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miércoles, 29 de abril de 2009

Giorgio Moroder_26 de abril de 1940










Giovanni Giorgio Moroder (Ortisei, Trentino-Alto Adige, 26 de abril de 1940), es un productor y compositor musical Italiano que innovó la llamada Música disco, con un gran uso de sintetizadores en la década de 1970, abriendo camino para que más tarde fuera llamado Techno. Ganador de Premios Óscar, como compositor, como productor musical es particularmente conocido por su trabajo con Donna Summer, en canciones como Love to love you Baby y I feel Love, cuya poderosa secuencia de sintetizador bajo es célebre y muy reproducida por otros grupos incluso en estos días.

Fue el fundador de Musicland Studios (1970-1990) en Múnich, que fue la casa editora de cantantes en el rango de Led Zeppelin, Queen y Elton John durante gran parte de las décadas de 1980 y 1990.

En 1978 grabó The Chase, tema de la película El expreso de medianoche por la cual obtuvo el Óscar a la mejor banda sonora.

Entre 1977 y 1979 lanzó el álbum From Here to Eternity. En 1979 produjo su álbum E=MC². Este disco sentó un ilustre precedente en tecnología: fue el primero en grabarse en forma digital utilizando samplers, sequencers, teclados modulares, Vocoders, marcando un antes y un después en la música Tecno. Si Kraftwerk experimentaba con sonidos electrónicos sintéticos, Moroder lo hacía para producir música bailable.

También produjo melodías disco para el grupo femenino The Three Degrees, como también para The Human League con la canción The Electric Dreams, además compuso para Madleen Kane, Olivia Newton-John, Melissa Manchester, Debbie Harry, Nina Hagen y David Bowie.

En 1983 la película Flashdance recibió el Óscar a la mejor canción interpretada por la cantante estadounidense Irene Cara por su canción What a Feeling.

En 1984 realizó la compilación y la edición de canciones modernas para la banda de sonido de la restaurada película del clásico de cine mudo Metrópolis, incluyendo a cantantes como Pat Benatar, Adam Ant, Billy Squier, Loverboy, Bonnie Tyler y Freddie Mercury.

En 1986 su canción Take My Breath Away tema principal del filmeTop Gun e interpretada por la banda new wave Berlín también recibió el Óscar a la mejor canción.

En la década de 1980, produjo también música para las bandas sonoras de las películas The Never Ending Story, Cat People, American Gigolo y Scarface, entre otras.

También compuso el tema "The Fight" para la película interpretada por Silvester Stallone "Yo el Halcón" (Over the Top)

Escribió los temas oficiales para los Juegos Olímpicos de Los Angeles 1984, los Juegos Olímpicos de Seúl 1988 y la Copa Mundial de Fútbol de 1990.

En el año 2004, Moroder fue homenajeado en el Dance Music of Fame, en Nueva York, por su sobresaliente trabajo como productor.

En el año 2005 fue condecorado por el presidente de Italia con el grado honorífico de Commendatore.

Actualmente vive en la ciudad de Los Ángeles, Beverly Hills, junto a su esposa Francisca y su hijo Alex.

Discografía

* 1969 : That's Bubblegum - That's Giorgio
* 1972 : Son of My Father
* 1974 : Giorgio`s Music
* 1975 : Einzelganger
* 1976 : Knights in White Satin
* 1977 : From Here to Eternity
* 1978 : Giorgio and Chris - Love's in You, Love's in Me
* 1978 : Midnight Express (soundtrack)
* 1978 : Battlestar Galactica (soundtrack)
* 1979 : E=mc2
* 1980 : American Gigolo (soundtrack)
* 1982 : Cat People (soundtrack)
* 1983 : Solitary Men (con Joe Esposito)
* 1983 : Scarface (soundtrack)
* 1984 : Metropolis (soundtrack)
* 1990 : To Be Number One
* 1992 : Forever Dancing
* 1998 : Moroder and Moroder Art Show (limitado a 100 copias)

Roger Andrew nació el 26 de abril de 1960








Roger Andrew Taylor es el baterista de la famosa banda británica del new wave Duran Duran. Roger Andrew nació el 26 de abril de 1960 en Castle Bromwich, Inglaterra.

Empezó a tocar la batería a la edad de doce años, aprendiendo por sí mismo, sus influencias musicales se basan en Charlie Watts (Rolling Stones), Paul Thompson (Roxy Music) y Tony Thompson de CHIC.

