAO0M/uzQW-Nws7Xw/s1600/skayweb.jpg" title="Skay en concierto" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;"><b>Skay en concierto</b></span></td></tr>
</tbody></table>
<b></b><br />
<b>
<br />
<br />
¿Qué cosas?<br />
</b>
–Salir a caminar, escuchar los pájaros del jardín, meditar. No
medito de un modo ortodoxo, pero sí lo hago cada mañana a mi manera. Es
ni más ni menos que estar un poco conmigo, cuestionar una y otra vez mis
creencias, ponerme en paz con la gente que quiero.<br />
De la experiencia de Pigüé, en la que vivían de la caza y de la
nada, fueron “rescatados” por los padres de Skay bajo el diagnóstico de
neurosis mística. Skay sonríe: hace tiempo que está reconciliado con la
figura de Aarón y Berta, sus padres. Es más, no es alocado analizar su
estilo guitarrístico en relación con una genética definida. Lo dice
Kubero Díaz: “Skay toca como un judío errante”. Lo escribió Daniel
Curto: “Skay hace rock árabe”. Lo cierto es que las escalas orientales
están cada vez más presentes en su obra. “Es así –concede Skay–. Yo lo
relaciono con mi viejo. En casa éramos judíos casi sin serlo, porque no
se profesaba nada, no se celebraban fiestas, ni siquiera fuimos
bautizados. Mis viejos eran ateos. Curiosamente, de grandes, la cosa
cambió. Mi hermano Guillermo se volcó al estudio de judaísmo, de la
Cábala. Me pasó un montón de textos, y descubrí una <span class="aw3ovf8d7" id="aw3ovf8d7_6">cultura</span>
riquísima. Te contaba lo de mi padre: él nació en Azerbaiján, en Bakú,
en el Mar Caspio, que es la zona de los kurdos. Siempre pensé que había
algún gen dando vuelta por ahí que me llevaba a hacer este tipo de
escalas de Medio Oriente. Me salen solas, me resultan familiares.”<br />
<br />
<b>¿Y tu madre?<br />
</b>
–Ella sí era una melómana total. Dejaba el dial clavado en la radio
uruguaya El Sodre, y escuchaba música clásica, ópera. Tenía una gran
colección de discos mi madre. A mí me apasionaban Carmina Burana, y
Mozart y Vivaldi. Mi viejo fue uno de los impulsores de la Fundación del
Teatro Colón, y supongo que no fue más que un gesto hacia mi mamá. Con
toda esa data, genética y adquirida, a los ocho años me puse a aprender
guitarra con un muchacho que tocaba jazz. El me tiró los primeros
acordes y me enseñó temas de Eduardo Falú y Atahualpa. Cuando descubrí a
Los Beatles largué todo. ¡Se me quemó la cabeza! Empecé a tocar solo,
como un loco. Autodidacta total.<br />
Los Beatles han sido el kilómetro cero de músicos tan disímiles que
ya nadie sabe bien qué quiere significar esa influencia. La luna hueca,
el quinto disco en once años de vida solista de Skay, ciertamente no
escapa a la órbita beatle pero incursiona también en el Led Zeppelin más
folklórico. Oriente es una omnipresencia tanto en letra como en música:
“La fiesta del karma” profundiza la huella mística abierta por el
Harrison de Sargent Pepper y que transitó con autoridad y a su manera
Robert Plant y desata, como canta Skay, “una danza cósmica”. “El
redentor secreto” narra una leyenda infantil sufí y “La nube, el globo y
el río” –la perla del disco– es una alegoría zen con orquesta dirigida
por Alejandro Terán, un cuarteto de cuerdas más trompeta y flauta que se
eleva en un crescendo cinematográfico. “Es curioso, el concepto de los
discos lo descubro después. Primero me voy guiando por el abanico
rítmico, armónico y sonoro que reconozco como propio de mi mundo: quiero
que en todas las canciones quede reflejado ese abanico. Con el título
pasa algo similar. Estaba barajando títulos posibles y de repente me
apareció La luna hueca. Me gustó la sonoridad. Después me pregunté qué
sería una luna hueca, qué ocurriría en ese vacío. Lo fui llenando de
ideas. Mi respuesta fue que lo que hay en esa oquedad es misterio,
magia. En un momento pensaba ponerle al disco Después del fin del mundo.
Hay una idea apocalíptica en el disco.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-0iUT6_jh42M/Up9Oo098UJI/AAAAAAAAOz4/zLxkp4B2u58/s1600/SKAY+2.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-0iUT6_jh42M/Up9Oo098UJI/AAAAAAAAOz4/zLxkp4B2u58/s1600/SKAY+2.jpg" title="Skay y su Gibson Les Paul" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Skay y su Gibson Les Paul</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<b><br />
<br />
<br />
Es además un disco bastante corto...<br />
</b>
–Media hora, sí. Yo me acostumbré a escuchar música con el viejo
formato del longplay. Para mí es un tiempo justo de atención, lo que se
puede tolerar. No es que no tenga material, quedaron un montón de ideas
afuera, que las descarté en el estudio. Yo entro con demos, con
bosquejos, y es en el estudio donde las canciones empiezan a tomar
carácter, a tomar forma. Algunas prosperan, otras quedan atascadas por
ahí y las abandono, otras van mutando... Juego mucho en el estudio en
ese sentido. El carácter es importante. “Ya lo sabés”, por ejemplo, lo
pensé como un tango, y después varió en una rítmica muy Police.<br />
<br />
<b>Ahora que ya pasó el tiempo, ¿qué sentís que ganaste desde tu debut solista?<br />
</b>
–De movida, estoy cantando mucho mejor. Como banda –Los Fakires–
hemos avanzado muchísimo, creo que el tiempo hace bien a las bandas,
entran a tomar cierta personalidad. Además, toda la complicidad que
empieza a haber en la intimidad se refleja en la manera de tocar y de
llevar adelante los arreglos en las canciones. En las letras también,
creo que aprendí un poco a sacarme la ansiedad de que las letras tienen
que ser una especie de manifiesto o que tienen que aparecer de un tirón,
como una inspiración que viene del cielo. Las trabajo muchísimo. Siento
que este disco es muy parecido a quien soy.<br />
<br />
<b>¿Qué te pasaba en ese sentido en los Redondos?<br />
</b>
–A veces compartir la autoría con otra persona tiene sus glorias y
sus desventajas. Tenés que conciliar tus mundos con los del otro.
Componer solo me da la libertad de ir adonde mi corazón me lleve. Esa es
la ventaja. En sentido contrario, laburar con el Indio me liberaba de
cualquier preocupación letrística. El Indio es un gran letrista. Y la
gente le presta atención a una buena letra. Aunque nunca supe bien cómo
llegan. Es poesía, pero no específicamente poesía... La canción llega
con letra y música, y a veces lo que la palabra no dice lo completa la
música, o al revés. Para mí fue un desafío tratar de hacer una letra que
no esté tan distante de la poesía que yo admiré, que es la poesía del
Indio, y asimismo encontrar un lenguaje propio.<br />
<br />
<b>¿Y con la voz te pasó algo similar?<br />
</b>
–No. Es que yo siempre canté. Tengo una voz en la que me reconozco, una especie de carraspera. Bueno, fumo y tomo alcohol.<br />
<b>¿Qué sentís cuando en tus conciertos la gente pide que se vuelvan a juntar, algo que también ocurre en los recitales del Indio?</b>
–Es una tradición. Si no lo cantan es como si faltara algo. Pero la gente sabe que ya fue, que fue otro tiempo.<br />
<br />
<b>¿Te da tristeza cómo se desarrolló la historia?<br />
</b>
–Las amistades son así. Fuiste amigo de alguien y los caminos se
bifurcaron. Una mira al Norte y el otro al Sur. Fueron años muy
intensos, muy ricos, pero la vida sigue. Lo que pasó en los últimos
años, de cierta disputa, es lógico de alguna manera. Nada que el tiempo
no suavice.<br />
<br />
<b>¿Ahora vislumbrás algún motivo del final que destaque sobre otro?<br />
</b>
–Cuando las cosas se vuelven tan gigantes a veces empiezan a
desnudar miserias, y te hace perder de vista las razones por las que te
metiste en esto, qué es lo más importante, por dónde pasa todo. El hecho
de empezar de nuevo en una escala pequeña me permitió volver a
recuperar la pasión, el gusto por tocar, por estar con mis compañeros.
Para mí tocar una o dos veces al año con los Redondos era doloroso. Me
hacía mal. A mí me gusta tocar, para mí el escenario es vivir, es un
sitio terapéutico. Entonces esperar un año para tocar, con el quilombo
agregado de estar atentos a un montón de cosas menos a lo fundamental,
que es el arte, las canciones... Fue raro. La gente siempre nos decía:
“Los Redondos son el pretexto para que nosotros podamos vivir esta
aventura, para que nosotros podamos viajar, conocer gente y lugares”.
Eran claros: “No se preocupen por nosotros”. Pero sí nos preocupábamos:
por los enfrentamientos, por la puerta, por la policía. Cuando ves que
gente que querés está sangrando, tiene heridas, en vez de una fiesta es
un padecimiento. Siempre estuvimos al borde de la catástrofe.<br />
<br />
<b>¿Ves imposible un regreso?<br />
</b>
–Yo lo veo como: “¿Volverán los Reyes Magos?” ¡Qué sé yo!<br />
<h3>
<span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><span class="fgradar">EL BLUES DE LA LIBERTAD</span></span></span></h3>
Los Fakires suenan como una añejada banda viajera. La voz nocturna
de Skay parece llegar de otra dimensión: también sugiere viaje, ruta,
nomadismo. Rocambole eligió para la portada una trama como de telaraña
roja y negra, y un holograma que pendula entre el título del disco y una
imagen lunar. Adentro los dibujos conceptualizan las letras y todo
–música, letra, diseño– convierten a esta Luna hueca en un artesanal
artefacto de rock and roll a la vieja usanza. El disco como un todo.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-MSrFgJUmHFE/Up9OpjbIomI/AAAAAAAAO0E/UVobqXFdYsY/s1600/SKAY+45.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-MSrFgJUmHFE/Up9OpjbIomI/AAAAAAAAO0E/UVobqXFdYsY/s1600/SKAY+45.jpg" title="Skay caricaturrizado con su Gibson 335" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;"><b>Skay caricaturrizado con su Gibson 335</b></span></td></tr>
</tbody></table>
<b><br />
<br />
¿Qué te pasa con los viajes?<br />
</b>
–Me pasa que descubro la música propia de cada lugar. Creo que cada
ciudad tiene un sonido propio: Montevideo tiene un sonido propio, que no
es el de Buenos Aires, por ejemplo... Hay algo en el aire, y no hablo
de música. Es como un espíritu, un pulso, que es posible traducir en
músicas. La cultura se refleja en esas atmósferas. Mi fascinación por
Oriente y Medio Oriente tiene que ver con eso. Hicimos con la Negra un
viaje a Marruecos que fue revelador. Fez me mató. Fue un viaje al
pasado. Fez es del año 1100 y siguen viviendo igual. Es un pueblo
profundamente religioso. En Occidente se abandonó la religiosidad, sólo
se adora al dinero. De Fez me traje instrumentos de percusión, varios
tipos de flautas. Ahora venimos de Turquía. En Estambul conocí una
especie de sitar de tres cuerdas dobles. Cuando me puse a tocar fue como
si lo hubiera conocido de toda la vida. Me gustan los folklores. El
tango, por ejemplo, lo descubrí hace poco.<br />
<br />
Tal vez tapado, o aplastado, por el peso específico de los
Redonditos de Ricota, Skay quedó envuelto en esa especie de logia
endogámica que sugería la banda. Pero es una falsa impresión, porque en
estás décadas grabó en discos de innumerables artistas –de Edelmiro
Molinari y la Galletita a Dancing Mood, pasando por la banda uruguaya
Níquel, de Jorge Nasser– y subió a muchísimos escenarios ajenos. Skay
practica también el arte de compartir. Habla de una noche extrañísima
junto a Pappo, Black Amaya y Alejandro Medina en Arpegios, y se acuerda
de Luis Alberto Spinetta. “Siempre me fascinó. Es un artista que iba más
allá. Siempre un poco adelantado a sus fans. Para mí fue una escuela,
un camino a seguir, el que yo prefiero transitar. Me pasa a mí. En algún
momento del show me parece que es bueno ser cómplice de un instante, y
tocar dos o tres temas de los Redondos, no más. Después creo que si mis
canciones son buenas tarde o temprano la gente las va a disfrutar. Por
suerte, ya pasa con muchas. Charly García igual, un gran artista. Hace
poco grabé para el nuevo disco de Daniel Melingo... Para mí a Melingo
hay que ponerle el ojo: dio una vuelta de tuerca impresionante, pasó los
límites de lo previsible y está haciendo cosas totalmente deformes,
dementes y bellas.”<br />
<br />
En definitiva, Skay Beilinson siempre habla de la libertad: la
musical y la otra. Cree que luego de su muerte va a ser olvidado
rápidamente, y que no hace discos para trascender. “Son, otra vez, actos
de libertad. Estoy muy conforme con mi vida, pero sé que esto se acaba,
al menos de la forma que conocemos. Lo demás es misterio.”<br />
Uno de los últimos libros que lo atraparon del cuello y no lo
soltaron hasta el final es Sobre Sánchez, la notable biografía escrita
por Osvaldo Baigorria que, en su propia telaraña, fue también angustiosa
autobiografía. El libro intenta enlazar la increíble y errática vida de
Néstor Sánchez, el escritor de Siberia blues y Cómico de la lengua, que
pintaba para gran revelación literaria argentina, pero que se perdió en
una vida peregrina, alucinada, extrema. Entre el jazz y la devoción por
el Cuarto Camino de Gurdjieff, Néstor Sánchez se deslizó en un delirio
místico que surcó la década del 60. El libro, finalmente, habla de la
libertad radicalizada, abismal. No cuesta entender por qué a Skay le
gustó tanto Sobre Sánchez. De Pigüé a Fez, este hombre que no da 61 años
y que concede que hizo de su limitación guitarrística un estilo,
querría estar en cualquier lado menos en el centro de la escena. Como
Sánchez, su vida tiene sentido en la experiencia, en el viaje. Por
momentos parecería que el fenómeno de los Redonditos fue un gran
malentendido: una noche Skay se fue a dormir luego de haber tocado con
amigos en el teatro Lozano de La Plata a puro ácido, y se despertó al
día siguiente en el medio de la cancha de River a punto de estallar. “La
luna hueca, el vacío, ¿con qué llenarlo? Mi única arma es la música”,
dice. Canta en “Cicatrices”: “Siempre me ha tocado estar en el fuego /el
fuego cura y también deja cicatriz / Soy una gota en el mar de la
historia /sólo un destello fugaz en la eternidad”.<br />
Entre el amor y el dolor, entre el fuego y la cicatriz, en la fugaz eternidad, Skay parece un hombre feliz.<br />
<br />
<br /></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-14033371516978039162013-11-27T12:56:00.001-03:002013-11-27T12:56:52.875-03:00ADIOS AL GRAN GUITARRISTA Y COMPOSITOR DE BLUES J.J. CALE<h1>
<span style="color: red;"> </span></h1>
<div class="article_txt_intro">
</div>
<div class="toplinks">
<div class="delimiter">
</div>
</div>
<div class="contentImage floatNone" style="width: 640px;">
<br />
<span style="color: yellow;"><b><span style="background-color: lime;"><span class="imageCaption"></span></span></b></span></div>
<div class="dateblock">
<br />
<div class="author">
</div>
<div class="author">
<span class="">Katherine Cole</span></div>
<div class="author">
</div>
<div class="article_date">
August 02, 2013 </div>
<div class="article_date">
<br /></div>
</div>
<div class="articleContent">
<div id="ctl00_ctl00_cpAB_cp1_cbcContentBreak">
<div class="zoomMe">
Songwriter <a href="http://jjcale.com/top.html" target="_blank">J.J. Cale</a>
was a guitarist who preferred to stay in the background and let others
make hits of his songs, such as “After Midnight” and “Call Me The
Breeze.”<br />
<br />
Cale, 74, died on July 26 at a hospital in La Jolla, California. Cause of death was listed as a heart attack.<br />
<br />
Cale was born in Oklahoma City and raised in Tulsa, Oklahoma. He grew
up in what he described as a vibrant, boom town. Oil had brought money
to Tulsa, and workers from all over the world followed it. Their music
came along, too.<br />
<br />
“Tulsa is kind of in the middle of the United States and rhythm and
blues and blues came out of Mississippi and kind of filtered up there
and jazz coming out of the north, Kansas City was a big jazz hotbed in
the ‘50s and late ‘40s, and Western swing, which is kind of a Country
guy’s impression of swing music of, say, Glenn Miller and those kind of
guys. So it was kind of a melting pot in there," Cale said. "Then rock
& roll hit about 1956 or ’54, I guess. And I decided that was my
kind of music.”<br />
<br />
<h5 class="tagaudiotitle">
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">Remembering J.J. Cale</span></span></h5>
<div class="mediaplayer audioplayer" id="a36c9237638bd4d49b3cc7ac6d7362516">
</div>
<br />
Influenced by all those different styles, Cale picked up a guitar and
learned to play. After finishing high school, he performed in bands and
began working as a recording engineer. Cale was friendly with another
Tulsa musician, Leon Russell, and the piano player soon convinced him to
pack up his guitar and move to Los Angeles. In California, Cale
continued working as a guitar player and made his first recordings, but
they weren’t hits and he decided to return to Oklahoma.<br />
<br />
In those days, Cale saw himself as a guitarist first and an engineer
second. Songwriting wasn’t his career. In fact, he said, it wasn’t even
something he put a lot of effort into. It was just something you had to
do, if you were going to make an album.<br />
<br />
In 1970, times were tough for Cale and he was about to give up music
altogether. One night he turned on the radio and heard a song he had
written, “After Midnight,” being sung by Eric Clapton. And suddenly,
Cale was a hit songwriter.<br />
<br />
“When Eric Clapton cut 'After Midnight,' he sold so many records and it
was so big at the time, I decided that I would pursue the songwriting
thing." Cale said. "I was 34 years old at that time. I’d been down the
pike and back before I had any success at all.”<br />
<br />
Soon, Cale was in Nashville, cutting “Naturally”, his most successful
solo album, and a disc that featured his hit single, “Crazy Mama.”<br />
<br />
While he went on to record more than a dozen solo albums and one
Grammy-winning duet CD with Eric Clapton, he saw himself as a songwriter
first and a performer second. <br />
<br />
“What my whole object was is not to really sell records. I was trying to
sell songs," Cale said. "And instead of running around Nashville or New
York or Los Angeles, knocking on people’s doors and trying to get them
to cut my songs, we thought that making records would get the songs out
there farther and it really did. So, my records really didn’t sell, but
musicians started picking up on my sound and my songs and cutting my
songs and that turned into a gold mine.” <br />
<br />
Other artists covering Cale’s songs include Dionne Warwick, Johnny Cash, Tom Petty, Carlos Santana, and The Band.<br />
<br />
If you’re interested in hearing Cale sing his own songs, there is a
newly-released boxed set containing five early albums. “The Road To
Escondido,” his Grammy-winning blues duet album with Eric Clapton is
another good choice. It’s a mix of originals and covers, including their
take on the classic “Sporting Life Blues.”
</div>
</div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-38263817095078846532013-11-21T18:35:00.000-03:002013-11-27T13:12:38.286-03:00JUANA MOLINA Y SU NUEVO DISCO: WED 21<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="height: 393px; margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center; width: 494px;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-XtHgUFoGZLo/Uo55kxIk87I/AAAAAAAAOzA/GzfD96gTwmU/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos2.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-XtHgUFoGZLo/Uo55kxIk87I/AAAAAAAAOzA/GzfD96gTwmU/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos2.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b><span style="color: lime;">Juan Molina</span></b></td></tr>
</tbody></table>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="font-weight: normal;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"></span></span></span></span></h3>
<h2>
<b style="color: red; font-size: x-large;">Hace veinte años Juana Molina dejó la televisión y
su carrera de actriz en el momento en que se perfilaba como la gran
comediante argentina, capaz de alcanzar la altura de Niní Marshall. Pero
ella dejó Juana y sus hermanas para hacer lo que más le gustaba:
componer y tocar la guitarra. Muy pocos la entendieron, y en 1996 editó
su primer disco, Rara, casi como una respuesta a esa incomprensión. Poco
después se fue a los Estados Unidos, donde empezaría una carrera fuera
del país. De a poco, fue volviendo, la gente fue apreciando sus discos y
se hizo de un grupo de fans de su música muy fiel e intenso. Ahora,
después de una breve reaparición de sus personajes más recordados para
una campaña publicitaria, edita Wed 21, su sexto disco. Antes de
presentarlo en Buenos Aires, el 12 de diciembre, en el Teatro Vorterix,
en esta entrevista habla sobre sus nuevas y bailables canciones y sobre
por qué revisitar a sus personajes fue una tentación para volver a
actuar, pero no tan fuerte como para dejar la música.</b></h2>
<div class="botones">
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</div>
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<br />
<div class="autor">
Por Micaela Ortelli</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
Su
quinta de Pacheco está contada una infinidad de veces. Técnicamente,
porque Juana Molina apenas sale de ahí cuando no está de gira, pero,
sobre todo, porque hablar del lugar es hacerlo de ella. Y hoy su pelo y
su jardín están igualmente crecidos. Juana camina lento, acompañada de
seis perros canosos, y las mismas guillerminas que usa en recitales y
entrevistas por televisión se hunden en el pasto verde oscuro. Lleva su
beige habitual: pollera y remera; una faja del mismo tono le presiona
las costillas. Hace dos meses, en un accidente en bicicleta del que sólo
dice “una estupidez”, se quebró cuatro. ¿Un obstáculo o una señal?, se
preguntó, ya que justo había entregado a Crammed, un sello belga, su
último disco. Juana prefiere leer todo como señales y Wed 21 tuvo que
postergar los ensayos, pero llegó a bateas –acá lo editó Sony hace unas
semanas–, con una premonitoria momia azul como imagen de portada.</div>
Hace 20 años que Juana vive en esa casa que heredó de sus abuelos,
donde todo, desde los cacharros de la cocina hasta la última rama que
hace sombra a la pileta, parece obra del paso del tiempo. El tilo por
florecer, una hilera de calas impecables, un cactus de la altura de una
persona, otros en macetas, y los pájaros, tan nítidos que es como estar
adentro de una canción suya. Al respecto, el estudio –de las visibles,
la habitación más grande– mira todo eso a través de sus ventanales. Así
es la naturaleza de Juana.<br />
Y de repente todo parece haber pasado hace 20 años. En 1993 estaba
embarazada de Francisca, su única hija, y fue entonces, durante los dos
meses de reposo prescriptos, que retomó el contacto con la guitarra. No
es que no la tocara más –siempre había algún personaje de Juana y sus
hermanas que lo hacía, como Judit–, pero ya no componía, se dio cuenta,
cuando en realidad era eso lo que le gustaba hacer. Aunque su forma de
construir personajes es tan natural e intuitiva como la de hacer
canciones –de chica pasaba tardes enteras jugando a imitar publicidades
con sus primos–, la actuación siempre fue sólo un trabajo, no su
verdadera vocación. Así, después de una carrera corta pero explosiva,
con dos Martín Fierro ganados y el rótulo de “la nueva Niní Marshall” en
la frente, Juana abandonó la televisión.<br />
Por alguna razón, quizá por la decadencia actual del género, se
guarda cierto vínculo afectivo con los viejos programas de humor (que
Peter Capusotto y sus videos sea la única opción, o mejor, que Sin
codificar sea lo que “hace reír” hoy, habla de decadencia). Y el de
Juana es sin duda uno de los más extrañados; incluso quienes lo
conocieron por YouTube tienen su chica favorita: Gladys, la cosmetóloga;
Roxana, la concheta; Marcela, la conductora modelo –tan tonta como
querible, ella–. Por eso, cuando a principios de año apareció la campaña
de Claro con ellas de protagonistas fue todo un acontecimiento: madres y
padres, abuelos acaso, morían de risa frente al televisor, mientras
otros, los fans de su música, posteaban los spots en Facebook con algún
recelo.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-VlL3GWZFmT0/Uo55lIgiKBI/AAAAAAAAOy8/0LJJBjawmJM/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos21.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" height="299" src="http://3.bp.blogspot.com/-VlL3GWZFmT0/Uo55lIgiKBI/AAAAAAAAOy8/0LJJBjawmJM/s400/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos21.jpg" title="Juana Molina en concierto" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: lime;"><b>Juana molina en concierto</b></span></td></tr>
</tbody></table>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="font-weight: normal;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"></span></span></span></span></h3>
<br />
“Fue una propuesta imposible de rechazar. La tipa que me llamó era
tan fan, una fan tan genuina, que me convenció ella. Y entre las dos
decidimos qué personajes hacer: ella quería a la concheta y no a
Marcela. Pero a mí me parecía que Marcela no podía no estar, fue el hit.
Yo, por ejemplo, no quería hacer a la coreana, pero sabía que la tenía
que hacer. Y de golpe había gente medio joven en el estudio, y me
miraban fijo, como diciendo ‘¿es Juana Molina o es la maquilladora?’. Y a
mí el impacto que generan esos personajes me causa mucha gracia.”<br />
<br />
<b>¿Qué se sintió volver a ponerte en esas pieles?<br />
</b>
–Al principio empecé un poco dura, pero después de un par de horas
se puso todo mejor y me divertí muchísimo. Realmente no sentí el paso
del tiempo. Por eso Marcela hace ese chiste: “Gordo, mirá, un video mío
de hace 20 años, ¡estoy igual!”. Yo sentía que era lo mismo, que se
había congelado el tiempo. Y por eso después la tentación, cuando me
ofrecieron volver a hacer el programa...<br />
<br />
<b>¿Te tentaste?<br />
</b>
–Bueno, ya ves, no me tenté, pero me sedujo mucho la idea. Tuve mil
reuniones, fui y vine, y después vi toda la otra parte: me iba a
absorber por completo, ¡si para hacer los avisos estuvimos un mes
pensando! Y dije que no.<br />
<br />
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;">VO</span><span style="font-weight: normal;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"><b>TO DE CONFIANZA</b></span></span></span></span></h3>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="font-weight: normal;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"><b> </b></span></span></span></span></h3>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-yqiDdnHHmhg/Uo56p9MAZRI/AAAAAAAAOzU/QUcQJNf4QuM/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos22.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-ArTtcDQdNzc/Uo56plrZ8II/AAAAAAAAOzQ/sOq1yUZY-Vk/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-ArTtcDQdNzc/Uo56plrZ8II/AAAAAAAAOzQ/sOq1yUZY-Vk/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos23.jpg" /></a></div>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="font-weight: normal;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"><b> </b> </span></span></span></span></h3>
A los 30 años Juana arrancó una carrera de cero. Aun con su padre
músico (Horacio Molina, reconocido cantante de tango), no sabía nada del
negocio y apenas había tocado en público, nunca había dado un show
propio. Además estaba su hipersensibilidad: cuando actuaba –lo contó
muchas veces– no sentía que era ella, por eso nunca necesitó que le
dijeran cuándo hacía bien o mal un personaje –siempre sabía, porque los
miraba de afuera–. En cambio, cuando hace música está en carne viva, y
eso –exponer su más honesta intimidad– la hacía sentir tan insegura que,
al principio, hizo todo lo que se suponía que había que hacer: trabajó
con un productor (Gustavo Santaolalla), grabó con una banda y editó con
una multinacional. También puso estribillos a las canciones, ella, que
nunca compuso en formato canción –que nunca compuso en ningún formato ni
género para no tener que seguir sus reglas y limitarse de antemano–.<br />
<br />
Sucedió entonces con Rara (1996), su álbum debut, que a su gusto
distaba demasiado del demo, y que, además, estuvo mal comercializado.
Nunca una radio argentina pasó una canción de ese disco –muy pop para
ser folk y muy folk, quizá, para ser radial, pero nada raro, a decir
verdad, un disco hermoso también–. Ni hablar de los shows, que
resultaban tortuosos, ya que, curiosamente, el público compraba entradas
para un recital y esperaba verla actuar. Unos le gritaban que hiciera
la coreana, muchos directamente se iban, y así terminaron: ellos por un
lado y Juana por otro, en Los Angeles más precisamente (se había
enterado de que allá la pasaban por la radio), donde terminó de grabar
el seminal Segundo (2000). Ahí le pone música (electrónica) al Martín
Fierro, sostiene una canción de ocho minutos con tarareos y gritos de
bichos feos, y otra de casi siete con la historia de un perro triste.
“La gente me decía ‘¿estás segura?’ ‘¿Y si lo mezclás de otra manera?’