Se unió a Duran Duran en 1978, tras haber pasado por diversos grupos punk locales. Es el segundo "Taylor" en unirse a la banda, después de John Taylor (bajista, miembro fundador junto con el teclista Nick Rhodes), y antes de Andy Taylor, guitarrista. Ninguno de los 3 Taylor tiene parentesco familiar entre si.

Sheena Easton_Escocia, 27 de abril de 1959







Sheena Easton (Bellshill, North Lanarkshire, Escocia, 27 de abril de 1959), es una actriz y cantante británica, de repertorio mayormente en inglés, si bien ha grabado exitosas versiones en español de sus "hits" en inglés. Su larga carrera incluye una canción para la saga de James Bond, colaboraciones con Kenny Rogers, Prince, Al Jarreau, Barry Manilow, Dyango y Luis Miguel, un papel en la serie televisiva Miami Vice e incursiones en el musical, con El hombre de La Mancha.


Trayectoria

Se graduó en la Real Academia Escocesa de Drama y Arte como maestra en 1975, y cuando comenzó su entrenamiento para la enseñanza, por las noches, solía cantar en los Night Clubs de la ciudad de Glasgow, pues la idea de ser cantante le sedujo a partir de haber visto cantar a Barbra Streisand en la taquillera cinta de 1974: The Way We Were (Tal como éramos).

A través de uno de sus tutores en la Academia, en 1979 consiguió una audición con el productor de la BBC, Esther Rantzen, quién lanzó a Sheena en un documental televisivo llamado The Big Time, el antecedente británico de los Reality shows de hoy.

La transmisión del programa en Inglaterra originó que los ejecutivos de EMI le extendieran un contrato para grabar un disco, bajo la producción de Christopher Neil.

Antes de comenzar el año 1981, en el Reino Unido ya se había lanzado Modern Girl, tema bailable de estilo New Wave con el que no pasó nada. Fue hasta que 9 to 5, segundo sencillo, logró llegar al Top 5 de las listas, cuando Sheena Easton estuvo en el camino de convertirse en Estrella del Pop.

1981

En Estados Unidos se lanzó como primer single la canción 9 to 5, en abril de 1981. Tuvo que ser rebautizada como Morning Train (Nine to Five) ya que el tema de la película 9 to 5, interpretado por la estrella country Dolly Parton, mantenía los derechos de autor sobre el título.

Morning Train llegó al primer puesto en América y ahí se mantuvo durante 2 semanas, siendo la única cantante británica en ocupar dicho puesto durante ese año (Olivia Newton-John estuvo en No. 1 las últimas semanas de diciembre). Como segundo single se lanzó Modern Girl, justo para el estreno a nivel mundial de su vídeo, a través del entonces nuevo canal de TV por cable: MTV.

Sheena había captado la atención con Take my Time y los demás sencillos del LP, Sheena Easton sonando en la radio, fue seleccionada para interpretar el tema de la nueva película del agente secreto James Bond: For Your Eyes Only, con el cual llegó al No.4 del Billboard norteamericano en noviembre. Justo cuando se presentó al público el segundo álbum You Could Have Been With Me, que lanzó el tema homónimo y se colocó en el 15º lugar de la lista de popularidad.

1982

En la ceremonia de Los Grammys, en febrero de 1982, Sheena Easton triunfó al conseguir el premio en la categoría como "Mejor Nuevo Artista de 1981".

Durante ese año tuvieron buena aceptación los sencillos When he Shines, y Just Another Broken Heart (se editó solamente en Inglaterra). Para el mes de octubre apareció un tercer álbum Madness, Money and Music, del cual se empezó a escuchar Machinery y después I Wouldn't Beg for Water.

1983
Una de las colaboraciones más notables de Sheena Easton con otro artista fue la realizada con el cantante de música country Kenny Rogers, con quien grabó We've Got Tonight, original del rockero Bob Seger, espectacular balada con la que Sheena logró entrar a los espacios radiofónicos del género Country en Estados Unidos. La canción fue gran éxito y alcanzó la cima de las listas de música country y No. 6 del hit parade.

En septiembre de ese año sale a la venta Best Kept Secret, el cuarto álbum, bajo la producción de Greg Mathieson. Este disco contiene el super hit Telefone ( Long Distance Love Affair ), No. 1 en las discotecas del mundo y No. 9 del Billboard estadounidense. A principios de 1984 otra canción del álbum, Almost Over You, esta vez una tierna balada, logra subir a los primeros 10 en Inglaterra y toda Europa.

1984

Pocos son los artistas de habla anglosajona que se han aventurado a cantar en español. Y muy pocos lo han hecho bien. Con el objetivo de irrumpir en el mercado iberoamericano, el compositor hispano Juan Carlos Calderón, de reconocido prestigio internacional, le produce el álbum Todo Me Recuerda a Ti, la compilación de sus grandes éxitos, ahora cantados en español, además de dos canciones grabadas a dueto con dos artistas latinos: el español Dyango (con quién cantó La Noche y Tú, versión de We´ve Got Tonight) y el mexicano Luis Miguel (Me Gustas Tal Como Eres).

Con estas canciones conquistó al público de habla hispana, además de Ámame (que sería interpretada por Marlene para una telenovela venezolana titulada La Heredera entre 1985 y 1986). Calderón transformó la balada Almost Over You en Todo Me Recuerda a Ti, que de inmediato se colocó en el primer lugar del Billboard latino. Sheena dejó una muy grata impresión a nivel iberoamericano, a tal grado que sus canciones son de las más solicitadas en la radio, actualmente.

A continuación llegó el quinto álbum A Private Heaven. El single Strut provocó por su letra un conato de escándalo en las estaciones de radio, lo que lo llevó al Top Ten en Estados Unidos, y después de una velada prohibicíon, el vídeo fue profusamente transmitido a todo el mundo en el otoño de ése año. En diciembre se extrae otra canción controvertida: Sugar Walls, producida por el cantante norteamericano de color Prince, que en los créditos aparece con el seudónimo Alexander Nevermind. La canción es de supuesto contenido sexual alusivo al cunnilingus; sin embargo, ella lo interpretó en la Casa Blanca de Washington, ante la entonces Primera Dama Barbara Bush y llegó a alcanzar el 9º puesto en las listas de Estados Unidos.

1985

En febrero, Sheena Easton gana su segundo Premio Grammy por Me Gustas Tal Como Eres, en la categoría Mejor Interpretación México-Americana por Dúo ó Grupo.

Todavía salió otro sencillo: Swear, tema 100% bailable, pero no tuvo repercusión en las listas de popularidad.

Para noviembre de 1985 y bajo la producción de Nile Rodgers, productor de David Bowie y Madonna, Sheena presenta el sexto álbum titulado Do You. El sencillo debut es Do it For Love, que escala rápidamente al Top 10, mientras comienza a escucharse a Sheena con otra canción en la radio, It´s Christmas All Over The World, tema principal de la película Santa Claus, donde el protagonista era el comediante Dudley Moore. La canción encabeza la lista de popularidad en Navidad.

1986

Ningún otro sencillo del álbum Do You, con excepción de la canción Jimmy Mack tuvo resonancia en la radio, a pesar de la excelente calidad de temas como When The Lighting Strikes Again, Young Lions, Don´t Turn You Back y Magic of Love.

Con la contribución a otro film llamado About Last Night (¿Qué pasó anoche?) protagonizado por Rob Lowe y Demi Moore, Sheena se mantuvo en los charts de éxitos. La canción fue So Far, So Good.

1987

En 1987 participó en varios episodios de la teleserie Miami Vice, donde interpretaba a la pareja del protagonista, Don Johnson, y cantaba el tema Follow my Rainbow ( que sería incluido en un L.P. ulterior).

Tras el fracaso del álbum Do You, se acercaba el fin de la relación de Sheena con la disquera EMI. Todavía salió el álbum No Sound But a Heart y se extrajo el sencillo Eternity, mediano éxito. Extrañamente el resto de las canciones del disco no se tocaron en Estados Unidos, lo que motivó la separación de Sheena con la compañía EMI, con la que había iniciado su carrera.

A pesar de tal desenlace, todos los temas incluidos en este disco son excepcionales. Tan es así que muchos artistas, aprovechando su nula difusión, hiciéron sus propias versiones: la cantante de R & B Patti Labelle grabó Still in Love; Pia Zadora versionó Floating Hearts; también grabaron canciones suyas Céline Dion, Crystal Gayle, etc... pero una canción nueva sería el augurio de vientos de cambio para Sheena en el futuro: U Got the Look a dueto con Prince...

1988

Un cambio total de look y una orientación al hip-hop y dance en la música originaron el álbum The Lover in Me, siguiente en la cuenta que se presentó al público estadounidense en noviembre.