Tenían miedo por mí. Me vaticinaban un infortunio, me miraban con
lástima.”<br />
<br />
Varios descubrimientos intervinieron en la creación de Segundo; por
empezar, el mundo de la tímbrica: “No es que tuve que sacar un velo:
estaba dispuesto por todo lo que había escuchado de chica, pero no sabía
que tenía que buscar por ahí”. Hasta su encuentro con el
multiinstrumentista Alejandro Franov, Juana desconocía las infinitas
posibilidades sonoras que admiten los teclados. Después, satori en
Pacheco: hacer música de a uno se puede, grabar y producir en casa
también –y por ende, hacer un disco espontáneo, casi de primeras tomas–,
incluso vender uno mismo los discos. Así llegó Segundo a Japón, donde
–se dice– lo compró la leyenda viva David Byrne (Talking Heads) porque
le llamó la atención la tapa (una foto de ella en primerísimo primer
plano que sacó su íntimo amigo, el diseñador Alejandro Ros). Y la música
también le gustó tanto a David Byrne que la invitó a telonearlo en una
gira. Eso allanó el camino del siguiente álbum, el delicadísimo Tres
Cosas (2004), elegido entre los diez mejores del año por el The New York
Times. Y ese voto de confianza internacional allanó el camino de Juana
de vuelta en su país –aunque hoy sus discos se editen antes en el
exterior que en Argentina, y ella toque más en el resto del mundo que
acá–.<br />
<br />
El tercer flechazo: los pedales de loop, que permiten grabar y dejar
secuencias sonoras en reproducción como mantras, superponerlas, y
cantar y tocar la guitarra encima. Eso terminó de cerrar la fórmula, que
“fue apareciendo de a poco, cuando tuve que inventarme la forma de
tocar Segundo y Tres Cosas en vivo”. Porque Juana nunca más se subió al
escenario con una formación que supere las tres personas: “No soy capaz
de dirigir a tanta gente, me sobrepasaría”. Con las looperas puede
recrear las canciones en los shows, construirlas parte por parte sin
llevar nada pregrabado. “Al tener que hacer todo eso, las canciones
empezaron a sonar de otra manera porque las herramientas me sugerían
ideas nuevas. Entonces me di cuenta de que estaba aplicando un montón de
cosas que iba descubriendo en canciones viejas. Ahí empecé a componer
rápido, que fue lo que pasó con Son (2006), que lo hice en un tris
porque ya venía con todo un método que me recontracerraba y me daba una
especie de motor que no podía parar”.<br />
<br />
<br />
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="font-weight: normal;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-Js5s2B9dzIo/Uo55kUOUQDI/AAAAAAAAOyo/u-EVbKDc5Ac/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-Js5s2B9dzIo/Uo55kUOUQDI/AAAAAAAAOyo/u-EVbKDc5Ac/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos1.jpg" /></a></span></span></span></span></h3>
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="color: red;">
<b>Y después vino Un Día (2008)<br />
<br />
</b></span></span>
–Sí, con más elementos, más energía, menos estudio, menos control,
salió Un Día, que es un disco más crudo, más visceral. Ese también lo
hice rápido, pero usando el mismo método. Hasta que dije “basta de ese
método, quiero buscar otra cosa; no quiero que haya capas sobre capas o
cosas que van in crescendo”. No sabía qué hacer pero sabía qué no quería
hacer. Como que descubrí una fórmula que funciona y ya está, esa receta
ya la tengo, la torta de dulce de leche ya sé cómo se hace. Quería
probar hacer un puchero vegetariano.<br />
<br />
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><span class="fgradar">OTRA, DISTINTA</span></span></span></h3>
<h3>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><span class="fgradar"> </span></span></span></h3>
En 2011 Juana participó del proyecto Congotronics vs. Rockers, un
colectivo de 20 músicos (diez del Congo, diez occidentales) con el que
dio una serie de shows en Europa y Asia. La gira especial le gustó tanto
como agotada la dejó. De vuelta en Pacheco, se dedicó a hacer lo que le
gusta, que puede ser coser, ocuparse de la casa, o simplemente estar
ahí. Finalmente presentó al esperado sucesor de Un Día. El plato se
llama Wed 21 y el ingrediente principal –o el más sorprendente– es la
guitarra eléctrica: “Este disco lo empecé en octubre del año pasado y lo
terminé en junio. Pero tuvo mucho tiempo de gestación inerte, sin
probar nada, pensando ‘bueno, ahora cuando haga un disco, ¿qué voy a
hacer?’ Y lo primero que hice fue comprarme una guitarra eléctrica a ver
qué onda. Y es muy divertido, qué lástima que no empecé antes”.<br />
<br />
<b>La personalidad del disco está muy marcada por la guitarra eléctrica.<br />
</b>
–Es mucho más versátil que la guitarra acústica, con un par de
efectos o cosas la transformás. Y te da como un power, te cebás tocando.
En este disco todo es más para afuera; no me pasó como en otros que me
podía quedar horas colgada del timbre de un gong. No es un viaje tan
interno éste.<br />
<br />
<b>Es más bailable, sin duda.<br />
</b>
–Quizás inconscientemente tendí a eso. Yo disfruto mucho cuando la
gente se pone a bailar en los shows, no hay retribución mayor para mí.
Ultimamente venía tocando los temas más arriba, y los que no eran tan
arriba, se pusieron más arriba en los shows. Por eso esta vez dije que
la presentación quería que fuera en un lugar donde la gente estuviera
parada. Hacer bailar a la gente es sublime porque yo creo que no hay
alegría más grande que la del baile.<br />
<br />
“Eras todo, nada me hará feliz. Verás, poco sabrás, soy buena
actriz.” La primera línea es la única parte melancólica del disco, que
tiene sus momentos lentos, pero en general es más festivo que los
anteriores. Un poco por eso a último momento se arrepintió de llamarlo
así, “Eras”, como esa canción, la elegida como corte difusión. Aunque la
música es tan hipnótica, y la aparición de la guitarra eléctrica tan
notable, que es poco probable que alguien le siga el hilo a la letra. Y
de hecho puede que ni ella sepa lo que dijo cuando la grabó (“Hablo
sola, pienso si desvarío”, dice más adelante). Una vez Leda Valladares
le dijo: “Vos decís para cantar”, a diferencia de ella –la compositora y
poeta tucumana–, que cantaba para decir. Juana la cita cada vez que
surge el tema, porque es cierto, la letra es siempre lo último que le
sale, y la pone sólo para que la voz salga a jugar con la coreografía
sonora que creó antes. Pero no por eso va a hablar estupideces, antes,
balbuceos, frases sin sentido, el poema de otro, un sueño, lo primero
que salga, lo que dicte la música, es lo que queda, “porque las letras
aparecen así y después es imposible de cambiar”.<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-yqiDdnHHmhg/Uo56p9MAZRI/AAAAAAAAOzU/QUcQJNf4QuM/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos22.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-yqiDdnHHmhg/Uo56p9MAZRI/AAAAAAAAOzU/QUcQJNf4QuM/s1600/juana-molina-el-refugio-de-losmusicos22.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
En Wed 21 hay bastante de todo eso y también temas que se repiten,
como el del (ruido del) progreso, que ya había discutido en “Sálvese
quien pueda” (Tres Cosas); acá lo hace en “Ferocísimo”: “El ruido de los
autos y máquinas. Hay ruido de obras, camiones y, además, allá, el
rugido de una sierra se oyó y cortó todos los pinos, y cuando al fin
paró, una radio se prendió y siguió habiendo ruido”. El de la
autocrítica: “Un día voy a ser otra distinta, voy a hacer cosas que no
hice jamás. No va a importarme lo que otros me digan, ni va a importarme
si resultará”, decía en “Un Día”; ahora, en la estupenda “Sin guía no”,
le canta a la inmovilidad: “Siempre me digo: voy a irme de casa y no
puedo. Siempre la idea de ir al campo, el oeste y un tero, pero va
pasando el tiempo y no me muevo. Sigo atormentada por el yerro, erro. Sé
que el día que decida partir seré libre, pero unas patas como anclas
(garras) que son invisibles, agarradas con tornillos firmes, son las que
hacen que no pueda irme”. Y como siempre aparecen líneas de gran
lucidez, como en la diáfana “Las edades”: “Lo que no consideramos es que
uno crece y las edades quedan. Los dieciséis, los demás, son las edades
que la gente cuenta. Con las edades contás para entender todas las
edades. Quince, veinte, treinta y seis, están en mí todas las edades”.<br />
<br />
<b>Vos tenés algo muy joven. Y gran parte de tu público directamente lo es.<br />
</b>
–Yo cuando entro a un grupo de jóvenes, que todos me ven como una
vieja de mierda, no entiendo por qué de golpe siento un rechazo...
Después me acuerdo cuando yo era joven y venía una mina o un tipo grande
y era medio “salí de acá”. Es terrible porque yo soy tan joven como
vieja. Pero en general hay un rechazo a la vejez natural, porque una
cosa es “respetar al mayor” y otra sentir que es un copado. Y en este
mundo de la música, que es cada vez más joven, es un poco difícil ser
grande.<br />
<br />
<b>¿Wed 21 es miércoles 21?<br />
</b>
–No, pero todos los nombres que se me ocurrían me parecían un bajón.
Hasta que mi hija me dijo “ponele el nombre de una canción que te
guste, ponele ‘Wed 21’”. Y me gustaba que no quisiera decir nada, que
fuera como una nomenclatura, aunque en inglés fuera como martes 5.
Además esa canción marcó el cambio que yo quería en el disco, y fue una
de las primeras que hice. Mientras la hacía decía “bien, por acá,
vengan, vengan que es por acá”. Por eso también me decidí.<br />
El disco, que ya acumuló reseñas ruborizantemente elogiosas, son
once canciones, y en poco tiempo, el más corto hasta ahora. Es también
el más “puertas adentro” y nocturno. Esta vez no se escuchan pájaros ni
calma bucólica, y hay menos sutilezas tímbricas, aunque no faltan (oír
al final de “El Oso de la Guarda”), y tampoco pasajes muy serenos como
en todos los otros. Después, son canciones que mutan (“Lo Decidí Yo”,
“Ay No Se Ofendan”), alegres y desquiciadas (“Wed 21”, “La Rata”, “Final
Feliz”), que revelan nuevos detalles con cada escucha. En general, hay
menos espacios libres que en los discos anteriores, y mucha más atención
a lo rítmico. Sigue siendo un trabajo de escultura, de colores que se
suman al lienzo, pero esta vez es como si esas pinceladas se expandieran
como una mancha de aceite a lo largo de la canción: los ecos y efectos
de reverberación crean una atmósfera envolvente y acogedora. Y eso no es
novedad en la música de Juana, pero sí en discos como Segundo o Son; el
mundo construido era una especie de sueño campestre, diurno y delicado,
Wed 21 es una fiesta íntima que arrancó en el living y terminó en el
medio del monte.<br />
<br />
Hay otra novedad en el estudio además de la guitarra eléctrica: en
el lugar de su compañero de ensayos, la persona que la acompañará en los
shows, no hay bajo sino otro teclado. Es que Mariano Domínguez, su
“dupla perfecta”, a quien conoció antes de grabar Rara, se fue con un
“monstruo del rock”, y en el afán por reemplazarlo, Juana se dio cuenta
de que cometía un error: “No se trata de reemplazar a alguien sino de
hacer que las cosas funcionen. Encontré a otra persona, otra
personalidad, otros instrumentos, todo distinto”. Así, Odín Schwartz
–especialidad: guitarra– la secundará en las teclas, porque
aparentemente Wed 21 es mucho más difícil de tocar que los anteriores:
“Fueron semanas de armar la logística de los ensayos. No es que podés
dedicarte a tocar la guitarra y entregarte a su son; hay todo un trabajo
de ensamblaje antes, son demasiados tracks para resolver entre tan
pocas personas. Así que es, ‘bueno, anotá: bajo el pedal acá, subo el
coso y te habilito a vos cuando digo...’. Se hace agotador cambiar
tantas cosas y acordarte. Recién cuando hacemos todo eso sin pensar el
show fluye...”<br />
<br />
Mariano, flamante bajista de Andrés Calamaro, la tranquiliza por
teléfono y le recuerda lo complicado que fue también sacar Un Día.
Después, en conversación con Radar, dijo: “Disfruto muchísimo tocando
con Juana y aprendo un montón. Es una artista que encontró su lenguaje,
su música, y la hace sin ningún prejuicio ni idea acerca de los
parámetros del mercado ni nada que se le parezca. Totalmente libre de
esas influencias, de si el tema puede ser radial o si le va a gustar al
público. Simplemente tiene que sentirse satisfecha y feliz con el
resultado, y ésa es una de las cosas que más admiro de ella”.<br />
Juana está contenta con Wed 21, “aunque todavía lo estoy observando,
y me sorprende más la opinión de los demás porque no usé la fórmula
habitual. Quizá por el temor al cambio y el rechazo de los demás por ese
cambio. Pero no me importa porque yo quería cambiar”. El té se enfrió y
Piluso, Nietzsche y los demás reclaman su cena. Otro día en la vida de
Juana Molina, que cierra el candado y cruza el jardín de vuelta,
caminando lento, hundiendo las viejas guillerminas en el pasto verde
oscuro.<br />
<br /></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-52217438887724646122013-10-28T15:17:00.000-03:002013-11-27T12:55:53.423-03:00Murió el músico estadounidense Lou Reed, leyenda del rock y de Nueva York.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-pilL7iYUW78/Um6oLEMdAGI/AAAAAAAAOok/0R5RVa-LM_0/s1600/lou+reed241006_wideweb__470x312,0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-pilL7iYUW78/Um6oLEMdAGI/AAAAAAAAOok/0R5RVa-LM_0/s1600/lou+reed241006_wideweb__470x312,0.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-FpoHh87bCwY/Um6oJBmt6II/AAAAAAAAOoc/wWENEuY99UI/s1600/lou+reed.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">Lewis Allen "Lou" Reed (Freeport, Long Island, Nueva York, 2 de marzo de 1942 – 27 de octubre de 2013) , fue un cantante y compositor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario.</span></b></span><br />
<br />
Enormemente influyente en el arte pop desde la década de 1960, sus principales discos son Berlin, Transformer, Rock'n'Roll Animal, Take No Prisoners, New York y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vivía en Nueva York.<br />
<br />
En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música como "Heroin", "Rock and Roll", "I'm Waiting for the Man" y "Sweet Jane".<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b></b></span></span><br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><br /></b></span></span><span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><a href="http://3.bp.blogspot.com/-FpoHh87bCwY/Um6oJBmt6II/AAAAAAAAOoc/wWENEuY99UI/s1600/lou+reed.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-FpoHh87bCwY/Um6oJBmt6II/AAAAAAAAOoc/wWENEuY99UI/s1600/lou+reed.jpg" /></a> </b></span></span><br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Carrera</b></span></span><br />
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Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.<br />
<br />
Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundó The Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.<br />
<br />
Después de dejar The Velvet Underground en agosto de 1970, decidió pasar un año sabático, y lo empleó en descansar y dedicarse a una de sus grandes pasiones, la pintura. Posteriormente Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box set Peel Slowly & See). Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.<br />
<br />
Tras el fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín. Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song ("Canción triste").<br />
<br />
Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas. La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. "Walk on the Wild Side" es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie.<br />
<br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-1tkUNxHHgFc/Um6oLu5-SOI/AAAAAAAAOos/5-6lbNxW2A8/s1600/Lou_reed.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="432" src="http://3.bp.blogspot.com/-1tkUNxHHgFc/Um6oLu5-SOI/AAAAAAAAOos/5-6lbNxW2A8/s640/Lou_reed.jpg" width="640" /></a><br />
<br />
<br />
En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia. El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años.<br />
Lou Reed junto al actor Steve Buscemi y el músico Moby en la proyección del documental Iraq for Sale (octubre de 2006; Nueva York).<br />
<br />
Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask. Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres, a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de The Velvet Underground, John Cale, en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968.<br />
<br />
Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad. En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de Perfect Day para un especial de la BBC en favor de los niños. En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína.<br />
<br />
En 2002, realiza una gira con el espectáculo Words and Music junto a Laurie Anderson, el espectáculo era un recital de poesía mezclado con algo de música,luz y color. Actuaron en ciudades como Turín, Venecia y Barcelona. En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe. En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 8 en las listas inglesas.En 2007 lanzó su hasta ahora último álbum Hudson River Wind Meditations, influido por sus prácticas de yoga y cantó en la canción Tranquilize de The Killers. El disco que Gorillaz editó en el año 2010 lo encuentra en el track número 9, una canción llamada "Some Kind Of Nature", en la cual canta junto a Damon Albarn, líder de la mencionada banda.<br />
<br />
En 2011 la banda de Thrash Metal, Metallica, a través de su página oficial, confirmó se encontraba trabajando en un álbum de estudio en colaboración con Lou Reed. 2 El disco Lulu, de 10 temas, fue lanzado el 31 de octubre del mismo año generando tanto aceptación como crítica desfavorable por igual. El álbum está inspirado en la obra de teatro Lulú de 1937 del dramaturgo alemán Frank Wedekind sobre la vida de una bailarina que fue víctima de abusos sexuales.<br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b></b></span></span>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b></b></span></span>
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b></b></span></span><br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><a href="http://1.bp.blogspot.com/-Nxo7YR5sxZI/Um6oeQWWfBI/AAAAAAAAOo8/6Dt2p6YrVKA/s1600/LouReed_WarholMotion.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="472" src="http://1.bp.blogspot.com/-Nxo7YR5sxZI/Um6oeQWWfBI/AAAAAAAAOo8/6Dt2p6YrVKA/s640/LouReed_WarholMotion.jpg" width="640" /></a> </b></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Discografía</b></span></span><br />
<br />
Álbumes de estudio<br />
<br />
Lou Reed (1972)<br />
Transformer (1972)<br />
Berlin (1973)<br />
Sally can't dance (1974)<br />
Metal Machine Music (1975)<br />
Coney Island baby (1976)<br />
Rock 'n' roll heart (1976)<br />
Street Hassle (1978)<br />
The bells (1979)<br />
Growing up in public (1980)<br />
Suck me! Live at CBS-FM (1981)<br />
The blue mask (1982)<br />
Legendary hearts (1983)<br />
New sensations (1984)<br />
Mistrial (1986)<br />
New York (1989)<br />
Songs for Drella (1990) (con John Cale)<br />
Magic and loss (1992)<br />
Set the twilight reeling (1996)<br />
Ecstasy (2000)<br />
The Raven (2003)<br />
Hudson river wind meditations (2007)<br />
Lulu (2011) (con Metallica)<br />
<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-d6e5QlMhnEs/Um6oMAlGQwI/AAAAAAAAOow/yGOIjzdcTUw/s1600/lou+reed1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://2.bp.blogspot.com/-d6e5QlMhnEs/Um6oMAlGQwI/AAAAAAAAOow/yGOIjzdcTUw/s640/lou+reed1.jpg" width="463" /></a><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><b>Murió el músico estadounidense Lou Reed, leyenda del rock y de Nueva York</b></span></span><br />
<br />
<br />
El cantante y compositor americano Lou Reed asiste a la inauguración de su show de arte, la exposición fotográfica, "romanticismo", en el Centro de Congresos de Estoril durante el Estoril Film Festival 2010 en Estoril, afueras de Lisboa, en este 05 de noviembre 2010 foto de archivo. Los medios de comunicación estadounidenses han informado 27 de octubre 2013 que Reed, cuya banda The Velvet Underground se convirtió en uno de los más influyentes en el rock de fusionar el arte y la música en la década de 1960 "Nueva York ha muerto a la edad de 71 años. PATRICIA DE MELO MOREIRA / AFP/Getty Images<br />
<br />
Por Mariano Andrade<br />
AFP<br />
<br />
NUEVA YORK -- El cantante y músico estadounidense Lou Reed, leyenda del rock y líder de la banda The Velvet Underground en la década del 1960, murió el domingo a los 71 años en Nueva York, indicó su agente literario.<br />
<br />
“Murió este domingo a las once de la mañana en Long Island por complicaciones de su trasplante de hígado”, dijo su agente literario Andrew Wylie, contactado por teléfono, luego de que la revista especializada Rolling Stone diese la noticia.<br />
<br />
Lou Reed había sufrido graves problemas de salud en los últimos tiempos que motivaron un trasplante de ese órgano meses atrás en una clínica de Cleveland (Ohio, norte de Estados Unidos).<br />
<br />
Considerado una de las figuras emblemáticas de la cultura rock, Lou Reed fue el fundador de la banda The Velvet Underground a finales de los años 60 y luego llevó a cabo una brillante carrera solista.<br />
<br />
El músico estaba casado desde 2008 con la artista Laurie Anderson, su pareja durante muchos años.<br />
<br />
Había nacido en 1942 en Brooklyn (sureste de Nueva York), donde vivía actualmente. Junto con el cineasta Woody Allen o la cantante Patti Smith, entre otros, formaba parte del selecto club de leyendas vivientes de la Gran Manzana.<br />
<br />
Poeta urbano y guitarrista, Lou Reed mostró como pocos la crudeza, tristeza y al mismo tiempo el romanticismo de la vida en las grandes ciudades, dando la voz hasta sus personajes marginados, como los homosexuales o los adictos a las drogas.<br />
<br />
Producido en 1967 por el artista Andy Warhol, el primer álbum de The Velvet Underground -que formó junto con John Cale y en el que cantó en un principio la modelo Nico- es considerado una de las obras maestras del rock.<br />
<br />
El disco incluye canciones como “I’m Waiting for the Man” (un joven que espera por su dealer de droga), “Sunday Morning” (que evoca la desolación de la mañana tras los excesos de la noche) y por supuesto “Heroin”, himno a esa droga dura cuya adicción aniquilaría a muchos de su generación.<br />
<br />
Tras la separación de la banda a inicios de los 70, Lou Reed comenzó una carrera solista y dio a conocer en 1972 su disco quizás más célebre, “Transformer”, en el que sobresale “Walk On the Wild Side”, una invitación a vivir la vida en todos sus excesos y en la que celebra a travestis y homosexuales.<br />
<br />
“Satellite of Love” y “Perfect day” son otras dos grandes composiciones de ese álbum, reinterpretadas por muchas bandas y la última de ellas utilizada en la película de culto Trainspotting (1996), del director escocés Danny Boyle.<br />
<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-kVWOdb1HRHI/Um6ogAYMotI/AAAAAAAAOpE/OHmpKpEv4ms/s1600/LouReedInside.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="http://1.bp.blogspot.com/-kVWOdb1HRHI/Um6ogAYMotI/AAAAAAAAOpE/OHmpKpEv4ms/s640/LouReedInside.jpg" width="475" /></a><br />
<br />
A “Transformer” le siguieron dos discos muy reconocidos como “Berlín” (1973) y “Coney Island Baby” (1976).<br />
<br />
En los últimos años Lou Reed se había dedicado a varios proyectos eclécticos, como una colaboración con la banda Metallica y un libro de poesías inspirado en “The Raven” del escritor estadounidense Edgar Allan Poe.<br />
<br />
A fines del año pasado había publicado otro libro, “Rimes Rhymes”, con 300 fotografías de su autoría y textos Bernard Comment.<br />
<br />
Sus problemas de salud habían limitado sus presentaciones en vivo, obligándolo a anular una serie de conciertos en abrilm entre ellos dos shows en el festival de Coachella en California (oeste de EEUU).<br />
<br />
Lou Reed “se estaba muriendo”, había dicho Laurie Anderson al referirse a su trasplante de hígado, admitiendo que no sabía si su marido se recuperaría por completo.<br />
<br />
Entre los primeros en reaccionar a su muerte estuvo el grupo británico The Who, que le deseó ir por el “lado pacífico”, en una alusión a su hit que propone tomar el “lado salvaje” de la vida.<br />
<br />
También la cantante estadounidense Miley Cirus manifestó su tristeza en las redes sociales: “noooooooooo no LOU REED”, tuiteó la joven de 20 años que provocó un escándalo en la última entrega de los premios MTV.<br />
<br />
<br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-28580006753396965252013-10-10T15:51:00.001-03:002013-10-10T15:51:58.874-03:00Diez cosas que quizás no sabías sobre John Lennon
<h2>
</h2>
<div class="focal floatFix">
<img alt="" src="http://bucket.rollingstone.com.ar/anexos/fotos/56/1780456.JPG" /><div class="galeria-focal">
</div>
</div>
<br />
<br />
<h2>
<span style="color: red;">Curiosidades, anécdotas y misterios sobre el ícono que cumpliría 73 años</span></h2>
<br />
<br />
<strong>1. Primer instrumento</strong><br />
<br />Lo primero
que aprendió a tocar no fue una guitarra, sino una armónica que le
regaló su tío. Luego, su madre Julia, lo introdujo en el banjo.<br />
<br />
<strong>2. Debut</strong><br />
<br />Lennon, Paul McCartney y
el primer baterista de The Beatles, Pete Best, estaban en la misma
habitación que George Harrison cuando este perdió su virginidad en un
hotel de Hamburgo, Alemania, ciudad donde la banda comenzó a forjar su
carrera (y, al parecer, su hombría). La leyenda dice que los muchachos
alentaban y vitoreaban a George, el gurrumín del grupo, durante su
"performance". Una de las tantas locuras de aquellos primeros fab four
durante su "residencia" germana.<br />
<br />
<strong>3. Peligro al volante</strong><br />
<br />Fue el último
Beatle en aprender a manejar, obtuvo su registro recién a los 24 años
y, dicen, era un terrible conductor. A tal extremo que en 1969 tuvo un
accidente que lo dejó con 17 puntos en la cabeza y su Aston Martin hecho
chatarra. Desde ese momento, se trasladaba con chofer.<br />
<br />
<strong>4. Aislado</strong><br />
<br />Lennon compró una
pequeña isla, ubicada en las costas de Irlanda, llamada Dorinish, por
1.700 libras en 1967. Se la llamó popularmente la "Isla Beatle" y Lennon
dejó vivir allí a una pequeña comunidad de hippies. Después de la
muerte del músico, Yoko Ono la vendió en 30.000 libras y donó ese dinero
a un orfanato de aquel país.<br />
<br />
<strong>5. Polémico</strong><br />
<br />El guitarrista quería incluir a Jesús y Adolf Hitler en la portada de <em> Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, </em> pero el resto de los integrantes no lo dejaron.<br />
<br />
<strong>6. Faaasooo</strong><br />
<br />Se cree que Lennon fue
el que introdujo a los Beatles al consumo de marihuana, pero, en
realidad, ese honor pertenece a Bob Dylan. El 28 de Agosto 1964, el
cuarteto y el joven Zimmerman se conocieron en un hotel de Nueva York.
En la habitación, el músico estadounidense pidió unas copas y les
propuso a los fab four fumar un fasito. Lennon le dijo que nunca había
probado la hierba, a lo que Dylan, sorprendido, le preguntó: "Si nunca
fumaste, ¿cómo escribiste esa canción que dice "and when I touch you I
get high, I get high..."? (en referencia al tema "I Wanna Hold your
Hand" y la expresión "colocarse" en inglés). <br />
Lennon le respondió: "No, Bob: la letra dice 'I can't hide, I can't hide'...".<br />
Esta desopilante anécdota, que puede encontrarse en el libro <em> The Love You Make, </em>
de Peter Brown (asistente de Brian Epstein, manager de la banda), no
termina ahí. Cuando Dylan le dio el porro a Lennon, este se lo pasó a
Ringo argumentando que era "su probador oficial". El baterista lo
encendió y, como no estaba al tanto de la costumbre de dar una pitada y
circularlo al resto, se lo fumó todo.<br />
¿Ven por qué los Beatles son Ringo y tres más?<br />
<br />
<strong>7. Peleador</strong><br />
<br />En 1970, la relación
entre John y Paul pasaba por su peor momento, luego de que el bajista
anunciara por su cuenta la disolución de The Beatles durante la campaña
de promoción de su primer disco solista, autotitulado <em> McCartney. </em><br />
Por entonces, comenzaron a tirarse "indirectas" desde
sus canciones. Se pueden interpretar dardos de Macca hacia sus ex
compañeros en "3 Legs", "Dear Boy", "The Back Seat Of My Car" y "Too
Many People" (todas de su álbum <em> RAM). </em> La respuesta de Lennon
se puede escuchar en "How Do You Sleep?", incluida en Imagine, con
frases como "esos freaks tenían razón cuando dijeron que estabas muerto"
o "lo único que hiciste fue Yesterday".<br />
<br />
<strong>8. Come together</strong><br />
<br />Lennon fue el
único Beatle que nunca asistió a un concierto de McCartney. George
estuvo presente en un show de la gira de 1993, mientras que Ringo
coincidió con Macca abajo y arriba del escenario en varias
oportunidades. Según una entrevista que Lennon le concedió a Playboy, el
bajista lo visitó en su departamento de Nueva York el 24 de abril de
1976. Vieron en TV Saturday Night Live y bromearon con tomarse un taxi
para ir al estudio del programa, ya que su productor, Lorne Michaels,
les ofrecía 3.200 dólares si aparecían en el show. "Casi vamos, pero
estábamos muy cansados", dijo. Fue la última vez que estuvieron juntos.<br />
<br />
<strong>9. Popero</strong><br />
<br />Durante sus últimos años,
su álbum favorito fue el debut de The B-52's. Cuenta la leyenda que
Lennon escuchó por primera vez el single "Rock Lobster" en una disco, en
1979, y se enamoró de la banda. Junto con Yoko, se la pasaban
escuchando aquel LP durante las grabaciones de Double Fantasy, su último
trabajo.<br />
<br />
<strong>10. Leyenda</strong><br />
<br />Hay interrogantes y
mitos alrededor de su muerte. Muchos dudan del verdadero paradero de sus
cenizas. Lennon fue cremado y sus restos entregados a Yoko Ono, quien
nunca aseguró públicamente qué destino les dio. Se supone que todavía
conserva sus cenizas, pero hay versiones que afirman que las esparció en
el Central Park de Nueva York.<br />
<br />
El otro misterio tiene que ver con el último audio de
Lennon. La noche en que fue asesinado, volvía a su domicilio junto con
Ono desde su estudio, luego de trabajar en la canción "Walking On Thin
Ice". Se dice que todo lo que pasaba en las sesiones está grabado, todo:
el día a día del proceso del disco <em> Double Fantasy </em> iba siendo
registrado. Jack Douglas, productor del disco, comentó en una
entrevista que, en la fatídica noche, pasaron cosas raras en el estudio y
que, tras enterarse del fallecimiento del artista, fue y borró la
última cinta porque contenía "cosas muy dolorosas". El tema nunca fue
aclarado por Douglas y solo él sabría qué decía el registro final de
Lennon.<br />
<br />
Por Maximiliano Poter<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-83426980068721523232013-10-03T14:34:00.000-03:002013-10-03T14:34:13.190-03:00JAZZ: CIEN TÍTULOS Y MUCHAS JOYAS.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: x-large;"><b><a href="http://4.bp.blogspot.com/-mm_NtqNsctM/Uk2qSEg7MJI/AAAAAAAAOkw/H0pYoJFwr98/s1600/JAZZ-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-mm_NtqNsctM/Uk2qSEg7MJI/AAAAAAAAOkw/H0pYoJFwr98/s1600/JAZZ-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" /></a></b></span></div>
<br />
<br />
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">WARNER IMPORTO LOS VOLUMENES DE JAZZ BEST COLLECTION</span></b></span><br />
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;"> </span></b></span>
<br />
<h2>
<span class="cespectaculos"></span></h2>
<div class="intro">
<span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><b>La mayor parte de este centenar de CD editados en
Japón son fundamentales y varios, figuritas difíciles desde hace
décadas. Ahora se consiguen a buen precio en varias disquerías porteñas.