1989

En marzo con The Lover in Me, alcanza nuevamente el 2º puesto de la lista, tras dos años de ausencia en el TOP 5. El vídeo se exhibe en MTV y es un éxito. Pero el disco se estanca y no es capaz de sacar otro single de éxito. Tan sólo 101 escrita por Prince fue No. 54, Days Like This No. 43 (ambas en Inglaterra) y No Deposit, No Return apenas fue considerada en la lista Hot 100. Sin embargo Sheena tuvo otro momento de éxito al co-escribir junto con Prince, el tema The Arms of Orion para la película Batman que protagonizaron Michael Keaton y Jack Nicholson. Esta canción alcanzó la posición No. 36 de las listas.

1991

Realizó una monumental gira con el musical El hombre de La Mancha. En este año presenta What Comes Naturally, álbum con un concepto mucho más hip-hop, y el sencillo del mismo nombre escala al puesto No. 50, con la misma suerte corren las melodías To Anyone y You Can Swing It.

1992

Sheena se convierte en ciudadana estadounidense. Al tiempo El hombre de La Mancha va en camino de estrenarse en Broadway, mientras grabó para la película de dibujos animados Ferngully el tema A Dream Worth Keeping.

1993

Tras 11 años de ser una estrella del Pop es hora de dar un giro a la carrera. Surge la idea de grabar un álbum con canciones tradicionales o Standars, un deseo que ella tenía desde tiempo atrás. Patrice Brushen que anteriormente fue cantante, le produce No Strings. Un disco que recopila algunas de las más memorables baladas de los años 40's y 50's. Con esto, Sheena Easton estableció una pauta que seguirían cantantes como Robbie Williams, Rod Stewart y Barry Manilow entre otros.

Época reciente

Tras una etapa de menor resonancia, Sheena Easton se instaló en Las Vegas para ofrecer una serie de conciertos en sede estable, sin itinerar en largas giras. En el año 2000 empezó a ofrecer un show al estilo de Broadway en el Hotel Rio de dicha ciudad, a dúo con David Cassidy. Es allí donde contactaron con ella unos productores de estilo disco, que la persuadieron para grabar el álbum Fabulous (2000), una efervescente selección de versiones de clásicas de baile como Don't Leave Me This Way, Never Can Say Goodbye, Love is in Control (que cantó Donna Summer), Can't Take My Eyes Off You y On my Own.

En 2002-03 montó otro show estable en el Las Vegas Hilton, y en 2003 participó en una gira colectiva de temática navideña (The Colors of Christmas) con otros cantantes como Jon Secada y Christopher Cross.

En 2004, puso voz a un personaje de la película Scooby-Doo y el monstruo del lago Ness, y en esa época co-presentó un programa televisivo para un canal local de Las Vegas. En reconocimiento a su actividad artística en la ciudad de los casinos, su nombre fue incluido en el Casino Hall of Fame, en una ceremonia a la que acudió Debbie Reynolds.

Sheena Easton sigue en activo actualmente. En 2005 participó en una serie de ficción sobre mosqueteros modernos (Young Blades) y en 2009 emprendía una gira por Filipinas, Japón...

martes, 28 de abril de 2009

G & L La verdadera historia




DOS HOMBRES LEGENDARIOS
Compañía
La historia de G&L Musical Instruments no puede contarse sin empezar por el principio, cuando George Fullerton conoció a Leo Fender. La "G" de G&L viene de George y la "L" de Leo. Estos hombres fundaron G&L Musical Instruments en 1980, aunque la historia real empieza el 4 de julio de 1947, cuando se conocieron en la feria de Fullerton, una pequeña y tranquila localidad del sur de California.George y Leo ya habían oído hablar el uno del otro porque ambos se dedicaban a lo mismo: los dos tenían una tienda de reparación de radios, cada uno en un extremo de la ciudad. Se conocieron, simpatizaron y ahí quedó la cosa.

Más tarde, Leo se introdujo en el negocio de los amplificadores para guitarras "lap steel", muy populares por entonces en aquella localidad rural. Las bandas que pasaban por Fullerton contaban a menudo en sus filas con guitarristas de lap steel, y la experiencia de Leo montando radios le ayudó a diseñar pequeños amplificadores. Al mismo tiempo que empezaba a construirlos, le pidieron que también reparara las guitarras. Leo pensó que incluso podía construirlas y vendérselas a los músicos itinerantes.