Hay discos del Modern Jazz Quartet, Corea, Ellington, Mingus y Brubeck,
entre otros.</b></span></span></div>
<div class="botones">
<span style="color: red;"></span><div class="icono">
<span style="color: red;"><a href="http://www.blogger.com/null" title="Reducir tamaño del texto"></a></span></div>
<span style="color: red;">
</span><div class="icono">
<span style="color: red;"><a href="http://www.blogger.com/null" title="Recortar esta nota y guardarla"></a></span></div>
<span style="color: red;">
</span><div class="icono">
<span style="color: red;"><a href="http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/espectaculos/7-30079-2013-10-02.html" title="Versión para imprimir"></a></span></div>
<span style="color: red;">
</span><div class="icono">
<a href="http://www.blogger.com/null" title="Enviar por mail"><br /></a></div>
</div>
<a href="http://www.blogger.com/null" name="formu_mail"></a>
<div class="autor">
Por Diego Fischerman</div>
<div class="autor">
<br /></div>
<div id="cuerpo" style="font-size: 13px;">
<div class="margen0">
No
hay por qué elegir un solo momento. Aparece, por supuesto, la tentación
de referirse a la manera en que Art Farmer frasea la melodía en el
flugelhorn, su exquisito contrapunto con la guitarra de Jim Hall y el
posterior solo de Steve Swallow en contrabajo (en 1968 todavía tocaba
ese instrumento) en “Sometime Ago”, el bello vals compuesto por Sergio
Mihanovich, incluido en un disco con nombre exacto: Interaction. Pero
inmediatamente surge “Plastic Dreams”, esa especie de tango que John
Lewis toca en clave, con el Modern Jazz Quartet, en el álbum del mismo
nombre. O los formidables arreglos de Quincy Jones para Plenty, Plenty
Soul, de Milt Jackson. O el extraordinario Tones for Joan’s Bones, de
Chick Corea. Por no nombrar las grabaciones en vivo del cuarteto del
saxofonista Charles Lloyd, con un brillante pianista de 22 años llamado
Keith Jarrett.</div>
Son cien discos, la mayoría fundamentales y muchos de ellos
verdaderas figuritas difíciles desde hace décadas. Y no hay ninguna
necesidad de optar entre unos y otros, salvo por el hecho de que
difícilmente se pueda comprarlos todos. El hecho, en todo caso, es que
la filial europea de la compañía Warner hizo un convenio con su par
japonesa, que durante años mantuvo una gran autonomía en sus catálogos,
para publicar en ese continente una selección de los títulos de Atlantic
y Reprise (además de algún otro sello subsidiario) que ellos habían
editado. Las ediciones japonesas, todo un capítulo para los discófilos,
habían tenido, desde siempre, dos grandes atractivos: su sonido y una
variedad de títulos mucho mayor que los que habitualmente se conseguían
en Europa y los Estados Unidos (y ni hablar en los satélites más
alejados del sistema solar, como la Argentina). Y, también, dos
poderosas contras: su precio y su inaccesibilidad.<br />
<br />
La selección de cien títulos, a la que bautizaron Jazz Best
Collection, puso en circulación clásicos como The Modern Jazz Quartet,
el primer álbum que ese grupo grabó para Atlantic, en 1957; Ornette!, de
Ornette Coleman; The Avant-Garde, de John Coltrane y Don Cherry; o Bud
Powell in Paris, con una calidad sonora inédita (todos los volúmenes
están remasterizados con 24 bits). Pero, también, hizo accesible (y
barato) aquello que hasta el momento había sido patrimonio exclusivo del
tesoro del sol naciente: los discos de la genial cantante Chris Connor,
la big band del compositor y pianista Clare Fischer, el cuarteto de Art
Farmer con Jim Hall, el notable primer disco solista de Joe Zawinul o
el excelente debut del contrabajista Miroslav Vitous, Infinite Search,
registrado en 1970 por un súper grupo que incluía a John McLaughlin en
guitarra, Joe Henderson en saxo, Herbie Hancock en piano y Jack De
Johnette en batería.<br />
<br />
La representante local de Warner, sorpresivamente –una maravillosa
sorpresa, en todo caso–, decidió importar la colección entera. Y varias
disquerías de Buenos Aires (Minton’s, RGS, Zival’s) la ofrecen a muy
buen precio. Entre las joyas que no deberían pasar inadvertidas, además
de las ya nombradas, están Concert in the Virgin Islands, de Duke
Ellington; Three or Four Shades of Blues, donde Charles Mingus toca con
Larry Coryell, John Scofield y Philipp Catherine en guitarras; The
Wonderful World of Jazz, un disco genial del pianista John Lewis; Soul
Brothers, el encuentro entre el vibrafonista Milt Jackson y Ray Charles,
que aquí toca saxo además de piano; All The Things You Are, el álbum de
Dave Brubeck en el que tocan saxo Lee Konitz y Anthony Braxton; los dos
volúmenes del arreglador Marty Paich, con una auténtica selección de
músicos de la Costa Oeste (I Get a Boot Out of You y The Broadway Bit);
el magnífico Hear Ye!!! Hear Ye!!! Hear Ye!!! del quinteto de Harold
Land y Red Mitchell; y West Coast Wailers, del trompetista Conte Candoli
y el pianista Lou Levy.<br />
Los hipotéticos compradores sólo deberán huirle a un título,
Vibrations, de Milt Jackson. Y no por razones musicales sino porque toda
la partida llegó mal impresa y el disco que figura con ese nombre (y en
esa cajita) es otro: Trav’lin’ Light, del Trío de Jimmy Giuffre. El
álbum es extraordinario pero, desde ya, conviene comprarlo en su propio
envase que, afortunadamente, contiene lo que se anuncia.<br />
<br />
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-52489862843914488182013-09-13T22:25:00.000-03:002013-11-27T12:56:23.454-03:00THE ROLLING STONES: La historia de Brenda Jagger.<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-J10SIm24OIw/UjO4dzAwg1I/AAAAAAAAOkQ/3KxbAWX9BdY/s1600/brenda-jagger-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-J10SIm24OIw/UjO4dzAwg1I/AAAAAAAAOkQ/3KxbAWX9BdY/s1600/brenda-jagger-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
Julián Ruiz<br />
<br />
A primeros de marzo de 1984, Michael Jackson tiene decidido no utilizar la voz de Freddie Mercury en 'State of shock'. Simplemente, Michael había visto como Freddie sacaba una aguja hipodérmica y se inyectaba heroína delante de sus narices. En el baño de su casa en Encino, donde habían grabado las maquetas. Por aquel tiempo, Walter Yetnikof, presidente de CBS/Sony, le sugiere a Michael que puede convencer a Mick Jagger para que cante con él, ya que los Rolling Stones han firmado un contrato de 28 millones de dólares con la compañía. Mick Jagger era mejor nombre publicitario que el de Freddie Mercury. Mick Jagger, harto de Keith Richards, pretende despegarse de los Rolling Stones e iniciar la construcción de su propia escalera hacia el paraíso de las estrellas. Está terminando su primer álbum en solitario, 'She's the boss'. Keith Richards se había pasado dos años llamando a Mick: Brenda, Brenda Jagger. El cantante ya no aguanta a su guitarrista. No lo puede ni ver. No lo quiere ver más.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-GlhTkCMwer0/UjO4eB9WINI/AAAAAAAAOkU/ZUNwsahSlTM/s1600/brenda-jagger-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-GlhTkCMwer0/UjO4eB9WINI/AAAAAAAAOkU/ZUNwsahSlTM/s1600/brenda-jagger-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" /></a></div>
<br />
<br />
Mick Jagger se cita con Michael Jackson por la tarde del 16 de abril de 1984 en un hotel de Nueva York. Jagger había tenido un día horrible. Por la mañana había estado en el juzgado para acabar los negocios con su viejo mánager Allan Klein. Pero tenía que cumplir su palabra: le había dicho que sí cantaría ese tema a Michael.<br />
<br />
El 8 de mayo Jagger y Jackson se vuelven a encontrar en un estudio de Nueva York. Según la versión del ingeniero Bruce Swedien, la relación entre ellos fue distante, bastante fría. Pero a Swedien le impresionó que Jagger obedeciera sin rechistar a Michael y estuviera un par de horas haciendo escalas hasta calentar la voz. La participación de Mick no terminó hasta el día siguiente. En realidad, Michael se había cansado e irritado con la voz de Jagger, sabiendo que no había sido una buena elección. Meses más tarde, Michael le contaba a Quincy Jones que le había sorprendido muchísimo cómo desafinaba Mick Jagger. No podía entender como había llegado a poder ser una gran estrella.<br />
<br />
El 28 de junio aparece el disco de The Jacksons con el dueto de Mick Jagger, 'State of shock'. Pasó bastante inadvertido. Mick y Michael no se volvieron a ver nunca.<br />
<br />
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">Mick lo intenta</span></b></span><br />
<br />
A continuación, 'She's the boss', el primer álbum en solitario de Jagger apareció y no, no fue un éxito, a pesar de los cinco millones de dólares que se gastó en promoción la CBS.<br />
<br />
"Que se joda Brenda", dijo Keith Richards, que acababa de ser padre con Patti Hansen. Mick Jagger trató de provocar una cortina de humo con su actuación en el Live Aid, en Filadelfia, en 1985. Tocó con un grupo de músicos nuevos e hizo una interpretación del famoso 'State of shock' de Michael Jackson, pero con Tina Turner. Michael ni quiso aparecer con Mick, aunque se lo pidió personalmente Jagger. De aquello, lo más espectacular fue ver a bailar a Mick con Tina Turner en un par de interpretaciones geniales.<br />
<br />
Keith Richards y Ronnie Wood, que también estaban allí, en Filadelfia, ni saludaron a 'Brenda'. Patéticamente, emborracharon a Bob Dylan y los tres hicieron el ridículo en el Live Aid.<br />
<br />
Fue en Boston, en la penúltima gira de los Stones, donde Keith Richards me contó de donde había salido lo de Brenda. Me dijo que cuando pasaban mucho tiempo en París, a comienzos de los años 80, él vivía muy cerca de los estudio Pathe-Marconi. Al lado de su casa había una librería inglesa. En su escaparate había un libro donde ponía en grandes letras doradas: 'Brenda Jagger'. Desde ese preciso momento, Keith siempre se refería a Jagger como Brenda. Creo que Keith nunca supo ni siquiera quien era la auténtica Brenda Jagger, en realidad, una escritora inglesa de novelas románticas, al estilo de Corín Tellado.<br />
<br />
Pero el Brenda Jagger 'stoniano' se convirtió en la burla provocativa, sustancial y publicitaria para vender más ejemplares de 'Life', la autobiografía de Keith Richards. Que si Brenda tenía un pene pequeño, que si Brenda era un insoportable, que si Brenda era un roñoso.<br />
<br />
<br />
<span style="color: red;"><b><span style="font-size: large;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-I4vzYQJD1I0/UjO4uYk3ZLI/AAAAAAAAOkg/PMsKNNWrOyk/s1600/keith-richards-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-I4vzYQJD1I0/UjO4uYk3ZLI/AAAAAAAAOkg/PMsKNNWrOyk/s1600/keith-richards-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a> </span></b></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><b>Querida bestia</b></span></span><br />
<br />
Mick Jagger nunca se lo perdonará a Keith Richards. Jamás. Incluso se sabe que le escribió a Keith una carta terrible hace poco más de un año. Franca, directa al corazón de su amigo desde los cuatro años. Una carta que parcialmente ha caído en manos de los 'amigos' de Mick Jagger. Según Mick, para Keith los gays son 'maricones' y las mujeres, 'putas". Se ha quedado en la ideología reaccionaria de los viejos tiempos. Jagger les decía a sus amigos que era absurdamente injusto y patético que en 'Life' su personalidad fuera presentada como un despojo de la humanidad. Un tipo pobremente dotado, con un pene muy pequeño. Sin saber cantar. Un déspota que ni le dejaba hablar a Keith en la reuniones.<br />
<br />
En definitiva, un tipo insoportable con nombre de mujer. Pero es que Mick consideraba a Keith un bocazas impertinente. Un tipo violento al que nadie se atreve ni siquiera a despertarle, porque tiene una pistola debajo de la almohada. Un tipo que se comportaba como un canalla, un desastre que se drogaba delante de desconocidos y que presumía de que la policía lo persiguiera y junto a ella, media docena de chicas de las que se reía.<br />
<br />
Mick recordaba que todas aquellas sórdidas historias de Richards sólo le llegaban a través de un asistente, un abogado o un 'tour manager'. Jagger siempre se temía lo peor y sufría cuando alguien llegaba diciéndole: "Keith ha desaparecido". "Keith se ha dormido en el camerino y nadie se atreve a despertarle y el concierto tiene que empezar".<br />
<br />
<br />
Jagger sentenciaba que era imposible convivir con un ser catatónico. Y condenaba: "¿Te puedes imaginar lo que es ir de gira con un alcohólico, un yonqui, un adicto al crack?". O quizá escuchar: "Keith ha sido arrestado con un tarro lleno de heroína y una bolsa llena de otras drogas y parafernalia. Y le han acusado de tráfico de drogas. Era su maleta para un fin de semana en Toronto". Mick concluía: "Es difícil dar un concierto con un guitarrista loco y pervertido, pero más aún cuando está en la cárcel durante 10 días". Finalmente, Mick no tuvo más remedio que recordar el apelativo que le había puesto Elton John: "Keith es un mono artrítico".<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><br /><span style="font-size: x-large;">Pasta para los abuelos</span></b></span></span><br />
<br />
Los 50 años del grupo y los intereses de todos sus miembros volvieron a unir hace un año a Brenda y al pervertido. Sólo el dinero ha amansado a Brenda, según la versión de Keith Richards, que no se ha atrevido a usar el apodo desde que recibió aquella carta. Pero el pasado viernes, los Rolling Stones iniciaron la segunda parte de su gira con una pésima noticia. En su primera cita, en el Staples Center de Los Ángeles, el aforo no se ha completado. Sobre todo, hubo claros en las gradas en las que las entradas costaban 600 dólares o 400 dólares, las más caras de la historia del rock. Así comenzaba la gira de los 50 Años o de "repelar dinero para nuestra vejez", como la llama.<br />
<br />
Tras conocer el fracaso de las ventas de entradas, Keith volvió a las andadas y a montarla antes de salir al escenario. "Ya la ha jodido otra vez Brenda". "Es un gilipollas, un torpe y un usurero con la pasta.<br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-35476272663452141152013-08-12T12:54:00.001-03:002014-01-27T01:52:35.842-03:00Eydie Gormé: Una voz que brilló con el Trío Los Panchos.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-1MY7Oby0VV0/Ugj_xWi7bDI/AAAAAAAAOh0/MOc5klJ6vz4/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-5Xdc8WrE0JA/UgkEPuDfrlI/AAAAAAAAOic/npabn-L3Rvs/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-5Xdc8WrE0JA/UgkEPuDfrlI/AAAAAAAAOic/npabn-L3Rvs/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" height="640" width="640" /></a></div>
<b style="font-size: xx-large;"><span style="color: red;">La cantante estadounidense murió a los 84 años, en Las Vegas. En los ‘60, durante su </span></b><br />
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">apogeo, se alió a Los Panchos y así, con su voz de terciopelo, conquistó al público <br />argentino.</span></b></span><br />
<br />
12.08.2013<br />
<br />
La cantante estadounidense Eydie Gormé, que alguna vez grabó éxitos del bolero con el <br />
Trío Los Panchos, murió el sábado a los 84 años en Las Vegas, producto de una “breve <br />
enfermedad” no especificada, según informó su representante de relaciones públicas, <br />
Howard Bragman.<br />
<br />
Edith Gomerzano, tal su verdadero nombre, había nacido el 16 de agosto de 1928 en el Bronx de Nueva York. Era la menor de tres hijos de un matrimonio de judíos sefaradíes inmigrantes -su padre era siciliano y su madre, turca- y muy temprano mostró el talento de su voz: a los tres años ya había cantado en un programa radial infantil. En su hogar se hablaba en ladino, idioma también conocido como judeoespañol: de ahí su capacidad<br />
para hablar (y cantar) tanto en inglés como en español. Por eso, después de terminar el colegio secundario trabajó como intérprete de español en una empresa de exportaciones y como traductora en las Naciones Unidas.<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Kd6Ahjf89ek/UgkEP4lARyI/AAAAAAAAOiU/5myZ6uru3hE/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos3.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-Kd6Ahjf89ek/UgkEP4lARyI/AAAAAAAAOiU/5myZ6uru3hE/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos3.jpg" height="309" width="320" /></a>Pero su ambición era convertirse en cantante profesional. En 1950 fue contratada para formar parte de la banda de Tommy Tucker, y luego integró el grupo de Tex Beneke.<br />
Después emprendió el camino solista, y en 1953 ingresó en un lugar que sería decisivo para su vida y su carrera: el famoso programa de televisión The Tonight Show, en ese entonces conducido por Steve Allen. Ahí conoció al cantante Steve Lawrence, con quien se casaría cuatro años más tarde y con quien formaría un dúo célebre: Steve and Eydie.<br />
<br />
Para el momento de su matrimonio, tanto amoroso como artístico, Eydie ya había grabado <br />
un par de LP (Eydie Gormé y Eydie Swings the Blues; ver Su gran carrera...) que habían figurado en los ránkings de la época. Pero su unión con lawrence potenció su carrera: en 1958, ambos tuvieron su primer segmento de televisión juntos, The Steve Lawrence- Eydie Gormé Show. Luego hicieron un paréntesis de unos años para criar a sus dos hijos (uno de ellos, David Lawrence, se convirtió en compositor de bandas de sonido de películas; el otro, Michael, sufrió una muerte temprana en 1986).<br />
<br />
En los ‘60 relanzaron su carrera con su primer álbum a dúo, We Got Us: la canción homónima les valió un Grammy. Al mismo tiempo, en un vaivén que siempre mantuvo, siguió trabajando como solista. En 1963 grabó el álbum Blame It on the Bossa Nova, que le valió una nominación al Grammy y cuya canción omónima sería uno de los máximos éxitos de su vida.<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-gehWPiJc69U/UgkEReKefTI/AAAAAAAAOik/hQ9nor9bK-g/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos4.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-gehWPiJc69U/UgkEReKefTI/AAAAAAAAOik/hQ9nor9bK-g/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos4.jpg" height="320" width="320" /></a>En 1964, Los Beatles mediante, se produjo la llamada invasión británica a los Estados Unidos, con lo que la mayoría de los cantantes estadounidenses tradicionales se vieron opacados. Entonces, en una brillante movida artístico-comercial, Eydie desempolvó su español y se alió al trío Los Panchos. Con Amor (también conocido como Eydie Gorme<br />
canta en español), su primer disco juntos, permanecieron 22 semanas en los ránkings. Se trataba de un LP grabado íntegramente en español: así, a Gormé se le abrieron las puertas del mercado hispanoamericano.<br />
<br />
De ese modo la conocimos los argentinos: ella era la dueña de la voz de terciopelo que terminó de convertir en clásicos inoxidables a Nosotros, Piel canela, Sabor a mí, Noche de ronda, La última noche e, incluso, el tango Caminito. El éxito fue tan grande que la alianza siguió con More Amor (Más amor), también conocido como Cuatro vidas, donde su potente voz, de ligero acento extranjero, hacía brillar a canciones como Vereda tropical, Flores negras o Nochecita. De este modo, Eydie se ganó, con todas las de la ley, un lugar en el paraíso del bolero.<br />
<br />
Su última colaboración con Los Panchos fue un álbum navideño llamado Navidad means Christmas o Blanca Navidad. Otros de sus trabajos en español incluyen una versión de Blame It on the Bossa Nova llamada Culpa de la bossa nova y los discos I Feel So Spanish, Otra vez, La Gormé, Muy amigos, De corazón a corazón y Eso es el amo r. Los dos últimos incluyeron duetos junto a su marido, Roberto Carlos y Armando Manzanero, y producción de los argentinos Roberto Livi y Bebu Silvetti, respectivamente.<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-1MY7Oby0VV0/Ugj_xWi7bDI/AAAAAAAAOh0/MOc5klJ6vz4/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-1MY7Oby0VV0/Ugj_xWi7bDI/AAAAAAAAOh0/MOc5klJ6vz4/s1600/eydie-gorme-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
Su sociedad con su marido siguió funcionando paralelamente. Actuaron juntos en Broadway, el musical Golden Rainbow. Su último disco en figurar en los ránkings fue The World of Steve & Eydie. Y siempre mantuvieron presencia en la televisión y los clubes<br />
nocturnos, con actuaciones en las que hacían toda clase de bromas irónicas sobre su matrimonio. En 1975 hicieron un especial en homenaje a George Gershwin que les valió un premio Emmy y se convirtió en un álbum.<br />
<br />
Con los años, la carrera del dúo se fue diluyendo, pero se mantuvieron activos con shows en hoteles de Las Vegas y, cada tanto, templos de la música como el Carnegie Hall. Pero no fueron olvidados: tienen su propia estrella en el paseo de la fama de Hollywood.<br />
<br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-81417053030735016192013-08-10T16:19:00.001-03:002013-11-27T12:57:17.607-03:00ADIOS AL GRAN GUITARRISTA Y COMPOSITOR DE BLUES J.J. CALE<h1>
</h1>
<div class="article_txt_intro">
</div>
<div class="dateblock">
<div class="author">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-xBz4Op0A9Uw/UgaU52M2ibI/AAAAAAAAOhk/1KIddR2gYaE/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-xBz4Op0A9Uw/UgaU52M2ibI/AAAAAAAAOhk/1KIddR2gYaE/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" /></a></div>
<br />
<span class="">Katherine Cole</span><br />
<br /></div>
<div class="author">
</div>
<div class="article_date">
August 02, 2013 </div>
<div class="article_date">
<br /></div>
</div>
<div class="articleContent">
<div id="ctl00_ctl00_cpAB_cp1_cbcContentBreak">
<div class="zoomMe">
Songwriter <a href="http://jjcale.com/top.html" target="_blank">J.J. Cale</a>
was a guitarist who preferred to stay in the background and let others
make hits of his songs, such as “After Midnight” and “Call Me The
Breeze.”<br />
<br />
Cale, 74, died on July 26 at a hospital in La Jolla, California. Cause of death was listed as a heart attack.<br />
<br />
Cale was born in Oklahoma City and raised in Tulsa, Oklahoma. He grew
up in what he described as a vibrant, boom town. Oil had brought money
to Tulsa, and workers from all over the world followed it. Their music
came along, too.<br />
<br />
“Tulsa is kind of in the middle of the United States and rhythm and
blues and blues came out of Mississippi and kind of filtered up there
and jazz coming out of the north, Kansas City was a big jazz hotbed in
the ‘50s and late ‘40s, and Western swing, which is kind of a Country
guy’s impression of swing music of, say, Glenn Miller and those kind of
guys. So it was kind of a melting pot in there," Cale said. "Then rock
& roll hit about 1956 or ’54, I guess. And I decided that was my
kind of music.”<br />
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-rxuTtM1zpAs/UgaRtnBm1II/AAAAAAAAOhM/zb1NqZIp-pA/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-rxuTtM1zpAs/UgaRtnBm1II/AAAAAAAAOhM/zb1NqZIp-pA/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Cl6cQjf7zPE/UgaRuLmpusI/AAAAAAAAOhU/7VOS0Gt5jyI/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-WfkkvB1SVx8/UgaQs5pEXNI/AAAAAAAAOg4/8_zEzDACXBg/s1600/J_J_Cale_Munich_75.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a>
<br />
<div class="zoomMe">
<h5 class="tagaudiotitle">
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><span style="font-weight: normal;">Remembering J.J. Cale</span></span></span></h5>
<div class="mediaplayer audioplayer" id="a36c9237638bd4d49b3cc7ac6d7362516">
</div>
<br />
Influenced by all those different styles, Cale picked up a guitar and
learned to play. After finishing high school, he performed in bands and
began working as a recording engineer. Cale was friendly with another
Tulsa musician, Leon Russell, and the piano player soon convinced him to
pack up his guitar and move to Los Angeles. In California, Cale
continued working as a guitar player and made his first recordings, but
they weren’t hits and he decided to return to Oklahoma.<br />
<br />
In those days, Cale saw himself as a guitarist first and an engineer
second. Songwriting wasn’t his career. In fact, he said, it wasn’t even
something he put a lot of effort into. It was just something you had to
do, if you were going to make an album.<br />
<br />
In 1970, times were tough for Cale and he was about to give up music
altogether. One night he turned on the radio and heard a song he had
written, “After Midnight,” being sung by Eric Clapton. And suddenly,
Cale was a hit songwriter.<br />
<br />
“When Eric Clapton cut 'After Midnight,' he sold so many records and it
was so big at the time, I decided that I would pursue the songwriting
thing." Cale said. "I was 34 years old at that time. I’d been down the
pike and back before I had any success at all.”<br />
<br />
Soon, Cale was in Nashville, cutting “Naturally”, his most successful
solo album, and a disc that featured his hit single, “Crazy Mama.”<br />
<br />
While he went on to record more than a dozen solo albums and one
Grammy-winning duet CD with Eric Clapton, he saw himself as a songwriter
first and a performer second. <br />
<br />
“What my whole object was is not to really sell records. I was trying to
sell songs," Cale said. "And instead of running around Nashville or New
York or Los Angeles, knocking on people’s doors and trying to get them
to cut my songs, we thought that making records would get the songs out
there farther and it really did. So, my records really didn’t sell, but
musicians started picking up on my sound and my songs and cutting my
songs and that turned into a gold mine.” <br />
<br />
Other artists covering Cale’s songs include Dionne Warwick, Johnny Cash, Tom Petty, Carlos Santana, and The Band.<br />
<br />
If you’re interested in hearing Cale sing his own songs, there is a
newly-released boxed set containing five early albums. “The Road To
Escondido,” his Grammy-winning blues duet album with Eric Clapton is
another good choice. It’s a mix of originals and covers, including their
take on the classic “Sporting Life Blues.”<br />
<br />
<br />
<br /></div>
<div class="zoomMe">
<br />
<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;"> </span></b></span><span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-Cl6cQjf7zPE/UgaRuLmpusI/AAAAAAAAOhU/7VOS0Gt5jyI/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-Cl6cQjf7zPE/UgaRuLmpusI/AAAAAAAAOhU/7VOS0Gt5jyI/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" /></a> </span></b></span></div>
<div class="zoomMe">
<br />
<br />
<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">ADIOS A J.J. CALE</span></b></span><br />
<br />
<br /></div>
<div class="zoomMe">
</div>
<div class="zoomMe">
J.J. Cale (Oklahoma City, 5 de diciembre de 1938 - La Jolla, 26 de julio de 2013) fue un músico y compositor estadounidense nacido en Oklahoma City, Oklahoma en 1938. Su verdadero nombre era John Weldon Cale, aunque muchas fuentes dan incorrectamente el nombre de Jean Jacques Cale. Fue conocido por escribir dos canciones que popularizó </div>
<div class="zoomMe">
Eric Clapton, "After Midnight" y "Cocaine", así como los éxitos de Lynyrd Skynyrd "Call Me The Breeze" y "I Got the Same Old Blues".<br />
<br />
Cale fue uno de los pioneros del "Tulsa Sound", mezcla de blues, rockabilly, country y jazz. El estilo personal de Cale fue definido como "relajado", y se caracterizaba por ritmos shuffle, cambios de acordes sencillos, voces dobladas y letras incisivas e inteligentes. Cale también fue un guitarrista muy particular, caracterizado por su forma de puntear y sus solos moderados y ligeros. Sus grabaciones reflejaban la sencillez y la falta de artificios de sus composiciones, que eran normalmente grabadas enteramente por Cale, ayudándose de una caja de ritmos para el acompañamiento.<br />
<br />
Muchos artistas, como por ejemplo Eric Clapton, Mark Knopfler, Neil Young o Bryan Ferry, han sido influenciados por la música de Cale; muchos otros han incluido versiones de Cale en sus álbumes, siendo las canciones más utilizadas "Cocaine", "After Midnight", "Call Me the Breeze", "Travelling Light" y "Sensitive Kind", versionada por Carlos Santana.<br />
<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-vPdhyKWmLjA/UgaRs0nUsWI/AAAAAAAAOhE/RALDOitzAc8/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-vPdhyKWmLjA/UgaRs0nUsWI/AAAAAAAAOhE/RALDOitzAc8/s1600/J.J.-Cale_EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" /></a> </div>
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Cale también fue conocido por su rechazo y aversión al estrellato, a las giras largas, y a las grabaciones periódicas. Fue un artista de culto para los músicos, y relativamente desconocido para el público durante los últimos 35 años.<br />
<br />
El lanzamiento de su álbum "To Tulsa and Back" en 2004, así como la aparición en el Festival Crossroads de Eric Clapton en el 2006 y el estreno del documental "To Tulsa and Back: On Tour with J.J. Cale", acercaron su discografía a un nuevo público, más joven y más amplio. Además, esta publicidad siguió hasta finales de 2006, cuando publicó un álbum en colaboración con Clapton, The Road to Escondido, que ganó el "Mejor Álbum Contemporáneo de Blues" en la 50 Edición de los Premios Grammy en 2008.</div>
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-WfkkvB1SVx8/UgaQs5pEXNI/AAAAAAAAOg4/8_zEzDACXBg/s1600/J_J_Cale_Munich_75.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-WfkkvB1SVx8/UgaQs5pEXNI/AAAAAAAAOg4/8_zEzDACXBg/s1600/J_J_Cale_Munich_75.jpg" /></a></div>
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El 26 de julio de 2013, Cale falleció en el Scripps Hospital de La Jolla, California a consecuencia de un ataque al corazón.<br />
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Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-46059165734481892062013-08-10T14:53:00.000-03:002013-11-27T12:57:44.326-03:00EL ADIOS A EDUARDO FALÚ QUE MURIÓ A LOS 90 AÑOS.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-9nJgTM7zItg/UgZ8rCugHqI/AAAAAAAAOfw/jkXxryS32tY/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Rnl3NSo7jEo/UgZ8rndBvtI/AAAAAAAAOf4/kUqzNKlqkbE/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-Rnl3NSo7jEo/UgZ8rndBvtI/AAAAAAAAOf4/kUqzNKlqkbE/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos2.jpg" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-luxz5ysFJfk/UgZ8sQEMNyI/AAAAAAAAOgE/1b2n216nV4E/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">El folklore pierde a un icono</span></b></span><br />
<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Fue uno de los más grandes compositores y guitarristas de la música popular argentina. Autor de “Zamba de la Candelaria” y “Tonada del viejo amor”, entre muchos otros éxitos, supo rodearse de los más grandes poetas y dejó una marca para futuras generaciones.</b></span></span><br />
<br />
Por Cristian Vitale<br />
<br />
<b>Eduardo Falú</b> (<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/El_Galp%C3%B3n_%28Salta%29" title="El Galpón (Salta)">El Galpón</a>, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Provincia_de_Salta" title="Provincia de Salta">provincia de Salta</a>, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/7_de_julio" title="7 de julio">7 de julio</a> de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1923" title="1923">1923</a> - <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/9_de_agosto" title="9 de agosto">9 de agosto</a> de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/2013" title="2013">2013</a> ) fue un <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Guitarrista" title="Guitarrista">guitarrista</a> y <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Compositor" title="Compositor">compositor</a> <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Argentina" title="Argentina">argentino</a>.<br />
<br />
Hacía tiempo, tal vez mucho en términos cronológicos, que Eduardo Falú estaba alejado del ruido mundano, de la cosa profesional, de las tablas y las guitarras de cara al público. De los aplausos. Apenas un detalle, al cabo, porque tal ausencia era sólo una cuestión de silueta. O de mirada. Una mirada sagaz, brillosa, que, en los últimos años sólo activaba su luz frente a los muy suyos. O de voz. Una voz grave, reflexiva, lejana en años. Apenas un ínfimo detalle íntimo que no alcanza a diluir un nombre. Un trayecto fuerte. Un rayo folklórico que cruzó con sus estelas buena parte de la historia de la música popular argentina del siglo XX, y la seguirá cruzando en tanto faro, musa y referencia de las generaciones que renuevan su legado. Murió ayer en Córdoba, donde vivía desde hacía años.<br />
<br />
Eduardo Yamil Falú había nacido en El Galpón, un pueblo de Salta distante 150 kilómetros de la ciudad, hace 90 años casi redondos (el 7 de julio de 1923). Se había criado en Metán –también Salta– bajo el pulso arábigo de sus padres sirios: Juan y Fada. Había comenzado a tocar la guitarra a los once años y cuatro años después ya estaba viviendo en Salta capital.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-luxz5ysFJfk/UgZ8sQEMNyI/AAAAAAAAOgE/1b2n216nV4E/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-luxz5ysFJfk/UgZ8sQEMNyI/AAAAAAAAOgE/1b2n216nV4E/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos3.jpg" /></a><br />
<br />
En cincuenta discos y, durante sesenta años de carrera, Falú le imaginó una música apropiada, inevitable, a los arrebatos poéticos de dos vates que parecían haber nacido a su medida: don Jaime Dávalos y don Manuel J. Castilla. Al primero le contorneó con sus fraseos delicados “temazos” atemporales como “Trago de sombra”, la imperecedera “Tonada del viejo amor”, la “Milonga del alucinado” o la fundamental y frecuentemente visitada, “Zamba de la Candelaria”. Al segundo, lo sustentó en bellezas más crudas. En “Minero potosino” o “Puna sola”, por caso. O en la bellísima “Celos del viento”. Y tampoco se privaron de sus climas León Benarós, César Perdiguero o Alberico Mansilla, con un repertorio que enriqueció el de por sí rico folklore de la década del sesenta, e irradió sus magias hacia Japón, España, Alemania y Francia, países que visitó varias veces durante sus períodos más activos. En uno de sus últimos discos (El sueño de mi guitarra) Falú recrea piezas como “Canción de amor en zapatillas”, “Río de tigres”, “Tonada del viejo amor”, “El jangadero” y “Las golondrinas” y se deja acompañar, en un interesante cruce generacional, por el tecladista Lito Vitale.<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-lgD0qj0Z3cY/UgZ8tqDSE7I/AAAAAAAAOgk/dx9knJcEz2A/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos4.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-lgD0qj0Z3cY/UgZ8tqDSE7I/AAAAAAAAOgk/dx9knJcEz2A/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos4.jpg" /></a><br />
<br />
Pero fue en la épica de dos obras conceptuales donde el guitarrista se mostró en verdadera dimensión. Quién podrá olvidar, después de haberla escuchado, el favor reparador que le hizo a Juan Lavalle cuando, mediando los sesenta, el romance de su muerte intentó curar con música lo que un texto, por más lúcido que fuera, no podía (el fusilamiento de Dorrego). Quién, si no, el sonido de campo adentro que muy pocos podían lograr como él, que le imprimió al José Hernández.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-9nJgTM7zItg/UgZ8rCugHqI/AAAAAAAAOfw/jkXxryS32tY/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-9nJgTM7zItg/UgZ8rCugHqI/AAAAAAAAOfw/jkXxryS32tY/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" /></a><br />
<br />
Falú fue también, muy a su manera, un académico. Un “culto”, que poco podría envidiarle, tal vez, a su musa Carlos Guastavino. Para contarlo lejos, está su Suite Argentina, grabada por la Camerata Bariloche, en la que las cuerdas populares y clásicas (fue una obra para guitarra, cuerdas, clavecín y corno) fueron casi una, o sus conciertos “serios” con la Orquesta Sinfónica Nacional. También un defensor tenaz de los derechos de los músicos. En 1950, cinco años después de mudarse a Buenos Aires para ingresar directo en Radio El Mundo, el tío del también eximio guitarrista Juan ingresó a Sadaic, donde ejerció durante varios años la vicepresidencia.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-t80AW1HfsAU/UgZ8sm980pI/AAAAAAAAOgU/iz5V8OGD_yw/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos5.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-t80AW1HfsAU/UgZ8sm980pI/AAAAAAAAOgU/iz5V8OGD_yw/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos5.jpg" /></a><br />
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Pese a sus “resistencias” al bronce, Falú fue varias veces reconocido por las instituciones. Recibió el título Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba, la Cámara de Diputados lo homenajeó y diversas ciudades (Salta, Santa Fe, Córdoba, Buenos Aires y Rosario) lo distinguieron como Ciudadano Ilustre. El gobernador de Salta decretó dos días de duelo y Sadaic lo saludó de esta manera: “Don Eduardo Falú, querido maestro, qué difícil resulta despedirlo”.<br />
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Tanto el duelo como el saludo final se hacen extensivos, emocionalmente, a todo el país.<br />
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<span style="font-size: large;"><b><a href="http://2.bp.blogspot.com/-Msrdb8LN7_Q/UgZ8tlh9PyI/AAAAAAAAOgg/76YQ1QEqjW4/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos7.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-Msrdb8LN7_Q/UgZ8tlh9PyI/AAAAAAAAOgg/76YQ1QEqjW4/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos7.jpg" /></a><span style="color: red;"> </span></b></span><br />
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<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">El universo en tres minutos</span></b></span><br />
<br />
Por Diego Fischerman<br />
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Sus canciones se cantaron en las escuelas. Estuvieron ligadas, como toda la música compuesta a partir de tradiciones folklóricas sudamericanas, a una cierta idea de patria. Y, claro, de patriotismo. Ya se sabe, la banda de sonido de los actos escolares siempre tuvo más que ver con el campo, aunque acompañara las sagas de personajes tan inevitablemente urbanos como Manuel Belgrano, por ejemplo. Las canciones de Eduardo Falú, que tantas veces hablaron del paisaje, se incorporaron al paisaje. Y, en muchos aspectos, fue una lástima. Es cierto que su arte estuvo en boca de todos y que pocas cosas pueden ser tan gratificantes para un compositor. Pero la contrapartida fue que la costumbre, la bastardización, las versiones gritadas, impostadas, fuera de foco o, simplemente, de afinación, terminaron haciendo a esas canciones maravillosas casi invisibles. Acabaron haciendo olvidar –o haciendo que fuera difícil no perder de vista– que se trataba de algunas de las piezas más extraordinarias del siglo. “Tonada del viejo amor” o “Zamba de la Candelaria”, por sólo nombrar dos, son tan absolutamente perfectas, tan naturales y al mismo tiempo sorprendentes, como sólo unas pocas otras canciones de tradición popular lograrían serlo.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-h4fdFMS2XxU/UgZ8s2VBjBI/AAAAAAAAOgQ/V54vWgsAbIk/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos6.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-h4fdFMS2XxU/UgZ8s2VBjBI/AAAAAAAAOgQ/V54vWgsAbIk/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos6.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
Compartió con los grandes melodistas del tango (Dames, Mores), con Paul McCartney, John Lennon, Chico Buarque, Luis Alberto Spinetta, ese delicado secreto con el que se logra crear un universo y dejarlo en el recuerdo para siempre, en apenas tres minutos. Y además, como intérprete, tuvo una autoridad –y una originalidad– extremas. Su voz de barítono profundo no se pareció a nada; su manera de frasear en la guitarra tenía una elegancia exacta. Nunca hubo excesos. Falú cantaba y tocaba sus canciones sofrenando la emoción, como quien sabe que tiene demasiado entre sus manos y que debe, más bien, contrarrestar todo ese poderío. Una contención expresiva que resultaba, paradójicamente, conmovedora. Aunque incursionó en algunas obras con orquesta y en formas extendidas como la suite, fue en la miniatura precisa, en la fragilidad de la acuarela, donde resultó único. Está, por ejemplo, su monumental Romance de la muerte de Juan Lavalle, con textos de Ernesto Sabato, que grabó en 1965, y donde hay más de un momento notable, empezando por las piezas en que toca su guitarra a solas. Pero es en esa vidalita cristalina que canta Mercedes Sosa, “Palomita del valle”, donde aparece esa rara y paralizante belleza que hace de Eduardo Falú un artista incomparable.<br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-Gs1PGSpDbF8/UgZ8rJa8p9I/AAAAAAAAOf8/kwxcgRFqZBM/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-Gs1PGSpDbF8/UgZ8rJa8p9I/AAAAAAAAOf8/kwxcgRFqZBM/s1600/eduardo-falu-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
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<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-86995227394318385642013-08-05T12:16:00.000-03:002013-11-27T12:58:10.124-03:00NILE RODGERS SOBREVIVIO A TODO Y REGRESO A LA CIMA<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-MLfJUic7cGc/Uf_ALYtocbI/AAAAAAAAOe4/jlk-RMUsiGc/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos8.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><a href="http://4.bp.blogspot.com/-6hvZofpyemc/Uf-_sWhfgMI/AAAAAAAAOeM/g66X2gW-Q7w/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-w5DGQwFuE24/Uf_Bd1-CIPI/AAAAAAAAOfc/qlWjYJCvHXA/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-w5DGQwFuE24/Uf_Bd1-CIPI/AAAAAAAAOfc/qlWjYJCvHXA/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos8.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-Q_TJePhCIdk/Uf-_sbeLNfI/AAAAAAAAOeI/eezGDQVUqGU/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-X9qk1k_-9RM/Uf-_392Dg-I/AAAAAAAAOec/v5-IpE6HcX8/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
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<span style="color: red;"><b><span style="font-size: x-large;">“Siempre tuve buena suerte”</span></b></span><br />
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<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">“Get Lucky”, su colaboración con los franceses Daft Punk, significó el vigésimo número uno en los charts para el factótum de Chic, y productor y músico de David Bowie, Madonna y Duran Duran. Aquí, vida y obra de un optimista incansable.</span></b></span><br />
<br />
Por Fiona Sturges *<br />
<br />
En sus 61 años de vida, Nile Rodgers ha superado más de un trauma. Su madre y su padrastro eran adictos a la heroína y propensos a dormirse en mitad de una oración; una adolescencia sin hogar que lo llevó a dormir en estaciones de subte; sus propias adicciones al alcohol y a la cocaína, que provocaron que su corazón se parara ocho veces; y, más recientemente, el diagnóstico de un cáncer de próstata. Y sin embargo, solamente una vez se preguntó si valía la pena vivir: fue en los primeros tiempos de Chic, cuando él y su socio y cocompositor Bernard Edwards estaban buscando un contrato discográfico. Habían mandado demos, varios ejecutivos habían ido en rebaño a sus shows, el underground neoyorquino enloquecía por sus canciones. Y sin embargo, nadie picaba. “Fue frustrante, porque habíamos trabajado muy duramente y sabíamos que nuestra música era realmente buena”, recuerda Rodgers. “Hicimos un pacto suicida. Dijimos que si no conseguíamos un contrato, íbamos a darnos las manos y a saltar del puente George Washington. Si hubiéramos llegado al punto de pararnos ahí, estoy seguro de que Bernard me hubiera dicho: ‘¿Viste esa parte de guitarra que estabas tocando? Deberíamos volver al estudio y arreglarla’. Así que no estoy seguro, en retrospectiva, de que fuera en serio. Y, de todos modos, firmamos contrato.”<br />
<br />
Rodgers está sentado en el trailer convertido en camarín, en el backstage del Magic Summer Live Music Festival en Surrey, Inglaterra. Afuera hace 31 grados; adentro, solamente un poco menos. Vestido con su habitual atuendo para shows de traje blanco y sombrero al tono, Rodgers acaba de bajar del escenario tras completar un set de una hora con Chic, con una triunfante versión de “Good Times” mezclada con “Rapper’s Delight” de Sugarhill Gang (que tenía un sample... de Chic). Mientras la banda dejaba en fila el escenario, el público empezó a cantar espontáneamente “Get Lucky”, de Daft Punk, el hit disco y funk que este año devolvió a Rodgers, su co-autor, de nuevo al centro de la escena. El guitarrista es, por supuesto, el legendario hacedor de hits detrás de algunas de las mejores canciones pop jamás escritas, un hecho subrayado por la lista de temas de hoy, que incluyó “Everybody Dance”, “We Are Family”, “Upside Down”, “Le Freak”, “I’m Coming Out” y “Dance, Dance, Dance”. Todos están incluidos en el flamante “grandes éxitos” The Chic Organization: Up All Night, que tendrá edición argentina.<br />
<br />
Con este rutilante catálogo, que continuó en los ’80 cuando tocó y produjo algunos de los más grandes álbumes de esa era –incluyendo Let’s Dance, de David Bowie; Like a Virgin, de Madonna; y Notorious, de Duran Duran–, Rodgers puede permitirse estar relajado acerca de su reciente éxito. “Lo disfruto”, dice y se encoge de hombros, secándose la transpiración del rostro con una toalla. “Tener un hit es bárbaro y te pone en el candelero durante un tiempo. Pero después eso desaparece. Quiero decir: éste es mi vigésimo tema número 1. Así que sé que es sólo cuestión de tiempo hasta que no sea gran cosa otra vez. En este negocio todo es fugaz.”<br />
<br />
Musicalmente, Rodgers ciertamente ha tenido sus altas y bajas. A mediados de los ’70, él y Edwards fueron los reyes de la escena disco de Nueva York. Habían craneado un nuevo sonido R&B y funk simple, jubiloso y deliberadamente repetitivo que, como dijo Johnny Marr, guitarrista de The Smiths, en un documental reciente de la BBC, “uno tenía que ser de madera para no moverse”. Ellos estaban en la cima. Pero entonces llegó el contragolpe: un “¡Disco apesta!” que ganó ímpetu entre los fans del rock’n’roll y que culminó en la legendaria “Disco Demolition Night”, en la que montones de álbumes de música disco fueron destruidos en medio de una cancha de béisbol de Chicago. Tras renguear durante algunos años, Edwards se retiró, impactado por cuán rápida y ferozmente Chic había pasado de moda; Rodgers absorbió el golpe y siguió adelante. Su próximo colaborador sería David Bowie.<br />
<br />
“Ese fue un ejemplo perfecto”, dice Rodgers. “Esas cosas no duran. No pueden durar. La música tiene que seguir moviéndose. Pero tuve buena suerte. Siempre había algo esperándome a la vuelta de la esquina.” Rodgers es magnífico cuando habla, saltando felizmente de una anécdota a la siguiente, cada una con una impactante sucesión de nombres famosos: Bowie, Diana Ross, Bryan Ferry, Debbie Harry, Grace Jones... Ahora habla del extraño magnetismo de Madonna: “Incluso antes de ser enorme, ella era muy interesante. Si me decía qué había desayunado, yo pensaba que era fenomenal. Tenía esa cosa mágica. Cuando entraba a alguna parte con ella, todo lo que escuchaba era: ‘¿Quién es ella? ¿Quién es la chica que está con Nile?’”.<br />
<br />
Rodgers es uno de los optimistas de la vida. En persona, su forma habitual de ser es radiante. Su espíritu infatigable es evidente en su enormemente cautivadora autobiografía Le Freak, en la que cada nuevo golpe, ya fuera en su vida o en su carrera, es recibido con el ademán de c’est la vie. “Ha habido una extraña ironía en toda mi vida”, dice Rodgers animadamente. “Todos mis compañeros originales de banda murieron, cuando yo era el más salvaje e imprudente de todos (Edwards murió mientras dormía después de un show de Chic en Japón, en 1996). Pero yo sigo acá. ¿No es loco? No soy religioso, pero siempre le agradezco a los elementos del Universo por permitirme un día más de mi vida, porque es increíble.”<br />
<br />
Pero el diagnóstico de cáncer de hace dos años debe haberle marcado una pausa. “En realidad, no”, replica, todavía sonriendo. “Ese día tenía trabajo que hacer. Recibí el llamado un jueves y tenía que ir a Roma para hacer un show el sábado. Le dije a mi doctor que iba a simular que no había recibido su llamado e iba a llamarlo cuando volviera. El me gritaba: ‘¡No, no, no, Nile! ¡Esto es realmente serio!’. Y yo le dije: ‘Vamos, doc, si no lo hubiera atendido, ¿usted realmente se esforzaría para que yo volviera antes del fin de semana? Por supuesto que no. Así que hablaremos el lunes’.”<br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-4BS0bsErtFc/Uf-_4CzVXVI/AAAAAAAAOeo/uE33y07tAdQ/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-4BS0bsErtFc/Uf-_4CzVXVI/AAAAAAAAOeo/uE33y07tAdQ/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos2.jpg" /></a><br />
<br />
¿Era negación? “Para nada”, contesta Rodgers. “Porque sabía cuál era la realidad. Sus palabras exactas fueron: ‘Cáncer de próstata extremadamente agresivo’. Pero yo no sabía lo específico, y ni él ni yo teníamos toda la información, así que no iba a preocuparme por algo que no estaba claro.” Un par de días antes de esta entrevista, Rodgers vio a su oncólogo para un chequeo post-operatorio, una cita que fue largamente pospuesta debido a la agenda de giras del músico. “Justo antes de llegar acá, recibí un e-mail de mi doctor.” Hace una pausa y sonríe: “Y hoy estoy libre de cáncer”.<br />
<br />
Pero, ¿alguna vez piensa en aflojar el ritmo? ¿Se detiene un poco con las giras? ¿Se toma vacaciones? “De ningún modo”, se ríe a carcajadas. “Si hiciera eso, probablemente me enfermaría y moriría.”<br />
<br />
La madre de Rodgers, Beverly, quedó embarazada cuando tenía 13 años. Su familia la persuadió para que se casara con el padre, Nile Rodgers Sr, pero cuando llegó el día, ella cambió de idea y su familia la repudió. Bobby, el padrastro de Rodgers, era blanco, judío y “muy pintón”. El y Beverly eran inusualmente progresistas: fueron una de las pocas parejas interraciales del Greenwich Village neoyorquino. Fumaban en pipa, se vestían impecablemente e instruyeron a Nile para que los llamara por sus nombres. También se drogaban mucho. “Mi infancia fue agridulce en muchos sentidos”, dice. “Nos mudamos mucho. Para cuando tenía 10 años, había viajado miles de kilómetros, a menudo solo. Mis padres eran como mis amigos, así que se sentía como no tener padres. Pero en un modo loco eso fue muy liberador. Me forzó a ser independiente, quizás un líder, y ciertamente un sobreviviente.”<br />
<br />
El vio muy poco a su padre biológico, un percusionista beatnik, aunque le da todo el crédito como proveedor de los genes musicales que iban a llevar a Rodgers a vender un estimado de 100 millones de discos. Nile Sr no disfrutó del mismo éxito. Devastado por su rotura con Beverly, se convirtió en esclavo de la heroína e incapaz de mantener un trabajo. Un día, su hijo de 8 años lo vio desnudo y aparentemente con ánimo suicida en el techo de un albergue para indigentes en el Village, con una gran multitud mirándolo. Nile se presentó ante el policía a cargo y fue despachado para que le dijera a su padre que bajara.<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-EXbWcJtgUdw/Uf-_4rW6n9I/AAAAAAAAOes/ouvrVyHNQkA/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos7.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-EXbWcJtgUdw/Uf-_4rW6n9I/AAAAAAAAOes/ouvrVyHNQkA/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos7.jpg" /></a><br />
<br />
“Para ese momento yo me arreglaba por las mías, esencialmente. Todavía dormía en casa de mi madre y tenía una llave para la puerta de calle, pero hacía la mía.” Su presencia en la escuela era intermitente; prefería aprender de ver películas por televisión. “Era fan de los Hermanos Marx”, recuerda. “Uno de ellos tenía un personaje con el que simulaba no poder hablar, pero después escribió una autobiografía llamada ¡Harpo habla! Escribió acerca de cómo abandonó la escuela a los 9 años para convertirse en profesional. Leí eso cuando tenía 8 y pensé: ‘Guau, no puedo esperar a tener 9 para poder abandonar la escuela y conseguirme un trabajo’.”<br />
<br />
Rodgers empezó a tocar la guitarra a los 16, y rápidamente terminó tocando durante algunos períodos en bandas de jazz y música latina. Al mismo tiempo, no tenía casa; dormía en casas de amigos o en el subte de Nueva York. “En realidad me gustaba vivir en el subterráneo. Era optimista incluso entonces. Prefería ser un indigente, aprender música y conocer a toda la gente interesante que conocí, antes que quedarme en casa, que en ese momento me parecía más peligroso para mí.”<br />
<br />
El primer trabajo pago de Rodgers en la música llegó con las giras de la banda de Plaza Sésamo, tras el cual consiguió un lugar en la banda residente del teatro Apollo de Harlem. Y entonces, en 1973, conoció a Edwards. En la superficie eran agua y aceite: para entonces, Rodgers era un hippy politizado vestido con pantalones acampanados y amante del LSD, mientras que Edwards era un fan del R&B conservador y de vida limpia. Pero, tras un par de pasos en falso, se convirtieron en una de las duplas más intuitivas, exitosas y –durante un tiempo– prolíficas de la música popular.<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-6hvZofpyemc/Uf-_sWhfgMI/AAAAAAAAOeM/g66X2gW-Q7w/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos9.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-6hvZofpyemc/Uf-_sWhfgMI/AAAAAAAAOeM/g66X2gW-Q7w/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos9.jpg" /></a><br />
<br />
Rodgers dice que su integración a la escena disco se sintió como llegar al hogar. “La apertura me permitió encontrarme a mí mismo”, explica. “Hasta entonces, yo era una ficha cuadrada en un agujero redondo. Cuando fui a mi primera disco, que no era Studio 54 ni nada sofisticado sino un lugarcito en el barrio, vi algo que se parecía a mis primeros años con mis padres. El público estaba mezclado: había negros, blancos, gays, puertorriqueños, de todo. Y todos se llevaban bien.”<br />
<br />
Cuando las ventas de Chic se dispararon, también lo hicieron sus ingresos. El libro de Rodgers detalla, con cierto deleite, su flamante gratificación con ropas de diseñadores, autos y barcos. Y además estaba la cocaína. En retrospectiva, dado el ambiente de su infancia, Rodgers reconoce que las drogas fueron inevitables. “No había fobia en mi casa. Si llegabas a casa de mi madre y no te drogabas, eras el raro. No iban a reírse de vos, pero ibas a verte como el bicho raro, sentado ahí mientras todos los demás fumaban porro y se inyectaban heroína.”<br />
<br />
Una fiesta en la casa de Madonna, a mediados de los ’90, finalmente trajo la conclusión de que él era un adicto completo. Rodgers había estado tres días dado vuelta y empezó a escuchar voces dentro de su cabeza. Fue su primer y único brote de psicosis cocainómana. Cuando las voces finalmente recularon, él mismo se anotó en rehabilitación. Desde entonces no ha tocado drogas, ni alcohol.<br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-X9qk1k_-9RM/Uf-_392Dg-I/AAAAAAAAOec/v5-IpE6HcX8/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-X9qk1k_-9RM/Uf-_392Dg-I/AAAAAAAAOec/v5-IpE6HcX8/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" /></a><br />
<br />
Ahora, en las raras ocasiones en las que está en su casa –en el Upper West Side neoyorquino–, vive una vida tranquila con su novia. Nunca quiso tener hijos. “Supe desde muy joven que no quería hijos, ni casarme. No había nada en toda mi vida que reforzara positivamente esos conceptos. Pero no es gran cosa. Es por eso que tengo la novia que tengo. Ella tampoco quiere hijos, así que ‘fantástico, sos mi chica’.”<br />
<br />
El plan a largo plazo de Rodgers es seguir haciendo exactamente lo que ha hecho durante el último par de décadas: salir de gira, colaborar con colegas y salir de gira otra vez. Hay rumores de otra colaboración con Daft Punk, esta vez con el dúo francés trabajando sobre un tema inédito de Chic, aunque los detalles son exiguos. También se avanza en un musical de Broadway basado en el extenso catálogo de Rodgers. “Yo no busco trabajo”, reflexiona Rodgers. “Me gusta esperar hasta que me llega. Sólo escribo canciones por pedido. No puedo escribir música hasta no saber la historia. Siempre digo que mis canciones son non fiction con elementos de ficción. La gente piensa que son livianas, pero hay verdad y profundidad en todas ellas.”<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-wJs8_qKh1ig/Uf-_30getLI/AAAAAAAAOeY/HLjogh7GXAI/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-wJs8_qKh1ig/Uf-_30getLI/AAAAAAAAOeY/HLjogh7GXAI/s1600/nile-rodgers-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
<br />
Ahora sólo tiene una pequeña lista con la que le gustaría trabajar. “Aunque en mis verdaderas fantasías me gustaría juntar a Hendrix y a Miles Davis otra vez, y zapar con ellos”, suelta. “He hecho muchas cosas copadas en mi vida, pero, ¿trabajar con esos tipos? Eso hubiera sido lo más copado de todo.”<br />
<br />
* The Independent de Gran Bretaña.<br />
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<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-38389345956716569042013-08-05T11:53:00.000-03:002013-11-27T12:58:37.481-03:00 MURIO EL EXCEPCIONAL GUITARRISTA, COMPOSITOR Y DOCENTE WALTER MALOSETTI, A LOS 82 AÑOS.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-z1KU9qqnKl8/Uf-7WBCFzXI/AAAAAAAAOdY/U9gB-KBwkdw/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-QAxu9kFEPy0/Uf-7XKVzntI/AAAAAAAAOd4/6hXEKluiaj0/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-QAxu9kFEPy0/Uf-7XKVzntI/AAAAAAAAOd4/6hXEKluiaj0/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos4.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-oHGBKH3gluk/Uf-7XHfyY_I/AAAAAAAAOds/Ke3h9jnw6Go/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-vNhw3BQZ82o/Uf-7WHPHwoI/AAAAAAAAOdc/KRSAh7-ee_w/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><b>Cuando tocar es enamorarse de la música</b></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Su fascinación por el jazz llegó desde temprano y través de la radio; desde ese primer momento desarrolló una tarea de intensa actividad, grabando, tocando en vivo y a través de una escuela que lo convirtió en referente de la enseñanza.</b></span></span><br />
<br />
Por Diego Fischerman<br />
<br />
La noticia circuló primero por las redes sociales. Y hubo un dato llamativo. Había <br />
muerto, a los 82 años, Walter Malosetti, uno de los músicos más queridos y respetados <br />
del jazz argentino. Y entre los comentarios resaltaba una palabra, escrita una y otra <br />
vez por quienes se inspiraron en él, por quienes fueron sus discípulos, por los que <br />
tocaron junto a este notable guitarrista o, simplemente, por los que lo conocieron o <br />
estuvieron cerca suyo en algún momento de su fructífera vida: “maestro”.<br />
<br />
“Finalmente papá terminó su lucha y ahora descansa en paz. Gracias por el amor que <br />
sabemos sus hijos y familiares que todos ustedes sienten por él”, escribió su hijo, el <br />
excelente bajista Javier, que siempre reconoció haber aprendido de escuchar tocar a su <br />
padre. Nacido en la provincia de Córdoba el 3 de junio de 1931, Walter Malosetti se <br />
enamoró del jazz, como muchos en esos años, a través de la radio. Su padre y su hermano <br />
mayor eran músicos y ya desde antes de cumplir veinte años tocaba en bandas de jazz, la <br />
Guardia Vieja Jazz Band, la California Ramblers, The Georgians Jazz Band. “Uno siempre <br />
toca solo”, había dicho en una charla con Página/12 en la que se refería a la grabación <br />
de su primer disco a solas, PALM (iniciales de Pedro Alfredo Lucas, su hermano, luthier <br />
y también guitarrista). Un disco nacido del insomnio y, a la vez, de un largo sueño. <br />
“Había muerto mi mujer, de golpe tenía mucho tiempo, al no tener que cuidarla, y no <br />
podía dormirme, así que tocaba la guitarra toda la noche.”<br />
<br />
Además de prócer del jazz argentino, con una trayectoria que incluye el paso por Swing <br />
39, aquel grupo en el que transitaba por el estilo del quinteto del Hot Club de Francia <br />