Resultó que la parte musical del negocio de Leo creció mucho más rápidamente que la parte dedicada a la reparación de radios, y le preguntó a George si le interesaría trabajar para él. A George le gustó la idea y aceptó la oferta.

Compañía
MANOS A LA OBRA
Aunque congeniaba a las mil maravillas con sus amigos músicos y les dedicaba su vida, Leo no era músico; por el contrario, George sí lo era. George tocaba la guitarra en un grupo local de country llamado Wint Nickles and the Gold Coast Rangers.

Un día, George le planteó a Leo los problemas que tenía con el mástil de la guitarra. Juntos examinaron detenidamente la guitarra y llegaron a la conclusión de que el mástil estaba mal y que tendrían que cambiarlo. En aquel entonces, si una guitarra tenía un mástil defectuoso, tenían que enviarla al fabricante porque no había muchos luthiers cualificados que pudieran efectuar una reparación en condiciones; así que enviaron la guitarra al fabricante y pasaron varios meses antes de que se la devolvieran.

Durante este tiempo, George tenía que pedir prestada una guitarra a sus amigos para poder tocar; si no la encontraba, los Rangers no podían actuar. Después de escuchar las quejas de George sobre su situación, Leo dijo: "¿Por qué diablos no atornillan sin más el maldito mástil y luego te envían uno nuevo? Así podrías arreglarte con el que tienes mientras llega el nuevo".
Así pues, se pusieron a pensar y a darle vueltas a la idea de una guitarra eléctrica con un pasador en el mástil. Entre tanto, Leo pensó que si la guitarra iba a amplificarse con mucho volumen, sería mejor que el diseño de la caja fuera macizo en lugar de hueco. Después de todo, veía que las guitarras "lap steel" macizas producían menos realimentación que las guitarras de caja hueca como la de George.

Pasó un año hasta que Leo y George desarrollaron el primer prototipo de guitarra válido, modelo que fueron perfeccionando hasta que conseguir la Broadcaster®, más tarde rebautizada como Telecaster®.

Estos dos hombres, con la ayuda de otra gente importante, diseñaron los instrumentos más revolucionarios, corno la Stratocaster y el Precision Bass, para ir dando forma a la música moderna tal y como la conocernos.

LEO VENDE SU PRIMERA COMPAÑIA
En 1965, Leo vendió la firma Fender a la División de Instrumentos Musicales de CBS. Su salud se resentía y los médicos le recomendaron que dejara los negocios. Muy a su pesar, Leo accedió y procedió a la venta. En los términos del contrato se estableció que Leo seguiría siendo asesor de Fender durante 5 años, y que no competiría directamente con Fender durante una década. De esta forma, no podría emprender otra actividad relacionada con la fabricación de guitarras durante todo ese tiempo.

Fabricación

LA FUNDACIÓN DE CLF RESEARCH
En un par de años, la salud de Leo mejoró, y en 1970 adquirió una gran extensión de terreno próxima a la factoría Fender; una de las calles limítrofes de la finca recibió el nombre de Fender Avenue. En estos terrenos construyó una serie de edificios como inversión inmobiliaria, aunque conservando varios para sí, donde creó la firma de consultores CLF Research, las siglas hacen referencia a Clarence Leo Fender. Su buen amigo y asociado, George, se unió a él.

LOS COMIENZOS DE MUSIC MAN


Poco tiempo después, algunos de los antiguos colegas de Leo le encargaron que diseñara y fabricara una línea de guitarras, bajos y amplificadores bajo el nombre de Music Man®. Leo no participaría en la propiedad de Music Man, por lo que no rompía el acuerdo con la CBS. Fue en las instalaciones de CLF Research donde se puso en marcha el diseño y fabricación de los instrumentos y amplificadores Music Man, incluido el hoy popular bajo Stingray®.

Pasador
LEO AND GEORGE PONEN EN MARCHA G&L

A finales de 1975 expiró el acuerdo con la CBS. Leo decidió entonces, junto con su íntimo amigo George, crear su propia marca de guitarras y bajos. Como Leo ya disponía de instalaciones de producción y artesanos cualificados, iniciaron los preparativos para crear G&L Musical Instruments, constituida formalmente en 1980.
Leo y George ya habían patentado varios diseños novedosos y desarrollado algunos instrumentos de características revolucionarias, que pronto serían adoptados por músicos de todo el mundo. Entre las más conocidas se encuentran el Trémolo Dual Fulcrum®, el puente fijo Saddle Lock®, el diseño de mástil Bi-Cut® y la pastilla Magnetic Field®. Estos elementos son muestras de la inmejorable precisión, sonido y fiabilidad de los instrumentos G&L.

Puente
G&L, además, utiliza exclusivamente las mejores maderas armónicas tradicionales, algunas de ellas procedentes de proveedores en los que Leo había confiado durante décadas. De hecho, algunos de ellos continúan enviando facturas a la factoría de G&L, a la atención de Mr. C.L. Fender. G&L no utiliza cualquier tipo de fresno, sino fresno de los pantanos de Loulsiana; utiliza aliso norteño, arce 'hard rock' canadiense, palisandro indio, y ébano y caoba africanos. Antes de pasar a producción, la madera se almacena durante varios meses en una sala de curación que G&L tiene en sus instalaciones. Por ejemplo, el especialista de madera de G&L prefiere envejecer el palisandro brasileño durante 6 meses antes de que pase a producción. Aún más impresionante es el hecho de que la provisión de caoba de G&L es lo suficientemente grande corno para que la caoba de algunos modelos haya sido curada durante más de 8 años antes de ser utilizada.

Taller
G&L: LOS INSTRUMENTOS MUSICALES MÁS ARTESANALES DEL MUNDO

El uso exclusivo de las mejores maderas armónicas existentes es tan sólo el principio de un hermoso instrumento G&L. La mayoría de los métodos de producción de G&L tienen su origen hace 35 ó hasta 50 años, y aplican las técnicas artesanales creadas por Leo. Tales métodos, de requisitos temporales tan extensos, junto con la pericia y la meticulosidad de los artesanos musicales, son los que han hecho de los instrumentos G&L los más depurados de la historia profesional de Leo. Gran parte del instrumental utilizado por Leo en los años 50 y principios de los 60 fue objeto de una fiel reproducción a fin de que los artesanos de G&L consiguieran el elevado nivel de calidad que Leo exigía, siendo ésta una de las razones por las que los instrumentos Fender de la primera época alcanzan una estima tan alta entre los coleccionistas. Sin duda alguna, los instrumentos G&L son la culminación de un talento técnico y una atención al detalle que se extendió durante más de medio siglo.

Leo Fender
G&L EN LA ACTUALIDAD

Leo Fender falleció un lluvioso día de marzo de 1991. El suceso conmovió al mundo de la música: nos había dejado el padre de la música moderna. Ese mismo día, Leo completaba su último prototipo de instrumento y declaraba a su esposa Phyllis que ya había dado cuanto podía a los músicos del mundo.

Antes de morir, quiso asegurarse de que el legado de G&L continuaría brillando en el futuro. Sabía que debía cuidar al personal de G&L, su familia, y que ellos debían sentirse seguros y libres para seguir fabricando las mejores guitarras y bajos de mundo.

Su esposa Phyllis compartía su sueño y eligió a BBE Sound, con John C. McLaren a la cabeza, para hacerse cargo de la dirección de G&L, así como de su ampliación y desarrollo en la forma que habría querido Leo. Éste, que profesaba un enorme respeto por John, había iniciado algunos años antes las conversaciones y confiaba en que John podría hacer realidad los sueños de futuro que él tenía para G&L, de la que se sentía tan orgulloso. John compartía la visión de G&L como fabricante de instrumentos artesanales que encarnaran 50 años dedicados a la innovación en el diseño de instrumentos.

Se dispuso todo para que la propiedad fuera transferida a la compañía de John, BBE Sound. George Fulierton permanece como asesor vitalicio y la esposa de Leo, Phyllis, como Presidenta Honoraria de G&L, recordando ambos al mundo que el espíritu y la integridad de Leo Fender seguirán latentes en todos y cada uno de los instrumentos que se construyan en G&L.