de Django Reinhardt y actuaciones con los más importantes músicos de jazz de varias <br />
generaciones, parte de su peso en la escena musical local tiene que ver con la escuela <br />
con la que durante años fue referente en el campo de la docencia de música de tradición <br />
popular. “Hay cosas, desde ya, que no pueden enseñarse”, explicaba. “Paradójicamente, <br />
no se le puede enseñar a alguien a ser músico; a ser sensible, a escuchar, a tener algo <br />
para decir. Pero sí se pueden dar los elementos para que quienes tienen adentro eso tan <br />
difícil de transmitir lo puedan sacar afuera. Para que quienes son músicos de alma <br />
encuentren la mejor manera de serlo. Creo que puedo ser útil –decía– y que lo que se <br />
transmite no es sólo la técnica; también hay palabras, hay cosas que se le pueden decir <br />
a un chico que uno ve que tiene real interés y pasión por aprender, para guiarlo. A <br />
veces es más importante decirle ‘no toques’, ‘guardate algo’, ‘dejá que se oiga el <br />
silencio’, que enseñar a tocar. Hay que buscar la sencillez.”<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-6tT3HamYELY/Uf-7WPQBWiI/AAAAAAAAOdo/ia9vR1lKQ60/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-6tT3HamYELY/Uf-7WPQBWiI/AAAAAAAAOdo/ia9vR1lKQ60/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos2.jpg" /></a><br />
<br />
Con Swing 39 grabó seis discos, y participó en el primer álbum solista de David Lebon.<br />
También tocaría, años después, en el tema “Cazar toreros”, del disco Horno para <br />
calentar los mares de Illya Kuryaki and the Valderramas. Autor de los libros Bases de <br />
improvisación para guitarra y Armonías de blues, había sido reconocido como Ciudadano <br />
Ilustre de Buenos Aires y, también, de Ushuaia, donde el Festival de Jazz de esa ciudad <br />
lo homenajeó en 2010, cuando cumplió 79 años. Un año antes, Mariano Otero había grabado <br />
Desarreglos, el disco con la música que había escrito en homenaje al guitarrista, a <br />
pedido del Festival de Jazz de Buenos Aires. “Walter fue muy amigo mío, lo admiré <br />
mucho”, comentaba ayer el contrabajista. “Era un maestro. Me dio mucho amor, y yo lo <br />
quise como un padre o un abuelo. Nunca nadie habló mal de él. Tengo mucha tristeza. <br />
Sabía que estaba mal, y que se iba, y cuando vos querés a una persona querés lo mejor <br />
para ella, pero cuando esa persona se va, eso te destruye.”<br />
<br />
La última producción discográfica de Malosetti, del año pasado, fue Esencia. Allí <br />
tocaban con él Mauro Vicino y Walter Coronda en guitarras rítmicas, Guillermo Delgado, <br />
Pablo Carmona y Fernando Lupano alternándose en contrabajo, Pablo Gignoli en bandoneón, <br />
Larry Martin en batería y Marcelo Peralta en saxo tenor, y el repertorio incluía una <br />
versión de “Soledad”, de Gardel y Lepera. “Elegir lo que uno va a tocar no se trata <br />
sólo de quedarse con los temas que a uno más le gustan, sino con esos con los que <br />
siente que tiene una afinidad”, contaba a este diario. “En mis últimos discos <br />
predominan los temas lentos, y tal vez sea porque es allí donde siento que tengo algo <br />
que quiero expresar. No sé, también los músicos que me gusta escuchar son los que <br />
eligen más lo que dejan de tocar que lo que tocan. Mi ídolo es Jim Hall y él jamás va a <br />
meter una escala veloz porque sí, sólo para lucirse o para demostrar que puede tocarlo. <br />
Todo es fino, tiene que ver con los matices, con el desarrollo de una idea. Ojo, hay <br />
músicos como John McLaughlin que tocan rapidísimo y son muy grandes artistas. A mí <br />
puede no gustarme demasiado lo que hacen, pero eso es sólo una cuestión de gustos. En <br />
casos como el de él, la cantidad de notas y la velocidad son, directamente, parte del <br />
estilo. Ellos son eso. Sé que muchos dicen lo mismo, pero lo importante es lo que hay <br />
para decir, no la técnica. Louis Armstrong no había estudiado música y era genial. B. <br />
B. King toca pocas notas y a uno se le pone la piel de gallina. Y Pappo era <br />
maravilloso. Mis discos, no sé. Tardo en conocerlos. Yo soy lento para valorar mis <br />
cosas. Las acepto, simplemente, porque entiendo que me representan.”<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-oHGBKH3gluk/Uf-7XHfyY_I/AAAAAAAAOds/Ke3h9jnw6Go/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos6.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-oHGBKH3gluk/Uf-7XHfyY_I/AAAAAAAAOds/Ke3h9jnw6Go/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos6.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
Martes, 30 de julio de 2013<br />
<br />
<b><span style="color: red;"><span style="font-size: large;">“Entre nosotros no existe la competencia”</span></span></b><br />
<br />
El 19 de octubre de 2007, luego de un encuentro en el escenario de La Trastienda, <br />
Cristian Vitale reunió a Malosetti padre e hijo en una charla imperdible. Aquí se <br />
ofrecen algunos pasajes.<br />
<br />
“A la gente le gusta esto de ver a padre e hijo juntos, es lindo y muy familiero... <br />
pero para nosotros es natural. No le damos tanta pelota, porque convivimos toda la vida <br />
así. El es socio, amigo y compañero de mis peores juergas. Cada vez que viene a casa, <br />
me da un beso y lo primero que hace es fijarse arriba de qué cama hay una viola. Se <br />
pone a tocar, yo agarro el bajo y tocamos juntos antes de hablar de nada. Tocar juntos <br />
para nosotros es más natural que comer juntos.” Javier.<br />
<br />
“Al tocar con él se me aparece toda la vida... desde que él era chiquito y estaba <br />
sentado en una alfombra, cuando ni siquiera sabía caminar, y ya entonaba canciones. Las <br />
inventaba y eran coherentes. Pero mucha oreja de Javier deriva también de la madre, <br />
eh.” Walter.<br />
<br />
“El free jazz no es tan osado como dicen. Es un lugar cómodo para un músico que no <br />
tiene ganas de aprenderse las formas. Tocar cualquier cosa no es nada osado, me parece <br />
más osado poder decir sobre ciertos cánones. No es loco el free, es una boludez. Lo <br />
valiente es todo lo contrario. Un ejemplo: es más fácil andar en bolas por la calle, <br />
pero eso es de boludo.” Javier.<br />
<br />
“Yo, por mi forma de ser, enseñé con mucho cariño. No sé si seré el mejor profesor <br />
o el peor, pero entendía y entiendo a mis alumnos, me da igual si les gusta el rock, el <br />
tango, el folklore o el jazz, porque pienso que si no tenés amplitud sos un gil. Hay <br />
que escuchar de todo. A Javier le noté condiciones desde muy chiquito. A los 12 años ya <br />
lo llevaba a tocar la batería, y a veces lo retaba porque tocaba muy fuerte.” Walter.<br />
“Sé de muchos músicos que tienen padres o hijos músicos, que son como una carga el <br />
uno para el otro. Se da una relación traumática o tortuosa, en el que uno aparece como <br />
la sombra del otro. En este caso no ocurrió nunca, porque cada uno está en su mundo, <br />
feliz de los logros del otro. A la par, 50 y 50, hombro a hombro. Entre nosotros no <br />
existe la competencia. Yo vivo y soy músico gracias a él...” Javier.<br />
<br />
“Entre nosotros hay un vaivén que siempre está entre los músicos, sea tu hijo o no.<br />
Generalmente, hablamos de gustos. ¿Te gusta éste? ¡Mirá lo que toca el animal!, y así, <br />
pero los gustos personales no se imponen. A lo mejor, a él le gustan cosas que a mí <br />
no... pero las terminé incorporando. Javier me descubrió a The Beatles cuando yo les <br />
daba una importancia relativa. Pero también aprendí mucho de mis alumnos. No hay que <br />
negar la espontaneidad. Si podés aprender algo todos los días, mejor. La integración en <br />
música es fundamental, porque un tipo que toca solo toda su vida encerrado en una <br />
pieza, no procede.” Walter.<br />
<br />
Martes, 30 de julio de 2013<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b></b></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><a href="http://3.bp.blogspot.com/-z1KU9qqnKl8/Uf-7WBCFzXI/AAAAAAAAOdY/U9gB-KBwkdw/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-z1KU9qqnKl8/Uf-7WBCFzXI/AAAAAAAAOdY/U9gB-KBwkdw/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos1.jpg" /></a> </b></span></span><br />
<br />
<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Formador de músicos</b></span></span><br />
<br />
Por Adrián Iaies<br />
<br />
Se fue Walter, finalmente. Después de pelear hasta el final. No tuve la fortuna de <br />
tocar con él, pero sí de tratarlo, en los últimos diez años, aproximadamente. Alguien a <br />
quien siempre daba gusto encontrar. Ese mix perfecto de dulzura, swing e ironía. Y <br />
siempre con algo para contar. Un guitarrista de excepción con una virtud no tan <br />
sencilla de encontrar en los guitarristas: su estilo nunca dependió de las modas, el <br />
tocaba swing, y eso es atemporal. Tocó casi hasta el final y seguramente se trate de <br />
uno de los jazzmen argentinos con una carrera más dilatada, con una buena cantidad de <br />
grabaciones y con muchísimas noches de escenario. Sin embargo, aun antes que esa faceta <br />
de artista talentoso, honesto y trabajador, lo que necesariamente prima es su condición <br />
de gran maestro. A diferencia de la música clásica –donde la tradición descansa sobre <br />
un corpus de papeles, las partituras–, en el jazz esa reserva, esas raíces están en los <br />
discos y, por ende, se trata de una condición naturalmente más abstracta y donde la <br />
figura del maestro que guía a través de esa región siempre un tanto misteriosa es <br />
clave. Y Walter fue un gran maestro. La prueba de ello no son sólo los miles de alumnos <br />
que pasaron por su escuela, sino que él mismo prefería tocar con músicos más jóvenes <br />
que luego fueron, ellos mismos, líderes y continuadores de esa tradición. Pienso, en <br />
principio, en Javier, su hijo. Uno de los músicos de jazz más completos que hay por <br />
estas tierras, puro talento. Pero pienso, por ejemplo, en Pepi Taveira o en Mariano <br />
Otero. En Armando Alonso, en Lito Epumer. A mí siempre se me antojó –a los músicos de <br />
jazz nos gustan especialmente las analogías, por alguna razón– que Walter era una <br />
especie de Art Blakey local, un formador de músicos y de líderes. Evidentemente sabía <br />
transmitir esa condición. En mi primera edición como director del Festival de Jazz de <br />
Buenos Aires le hicimos un homenaje, del modo que yo personalmente creí que más lo <br />
reconfortaría. Más allá de la plaqueta de rigor y los discursos, le comisionamos a <br />
Mariano Otero que reescribiera algo de la música de Walter para luego impregnarla de su <br />
propio estilo. Eso y no otra cosa es el jazz. Y de eso Walter sabía mucho. Lo vamos a <br />
extrañar.<br />
<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-vNhw3BQZ82o/Uf-7WHPHwoI/AAAAAAAAOdc/KRSAh7-ee_w/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-vNhw3BQZ82o/Uf-7WHPHwoI/AAAAAAAAOdc/KRSAh7-ee_w/s1600/walter-malosetti-el-refugio-de-losmusicos.jpg" /></a><br />
<br />
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-69359522306474549882013-06-12T21:26:00.001-03:002013-11-27T13:00:01.034-03:00EL JAZZ EN EL PARÍS OCUPADO BAJO EL DOMINIO DEL NAZISMO.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-QQJZM11Y9mA/UbkQcpRDt_I/AAAAAAAAOaE/_DR9-lCTslE/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos11.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-QQJZM11Y9mA/UbkQcpRDt_I/AAAAAAAAOaE/_DR9-lCTslE/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos11.jpg" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-HFD0rTwWlB0/UbkNTCwip0I/AAAAAAAAOZI/GE7fg1fpnKg/s1600/jazz-y-nazismo-django-el-refugio-de-los-musicos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-nJGSmVMah50/UbkNUfVRSYI/AAAAAAAAOZo/k4zCzFjag4A/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
Por: Manuel Recio<br />
<br />
<br />
La guerra introdujo el jazz en Europa. Esta afirmación, por chocante que pueda resultar, es tan real como paradójica. Los soldados norteamericanos que lucharon en la Primera Guerra Mundial no solo portaron sus armas, sino también su música al viejo continente. Las unidades militares a menudo se hacían acompañar de bandas, generalmente formadas por negros, que interpretaban marchas y ragtimes. La del 369º Regimiento de Infantería, los Hellfighters, destinados en Francia y dirigidos por el teniente James Reese Europe, interpretó en 1918 números sincopados tanto para militares aliados como para civiles galos. Gracias a grupos como ellos, el jazz llegó a territorio europeo con algunos años de retraso, pero de manera triunfal. Es curioso cómo, a pesar de ser una música popular de origen afroamericano, enseguida gozó de la admiración de las clases más pudientes. Artistas e intelectuales vieron en el jazz un signo de modernidad.<br />
<br />
En principio, Inglaterra, Francia y Alemania fueron los países donde más rápidamente se asentó. Durante los años 20, Berlín se erigió en la capital europea del jazz debido a su intensa actividad nocturna en cabarets y salas de baile. El Wild-West-Bar programaba hasta seis bandas de jazz en una misma noche. En los 30, ese privilegio correspondió a París. Los músicos, escritores y pintores de Montparnasse acudían al Club Bobino para ver cómo la afamada bailarina negra Josephine Baker se desnudaba a ritmo de charlestón. Music-halls, tabernas, bistrós o nightclubs de la Ciudad de la Luz, enloquecían con los sonidos negros venidos del otro lado del Atlántico. El jazz se benefició de los movimientos literarios y asimismo inspiró a poetas y bohemios. La locura era tal que el distrito de Montmartre era conocido por entonces como el “Harlem de Europa”.<br />
<br />
Al mismo tiempo, en el período de entreguerras, muchos músicos norteamericanos y pequeñas orquestas se lanzaron a la conquista europea. La llegada de la Original Dixieland Jazz Band causó furor en el Londres de 1919. Ese mismo año, la Southern Syncopated Orchestra trajo por primera vez a Sidney Bechet a París. Sería el inicio de una serie de constantes visitas a la ciudad. Otros artistas, bien huyendo de la Ley Seca o atraídos por el dinero y la fama, se ganaron el respeto del oyente europeo. Nombres como Louis Armstrong o la orquesta de Duke Ellington alcanzaron una inmensa popularidad en Europa durante esa época, antes incluso que en Estados Unidos. Además, a medida que el jazz se hacía más bailable —la Era del Swing— los salones y hoteles de las grandes capitales se rindieron a los encantos de un estilo que caló hondo entre la juventud europea. El jazz conectaba con la gente, era diversión, pero también libertad. <br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-lvgUL-ZnQL8/UbkNTsNMvYI/AAAAAAAAOZU/EP9JhIYyp-4/s1600/Jazz-y-nazismo-Oficiales-nazis-en-los-Campos-El%C3%ADseos-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-lvgUL-ZnQL8/UbkNTsNMvYI/AAAAAAAAOZU/EP9JhIYyp-4/s1600/Jazz-y-nazismo-Oficiales-nazis-en-los-Campos-El%C3%ADseos-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
<span style="color: lime;"><b>Oficiales nazis en los Campos Elíseos.</b></span><br />
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<span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">Hot Club de France</span></b></span><br />
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En 1931 nace en París el Jazz Club Universitaire, que más adelante se transformaría el Hot Club de France, la primera sociedad de fans creada en torno al jazz. A su amparo, los jóvenes franceses se reunían para escuchar grabaciones americanas, hacer críticas y formar las incipientes orquestas. Las primeras publicaciones periódicas de jazz surgieron en París. En 1934 el crítico Hugues Panassié, presidente del Hot Club, fundó Le Jazz Hot, revista fundamental para la difusión del jazz en Europa, que toma el testigo de la pionera La Revue du Jazz, creada en 1929. Las reseñas y los textos publicados en sus páginas contribuyeron a aumentar el conocimiento del jazz por parte de los aficionados europeos.<br />
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Pero la importancia del Hot Club radica en que sirvió como plataforma de difusión a unas jam sessions informales que se llevaban a cabo en el Hotel Claridge parisino. Allí tocaban un violinista llamado Stephane Grapelli y un guitarrista belga de origen gitano de nombre Django Reinhardt. La asociación de ambos dio lugar en 1934 al Quintette du Hot Club de France, una combinación de swing y ritmos autóctonos (gipsy-jazz), que muchos autores cifran como la mayor aportación europea a la historia del jazz. La popularidad del quinteto trascendió fronteras francesas y se extendió por toda Europa. Sin embargo su ascenso se vio interrumpido por el estallido de la Segunda Guerra Mundial. La banda tenía programadas actuaciones en Inglaterra justo en el momento de declararse la guerra en septiembre de 1939. Grappelli se quedó en Londres, pero Reindhart, que no hablaba nada de inglés, volvió a la capital francesa. “Mejor estar atemorizado en tu propio país que en cualquier otro”, confesó. El 14 de junio de 1940 los nazis ocuparon París. La ciudad oscureció, las enormes luces rojas del famoso Moulin Rouge se apagaron. Los cabarets de Montmartre y Montparnasse languidecieron. La actividad artística degeneró…<br />
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<b><span style="color: red;"><span style="font-size: large;">Música degenerada</span></span></b><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-q2FhcftTLq8/UbkNU_UB0bI/AAAAAAAAOZw/W3_I4ZfHEmI/s1600/jazz-y-nazismo-entartete_musik_poster-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-q2FhcftTLq8/UbkNU_UB0bI/AAAAAAAAOZw/W3_I4ZfHEmI/s1600/jazz-y-nazismo-entartete_musik_poster-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
<b><span style="color: lime;">entartete_musik_poster </span></b><br />
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Ya en la Alemania prenazi el jazz tuvo sus detractores. Seigfried Wagner, hijo del célebre compositor, lo definió en 1925 como un “ruido bárbaro”. Una década antes, el káiser Guillermo había prohibido a sus oficiales cualquier baile negro por su carácter grotesco. No es de extrañar, por tanto, que con la llegada del nazismo, el jazz estuviera en el punto de mira. Todo arte judío, comunista, homosexual o negro se calificó como “degenerado”. El término alemán entartete, con origen en la psicopatología clásica, fue acuñado por el psicoanálisis para hacer referencia a la degeneración o enfermedad mental. Sin embargo, los nazis lo utilizaron para designar todo lo que no siguiera los preceptos estéticos establecidos de la raza aria, es decir, todo lo que no fuera alemán. Presentarlo como un término médico —aunque totalmente distorsionado— otorgó al movimiento una autoridad moral para conseguir mayor aceptación entre el pueblo.<br />
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En 1938 se organizó en Munich una exposición llamada Entartete Musik (música degenerada), en la que se exhibían y ridiculizaban piezas de compositores modernos, vanguardistas, de influencia judía o extranjera. Por supuesto se incluía el jazz. Estábamos en plena Era del Swing. La libertad musical, el desenfreno y rebeldía del swing, así como sus connotaciones sexuales, chocaron de lleno con los preceptos totalitarios de Hitler. Si algo distinguía al nazismo era la búsqueda de la pureza racial, por lo que una música afroamericana que además contaba con grandes intérpretes judíos —en ese momento triunfaba Benny Goodman como “Rey del Swing”, un hijo de emigrantes judíos nacido en Chicago— no podía ser vista con buenos ojos por los ideólogos del régimen.<br />
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Además, de manera sorprendente muchos autores germánicos contemporáneos también fueron calificados como entartete musik, ya que se dejaron seducir por los ritmos del jazz. El compositor austríaco Ernst Krenek es un claro ejemplo. Había estrenado en 1927 la obra pionera Jonny Spielt Auf (traducida como Jonny empieza a tocar), que se ganó el título de “la primera ópera de jazz en el mundo” y que obtuvo un gran éxito de público. Pero el personaje principal era un violinista negro que tocaba jazz y ragtime. A pesar del catolicismo y su buena reputación como prototipo de artista renovador, la obra se marcó como “degenerada”.<br />
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Más sangrante aún es el caso de Kurt Weill. En 1928 publicó Die Dreigroschenoper (La ópera de tres centavos, también traducida como La ópera de cuatro cuartos), escrita en colaboración con el escritor Bertolt Brecht. La obra, de marcada influencia jazz, requería de un combo de 15 músicos para interpretar el libreto. Uno de los números más famosos era Mackie Messer (popularizado como Mack the Knife), que no tardó en incorporarse al repertorio del jazz y ser inmortalizado por grandes como Louis Armstrong, Ella Fitzgerald o Frank Sinatra. Antes de su prohibición por el régimen nazi, la ópera se tradujo a 18 idiomas y se representó más de 10.000 veces en toda Europa. Pero el delito de Weill no fue solo componer una ópera de jazz sino también nacer judío. Por ello se ganó el título de “degenerado” y tuvo que exiliarse a Francia.<br />
<span style="color: red;"><b><span style="font-size: large;"><br />Prohibidos los solos negroides</span></b></span><br />
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Por si la “música degenerada” no bastara, otra de las obsesiones del régimen fue instaurar políticas coercitivas para erradicar el jazz de la vida pública. En 1935, Joseph Goebbels, ministro de Propaganda nazi, prohibió la radiodifusión de la “música judeo-negroide del capitalismo norteamericano”. El objetivo final era acabar por completo con el jazz, así como con la música de baile extranjera, y reemplazarlos por obras de compositores alemanes. A tal efecto, bajo la supervisión directa de Goebbels, se creó la Cámara para la música del Reich, destinada a clasificar toda forma musical existente, realizar listas de músicos, compositores y salas de conciertos con la finalidad de controlar la producción musical. Por medio de ese control absoluto sobre todas las formas de expresión cultural (también política y social), Hitler crearía su llamada “comunidad nacional” como estandarte fundamental de la nueva Alemania.<br />
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Una ordenanza emitida por ese organismo dictaba rigurosamente cómo debía ser la música para no pervertir a la sana juventud aria. El decálogo, de precisión represora, definía las “buenas formas musicales”. Los ritmos de swing no podían exceder el 20% del repertorio de las orquestas, que daría preferencia “a las escalas mayores y composiciones ligeras” en lugar de las lentas (blues). Los ritmos, a su vez, no debían de sobrepasar el allegro de acuerdo al sentido ario de disciplina y moderación. Cualquier exceso de “índole negroide o ejecución solista” no sería tolerado. Las composiciones de jazz podrían tener hasta un 10% de síncopa; el resto, un movimiento natural legato que expresara la alegría de vivir, a diferencia de las deprimentes letras judías.<br />
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Quedaba estrictamente prohibido el uso de sordinas que convertían “el noble sonido de los instrumentos de viento en aullidos judíos”. Otra prohibición afectaba al contrabajo, que solo podía ser tocado con arco, ya que pulsar las cuerdas (el conocido walking) podía resultar “perjudicial para la musicalidad aria”. Se recomendaba a las agrupaciones no incluir saxofones y sustituirlos por violonchelos y violas. Por último, tampoco estaban permitidos los solos de batería ni las improvisaciones vocales como el scat. La minuciosidad descriptiva de los guardianes musicales nazis rayaba lo obsesivo. A todas estas limitaciones hay que añadir que a partir 1942 Goebbels también prohibió todo disco proveniente de los estados enemigos. Los vinilos, por ejemplo, entraban en Francia de manera ilegal vía Suiza. La prohibición también incluía cualquier tipo de representación de música norteamericana o inglesa en el territorio del Reich. <br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>La clandestinidad</b></span></span><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-HMrUFzfzM2Q/UbkNTbcGNAI/AAAAAAAAOZM/6wR8l568hN8/s1600/Jazz-y-nazismo-refugiados-jud%C3%ADos-en-un-s%C3%B3tano-parisiense-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-HMrUFzfzM2Q/UbkNTbcGNAI/AAAAAAAAOZM/6wR8l568hN8/s1600/Jazz-y-nazismo-refugiados-jud%C3%ADos-en-un-s%C3%B3tano-parisiense-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
<b><span style="color: lime;">Jazz y nazismo - refugiados judíos en un sótano parisiense </span></b><br />
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Este panorama no facilitaba el oficio de músico, sobre todo de jazz. En el París ocupado, muchos de ellos, especialmente los afroamericanos, intentaron huir. Los más afortunados permanecieron escondidos; otros —principalmente los músicos judíos y romaníes (gitanos) — fueron perseguidos y deportados a campos de concentración. No hay que olvidar que los nazis exterminaron a unos seis millones de judíos y a más de 400.000 gitanos. Había toque de queda. La ciudad sufría apagones constantes. El jazz pasó a la clandestinidad. Los bailes, actuaciones y reuniones de fans se llevaron a cabo de manera oculta por temor a la represión nazi.<br />
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Uno de los músicos que acompañaba a Django Reinhardt describía así el ambiente del París clandestino: “Después de que pasara la patrulla de oficiales nazis y el terreno estuviera despejado, quitábamos las mesas y empezaba la fiesta. Tan pronto como sonaba la alarma colocábamos las mesas en su sitio de nuevo y todo volvía a la normalidad”. El Hot Club de France jugó un papel fundamental para dar cobijo a esa acción clandestina, pero tuvo que cambiar su sede de la Rue Calais a un pequeño hotel en la Rue Chaptal. Allí, en los sótanos, se producían reuniones discretas destinadas a mantener el entusiasmo de los jóvenes por el jazz, pero al mismo tiempo el lugar servía de sede a los miembros de la resistencia francesa. Para muchos el jazz constituía una vía de escape, un símbolo del mundo libre y por supuesto una forma de sublevarse contra los nazis.<br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b><br />El burdel de la Europa nazi</b></span></span><br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b> </b></span></span><a href="http://4.bp.blogspot.com/-nJGSmVMah50/UbkNUfVRSYI/AAAAAAAAOZo/k4zCzFjag4A/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-nJGSmVMah50/UbkNUfVRSYI/AAAAAAAAOZo/k4zCzFjag4A/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos10.jpg" /></a><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-HFD0rTwWlB0/UbkNTCwip0I/AAAAAAAAOZI/GE7fg1fpnKg/s1600/jazz-y-nazismo-django-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><br />
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Curiosamente en París las autoridades nazis fueron más tolerantes que en otros lugares del Reich. No por filantropía cultural, ni mucho menos. Su intención era más bien convertir París en una infinita área de recreo para soldados y oficiales, una especie de “distrito rojo” gigante de todo el nazismo. De nuevo Goebbels perpetró el plan de transformar la capital de Francia en un escaparate bullicioso y alegre de la nueva Europa. Alrededor de 125 cabarets y nightclubs se refundaron después de la ocupación. En 1943 el club burlesque Abbaye, conocido anteriormente por parodiar a Hitler, abrió reconvertido en Le Chapiteau, uno de los puntos de encuentro favoritos de oficiales de la Gestapo. La Place Blanche, justo enfrente del Moulin Rouge, era ahora un café reservado exclusivamente a soldados alemanes. Teatros y cines también reabrieron, engalanados con banderas esvásticas, aunque no para proyectar las películas americanas de Hollywood, sino cine alemán de propaganda. El Cinema Normandie era uno de los más concurridos.<br />
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Comandantes de las SS se mezclaban con parisinos en las tabernas de Pigalle o Montmartre, que recuperaron la efervescencia de antaño. Una noche podían escuchar cantar a Edith Piaf, a la siguiente codearse con la diseñadora Coco Chanel. Pero también oían bandas de jazz alemán. Una de las agrupaciones más reconocidas fue Charlie and His Orchestra, que había obtenido el permiso de Goebbels para adaptar letras y arreglar temas populares de jazz. Ludwig Lutz Templin, líder y saxofonista de la banda, cantaba con un marcado acento alemán clásicos como St Louis Blues, en un estilo más cercano al swing sinfónico que al jazz. Grabó varios discos bajo la supervisión nazi, muy radiados en toda su área de influencia, y viajó por los territorios ocupados, donde recogía piezas de jazz para reconvertirlas. Había incluso fervientes seguidores de jazz entre los nazis. El miembro de la Luftwaffe (fuerzas aéreas alemanas), Dietrich Schulz, apodado como “Doktor Jazz”, fue un oficial nazi aficionado a la música de los Hot Clubs que proporcionó refugios temporales a Django Reinhardt durante la ocupación. <br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-HFD0rTwWlB0/UbkNTCwip0I/AAAAAAAAOZI/GE7fg1fpnKg/s1600/jazz-y-nazismo-django-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-HFD0rTwWlB0/UbkNTCwip0I/AAAAAAAAOZI/GE7fg1fpnKg/s1600/jazz-y-nazismo-django-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
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<b><span style="color: red;"><span style="font-size: large;">Los zazús y el jazz francés</span></span></b><br />