Hoy, la factoría G&L continúa la producción como Leo deseaba. Su taller particular permanece tal y como lo dejó el último día que trabajó en él, y numerosas personas del mundo de la música se han acercado a visitarlo desde todas las partes del mundo. No hay ordenadores ni robots de los que fabrican guitarras con mucha precisión, pero sin ningún espíritu. La gente de G&L, su gente, prosiguen la creación artesanal de los instrumentos G&L con cariño, dedicación y talento. Leo decía: "Las guitarras y los bajos G&L son los mejores que jamás he hecho". Preservando la singularidad de G&L y respetando la visión de su creador, John C. McLaren , dijo: "G&L estará siempre dispuesto a introducir cambios. Leo Fender ha sido un símbolo de innovación y evolución en beneficio de los músicos. Pero ante cualquier consideración de cambio, debemos preguntarnos antes: ¿habría estado Leo de acuerdo? Si la respuesta es afirmativa, entonces adelante, si es negativa, lo dejamos. Queremos tener en todo momento la sensación de que Leo estaría orgulloso de cómo es G&L en la actualidad'.

PETER HAMMILL



































Peter Joseph Andrew Hammill es un músico multi instrumentista, poeta y compositor, ícono referencial y pionero del Rock progresivo de los años 70. Fue fundador y líder de la emblemática banda británica Van der Graaf Generator.

Nació en un suburbio al oeste de Londres llamado Ealing, Inglaterra, el 5 de Noviembre de 1948. En su juventud estudió en la Universidad de Manchester, donde conoció a algunos de los músicos con quienes integró en 1967 la primera formación de Van Der Graaf Generator.

En 1968 abandonó sus estudios y se vuelca de lleno a su pasión por la música, al tiempo que comenzó a desarrollar su gran despliegue creativo hasta el presente. Su arte fue caracterizado siempre por un gran espíritu de innovación y eclecticismo que ha servido como referencia de grandes bandas progresivas de la época. La poesía de Hammill, a veces oscura y excesivamente misteriosa, le ha valido críticas no siempre benévolas desde los medios y publicaciones especializadas, lo cual poco pareció importarle.

Su carrera como músico solista presenta un difuso límite entre sus creaciones personales y aquellas desarrolladas desde el grupo Van der Graaf Generator, pues su estilo inconfundible se hace presente tanto en uno como en otro ámbito, inclusive compartiendo frecuentemente sesiones de grabación con varios de los músicos integrantes de la banda. Tanto es así que el primer disco editado por Van der Graaf llamado The Aerosol Grey Machine, hasta último momento se suponía que iba a ser un trabajo solista de Hammill.

En 1974 aparece el álbum denominado In Camera como su real primer álbum solista, y en el cual interpreta todos los instrumentos. El resultado fue una obra de cierta oscuridad conceptual, muy elaborado y profundo. El mismo año Hammill publicó asimismo su libro de poesías e historias cortas titulado Killers, Angels, Refugees, incluyendo en él una selección de sus letras de canciones. Su segundo libro de poesías fue Mirrors, Dreams, Miracles y fue publicado seis años más tarde en 1980.

En el año 1975 Peter Hammill manifiesta ideas sumamente críticas sobre lo que él denominaba el "Rock Glamuroso" de la época, volcando las mismas en su álbum Nadir’s Big Chance, cuyo sarcástico contenido fue considerado de gran influencia para el movimiento Punk. De hecho, el músico Johnny Rotten líder de la conocida banda punk Sex Pistols ha mencionado a esta obra como una de sus más importantes influencias.

Robert Fripp dijo de él en una ocasión que había hecho tanto por la voz -considerándola un instrumento como cualquier otro- como otros genios en lo suyo, como Stradivarius con el violín. Pero sin duda su carrera musical no puede evitar nombrar su paso por la banda Van der Graaf Generator, de quien fue fundador. Esta formación británica fue junto a The Moody Blues, The Nice o Pink Floyd, un germen para el posterior nacimientod el rock progresivo.

En 1967 Hammill formó la mencionada Van der Graaf Generator, en Manchester, agregando a sus amigos de facultad Hugh Banton (teclista y bajista) y Guy Evans (batería). Pronto se dividió, pero en 1968 fue reconstruida con la entrada de David Jackson (saxofonista). Su primer disco no fue otra cosa más que el material que había compuesto Hamill para un trabajo en solitario. De esta forma salió al mercado el exitoso Aerosol Grey Machine (1969).

Sin embargo nunca se saboreó el éxito en el Reino Unido, sino que fue en el resto de Europa donde mejor se hizo. En 1972 se volvieron a dividir, dando tiempo a Hammill para dar riendas suelta a sus carrera en solitario. Colaboró con Peter Gabriel, en su proyecto en solitatio, con Nick Cave, Marc Almond, David Bowie, Mark Smith (de Fall) o John Lydon (de Sex Pistols).