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A pesar de todos los esfuerzos del nazismo por acabar con el jazz o germanizarlo, los jóvenes parisinos seguían escuchando el original americano. Estos jóvenes mostraban su descontento por la ocupación nazi y se rebelaban ante lo que consideraban una humillación. Es la llamada generación zazú, algo parecido a lo que hoy entendemos como tribu urbana: grandes americanas de cuadros, jerséis de cuello alto, pantalones ajustados, provocativas faldas cortas para ellas y un elemento diferenciador, los paraguas. A través de su vestimenta de influencia inglesa, de sus costumbres y de su amor por el baile, manifestaron su descontento por las restricciones nazis. Fue el primer movimiento joven que se sublevó contra el régimen, aunque también se levantaban contra el gobierno ultraconservador de Vichy.<br />
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Utilizaban el término swing como algo que encajaba con su forma de ver el mundo. Todo tenía swing. Además, el jazz era el centro de la vida de los zazús, que vieron en Django Reindhart a un ídolo además de la personificación de su malestar. En ese momento Django había fundado el Nouveau Quinteto of Paris y actuaba habitualmente por toda la ciudad. En esa época registró alguna de sus composiciones más memorables como es el caso de Nuages. Esta popularidad originó que algunos entusiastas hicieran ver a los oficiales germanos que el jazz era en realidad una costumbre francesa. Restándole esa connotación americana, pensaban que evitarían la prohibición nazi. Algunos estándares de jazz se tradujeron al francés. Así St Louis Blues se transformó en Tristesses de St Louis, o I got rhythm en Agate Rhytme.<br />
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En octubre de 1943 la Gestapo halló el cuartel general del Hot Club. Se llevaron como rehenes a su presidente, Charles Delaunay, a su secretario y al presidente del Hot Club de Marsella. Estaban buscando al líder de la resistencia francesa, aunque ninguno de ellos lo era. Delaunay fue liberado un mes después pero sus compañeros no tuvieron tanta suerte. Lo último que vieron fue la cámara de gas. El seis de junio de 1944, el Día D, se produjo el desembarco de Normandía por parte de los aliados. París quedó libre el 25 de agosto de ese mismo año. El Holocausto y el exterminio racial habían acabado. Django y Grappelli no tardarían mucho en volver a reunirse y en hacer giras multitudinarias acompañando a Duke Ellington. Volvieron también los artistas norteamericanos. El bebop se había adueñado ya de las sonoridades del jazz. La fascinación del público francés no dejaba de crecer. Europa tomaba el relevo. El jazz se expandía por el viejo continente a pasos agigantados y nada ni nadie podría evitarlo esta vez…<br />
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<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">Jazz en el Tercer Reich</span></b></span><br />
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Durante la República de Weimar, el jazz conquistó Alemania y en el proceso se convirtió en un símbolo de “los felices años veinte”. Sin embargo, ya se estaban gestando protestas por parte de los conservadores nacionalistas y los círculos de derecha. Después de que Hitler subió al poder en 1933, se intensificó el conflicto por el jazz. La denominada música fremdländisch (extranjera) tenía que ser erradicada. Luego de prontas prohibiciones en este aspecto y de la creación del Reichsmusikkammer (Consejo de Música del Reich), que significaría la exclusión de los músicos judíos e impediría el intercambio artístico con músicos extranjeros, hubo una fase liberal ya que los Juegos Olímpicos de 1936 se llevaron a cabo en Berlín. A pesar del éxito del nuevo estilo de jazz, swing, y del fortalecimiento de los denominados Swingjugend (Jóvenes del Swing), llegó más represión en 1937 y 1938. Los líderes de distrito del Partido Nazi, autoridades policiales y empresarios locales comenzaron a emitir numerosos decretos donde prohibían el swing, el jazz y el baile del swing en sus respectivas regiones, ciudades o sistemas locales. Pese a estas restricciones, la presencia del jazz continuó debido a la facilidad con la cual se burlaba a los inspectores y las tendencias a favor del swing que albergaban incluso algunos funcionarios nazis.<br />
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Luego del inicio de la Segunda Guerra Mundial, el boicot a los productos culturales de las denominadas naciones enemigas y la prohibición del baile también afectaron al jazz. Sin embargo, el jazz experimentó un repunte en los años de la Blitzkrieg alemana. Tanto es así que, luego de los iniciales éxitos de guerra, la prohibición del baile del swing, por ejemplo, se levantó nuevamente. Por otra parte, trajeron bandas de jazz de países ocupados por Alemania o aliados con Alemania para reemplazar a los músicos alemanes convocados por los servicios armados. Estas bandas satisfacían las demandas de música popular sincopada de la población civil y de los soldados que no estaban en el frente. Por razones económicas, el régimen nazi incluso toleró por un largo tiempo la producción y distribución de películas y discos alemanes y extranjeros con contenido de jazz. Más aún, en varias ocasiones, el swing se usaba también en propaganda extranjera. Esto ocurría, por ejemplo, en grabaciones o programas de radio de la gran banda de propaganda “Charlie y su orquesta”, que se creó por orden del Propagandaministerium (Ministerio de Propaganda) de Goebbels. Recién el 17 de enero de 1942, se prohibieron los eventos de baile públicos y privados. La derrota en Stalingrado (del 31 de enero al 2 de febrero de 1943) y la proclamación de Goebbels de “guerra total” (18 de febrero de 1943) marcaron el final de la mayoría de los lugares de actuación de las bandas de swing, que finalmente condujo a la caída del jazz también.<br />
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A pesar de todas las campañas de difamación y prohibición, como así también de la encarcelación de algunos músicos y admiradores de jazz, no se puede decir que no hubo jazz alemán en el Tercer Reich. Sostenido por músicos profesionales y amateurs, bandas de jazz y también por entusiastas admiradores de swing y coleccionistas de discos, sería más apropiado decir que el avance del jazz se vio severamente perjudicado por las condiciones políticas. Esto hizo que la supervivencia del jazz dependiera en gran medida de resquicios en las políticas culturales nazis. Dichos resquicios existían puesto que las políticas culturales del Tercer Reich con respecto al jazz y a la música relacionada con el jazz estaban caracterizadas por la coexistencia de medidas contradictorias y ambivalentes, para las cuales no existía una estrategia unificada. Dependiendo de la dinámica interna de la ideología nazi y de los desarrollos de la política extranjera, las reacciones del nazismo frente al jazz oscilaban entre proscripción y prohibición por razones ideológicas, y tolerancia y apropiación por cuestiones económicas y de mercado. Esto explica por qué los nazis no decretaron una prohibición amplia y nacional del jazz ni tampoco emitieron la ley correspondiente.<br />
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<b><span style="color: red;"><span style="font-size: large;"> </span></span></b><a href="http://1.bp.blogspot.com/-vi-xDi2VgoM/UbkNT1APz5I/AAAAAAAAOZc/hv9mi6-sE7o/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://1.bp.blogspot.com/-vi-xDi2VgoM/UbkNT1APz5I/AAAAAAAAOZc/hv9mi6-sE7o/s320/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos1.jpg" width="320" /></a><br />
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<b><span style="color: red;"><span style="font-size: large;">Jazz en los campos</span></span></b><br />
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Aunque excluido por el régimen nazi por “degenerado”, los informes de testigos históricos y sobrevivientes corroboran que el jazz y la música relacionada con el jazz se podía escuchar en varios campos nazis. Estos informes no son una excepción, ya que existían experiencias similares con prisioneros de guerra, en campos de civiles extranjeros y campos de trabajo forzado, en campos de detención policial, en campos de prisioneros en Francia de Vichy, en el campo de tránsito holandés Westerbork, y en los guetos polacos de Lodz, Varosvia y Vilna, sin mencionar las sesiones secretas de jazz de los miembros de Swingjugend en los campos de concentración y detención juveniles. Algunos ejemplos servirán para dejar en claro el espectro de estas actividades de jazz.<br />
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En el primer campo de prisioneros francés, en Perpiñán, en 1942, por ejemplo, el vienés Erich Pechmann, encarcelado por su fe judía, cantaba blues y además imitaba instrumentos con su voz. A pesar de estos métodos simples, como cuenta Fred Wander, Pechmann lograba levantarle el ánimo a sus queridos compañeros prisioneros:<br />
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Cuando él tocaba, todo se tranquilizaba. Mágicamente producía sonidos de una banda entera […]. Por donde Pechmann fuera, transmitía tranquilidad a esa gente asustada.<br />
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Pechmann no sobrevivió a su detención. Murió de tifus el 4 de agosto de 1944.<br />
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Por otra parte, en noviembre de 1939, un grupo de estudiantes de Checoslovaquia fundó un octeto vocal llamado “Canten, canten, niños” (Sing Sing Boys) en Sachsenhausen. Una parte de su programa consistía en números musicales de baile muy conocidos, basados en melodías de películas con arreglo de swing. Más allá de eso, usaban composiciones con el estilo de jazz de su líder musical Karel Stancl y también canciones satíricas del Teatro Liberado de Praga, que había sido cerrado en 1938 debido a sus tendencias antifascistas. Estas canciones contenían melodías con fuerte influencia de jazz de Jaroslav Jezek y sus presentaciones fueron prohibidas por los ocupantes alemanes. Josef Sárka describió los conciertos del grupo “Canten, canten, niños” en una carta:<br />
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Las presentaciones se planeaban con regularidad: sábado, domingo, pero también espontáneamente, cuando los prisioneros mayores del campo venían de visita, por ejemplo; o durante período de recreación, cuando no había problemas en el campo o cuando había pocas posibilidades de que las SS entraran en el campo.<br />
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A veces, hasta los mismo miembros de las SS se encontraban entre el público buscando distracción. Incluso aquellos prisioneros que no tenían suficiente energía u oportunidad de estar presentes en dichos conciertos, luego de una nota de Stancl, estaban agradecidos por el ánimo y el espectáculo: “no puedo pensar en una sola aparición frente a mis camaradas que no fuera bien recibida, con satisfacción e incluso cierta cuota de agradecimiento”. Todos los miembros del grupo “Canten, canten, niños” fueron liberados por un programa de amnistía de prisioneros para la primavera de 1943.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-qHr23v1yOSo/UbkQcW1qGXI/AAAAAAAAOaA/HC6PztihMis/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-qHr23v1yOSo/UbkQcW1qGXI/AAAAAAAAOaA/HC6PztihMis/s1600/jazz-y-nazismo-el-refugio-de-los-musicos3.jpg" /></a><br />
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En el campo de concentración de Buchenwald en 1939 ya había planes para fundar un conjunto de jazz, pero recién se pudo llevar a cabo cuatro años más tarde con el apoyo del Comité Internacional del Campo de prisioneros ilegal. Esta organización había logrado ubicar prisioneros políticamente activos en posiciones clave de la burocracia del campo. Herbert Weidlich, activo administrativo, ahora podía designar a todos los músicos de la orquesta de jazz “Ritmo” al trabajo especialmente creado de “protección de transportes”. Esto daba suficiente tiempo para ensayos, que se realizaban secretamente durante el tiempo que oficialmente se destinaba al trabajo. Otra ventaja era que los músicos no estaban amenazados por tareas peligrosas o demandantes físicamente. Sobre todo, la ‘manipulación’ de traslados desde Buchenwald a otros campos garantizaba una provisión constante de personal. Con el tiempo, “Ritmo” se convirtió en una gran banda con personal multinacional que iba de amateurs a profesionales. Los prisioneros más grandes, quienes al principio habían rechazado este jazz burgués, reconocieron que las actuaciones servían para levantarle el ánimo a los prisioneros y también para camuflar los encuentros ilegales del comité del campo. Los conciertos se llevaban a cabo en cuadras específicas y, con el conocimiento de las SS, también en eventos de entretenimiento en las barracas de películas, para que allí también se pudiera escuchar jazz. A través de los músicos recién llegados y designados a la banda, los integrantes de la banda se familiarizaban con los últimos avances de estilo en el jazz. Según Jiri Zák, un piloto norteamericano que había sido baleado le contó a la banda sobre bebop y el taller de Gillespie y Parker en la calle 52.<br />
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Debido a su posición especial de “campo de espectáculos”, Theresienstadt tenía a su disposición una extraordinaria libertad cultural y una prominente vida musical (cualitativa y cuantitativamente). Junto con las numerosas actuaciones de música clásica, había conciertos de jazz regularmente. Bedrich “Fritz” Weiss, combo de clarinetista y saxofonista de jazz, fue uno de los primeros grupos musicales que se formó allí. Además, los músicos de jazz y de baile encarcelados acompañaron espectáculos de cabaret y se agruparon para formar varias bandas. La más famosa de éstas fue “Músicos de swing del gueto”, que surgió de una banda amateur checa bajo el liderazgo del pianista Martin Roman y se convirtió en una gran banda. Su música habitualmente era rechazada por los prisioneros de mayor edad del campo, mientras que los más jóvenes, como Klaus Scheurenberg, pensaban que los músicos eran todo un éxito.<br />
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Se presentaba extraordinario “Jazz negro” […] sin la objeción de las SS. Para nosotros, gente joven, la música del Café Vienés era aburrida, pero el nuevo estilo de los “Músicos de swing del gueto” nos mantenía a flote a través de las actuaciones semanales frente al café. <br />
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Esta popularidad e incluso su actuación en una película de propaganda sobre el campo no pudieron, sin embargo, proteger a los “Músicos de swing del gueto” de la deportación a Auschwitz-Birkenau. Aquellos que habían sobrevivido a la selección formaron el corazón de la nueva banda del campo. El guitarrista Coco Schumann habló al respecto en una entrevista:<br />
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Entonces el Kapo del campo [líder de trabajos comando] y el Lagerälteste [líder del campo] llevaron a cabo una fiesta para los Blockältesten [líderes de las barracas], etc. Y nosotros tocábamos. Ellos entraban con ropa y zapatos de mujer. Luego se embriagaban hasta estar borrachos. Uno de ellos se sacó el zapato y yo tuve que tomar champaña de ahí […]. Pero como suelen ser los criminales duros, cuando oyen música, empiezan a llorar como bebés. <br />
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Mientras que los músicos de Theresienstadt podían crear un repertorio de jazz artísticamente ambicioso y puro, los músicos de Auschwitz se convertían en simples esclavos musicales y sus vidas dependían de la voluntad momentánea de las SS y los funcionarios. Puesto que los músicos les resultaban útiles, la banda del campo se salvó temporariamente de la cámara de gas. Luego, los músicos restantes fueron transferidos vía Berlín y Sachsenhausen al campo satélite de Dachau. Sólo algunos miembros del grupo “Músicos de swing del gueto” sobrevivieron a la Shoá.<br />
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<span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Conclusión</b></span></span><br />
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Dependiendo del campo particular y la situación específica del campo, la función del jazz y de la música influenciada por el jazz variaba notablemente en los campos de concentración nazis. Por un lado, era un elemento esencial de la cultura ilegal y/o tolerada del campo; por otro lado, era un medio de propaganda y distracción para los secuaces del régimen nazi. En su propio campo de responsabilidad, algunos miembros de las SS prácticamente no se preocupaban por los lineamientos musicales del régimen. Por lo tanto, incluso el Rottenführer (un líder de las SS) Percy Broad tocó con el músico de jazz holandés en la sección de hombres de Auschwitz-Birkenau. Sólo a través de estas motivaciones diversas podía sobrevivir el despreciado jazz en los campos nazis. Asimismo, el saxofonista Miroslav Hejtmar resumió sus actuaciones con la orquesta de jazz “Ritmo” de Buchenwald:<br />
<br />
La música que estaba totalmente prohibida por el Tercer Reich por ser “racialmente impura” se tocaba frente a un público tan multinacional en composición que bajo cualquier otra circunstancia no se habría reunido. Y todos esos oyentes entendían de qué se trataba, pero las SS no.<br />
<br />
Guido Fackler<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="color: red;"><b>Referencias</b></span></span><br />
<br />
Bergmeier, H.J.P., 1998. Chronologie der deutschen Kleinkunst in den Niederlanden 1933–1944., Hamburg: Hamburger Arbeitsstelle für Deutsche Exilliteratur. <br />
<br />
Fackler, G., 1994. Entartete Musik im KZ. In F. Ritter, ed. Heinrich Himmler und die Liebe zum Swing. Leipzig: Reclam, pp. 268-273. <br />
<br />
Fackler, G., 1996. Jazz im KZ. . In W. Knauer, ed. Jazz in Deutschland. Hofheim: Jazz-Instituts Darmstadt, pp. 49-91. <br />
<br />
Fackler, G., 1994. Zwischen (musikalischem) Widerstand und Propaganda – Jazz im „Dritten Reich“. In G. Noll, ed. Musikalische Volkskultur und die politische Macht. Essen: der Kommission für Lied-, Musik- und Tanzforschung in der Deutschen Gesellschaft für Volkskunde e.V., pp. 437-483. <br />
<br />
Kater, M.H., 1992. Different Drummers: Jazz in the Culture of the Nazis, New York: *. <br />
<br />
Kellersmann, C., 1990. Jazz in Deutschland von 1933–1945, Menden: Jazzfreund-Publikation. <br />
<br />
Kuna, M., 1993. Musik an der Grenze des Lebens: Musikerinnen und Musiker aus Böhmischen Ländern in Nationalsozialistischen Konzentrationslagern und Gefängnissen, Frankfurt/M.: Zweitausendeins. <br />
<br />
Muth, W., 1985. Jazz Behind Barbed Wire. Jazz Forum, 2(93), 44-9. <br />
<br />
Muth, Wolfgang: „Rhythmus” – Ein internationales Jazzorchester in Buchenwald. In: AG Jazz Eisenach (Hg.): 25 Jahre Jazz im Klubhaus AWE. Eisenach 1984 , 10-15, quote on 12.<br />
<br />
Polster, B. ed., Swing Heil: Jazz im Nationalsozialismus, Berlin: Transit. <br />
<br />
Zwerin, M., 1985. La Tristesse de Saint Louis: Jazz Under the Nazis, New York: Quartet. <br />
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="color: red;"><b>Testimonios de testigos</b></span></span><br />
<br />
Hejtmar, M., Rhythmus hinter Drähten [Rhythm behind barbed wire], Weimar: archive of the KZ-Gedenkstätte Buchenwald.<br />
<br />
Laks, S., 1989. Music of Another World, Illinois: Northwestern University Press. <br />
<br />
Ritter, F. ed., 1994. Heinrich Himmler und die Liebe zum Swing. Erinnerungen und Dokumente., Leipzig: Reclam. <br />
<br />
Scheurenberg, K., 1982. Ich will leben. Ein autobiographischer Bericht, Berlin. <br />
<br />
Schumann, C., 1997. Der Ghetto-Swinger: Eine Jazzlegende Erzählt 2nd ed., Munich: Deutscher Taschenbuch Verlag. <br />
<br />
Walda, D., 1980. Trompettist in Auschwitz: Herinneringen van Lex van Weren, Amsterdam: De Boekerij. <br />
<br />
Wander, F., 1971. Der siebente Brunnen, Berlin/Weimar<br />
<br />
Vogel, E., 1961a. Jazz in a Nazi Concentration Camp (Part I). Down Beat, 28(25), 20-22. <br />
<br />
Vogel, E., 1961b. Jazz in a Nazi Concentration Camp (Part II). Down Beat, 28(26), 16-17. <br />
<br />
Vogel, E., 1962. Jazz in a Nazi Concentration Camp (Part III). Down Beat, 29(1), 20-21.<br />
<br />
<br />
<span style="font-size: small;"><span style="color: red;"><b>Documentales</b></span></span><br />
<br />
Ackerman, Roy / Jeremy, John: Swing under the Swastika. The Story of a Music That Could Kill and Save. GB: YTV Ltd., 1988 (Autor: Michael Zwerin, 2 Teile, 52 Min.).<br />
<br />
Karalus, Paul / Segeth, Alfred: Deutschlandbilder: Aus einem Musikerleben. Coco [Schumann] der Ghetto-Swinger. D: WDR, 1986 (45 Min.)<br />
<br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-47617536344641540372013-06-04T13:26:00.001-03:002013-11-27T13:00:59.658-03:00LA TRISTE HISTORIA DEL BATERISTA JIM GORDON.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-kblJLuhG_gg/Ua4T43T2lYI/AAAAAAAAOXw/9rUGZn3Kn8o/s1600/JIM+GORDON+1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-Pa7oOJx35Y8/Ua4T7Bbib4I/AAAAAAAAOYY/fEkgDa8XMms/s1600/JIM+GORDON+2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-Pa7oOJx35Y8/Ua4T7Bbib4I/AAAAAAAAOYY/fEkgDa8XMms/s1600/JIM+GORDON+2.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-mksh02_PPHs/Ua4T5E-hdxI/AAAAAAAAOX0/KHIWOEAb-P8/s1600/JIM+GORDON+23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-iUv0RS7aukI/Ua4T6NHWiXI/AAAAAAAAOYI/MGOL-SQ_KJQ/s1600/JIM+GORDON5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<span style="font-size: large;"><b><span style="color: lime;">(Esta es una de las desafortunadas historias de Rock and Roll)</span></b></span><br />
<span style="font-size: large;"><b><span style="color: lime;"><br /></span></b></span>
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">El 3 de junio de 1983, JIM GORDON, el baterista de Derek and the Dominos, y co-autor de la canción "Layla" asesinó a su madre con un martillo y un cuchillo de carnicero.</span></b></span><br />
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;"><br /></span></b></span>
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-6Y_cIr1t-qM/Ua4T5qscZLI/AAAAAAAAOYA/wV5WeyRcYPw/s1600/JIM+GORDON.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-6Y_cIr1t-qM/Ua4T5qscZLI/AAAAAAAAOYA/wV5WeyRcYPw/s1600/JIM+GORDON.jpg" /></a> </span></b></span><br />
<br />
<span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">En primer lugar acerca de Jim. Él fue ganador del premio Grammy y uno de los músicos de sesión más solicitados a finales de los años 1960 y 1970, grabando discos con muchos músicos de renombre de la época, y fue el baterista de Little Richard, y Delaney y Bonnie.</span></b></span><br />
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<a href="http://3.bp.blogspot.com/-M2mxxrulK7U/Ua4T6vrvLKI/AAAAAAAAOYQ/-ifxDMVZL90/s1600/jim-gordon.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-M2mxxrulK7U/Ua4T6vrvLKI/AAAAAAAAOYQ/-ifxDMVZL90/s1600/jim-gordon.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
Gordon comenzó su carrera en 1963, a los diecisiete años, con The Everly Brothers, y se convirtió en uno de los más buscados bateristas de sesión de Los Angeles. Gordon realizó muchas grabaciones notables en la década de 1960, como Pet Sounds de los Beach Boys, Gene Clark con los Hermanos Gosdin por Gene Clark, The Notorious Byrd Brothers de The Byrds y el éxito "Classical Gas "por Mason Williams.<br />
<br />
En el apogeo de su carrera Gordon era según se informa tan ocupado como músico de estudio que volaba de Los Ángeles a Las Vegas todos los días para hacer dos o tres sesiones de grabación, y luego regresar a tiempo para tocar el espectáculo de la noche en el Caesars Palace.<br />
<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-kblJLuhG_gg/Ua4T43T2lYI/AAAAAAAAOXw/9rUGZn3Kn8o/s1600/JIM+GORDON+1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-kblJLuhG_gg/Ua4T43T2lYI/AAAAAAAAOXw/9rUGZn3Kn8o/s1600/JIM+GORDON+1.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
En 1969 y 1970, Gordon realizó una gira como parte de la banda de apoyo para el grupo de Delaney y Bonnie, que en ese momento incluía Eric Clapton. Clapton posteriormente se hizo cargo de la sección rítmica del grupo - Gordon, el bajista Carl Radle y el tecladista, cantante y compositor Bobby Whitlock. Ellos formaron una nueva banda que más tarde fue llamado Derek and the Dominos. Primer trabajo de estudio de la banda fue como la banda de la casa para el primer álbum en solitario de George Harrison, el tres discos establece All Things Must Pass. Gordon tocó entonces con Derek and the Dominos en 1970 en un álbum doble interpretando Layla y otras canciones de amor surtidos, contribuyendo, además de la batería, tocando piano en la canción principal," Layla ", que recibiendo por escrito el crédito correspondiente. (Estaba en el estudio tocando la parte de piano de una canción diferente que estaba escribiendo y Eric Clapton y Duane Allman comenzaron improvisando con él. Hicieron parte de "Layla". También tocó con la banda en la gira por EE.UU. y Reino Unido. El grupo se separó en la primavera de 1971 antes de terminar la grabación de su segundo álbum.<br />
<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-iUv0RS7aukI/Ua4T6NHWiXI/AAAAAAAAOYI/MGOL-SQ_KJQ/s1600/JIM+GORDON5.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-iUv0RS7aukI/Ua4T6NHWiXI/AAAAAAAAOYI/MGOL-SQ_KJQ/s1600/JIM+GORDON5.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
En 1970, Gordon fue parte de Mad Dogs de Joe Cocker y tocó en el álbum de Dave Mason Alone Together. En 1971 apareció en dos de sus álbumes. Ese mismo año interpretó a Nilsson álbum Schmilsson de Harry Nilsson, aportando el solo de batería de la pista "Jump into the Fire". En 1972, Gordon fue parte de 20 piezas de Frank Zappa "Gran Wazoo" tour big band, y el 10, una banda musical posterior "Petit Wazoo". Tal vez su obra más conocida de grabación con Zappa es la canción principal del álbum de 1974 Apostrophe ('), una jam con Zappa y Tony Duran en guitarra y Jack Bruce en el bajo, por lo tanto Bruce como Gordon recibieron un crédito por escrito. También en 1974, Gordon toca en la mayoría de las pistas en el álbum lógica del pretzel de Steely Dan, incluyendo el single "Rikki No Lose That Number". Él volvió a trabajar con Chris Hillman de los Byrds como baterista en la banda de Souther-Hillman-Furay 1973-1975. También tocó la batería en tres pistas en 1976 del álbum de Alice Cooper, Alice Cooper Goes to Hell. Gordon fue el baterista en el álbum Incredible Bongo Band Bongo Rock, lanzado en 1972, y su golpe de tambor en la versión del LP de "Apache" se han tomado muestras con frecuencia por artistas de la música rap.<br />
<br />
Gordon desarrolló esquizofrenia y empezó a oír voces, incluidas las de su madre, y le impedía dormir, relajarse o tocar la batería. En 1983 atacó a su madre con un martillo antes de apuñalarla matandola.<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-mksh02_PPHs/Ua4T5E-hdxI/AAAAAAAAOX0/KHIWOEAb-P8/s1600/JIM+GORDON+23.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-mksh02_PPHs/Ua4T5E-hdxI/AAAAAAAAOX0/KHIWOEAb-P8/s1600/JIM+GORDON+23.jpg" /></a><br />
<br />
Aunque en el juicio el tribunal aceptó que Gordon tenía esquizofrenia aguda no se le permitió usar una defensa por demencia debido a los cambios a la ley de California, debido a la Ley de Reforma de defensa por demencia. El 10 de julio 1984 Gordon fue condenado a 16 años a cadena perpetua. Según el Departamento de California de Corrección y Rehabilitación de web (http://www.cdcr.ca.gov/), a partir de marzo de 2013, James Gordon Beck, preso # C89262, de 67 años de edad, fecha de ingreso 13 de julio 1984, sigue sirviendo su sentencia en el Fondo Médico California, una prisión médica y psiquiátrica especializada en Vacaville, California.<br />
<br />
<br />
Jim era poco para una audiencia de libertad condicional. Él no se presentó para ello. Él ha dicho que está "institucionalizada" y no tiene ningún deseo real de salir.<a href="http://1.bp.blogspot.com/-iUv0RS7aukI/Ua4T6NHWiXI/AAAAAAAAOYI/MGOL-SQ_KJQ/s1600/JIM+GORDON5.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-80872649083803385662013-05-27T11:36:00.000-03:002013-11-27T13:01:54.216-03:00MUERE TREVOR BOLDER, BAJISTA DE RATS, DAVID BOWIE y URIAH HEEP. <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-HUbg2C-fUYw/UaNt32Zs7sI/AAAAAAAAOXY/cqKoMI2wDYI/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-HUbg2C-fUYw/UaNt32Zs7sI/AAAAAAAAOXY/cqKoMI2wDYI/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-4mi9VhA6wSI/UaNt5Uoz-cI/AAAAAAAAOXg/6sMSKgcXKfM/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-KH_a1nBALmU/UaNtFmGZFqI/AAAAAAAAOW8/IoJ5O9NuZfc/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"><b>ADIOS A TREVOR BOLDER</b></span></span><br />
<br />
<span style="color: lime;"><b>Born 9 June 1950<br />Kingston upon Hull, East Yorkshire, England<br />Died 21 May 2013 (aged 62)<br />Genres Hard rock, progressive rock, glam rock, heavy metal, R&B<br />Occupations Musician, songwriter, record producer<br />Instruments Bass, trumpet, vocals<br />Years active 1963–2013<br />Labels RCA<br />Associated acts The Rats, David Bowie, The Spiders from Mars, Mick Ronson, Uriah Heep, Wishbone Ash, Cybernauts<br />Notable instruments<br />D'Alegria Defender TB signature bass</b></span><br />
<br />
<span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><b>T</b><b>revor Bolder (9 June 1950 – 21 May 2013) was an English rock bassist, musician, songwriter and record producer. He is best known for his long association with Uriah Heep and his tenure with The Spiders from Mars, the one-time backing band for David Bowie, although he also played alongside a variety of musicians from the early 1970s.</b></span></span><br />
<br />
<span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><b> </b></span></span><span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><b><a href="http://1.bp.blogspot.com/-dReRSk51QrE/UaNt3jr47CI/AAAAAAAAOXM/YwdXbBRshPQ/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-dReRSk51QrE/UaNt3jr47CI/AAAAAAAAOXM/YwdXbBRshPQ/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" /></a></b></span></span><br />
<br />
<span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><b><span style="font-family: "Courier New",Courier,monospace;">Biography</span></b></span></span><br />
<br />
Bolder was born in Kingston upon Hull, East Yorkshire, England. His father was a trumpet player and other members of his family were also musicians. He played cornet in the school band[2] and was active in his local R&B scene in the mid 1960s. Inspired by The Beatles, in 1964 he formed his first band with his brother and took up the bass guitar.<br />
<br />
He first came to prominence in The Rats, which also featured fellow Hull musician Mick Ronson on lead guitar. His big break arrived in 1971, when he replaced Tony Visconti in David Bowie's backing band, which would soon be known as the Spiders from Mars. He subsequently appeared in D. A. Pennebaker's 1973 documentary and concert movie Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. He is name-checked as "Wierd" (Bowie's stage nickname for Bolder) in ythe song Ziggy Stardust. Boulder, a down-to-earth Northerner, was an unlikely recruit to Bowie's band, and "never looked confortable as a glam-rock mannequin, tottering behind Ziggy Stardust in platform boots and a rainbow-hued outfit of latex and glitter".<br />
<br />
<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-4mi9VhA6wSI/UaNt5Uoz-cI/AAAAAAAAOXg/6sMSKgcXKfM/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-4mi9VhA6wSI/UaNt5Uoz-cI/AAAAAAAAOXg/6sMSKgcXKfM/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" /></a><br />
<br />
Bolder's bass (and occasional trumpet) work appeared on the studio albums Hunky Dory (1971), The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), Aladdin Sane (1973), and Pin Ups (1973), the Spiders' swan song with their leader.He went on to play on Ronson's 1974 album Slaughter on 10th Avenue which made the British Top Ten.<br />
<br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-KH_a1nBALmU/UaNtFmGZFqI/AAAAAAAAOW8/IoJ5O9NuZfc/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-KH_a1nBALmU/UaNtFmGZFqI/AAAAAAAAOW8/IoJ5O9NuZfc/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" /></a><br />
<br />
In 1976 Bolder joined Uriah Heep, replacing John Wetton. Bolder's tenure with Uriah Heep was, initially, relatively short-lived. Although he did contribute to the albums Firefly, Innocent Victim, Fallen Angel and Conquest, when the line-up that had recorded the latter disbanded Bolder alone was left with Mick Box, guitarist, founder-member and legal owner of the band's name. The attempt to put a new line-up together temporarily stalled and Bolder, needing to earn a living, accepted an offer in 1981 to join Wishbone Ash. Bolder had, coincidentally, again swapped places with John Wetton, becoming The Ash's bass player for their 1982 album Twin Barrels Burning. It was another short-lived connection, as by 1983 he returned to the rhythm section with Uriah Heep, playing on the Head First tour (although Bob Daisley played on the album) and all albums since.<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-8QgyG0lKr9M/UaNt3bK2kUI/AAAAAAAAOXI/JqXln_M7Tpw/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-8QgyG0lKr9M/UaNt3bK2kUI/AAAAAAAAOXI/JqXln_M7Tpw/s1600/TrevorBolder-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" /></a> <br />
<br />
As well as his usual bass playing and backing vocal duties, Bolder also produced Heep's 1991 album Different World.<br />
<br />
In 2012 and early 2013, Bolder worked with Stevie ZeSuicide (Steve Roberts of the band U.K. Subs) as producer on singles "Wild Trash" (co-writer with ZeSuicide), "Lady Rocker" and a cover of "Ziggy Stardust".[6] Bolder also played on these tracks.<br />
<br />
Bolder died in May 2013 from cancer. He had undergone surgery for pancreatic cancer earlier that year<br />
<br />
<h3 class="post-title entry-title" itemprop="name">
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;">Fallece Trevor Bolder, bajista de los Rats, Spiders from Mars y los Uriah Heep </span></span></h3>
<h3 class="post-title entry-title" itemprop="name">
<span style="font-size: x-large;"><span style="color: red;"> </span></span></h3>
<div class="post-header">
</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/-ycUXBM-vTXE/UZvpQU313dI/AAAAAAAAGsU/hRyGz0eTUJU/s1600/trevor+01.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="195" src="http://3.bp.blogspot.com/-ycUXBM-vTXE/UZvpQU313dI/AAAAAAAAGsU/hRyGz0eTUJU/s200/trevor+01.jpg" width="200" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Trevor, actualidad</td></tr>
</tbody></table>
Trevor Bolder nació el 9 de mayo de 1950 en Hull, Yorkshire (Inglaterra)
y murió a consecuencia del cáncer el 21 de mayo de 2013. Bajista,
compositor, productor, formó parte de la banda de R&B The Rats, la
banda de David Bowie, The Spiders from Mars, y los Uriah Heep, entre
otros proyectos musicales destacados. <br />
<br />
Bolder empezó tocando en la escena R&B de mediados de los sesenta de
Inglaterra con la banda The Rats que se creó en Kingston upon Ull en
1963. En 1966, se unió a la banda el guitarrista Mick Ronson con el
cantante Benny Marshall, el bajista Geoff Appleby, y el baterista Jim
Simpson (quien fue reemplazado posteriormente por Clive Taylor y John Cambridge).<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/-9CB8rQXwkWk/UZvpZud3tqI/AAAAAAAAGsc/vHaGAtxdpbE/s1600/trevor+03.jpg" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="http://2.bp.blogspot.com/-9CB8rQXwkWk/UZvpZud3tqI/AAAAAAAAGsc/vHaGAtxdpbE/s320/trevor+03.jpg" width="142" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Trevor, Rats 60's</td></tr>
</tbody></table>
Grabaron el tema psicodélico "The Rise and Fall of Bernie Gripplestone" y
en 1968 se cambiaron de nombre brevemente por el de Treacle. En 1968,
Keith “Ched” Cheesman se unió a los Rats en sustitución de Geoff Appleby
en el bajo y con Ronson, Marshall, y Cambridge grabaron "Guitar
Boogie", "Stop and Get A Hold of Myself" and "Morning Dew". Cuando John
Cambridge dejó a The Rats, entró Mick "Woody" Woodmansey . En noviembre
de 1969, la banda grabó una sesión final con los temas "Telephone Blues"
y “Early in Spring”. Poco antes de desaparecer como banda se
incorporaría Trevor al bajo. <br />
<br />
Bolder reemplazó a Toni Visconty en 1971 en la banda de David Bowie que
se conocería con el nombre de The Spiders from Mars a la que también se
incorporó Ronson y Woodmansey. Como bajista y ocasional trompetista
grabó los álbumes “Hunky Dory” (1971), “The Rise and Fall of Ziggy
Stardust and the Spiders from Mars” (1972), “Aladdin Sane” (1973), y
“Pin Ups” (1973).<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-hJk2m0bTsQo/UZvpiCvSK_I/AAAAAAAAGsk/QNDGRo-vPo0/s1600/trevor+02.jpg" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-hJk2m0bTsQo/UZvpiCvSK_I/AAAAAAAAGsk/QNDGRo-vPo0/s1600/trevor+02.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Trevor, Spiders from Mars 70's</td></tr>
</tbody></table>
<br />
En 1976 se unió a los Uriah Heep en substitución de John Wetton y en
1981 a los Wishbone Ash. También tocó con la banda de tributo a Bowie,
los Cybernauts, con los que tuvo un serio problema al pintarse la cara
de azul y tener que recurrir a un especialista de la piel en uan clínica
suiza para quitarse la pintura. <br />
<br />
Con los Uriah Heep grabó gran cantidad de álbumes en estudio y en
directo desde el “Firefly” de 1977 al “Into the Wild” de 2011. Con los
Wishbone Ash sacó el “Twin Barrels Burning” de 1982. También colaboró
con Dana Gillespie, Ken Hensley, y el mencionado Mick Ronson. En
febrero de este año anunciaba que volvía a tocar este verano con los
Uriah Heep tras recuperarse del tratamiento a los que se había sometido
por culpa del cáncer. Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-29182647853617139132013-05-21T20:49:00.000-03:002013-05-21T20:49:49.219-03:00MURIÓ RAY MANZAREK, EL AUTOR DEL SONIDO THE DOORS BAJO LA ALARGADA SOMBRA DE JIM MORRISON.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-PVCy1iF_jHI/UZwGpG_ABUI/AAAAAAAAOWI/-dXvGDxXgMM/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-KeIStFQ1fLI/UZwGpuqpJ1I/AAAAAAAAOWU/auMIQH30K4E/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-KeIStFQ1fLI/UZwGpuqpJ1I/AAAAAAAAOWU/auMIQH30K4E/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-S87pmt7SVzQ/UZwGp2ywlpI/AAAAAAAAOWk/-GPMuXyh7jQ/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-eziBlRsu3Eo/UZwGsU-j5wI/AAAAAAAAOWs/unOR4yE1b8k/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br /><br /> <span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b> <span style="font-size: x-large;">Las notas de su órgano Fender Rhodes crearon el sonido The Doors<br /> Fundó el grupo junto a Jim Morrison en 1965, tras escuchar los versos de "Moonlight drive"<br /> "Echaré de menos a mi hermano musical", le despide John Densmore, baterista.</span></b></span></span><br /><br /><br /><a href="http://2.bp.blogspot.com/-kfh-UxWz87w/UZwGpJVSdSI/AAAAAAAAOWM/jXAA5bYtmHA/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-kfh-UxWz87w/UZwGpJVSdSI/AAAAAAAAOWM/jXAA5bYtmHA/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" /></a><br /><br />
<br />
Por: Laura G. Torres 21.05.2013 - 11:12h<br /><br /><span style="color: red;"><span style="font-size: large;"><b>Los acordes tan característicos y fácilmente identificables de canciones como "Light my fire", "Alabama song", "Stranges days" o "When the music's over" no sonarían a The Doors si no fuera por Ray Manzarek (1939-2013). The Doors no sonarían como The Doors si no hubiese sido por su tecladista, Manzarek, fallecido este martes en Alemania a los 74 años víctima de un cáncer de vesícula biliar. </b></span></span><br /><br /><br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-S87pmt7SVzQ/UZwGp2ywlpI/AAAAAAAAOWk/-GPMuXyh7jQ/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-S87pmt7SVzQ/UZwGp2ywlpI/AAAAAAAAOWk/-GPMuXyh7jQ/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" /></a><br /><br />
Manzarek, con su órgano Fender Rhodes, fue el artífice del sonido característico de una de las bandas de rock más grandes de todos los tiempos, aunque su figura estuvo eclipsada por el carisma de su líder, Jim Morrison. Quizás en otra banda su figura no habría estado tan eclipsada -sin ir más lejos en sus rivales ingleses, The Beatles, donde sus cuatro componentes se repartieron fama-, pero la sombra de Jim Morrison era alargada, y se hizo aún más grande con la prematura muerte del Rey Lagarto a los 27 años. <br /><br />Probablemente sea ahora, en el momento de su muerte, cuando se reconozca su legado musical como cofundador de una banda que ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, y que siguen vendiéndose 42 años después de su desintegración con la muerte de Morrison en 1971 -aunque publicaron otros dos discos sin Jim en 1971 y 1972-. <br />
<br /><span style="font-size: large;"><b><span style="color: red;">De la playa de Venice a la fama mundial</span></b></span><br /><br />En 1964, en la playa californiana de Venice, Ray Manzarek se encontró con su viejo compañero de la escuela de cine de la UCLA (Universidad de California), James Douglas Morrison, y este le recitó los versos de un poema que había escrito: "Let's swim to the moon,/ Let's climb through the tide/ Penetrate the evenin' that the/ City sleeps to hide". Ray le pidió entonces que se los cantara y Morrison, con su voz de barítono, empezó a entonar la que sería "Moonlight drive", canción que se incluiría en su segundo disco, Strange Days (1967).<br /><br /><a href="http://2.bp.blogspot.com/-PVCy1iF_jHI/UZwGpG_ABUI/AAAAAAAAOWI/-dXvGDxXgMM/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-PVCy1iF_jHI/UZwGpG_ABUI/AAAAAAAAOWI/-dXvGDxXgMM/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" /></a><br /><br />
Ray propuso a Jim que se uniera a la banda que tenía con sus hermanos, Rick & The Ravens, aunque al poco acabaron fundando su propia banda, a la que se unieron dos compañeros de meditación de Manzarek, Robby Krieger (guitarra) y John Densmore (batería), procedentes de The Psychedelic Rangers. Nacían entonces The Doors. <br /><br />Una banda de rock que no tenía bajo y era el propio Manzarek el que, con su Fender Rhodes, tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda y las del órgano con la derecha. El resultado una música hipnotizante, psicodélica, difícilmente clasificable. Sonido The Doors.<br /><br />En 1967 publicaron su primer disco de estudio, The Doors, al que seguirían otros cinco álbumes: Stranges Days (1967), Waiting for the sun (1968), The Soft Parade (1969), Morrison Hotel (1970) y L.A. Woman (1971), los dos últimos con un marcado sonido blues. Les acompañaría la fama y la polémica, y también la autodestrucción de su líder, Jim Morrison, ahogado por drogas y alcohol.<br /><br /> <a href="http://4.bp.blogspot.com/-eziBlRsu3Eo/UZwGsU-j5wI/AAAAAAAAOWs/unOR4yE1b8k/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS5.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-eziBlRsu3Eo/UZwGsU-j5wI/AAAAAAAAOWs/unOR4yE1b8k/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS5.jpg" /></a><br />
<br />
Tres meses después de publicarse L.A. Woman, el 3 de julio de 1971, Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso en París. Moría James Doglas Morrison; nacía el mito.<br />Extinción de The Doors e intento de resurrección<br /><br />Los restantes miembros de The Doors publicaron dos discos más sin Morrison: Other voices (1971) y Full Circle (1972), con Manzarek y Krieger como vocalistas, aunque dejaron de tocar en 1972. Manzarek, Kireger y Densmore solo se volvieron a reunir para editar An American Prayer (1978), en el que pusieron música a los poemas recitados por Jim Morrison que este había grabado en 1970. <br /><br />La fama del grupo se mantuvo viva con la publicación en 1980 de la primera biografía sobre Jim Morrison, No one here gets out alive, escrita por el periodista Jerry Hopkins, y el biopic sobre el grupo que rodó Oliver Stone en 1991, The Doors.<br /><br />Tras la desintegración de The Doors, Manzarek emprendió varios proyectos y tocó en varios grupos, como Nite City, o produjo a bandas como The X y Echo & The Bunnymen, hasta que en 2002 se volvió a reunir con Krieger para resucitar The Doors bajo el nombre The Doors of the 21st Century. John Densmore y los herederos de Jim Morrison pleiteraron para impedir que Manzarek y Krieger pudieran usar el nombre del mítico grupo y la banda acabó por denominarse Riders on the Storm, con la que tocó en sus últimos años de vida, aunque colaboró con otras bandas también.<br />
<br />
<br /> <a href="http://3.bp.blogspot.com/-ULh5TqiMRcQ/UZwGpIQb8JI/AAAAAAAAOWE/SxHUfpOCM30/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-ULh5TqiMRcQ/UZwGpIQb8JI/AAAAAAAAOWE/SxHUfpOCM30/s1600/RAY-MANZAREK-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" /></a><br /><br />
"Me ha entristecido profundamente conocer la muerte de mi amigo y compañero de banda Ray Manzarek. Estoy contento de haber podido tocar las canciones de The Doors con él durante la última década. Ray fue una parte enorme de mi vida y siempre lo voy a echar de menos". Son las palabras con las que Krieger ha despedido a su amigo.<br /><br />Pero quizás, las más que suenan más emotivas, son las que John Densmore, pese a la mala relación de esos últimos años, ha empleado para honrar la memoria de su excompañero, remitidas vía e-mail y publicadas por The New York Times: "Nunca hubo un teclista en el planeta más apropiado para acompañar las palabras de Jim Morrison. Ray, me sentía en total sintonía contigo musicalmente. Era como si fuéramos una única mente, manteniendo los cimientos para que Robby y Jim flotaran por encima. Echaré de menos a mi hermano musical".<br /><br />Todos lo echaremos de menos, pero su música permanecerá.<br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/07127878144637234942noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4223635093432359674.post-3978005100527362512013-05-08T12:30:00.000-03:002013-05-08T12:38:49.662-03:00ENTREVISTA A LUIS ALBERTO SPINETTA AÑO 2008: SER SPINETTA.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-d1dhWlBUx4s/UYpwnVOcPQI/AAAAAAAAOS8/yc9rBqfKuvs/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-uhZ5TKXkmSc/UYpttuiX0JI/AAAAAAAAOSA/fG7C8-vqOgY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-uhZ5TKXkmSc/UYpttuiX0JI/AAAAAAAAOSA/fG7C8-vqOgY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS2.jpg" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-6TKrq7wQ2oY/UYptsfCIP3I/AAAAAAAAOR0/BbV46bEt0M4/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-bjBY-pWs7sc/UYptuBKxMII/AAAAAAAAOSI/Hqrs8_2kl3o/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-YkMGydiKpiw/UYptxYg53nI/AAAAAAAAOSQ/RkIcrWK43EY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br /></a></div>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><span style="font-size: x-large;"><b><span style="color: red;">Ser Spinetta</span></b></span></span><br />
<br />
<br />
<span style="font-family: "Courier New",Courier,monospace;"><span style="font-size: large;"><span style="color: red;"><b>Esta es una de las raras entrevistas concedidas por el músico argentino. Quizá por eso no omitió ningún tema. Habló de sus obras, la poesía y la preocupación por la muerte. Se refirió al misterio de Dios, criticó duramente las religiones y todo fanatismo. Evocó los miedos de la niñez y a sus padres. Renegó de las drogas e invitó a sus queridos fantasmas a un risotto<br /> </b></span></span></span><br />
<br />
<br />
Por Rodolfo Braceli<br />
Para La Nacion <br />
<br />
<br />
Ésa es. Seguro que ésa es, pensé en voz alta. El miedo que trae la aventura de todo reportaje me había extraviado el papelito con la dirección exacta. Caminé entre el 4000 y el 5000 de Iberá deletreando el semblante de las sucesivas casas. Sentía que la que buscaba iba a rebelárseme. A los quince minutos me detuve: ésa es. Seguro que ésa es. La casa, de frente liso, hermética, latía un vehemente azul eléctrico que en lo subcutáneo parecía tener el pulso del verde y el rojo. Inquietante azul. Toqué el timbre sin dudar. Asomó Spinetta adentro de unas zapatillas de goma y de un pantalón rojo y de un entusiasmo absolutamente matinal aunque eran las seis de la tarde.<br />
<br />
¿Así que vos sos el flaco Spinetta?, me salió cuando hablamos por primera vez por teléfono. Y me confirmó que él era él: "Luis Alberto o Flaco o Luigi". Sin vueltas aceptó la entrevista pero con una condición insólita, y más en la Argentina: "Que no sea nota de tapa. Una fotito mía adentro y ya está". Le dije que sí, pensando en una inaudita tapa blanca con un epígrafe explicando: "Aquí debía estar la foto de Spinetta".<br />
<br />
Entro a su casa-estudio. Hacia la calle ninguna ventana. En el living una pila de cajas, "soy bastante cartonero, viste". Después el estudio, una inmensa consola. Más allá, una enorme cocina y paredes con cientos de cds. "¿Tomás un tecito?" Y ya corre a buscarlo. Y vuelve saltarín con la taza bailando. Advierto que Spinetta vive en estado de alegrísima paradoja, columpiándose.<br />
<br />
Para que la conversación tenga un espinazo y no se nos invertebre llevo un machetito con los nombres de sus bandas en cuatro décadas: Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade. Además, la sucesiva discografía: Almendra , Desatormentándonos , Artaud , Madre en años luz , San Cristóforo , A 18 minutos del sol , Los ojos , Kamikaze ... Don Lucero , Fuego gris , Silver Sorgo , Para los árboles , Pan , Un mañana Spinetta intenta aquietarse, pero sale disparado a buscar fuego. Ahí yo rompo el machetito en ocho pedazos. Me quedo con un par de preguntas, escondidas. Veré si las pronuncio. Que venga lo que sea.<br />
<br />
¿En qué consiste "ser Spinetta"? En alguien que vive anidado en su bunker. Su quietud es terriblemente inquieta. El suyo es un ombligo en ferviente erupción. Tiene hormigas en el cuerpo y en el alma de su cuerpo. Fuma como si fuera la primera vez, o la última. Está condenado, más que a parecer, a ser un incesante adolescente. Sin embargo este tipo, tan adolescente, es abuelo. Más: Spinetta anda por la vida con una tijera y tajea la red que debiera protegerlo cuando se arroja a las cosas más menudas como si fueran abismos. Ya veremos: es un ingeniero cirujano que trata de descifrar "las patrañas del aire". A todo esto, créanlo, "sus ojos permanecen ante cualquier colmo".<br />
<br />
Inexplicable, le pregunto si duerme como diosmanda.<br />
<br />
-Desde hace años hago cuatro horas de sueño por día. Y una vez que me despiertan los pajaritos o lo que sea... chau. Se prende todo, viste. Y ahí bajo: diario, cigarrillo, computadora, dibujo o lo que sea. Ya no puedo parar.<br />
<br />
-Habrá un golpecito de siesta.<br />
<br />
-La siesta, un viejo anhelo? Mi señora es de Santo Tomé y su familia duerme la siesta meticulosamente. Bueno, cuando yo voy allá me tiro pero siento...<br />
<br />
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-d1dhWlBUx4s/UYpwnVOcPQI/AAAAAAAAOS8/yc9rBqfKuvs/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS6.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-d1dhWlBUx4s/UYpwnVOcPQI/AAAAAAAAOS8/yc9rBqfKuvs/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS6.jpg" /></a><br />
<br />
-Remordimiento.<br />
<br />
-Quizá, jaaa... Me pregunto qué me estoy perdiendo. Uy, no te traje cucharita. ( Se va y vuelve corriendo. Además, me trae un caramelo. Y retoma: ) Puede ser no querer perderme nada, pero me despierta la menor cosita. Y por otro lado mi teléfono ha sido muy castigado, llama gente y corta. Mi pieza no tiene cortinas, me despierta el sol, eso me encanta eh. Yo trato de usar hasta la última gota de luz natural. Pero no para ahorrar: los colores cambian cuando baja el sol, hacia la noche. Estamos en este colmenar de cemento y quiero que la luz natural me adormezca.<br />
<br />
-¿Qué ves por la ventana de tu dormitorio?<br />
<br />
-Las azoteas vecinas, un resto de árbol. Tengo una manía: detesto las rejas. Prefiero un ladrillo de vidrio a una ventana enrejada. Es como limpiarse y seguir cagando, ¿entendés? Eso me aterra. Prefiero un bunker con tres aires acondicionados ¡y no ventanas falsas!<br />
<br />
-Se nos va la mano con el miedo. Alguien dijo que es como una adicción.<br />
<br />
-Pura paranoia. Hay una propaganda de puertas "Pentágono", nombre odioso, que muestra una escena terrorífica y la solución es... ¡jaaa, la puerta blindada!<br />
<br />
-Por poco tirás tu taza, Luis.<br />
<br />
-Soy muy torpe, medio eléctrico, y como estoy viejo ya la electricidad se me escapa y tiro cosas. Mejor no me regalen copas.<br />
<br />
-Así que te despertás y a dibujar.<br />
<br />
-Si es un sábado o un día tranquilo también toco la viola, a veces siento algo que me llama para hacer una canción, pero en general me pongo a dibujar con el fotoshop mandalas digitales, esferas curativas... Si pienso que eso es arte, soy un salame; si pienso que son intentos creativos ahí lo veo mejor.<br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-XWd5V2TWDTY/UYpu_L7J29I/AAAAAAAAOSk/eZ9PPgF3f2U/s1600/Spinetta_-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOSaaa.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-XWd5V2TWDTY/UYpu_L7J29I/AAAAAAAAOSk/eZ9PPgF3f2U/s1600/Spinetta_-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOSaaa.jpg" /></a><br />
<br />
-¿Y el autor creador?<br />
<br />
-Por otro lado está escribir y está la música. Aquella cosa a la que uno accede por un fuego que lo abraza y que uno debe ir a buscar sí o sí. Yo estoy para hacer canciones. Si los dibujos se me borran no me importa un belín. En cambio, cuando uno piensa algo y no lo escribe lo pierde para siempre...<br />
<br />
-Hay que atrapar la palabra ahí, en su virginidad.<br />
<br />
-Ahí va. A mí cualquier cosa me sirve para escribir. Tengo una idea y la vuelco donde venga, a veces sobre un pedazo de diario. O dibujo mientras converso con un amigo.<br />
<br />
-Todo el tiempo necesitás expresarte.<br />
<br />
-Me mata no hacer nada.<br />
<br />
-¿Y qué hacés cuando no hacés nada?<br />
<br />
-Hago pan, hago pizza, preparo una comida tailandesa o mexicana... Me encanta cocinar, gran desenchufe. El intelecto está aplicado a un lugar tan diferente... Cocinar contrabalancea la angustia del que pronto se va a meter con algo arduo, porque recibe una voz desde adentro. Y entonces ahí ya no hay otra que tirarse sobre un papel, a sentar poesía, frases aisladas?<br />
<br />
-Relámpagos de pensamiento.<br />
<br />
-Ahí va. Hay que hacer pan y hay que hacer canciones. Porque si viviera todo el tiempo haciendo poesía, música, me consumiría. Moriría rápido... Me preservo haciendo cosas que no sean las que me consumen. Además, sin consumirte no es posible crear nada. Qué sé yo, es un lindo balanceo que crea un mundo cerrado, o una pequeña cárcel iba a decir, un lugar que es el propio y te abstiene de un mundo con una dinámica de frivolidad y no frivolidad.<br />
<br />
-Tu balanceo supone una actividad sin resuello.<br />
<br />
-Sí, permanente. No soy un individuo de paz.<br />
<br />
-Pensar que hay tantos que no tienen resuello, pero en la rutina.<br />
<br />
-Lo dicen los primeros temas de Almendra, ¿no? "Si tus pies nacieron viento, déjalos correr..." ¿Cómo soporta la obrera en la colmena o la hormiga en su hormiguero? Se mueven todos como uno y uno como todos y no importa la vida de nadie: ¡el bocado perfecto para la malignidad! Eso, los seres que parecen no despertar, son el bocado perfecto para la ignorancia y el águila maliciosa. No el bocado del águila como invocaba Castaneda sino el del engranaje que nos quita el alma.<br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-JZeT94-OwQw/UYpws1auNeI/AAAAAAAAOTU/qqSfv2yAisI/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS8.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-JZeT94-OwQw/UYpws1auNeI/AAAAAAAAOTU/qqSfv2yAisI/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS8.jpg" /></a><a href="http://1.bp.blogspot.com/-9VjnBiOeShI/UYpu_G4cJ7I/AAAAAAAAOSg/r9PpT2WkQaY/s1600/Spinetta2-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><br />
<br />
-La muerte, ¿te ocupa, te preocupa?<br />
<br />
-Bueno, es quien nos acompaña, ¿no? Está presente siempre, hasta que finalmente nos toca. La muerte lejos no puede estar. Porque somos burbujas que se rompen con una facilidad absoluta. Pero ella no es una presencia que me impida cantar, ni ser feliz, hoy. Si la ignoramos demasiado somos unos ridículos, como ése que se pega un pedo tremendo y sale a 180 y mata gente... Algo más: creo que si sos una persona enfermiza con la muerte te vas a hacer muy amigo y te va a llevar antes. Importa darse cuenta de la devoración que sucede en el universo. Prestar atención, astronómicamente hablando, tanto a la devoración como al nacimiento que se produce constantemente de a trillones de partículas. Un fragor debe haber en todo esto... Si no entiendo esto no podría crear. Perece una cosa y nace otra. Frente a tal magnitud, si uno se queda pensando en eso, pucha, empieza la tragedia. Un amigo me decía: "Me imagino que cuando me muera vendrá un tipo con una risotada jojojo ... Vení, boludo, me dirá el tipo parecido a Papá Noel". Ese jojojo vendría a ser la risa de Dios.<br />
<br />
- A la palabra Dios, ¿la decís con mayúscula?<br />
<br />
-Cuando era joven la escribía con minúscula, le temía. Hoy lo pongo con mayúscula porque uno más uno es Dios. Punto. Dios no es nada en particular, es una idealización que hemos aguantado insoportablemente. Creo que Dios es práctico, nos evita explicaciones.<br />
<br />
-Dios, ¿es una sílaba para frenar el vértigo de las preguntas?<br />
<br />
-Esto es tan insondable? Más vale tener una cosa práctica para nombrar. Entonces decimos Dios. Vos viste que en las religiones de origen musulmán todo es texto, no hay visualización de Dios. No hay barba, no hay cruz, no hay un chino con los ojos en paz como Buda. Muy piola eso. Ahora, si pensamos que Dios es alguien que nos está viendo y si hacemos una macanita nos cae un rayo... cagamos, ¿ok?<br />
<br />
-De modo que tener a Dios es práctico.<br />
<br />
-Mejor tener a Dios que no tener a nada... Si no, ¿cómo nombrás el conjunto de cosas que no son Dios? Sería abrumador, asfixiante. No tener a Dios te convierte casi en rata, ¿no?<br />
<br />
-¿Qué pensás de las religiones?<br />
<br />
-Bueno, son el show business de Dios. Para poner a Dios en escena se tienen que hacer cargo los hombres, que están constituidos de cagadas y errores. Por lo tanto, envilecerse a través de Dios o del dinero o de la música es muy fácil. Las religiones son como una especie de excrecencia de la peor porquería, porque es como el pedo que se va tirando Dios a través de la institución. Huele mal. En todas las religiones hay unas sanatas tremendas. Y están metidos con los que tienen el Poder? Las guerras religiosas, ¿nos van a azotar hasta el fin del tiempo?... Y entonces esas religiones, ¿qué hacen? ¡compran las armas!<br />
<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-G0GpxoCgZUg/UYpu_J4QBuI/AAAAAAAAOSo/4i3yeeEcuIE/s1600/spinetta3-el-refugio-de-los-musicos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-G0GpxoCgZUg/UYpu_J4QBuI/AAAAAAAAOSo/4i3yeeEcuIE/s1600/spinetta3-el-refugio-de-los-musicos.jpg" /></a><br />
<br />
-A veces a las armas se las bendice.<br />
<br />
-Sí, para quitar la vida... El universo no es cruel, el hombre sí. Cuando estalló la bomba atómica un científico dijo "¡Uy, parece la diosa Shiva!" Sí, ¡la concha de tu abuela parece también! Qué loco estás, boludo, si tenés que tirar una bomba para ver a la diosa Shiva. ¡Comprate un cuadro! Bueno, la pregunta es?<br />
<br />
-¿Es...?<br />
<br />
-Es cómo hacer para no ser un gas de Dios ¿no? No sé... me da lo mismo estar en la cola del gas o ser la materia primigenia. En esa escala estamos todos disponibles. Mientras, las religiones son un cáncer y a la vez han sido prácticas para los gobernantes...<br />
<br />
-Te quedaste suspendido en una sonrisa. ¿Se puede saber, Luis, por qué?<br />
<br />
-Porque nos metimos en un quilombo, hermano.<br />
<br />
(La sonrisa desemboca en una carcajada. Sobre el pucho, otro cigarrillo.)<br />
<br />
-Me apasiona meterme en quilombos, me doy manija y se me ocurren cosas. Lo que pasa es que nada es tan importante, nada. Tratemos de ser felices, por lo que dura este pedo en canasta... Esto, sin cagar a nadie? Vivimos en un mundo que está regido por el intento de adquirir la felicidad a un paso casi ciego: el rico por miserable; el de la villa porque consigue el radar y quiere copiar al de arriba. La gente afana para ser feliz, porque comer la hace feliz, y porque si no come se muere? Además, los fanatismos: el mundo musulmán y el occidental enfrentados. Yo no sé si la pasión ciega así intenta ser feliz... es enfermiza, como que lo único que quiere es una eyaculación precoz, satisfacer un instinto de caimán casi.<br />
<br />
-¿Esa pasión ciega dónde la ves más acentuada?<br />
<br />
-Me refiero a los fanatismos de cualquier proveniencia. Imaginate un republicano del sur de los Estados Unidos, superguacho, antisemita antimejicano antinegro? Ese fanatismo y el otro: ninguno de los dos quiere ser feliz, se basan en destruir al otro. Y esto es autodestrucción también. De un lado arrasan inmolándose, son valientes; del otro mandan bombas inteligentes y encima no ponen el pellejo? La misma cabeza, diferentes métodos. La misma ceguera: en unos la educación y el cinismo de una cultura todopoderosa tecnológicamente y en otros el tipo que tiene un palo y que se expresa de manera romántica: primero va él y después... adiós. No nos engañemos: tanto al superguacho republicano antitodo que hace mierda ciudades con bombas, como al que apalea a la mujer y la aparta cual si fuera el peor animal, habría que ir a cargarlos a patadas. ¿Yo no soy quién? Ok. Sí, hay que respetar todas las creencias, ¡pero son unos retardados de la concha de la lora!<br />
<br />
-Mujeres reducidas...¿y qué de la pornografía?<br />
<br />
-A veces el infierno de un mundo se refleja en el paraíso de otro. La mujer filmada con tres tipos en una cama, es peor animal que la otra que está oculta... En un estudio de Los Ángeles una mina filma pornografía y en una calle de Pakistán a otra la cagan a latigazos por sacarse el velo. Terrorífico. Desapacigua el alma, no genera ninguna poesía.<br />
<br />
-Es desmayante.<br />
<br />
-Desmayante. Ahí va. Perfecto, vos lo dijiste, es apático.<br />
<br />
-A este paso para conseguir un Apocalipsis no hacen falta bombas.<br />
<br />
-No, no hace falta inflamar más la llama autodestructora? Te tomás otro tecito. ¿Sí?<br />
<br />
(Y ya se fue, picando como un pelotita de ping pong, livianísimo. Pronto vuelve con el té. Y esgrimiendo otro caramelo?)<br />
<br />
-Hay una pregunta eterna, de vereda: este mundo, ¿adónde va a parar?<br />
<br />
-Uno no puede juliovernizar: por un lado vendrán equipos de audio flotantes, con un sistema levitatorio magnético. Por otro va a haber unos males de la concha de la lora. Sin juliovernizar quiero ser optimista y pensar que la cultura va a ir, genéticamente, eliminando las zonas del cerebro que son las de la irritabilidad y la venganza. Quizás ése sea nuestro final. <br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-bjBY-pWs7sc/UYptuBKxMII/AAAAAAAAOSI/Hqrs8_2kl3o/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-bjBY-pWs7sc/UYptuBKxMII/AAAAAAAAOSI/Hqrs8_2kl3o/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS4.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
-Por ahí se termina la irritabilidad y concluimos como género humano.<br />
<br />
-Supongamos que no, pero: ¿quién puede decir que al carecer de irritabilidad alcancemos la felicidad? ¿Qué tipo de paz sería aquélla que se produjera con un hombre carente de irritación, que redistribuyera su energía como para poder curar sin medicamentos?... Cosas medio desopilantes, ¡que uno quisiera que sucedan! Como que no se muera la gente de hambre mientras que con lo que otros tiran a la basura come un pueblo. Es un pensamiento judeocristiano, no avancé ni un centímetro. Espero que esto mejore. ¿Cómo? Con mayor justicia social.<br />
<br />
-Luis, ¿tenés esperanza o querés tener esperanza?<br />
<br />
-Tengo esperanza porque en ella están las únicas notas que interceptan el silencio. Cada nota es una esperanza, mientras que el silencio no posee ninguna esperanza más que la de ser una nota.<br />
<br />
-Se trata de una pulseada para vadear el silencio.<br />
<br />
-Más que pulseada nuestros propios pulsos. ¿Acaso no son nuestros pulsos un movimiento constante de esperanza? La única esperanza que existe para el silencio es que aparezca una nota, y cuando aparece, el silencio también empieza a expresarse, a ser música. Contamos con esperanza casi como si contáramos con cuerpo.<br />
<br />
-La esperanza, arduo trabajo. ¿Cómo la sostenemos?<br />
<br />
-Hay que tener fe. Es al cuete poner en juego cosas sin pensar que van a funcionar. Además, veamos: falta demasiado el sentido común. Ejemplo: ¿es necesario hacer un curso en la NASA para darse cuenta de que en un lugar cerrado lleno de género si encendés una bengala sucede Cromañón?<br />
<br />
-Ese "no darse cuenta", tan frecuente, ¿a qué se deberá?<br />
<br />
-A muchos años de falta de educación y salud. Tengo fe en que si cambia la educación y la salud el país va a mejorar. Nos sentimos orgullosos de Messi. ¡Qué orgullo ganar la medalla de oro de la olimpíada con nuestro fútbol! Pero, ¿por qué también no ganamos la medalla por tener los mejores hospitales de Sudamérica, flaco? ¿Por qué tiene que ser Cuba, un país cincuenta años bloqueado, el que tenga mejores hospitales? Y además ganan docenas de medallas olímpicas, ¡pero dejame de joder! Ese es el trabajo: mejorar la salud y la educación. A partir de esto todo será mejor, hasta la cana. Y se podrá andar por las calles sin ser protagonistas del país con mayor cantidad de accidentes de automóviles.<br />
<br />
-Cierto secreto orgullo nos produce ostentar récords mundiales, no importa el rubro. Decime, ¿vos sabés manejar?<br />
<br />
-¡Ahí va! Yo preventivamente vendí mi auto hace poco ( larga una carcajada ) Manejar me encanta, me apasionan los autos. Pero ¿viste?, las ciudades están abarrotadas. El auto, creado para la libertad, te esclaviza. Se perece en el auto. Perecen minutos que suman días y años de nuestra vida ¡adentro de un auto! Más el gasto público del cuerpo. Intelectualmente te mata estar en un embotellamiento. Hablábamos el otro día con mis suegros, los Fernández, muy inteligentes y laburadores, que en Estados Unidos ya no hay bolsitas de nylon, sólo de papel? La alquimia humana es una especie de saltimbanqui, viste: crea y destruye. Con la ciencia también pasa eso? Un día dirán: no, tenían razón los que sostenían que la Tierra estaba apoyada sobre dos elefantes. Ahí está: los descubrimientos científicos primero para la guerra y después para el bien de la humanidad. Hay una gran ingenuidad en la masa de cerebritos que brillamos en relación a los designios del cosmos. Si viene un meteorito ¡no queda ni el loro, hermano!<br />
<br />
-Estamos desguarnecidos.<br />
<br />
-A la intemperie. Pero, sin embargo ambición y sueños nos llevan a que sigamos en la búsqueda de lo invisible. ¿Viste que bombardean partículas atómicas para entender el origen del mundo? Con el costo de eso ¡le dan de comer a todo África! Lo cierto es que el cosmos es insondable y que somos unos boludos intentando escribir en el mar, y con tinta.<br />
<br />
-Bajemos a tus primeros días, cuando aprendías a respirar.<br />
<br />
-Tengo recuerdos muy patentes de los cuatro, cinco años. Imágenes jugando con mi hermana Ana en un auto, y hablábamos con él. Le decíamos, "¿Te falta nafta?" "Sí, tienen que cargarme nafta che". El auto era un banco largo. Y también teníamos un taller, Farulo y Rulo , mi hermana y yo. Allí arreglábamos cosas de señoras hinchapelotas y las cagábamos a pedos: "No señora, esto no sirve, déjese de embromar".<br />
<br />
(Spinetta se desenrosca detrás de otra carcajada. Se pone de pie, sin duda está viendo lo que cuenta:)<br />
<br />
-Era un taller imaginario, medio garca. Caían unas señoras desubicadas con objetos de la época de ñaupa y nos encantaba decirles: "Doña Juana, ¡pero esto no tiene arreglo!" A nuestras abuelas cuando cobraban la jubilación les hacíamos el apriete: "Abuela, ¿rebrobadgalás chicle?" "¿Queeeeé?" Era medio sordita esa abuela. Al final se lo decíamos al unísono: "Abuela, ¿nos podés comprar chicles?" "¡Ah, chicle!", decía la madre de mi padre.<br />
<br />
<br />
<br />
-Aquella niñez, ¿qué miedos incluía?<br />
<br />
-Yo tenía horror a los fotógrafos? Por ahí paf, estallaba el magnesio. Y aparezco llorando. También le temía a las locomotoras. La locomotora era un monstruo negro que hacía temblar el andén de la estación Núñez. Y recuerdo apariciones de mamboretá. El miedo y la curiosidad nos exigía acercarnos; por ahí volaba o eso...<br />
<br />
(¿Los reportajes estimulan los riñones? Pausa para ir al baño. De vuelta, frente a frente, siento que se acerca la posibilidad de hacer el par de preguntas que guardé. Spinetta toca la pared medianera y me dice, como en secreto:)<br />
<br />
-Al lado hay una casa de fiestas. Cuando hay cumpleaños de chicos nosotros bajamos el volumen en el momento de apagar las velitas. Para que nuestra zapada no les invada el cumpleaños feliz. No hay derecho. Nada más lindo que un chico soplando una velita, viste.<br />
<br />
-Cerrá los ojos. Seguí mirando lejos.<br />
<br />
-Cosas no muy gratas de recordar, ciertos sueños nocturnos. Mis padres no podían contenerme; yo les decía angustiado, llorando: "Estoy en un lugar del mapa, muy lejano"... Se despertaban todos, gran quilombo, gritos, llantos? Mi madre empezó a poner plantas de ruda debajo de mi almohada y me pasaba un trapo negro por la cabeza. Lo recomendó alguna bruja, jaaa. Al fin me curaron.<br />
<br />
-¿Qué más, allá en el fondo de tus días?<br />
<br />
-Tenía pensamientos en donde mi madre era una estrella que brillaba en lo infinito. ¿Pensamiento relacionado con la muerte? Andá a saber? De chico ya era medio cabroncito, me gustaba tener mis zapatos, mis cositas. Por lo demás era un chico bueno. Me costaba mucho pelear. Por ahí era peleador pero más de patotita, no de hacerme el canchero yo?<br />
<br />
-Un poquito cobarde, digamos.<br />
<br />
-Sí, más bien cagón en las peleas a piñas. Eso me perdura. Por suerte no me tengo que pelear con nadie.<br />
<br />
-¿Y en la escuela?<br />
<br />
-Fui muy enamoradizo en la primaria. Vivíamos en Arribeños y Congreso. Por Congreso subía el frío del río en invierno... Por otro lado nuestra familia era humilde, entonces siempre había oportunidad de cagarse de frío bañándose con la serpentina de alcohol de quemar? ahhh? ¿y el alcohol? ¡Se apagó! Yo me rehusaba al delantal almidonado porque me lastimaba el borde del cuello en los días de frío. Uy, y yo peinado a la gomina ¡era una tortura! Y empezaba: "Sarmiento y la madre que te parió, ¿por qué inventaste la escuela?" Yo estaba cabrón con cosas que me parecían injustas. Bueno, ahora pienso que es con educación que las cosas van a mejorar.<br />
<br />
-Cerrá los ojos de nuevo. Seguí mirando lejos.<br />
<br />
-Año 1955, los Gloster Meteors, el bombardeo a Plaza de Mayo... En casa nos ocultaban el diario Crítica para que no viéramos las fotos con cadáveres y mutilados... Me acuerdo del ruido de los aviones y de los altavoces del Plan Quinquenal y que había una Unidad Básica a metros de mi casa, arengas y mis padres muy fans de Evita? Con el tiempo, leo y me decepciono tanto... Qué manga de traidores en nuestra patria. Una sarta de hijos de puta, hermano. De golpe a los diecisiete, preferíamos a Vallejo, a Cortázar... Con Emilio del Guercio picábamos a Bradbury, a Artaud? Hoy sí me meto con la historia, ¡y los libros de Piña son una piña! Qué sarta de personajes han repetido la cagada, parece un destino histórico. <br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-YkMGydiKpiw/UYptxYg53nI/AAAAAAAAOSQ/RkIcrWK43EY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS5.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-YkMGydiKpiw/UYptxYg53nI/AAAAAAAAOSQ/RkIcrWK43EY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS5.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
-Nos creíamos los mejores del mundo. Eso ya pasó. Ahora nos consolamos creyendo que somos los más inexplicables. Siempre "los más".<br />
<br />
-Eso se toma como una virtud, ¿no? Y bueno, el argentino es así... aparte está muy manipulado por un trust de negocios formidables entre televisión y diarios. A veces siento miedo. Se silencian tantas cosas? Silencio y muerte van de la mano. Injusticia y silencio, casi son lo mismo, ¿no? Entonces...<br />
<br />
-¿Entonces?<br />
<br />
-Hay que hacer música. Para no caer en el agobio. La otra vez toqué en Catamarca y les dije: "¡Boludos, no me quiero morir viendo sólo esto!" Auque uno es tan inocente y tan responsable como cualquier otro. Pero quisiera ver las cosas mejor. Tengo cuatro hijos con mi ex señora: Dante, Cata, Valentino y Vera. Vera, la más chica, la luz de mis ojos, está en la edad de la flor. Muy talentosos los cuatro con la música. Las nenas, hartas, no quieren saber nada, pero tienen gran oído las dos.<br />
<br />
Mis hijos me llenaron la canasta de nietos.<br />
<br />
-Luis, tenía guardada esta pregunta: ¿Será ridículo hablar del ser abuelo con un roquero?<br />
<br />
-La verdad: no soy tan buen abuelo. O sí, soy un gran abuelo. Mirá, acá pasa esto: "Abuelo dame hojas", y se ponen todos a dibujar. Un regalo de Dios para mí. Les dibujo autos y los colorean, juegan, tocan los instrumentos. Son muy de agarrar la batería, crean, me dedican los dibujitos. Pero no soy de decir "el abuelo los lleva acá o allá," porque yo casi ni salgo, Rodolfo. Tengo una vida muy sentada. Ir al cine, al teatro, me cuesta porque todo el mundo te mira? Spinetta? Spinetta... Es una bendición que la gente te diga que te quiere, pero soy mucho más feliz acá escuchando a Bill Evans, cocinando? Ahora, si tengo que ir al colegio de Brando, el hijo mayor de Dante, ahí voy con todos los abuelos.<br />
<br />
-La otra pregunta basada en un prejuicio: ¿a un roquero se le puede preguntar por su papá?<br />
<br />
-Ah, mi viejo... era cantante de tangos. Ahora, pobre, casi no ve ni oye. Lo recuerdo ensayando con sus guitarristas... Yo tendría unos cinco años, abrían esos estuches, brotaba el olor a la madera de la guitarra. Y me veo escuchando a mi viejo por una RCA Víctor, tipo catedral, de madera, que había que esperar que se calentara. Hasta que salía la voz de mi viejo cantando por radio El Mundo. Era Carlos Omar artísticamente. Cantaba: "Al pie de un rosal florido... me hiciste tu juramento..." No era un cantante común.<br />
<br />
-¿Cantar era su vocación?<br />
<br />
-No tanto, porque cuando instaló su hogar se terminó la farándula. Trabajó en el laboratorio Squibb. Se levantaba a las cuatro y media de la mañana para ir a tomar el tren y volvía a las cinco de la tarde con olor a penicilina. Y hoy tiene cáncer de piel... el contacto con ciertos tóxicos... Ah, mi viejo... él dice: "Tengo ocho nueve"...<br />
<br />
(Spinetta calla. Dice "ocho nueve", y otra vez el silencio...)<br />
<br />
-Por dónde andás, Luis, ¿en qué pensás?<br />
<br />
-Pienso que la longevidad es del largo del escarbadientes de Dios hasta que nos toma como un quesito de la picada.<br />
<br />
-¿Vos querés vivir muchos años?<br />
<br />
-Ni uno más de lo que haya dictado la vida. Debe ser lo más aburrido no poder morir ¿no? Lo que no me gustaría es estar al pedo, como una forma desgastada. Me gustaría vivir todo lo posible, ¡por qué no!, ¡cómo no! ¡Así tengo más chances de ver algo bueno por televisión! Vivir lo suficiente como para llegar a ver que la salud y la educación han mejorado.<br />
<br />
-Uno de tus rasgos parece ser el entusiasmo.<br />
<br />
-Soy entusiasta, también generoso. Aunque con estos dos caramelos no te lo demostré ¡jaaa! ¿Viste esa propaganda del tipo con el café grande y el otro con el café chico que le dice "por qué te servís el más grande"? Y el otro le dice: "Y si fueras vos, ¿cuál te servirías?" "El más chico". ¡Es perfecto! <br />
<br />
<a href="http://1.bp.blogspot.com/-6TKrq7wQ2oY/UYptsfCIP3I/AAAAAAAAOR0/BbV46bEt0M4/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://1.bp.blogspot.com/-6TKrq7wQ2oY/UYptsfCIP3I/AAAAAAAAOR0/BbV46bEt0M4/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS3.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
-En la Guerra Civil Española cuando había que dividir una tortilla se decía: "Tú cortas, pero yo elijo".<br />
<br />
-Hay frases geniales. Como ésa de Yupanqui. Un músico le dijo: "Maestro, le hice unos arreglos a Lunita tucumana ", y Atahualpa le dice: "¿Qué, la vio rota?" Un tipo muy campeón Atahualpa. Hace llorar a la guitarra el loco. Una poesía que me pone la piel de gallina. Mirá si no.<br />
<br />
-¿Cuáles son los poetas que más te acompañan?<br />
<br />
-Tuve un tiempo de mucho César Vallejo. Hoy Borges me resulta un poeta conmovedor, y me gusta mucho Alejandra Pizarnik, Idea Vilariño tiene una profundidad desgarradora, siempre vuelvo a Baudelaire, a Rimbaud. Tengo cerca unos haiku que no paro de leer. Es un librito pequeño de Bashö, del año 1600 y pico... Bashö por ahí está dando unas clases de literatura y un alumno le dice: "Mire lo que escribí, maestro: Hermosas libélulas, quitadle las alas, son pimientos´". Y Bashö le responde: Mirá, por qué no lo ves así: "Hermosos pimientos, agregadle alas, son libélulas". Obliterar y rellenar, ¿no? Ese proceder del bocho está latente: podemos distinguir lo que tiene sentido de lo que es una escaramuza.<br />
<br />
-Poesía mediante, la vida se inventa a cada instante.<br />
<br />
-A veces encuentro poesía en los cuentos de Horacio Quiroga. Imponentes. Me impresionan Pablo Neruda, Octavio Paz, momentos de Santa Teresa... Hay una poetisa que falleció en la tragedia de Santa Fe, Delfina Goldaracena. Ella sabía, sabía su destino. "Tiempo efímero" es el único libro que escribió. Murió en la tragedia del colegio, el 8 de octubre de 2006. A ese colegio asiste mi hija Vera, yo estoy muy solidarizado con los padres que crearon "Conduciendo a conciencia". En medio del dolor esos tipos quieren que sea ley de Estado la educación vial, desde la primaria. Delfina escribía como los dioses, a los quince años, escuchá: "Sólo una vez lo hice por debajo del agua, con el romance, desnuda, en el palacio del mal... Me matan, me entierran, pero mi alma sigue viva..." Una categoría poética desgarrante. La poesía llama de todos lados. ¿Qué seríamos sin poesía?<br />
<br />
-Sin ella no habría vida en el mundo. La poesía, el puls? Ahora, decime, ¿cómo es el proceso de tu escritura?<br />
<br />
-Tengo dos facetas. Para la canción escribo porque la canción exige una letra y la música siempre está antes. La música esconde algo y uno debe encontrarlo. Es una felicidad tener una tonada nueva, una canción que todavía no dice nada.<br />
<br />
-Una felicidad inquietante.<br />
<br />
-Ahí va. La tonada está, ¿qué dirá? Si vos tenés una cosa tipo Tom Jobim no vas a poder decir nena nena te quiero ¡vamos a bailar rock and roll! Uno tiene que descubrir el texto que está escondido en esa línea melódica, tiene que poder arrimar. Son esas palabras y no otras.<br />
<br />
-Hablabas de dos facetas. ¿Cuál es la otra?<br />
<br />
-Tengo cuadernos y cuadernos llenos de poesías.<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-BJoesTk8_q0/UYpwoAerd5I/AAAAAAAAOTE/uCone4rVwFE/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS9.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-BJoesTk8_q0/UYpwoAerd5I/AAAAAAAAOTE/uCone4rVwFE/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS9.jpg" /></a><br />
<br />
-¿Se puede saber qué guardás en esos cuadernos?<br />
<br />
-Sufrí una separación amorosa muy fuerte hace diez años y canalicé todo escribiendo como un animal. Poesía espontánea, ilegible por lo dolorosa y autosufriente diría. La poesía apareció, aunque yo no quería desembarazarme de mis estigmas. Me elegí una birome Bic gruesa y un marcador, porque el trazo era muy importante. Ese juego infantil del cambio de lapicera me provocaba nuevos versos. ¡Cosa de enfermo! Fumaba y lloraba y bla bla y pi pí, solo, a altas horas de la noche. Me había convertido en un loco de mierda escribiendo como un boludo, llorando en esa catarsis.<br />
<br />
-Esos poemas, ¿seguirán secretos o serán un libro?<br />
<br />
-No tengo intención de publicar eso, no sé ni me importa si sirve, a mí me sirvió.<br />
<br />
-¿Alguna vez escribiste una canción empezando por la letra?<br />
<br />
-Muy pocas. Me sucedió adaptando una letra de mi padre. En un disco invisible tengo unas poesías de mi viejo. El proceso inverso no me sale. Yo primero agarro la guitarra.<br />
<br />
-¿Tenés registro de cómo hiciste "Muchacha ojos de papel"?<br />
<br />
-¿La verdad?<br />
<br />
-Toda la verdad.<br />
<br />
-Yo estaba enamorado de Cristina Bustamante, mi primera novia. Y ella es la muchacha ojos de papel.<br />
<br />
-Borges dudaba de la escritura nacida en el dolor y el amor cercanos.<br />
<br />
-Tiene razón Borges, pero bueno, tampoco vamos a dejar de escribir por eso. "Muchacha..." es una canción compuesta en una antigua guitarra española con clavijas a presión, que me prestó un vecino. Llegó a mis manos con cuerdas de tripa, de 1920 era. Y yo empecé a agarrarla a los trece años y de ella salieron algunos temas de Almendra como "Laura va". "Muchacha?" me surgió espontáneamente y me pregunto si no estará influida por "Tu nombre me sabe a hierba", de Serrat.<br />
<br />
-Un airecito, un humito lejano...<br />
<br />
-Ahí va. Algo de eso en la intención rítmica, pero nos surgió porque sí.<br />
<br />
-Estás pluralizando.<br />
<br />
-Pluralizo porque era la época de Almendra, y la música pasaba de uno al otro. A la novedad enseguida la aprendía Delmiro o Emilio o Rodolfo a ver qué le agregaban. Esta canción quedó así, sencilla. Se la redondeó en un estilo totalmente acústico.<br />
<br />
-¿Y qué pasó cuando la cantaron en vivo?<br />
<br />
-Veía pibes y pibas llorando cuando la escuchaban. Lo mismo pasaba con "Plegaria". Muchos se flasheaban, lagrimeaban y uno se ponía a llorar... Ahora veo esos conjuntos de tipos que se golpean y me parece tan horrible eso. La música pueda estar fenómena pero la gente que se golpea me parece algo tan poco gentil... Una aberración.<br />
<br />
-¿Cómo te llevás, al escribir, con la metáfora?<br />
<br />
-Todas las metáforas nacen de los relatos de la realidad. Borges dice que es casi imposible crear nuevas metáforas, porque hay que creérselas para que sean genuinas. ¿Viste que muchos hemos sido por etapas metaforeros? ¡Qué hinchapelotas!<br />
<br />
-Claro, así como el chiste no garantiza el humor, la metáfora no garantiza la poesía.<br />
<br />
-Ahí está. Para mí, en la escritura de las letras, lo fundamental es que tengan una idea, que no sean simplemente "álamos de gas", como dice una letra de Almendra. Tienen que contener una acción, algo sinético. No caer en la fabricación de metáforas porque sí.<br />
<br />
-Luis, en un par de ocasiones estuve por preguntarte más de tu mamá...<br />
<br />
-Escuchame: mi madre, como todas, es hermosa. Marcó mi personalidad tanto por su fuerza como por su dulzura. Es una gran luchadora. Estuvo en los momentos críticos de salud de toda la familia, con un sacrificio impresionante. Es una genia mi mamá, podría haber sido una gran médica o una gran artista. Es alguien a la vez con los pies bien en la tierra. Mi madre siempre representó el cosmos, el universo, y me parece una buena manera de verla.<br />
<br />
-¿Qué significa para vos "universo"?<br />
<br />
-El universo es lo femenino, lo que se desdobla, lo que puede dar vida. Actualmente mi mamá necesita más mimos y comprensión, por eso la acurruco todo lo que puedo. Ella tiene gran sentido del humor y temple. La cuidamos mucho, aunque ella, rebelde de juventud eterna, no se deja ¡y hasta nos "controla" a todos! Mujer brillante, intuitiva. Evita Perón y Fidel Castro son algunos de sus ídolos más queridos. <br />
<br />
<a href="http://2.bp.blogspot.com/-JmXI2aGOEow/UYpwsLAp3sI/AAAAAAAAOTM/jC9K8ww05cE/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS7.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-JmXI2aGOEow/UYpwsLAp3sI/AAAAAAAAOTM/jC9K8ww05cE/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS7.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Skx2my5VRkw/UYptr6-ll_I/AAAAAAAAORs/kLKHWW0_-TY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><br />
<br />
<br />
-Tampoco hablamos de un tema arduo, la droga. ¿Te viene hacerlo?<br />
<br />
-En épocas de Almendra 2 , yo tomaba algún acidito. Mal para mí. Tiempo después, ya no jugaba con mi cerebro a la buena de Dios. Y ya viendo la magnitud de mi propio nacimiento en mis hijos, jamás me atreví a chistes psicodélicos, aunque, debo admitir que, en cambio, de a poco, comencé a esnifar algo, y esnifé. Más mal para mí. Pero hace un montonazo de tiempo que estoy limpio y muy bien, y puedo decir que el interés por aquellas aventuras se extinguió. Siempre me gustó fasar el tiempo, nada del otro mundo.<br />
<br />
-¿Y hoy?<br />
<br />
-Hoy tabaco, y chupitegüi en la comida, rankean a tope. Peor para mí.<br />
<br />
-Pero los buenos vinos son recetados. Sin ánimo de sermón, ¿algo para decirle a los muchachos?<br />
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-Ojo los pibes, que no crean que lo único valioso del cuerpo es el pito, y por lo tanto, les importa poco de su bocho.<br />
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-Cosa rara, ni mencionamos a Charly García .<br />
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-La prensa amarillista ha hecho target en sus cuestiones, con crueldad, y desde hace tiempo ya. Charly, por otro lado, no paró nunca de extraverterse en público y eso siempre lo mantiene en el colimador del buitre. Su genio se impone igual, y lo amamos inescrupulosamente como sociedad devoradora invitada en las ocasiones del buitre.<br />
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-Medios de des-comunicación, sociedad devoradora. Ante eso, ¿qué?<br />
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-Otra cosa es quererlo y respetarlo por todo lo que da y hacer fuerza para que Charly se recupere. Allí, en ese amor, no existe medio de prensa alguno... Es que uno talla el diamante que desea de sí, más o menos. Me gustaría charlar largas horas tranquilamente con él. Para saber de los mundos que cualquiera de nosotros no se atreve a conocer.<br />
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-Luis, por lo general somos ciudadanos o somos personas. Pocas veces llegamos a ser criaturas. Sólo las criaturas pueden jugar y están a disposición de los milagros. Te propongo entregarnos al juego. Yo abro esa puerta y entran tipos de otro tiempo. ¿Aceptás?<br />
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-Ahí vamos.<br />
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-Fijate, entró Antonín Artaud. ¿Qué te pasa con él?<br />
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-Justamente, hace poco volví a ver, por enésima vez, Jeanne D´Arc . Allí está Artaud, con su rostro que deshace la foto. ¿Artaud aquí? Me quedaría sin habla bastante y luego, no sé, me gustaría que no me odie por el disco Artaud que hice. Yo me aventuré en su escritura y advertí un murmullo; tenía que calmarlo en mí con un gesto de amor y poesía, destinándole un trabajo. Quizá él detestaría eso. Bueno, si no le gusta mi disco, le pido que no se le ocurra escribir algo como el texto acerca del doctor Gachet de Van Gogh, "El Suicidado por la Sociedad"... O mejor sí, que lo escriba ¡y con toda la polenta! <br />
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<a href="http://2.bp.blogspot.com/-rDD9eIyRwbM/UYptr8LquGI/AAAAAAAAORo/yUjlH12nuE0/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://2.bp.blogspot.com/-rDD9eIyRwbM/UYptr8LquGI/AAAAAAAAORo/yUjlH12nuE0/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS.jpg" /></a><br />
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-Artaud se fue a la cocina. Aparece Baudelaire...<br />
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-Rodolfo, no sé si me banco estar tan cerca de estos prototipos estéticos... Con Baudelaire me pondría más serio... ¡ja!<br />
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-Baudelaire no te dice nada. Toma el saquito del té y lo muerde y se aleja. Ahora llega Rimbaud.<br />
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-A Rimbaud le pregunto: ¿Era tan importante abandonar la obra, quemarla, no volver a escribir en el arrebato de la luz y las palabras?, ¿o simplemente la luz un día nos abandona y uno no consigue tentar a la Musa?? Casi una pregunta cholula la mía, ¿no?<br />
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-La puerta sigue abierta. Aquí, Alejandra Pizarnik.<br />
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<a href="http://4.bp.blogspot.com/-Skx2my5VRkw/UYptr6-ll_I/AAAAAAAAORs/kLKHWW0_-TY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://4.bp.blogspot.com/-Skx2my5VRkw/UYptr6-ll_I/AAAAAAAAORs/kLKHWW0_-TY/s1600/SPINETTA-EL-REFUGIO-DE-LOS-MUSICOS1.jpg" /></a><br />
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-A ella la saco a bailar música de Nino Rota.<br />
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-Ninguno de nuestros visitantes se va, todos apuntaron a tu cocina. Vas a tener que hacerles algo de comer. Cómo te las arreglarás, Luis, están hambrientos...<br />
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-Bueno, como no hay casi nada, les propongo un risotto. Tengo arroz, no tengo azafrán, tengo cúrcuma... vino tinto un poquito, media cebolla, ajo, chile pasilla tostado... Hago un caldo con unas verduritas congeladas de un blister, hay poco queso rallado, pero hay un poco de crema?Además tengo pan casero. La estamos pasando bomba. Vincent me pide ajenjo. A los otros los arreglo con una cervecita. Evidentemente estamos para servirlos... Al final, té. Antes de despedirse me dicen que aman a Charly. <br />
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