Su trabajo y sus obras se habían calificado por la crítica como rock progresivo, aunque también se le reconoce un estilo pre-punk y de balada romántica.

A pesar de escribir piezas de ballet y trabajar en un proyecto para crear una ópera sobre La caída de la casa de Usher (de Edgar Allan Poe), Hamill no dejó abandonado Van der Graaf. Más bien era un obstáculo en su carrera, y no una ilusión. Había logrado ya un reconocido y elogiable trabajo en solitario y quedaba muy atrás su antigua banda. De hecho, tenía su propio estudio de grabación y sello discográfico.

Dejando atrás ese "estorbo", se ha dedicado en los últimos tiempos a sus propios proyectos, colaborando con artistas y para sellos como Discipline Golbal Mobile (Robert Fripp y King Crimson).

Nombre completo: Peter Joseph Andrew Hammill
Fecha de nacimiento:
5 de noviembre de 1948
Lugar de nacimiento:
Ealing, Londres, Inglaterra Instrumentos: Voz, teclados, guitarra, percusión... Grupos: Van der Graaf Generator Página web oficial: www.sofasound.com

Letra de Nadir`s Big Chance

I've been hanging around, waiting for my chance
to tell you what I think about the music that's gone down
to which you madly danced - frankly, you know that it stinks.
I'm gonna scream, gonna shout, gonna play my guitar
until your body's rigid and you see stars.
Look at all the jerks in their tinsel glitter suits.
pansying around; look at all the nerks
in their leather platform boots, making with the heavy sound...
I'm gonna stamp on the stardust and scream till I'm ill -
if the guitar don't get ya, the drums will.

Now's my big break - let me up on the stage,
I'll show you what it's all about; enough of the fake,
bang your feet in a rage, tear down the walls and let us out!
We're more than mere morons, perpetually conned,
so come on everybody, smash the system with the song.

Smash the system with the song!




Traduccion:
La gran oportunidad de Nadir

Estuve perdiendo el tiempo esperando por mi oportunidad
Para contarte lo que pienso sobre la música que se fue a pique
Que te hizo bailar como loco (la que francamente sabes que huele a mierda)
Voy a gritar, a aullar, voy a tocar mi guitarra
Hasta que tu cuerpo quede petrificado y veas las estrellas
Mira a todos los idiotas con sus trajecito con brillo de oropel
Pavoneandose por ahí; Mira a todos esos idiotas
Con sus botas de cuero con plataforma, haciendo con el sonido pesado ....
Voy a estampar en la vía lactea y gritar hasta que me enferme
Si no lo consigue la guitarra, lo logrará la bateria

Este es mi gran parate, dejame subir al escenario
Te mostrare de que trata todo; basta de falsedad
Golpea con rabia tus pies, tiremos las paredes abajo y dejenos salir!
Somos más que meros idiotas, permanentemente estafados,
Asi que vamos todos, rompamos el sistema con la canción

rompamos el sistema con la canción!

PETER HAMMILL-VAN DER GRAAF GENERATOR







VAN DER GRAAF GENERATOR







El grupo se forma en Manchester, Inglaterra a finales de los años sesenta por el cantante, pianista, guitarrista y compositor Peter Hammill y el baterista Chris Judge Smith (El nombre del grupo está basado en un equipo eléctrico diseñado para producir electricidad estática, el Generador de Van de Graaff. El nombre fue sugerido por uno de los primeros miembros del grupo, Chris Judge Smith. El error ortográfico fue accidental.). Posteriormente se agregarían a la formación el organista Hugh Banton, el bajista Nic Potter.

Smith, pretendía competir por el liderazgo del grupo con Hammill. A pesar de ser un buen músico, el baterista terminaría sucumbiendo, ante el gran talento del cantante, siendo irremediablemente reemplazado por Guy Evans.





La primera grabación “The Aerosol Grey Machine” (1969) fue realizada bajo circunstancias caóticas. Entre otros factores, la obligación contractual, un trato abusivo de la compañía, el robo del equipo de sonorización y la desintegración momentánea. Sin embargo, el grupo sobrevivió creciéndose al castigo.

Con la llegada del enigmático saxofonista y flautista David Jackson Van Der Graaf Generator toma su dimensión definitiva. Su aportación -influenciada por el gran músico de Jazz John Coltrane- se pondría de manifiesto en el disco “The Least We Can Do Is Wave To Each Other” (1970).

Al perder a su bajista, Van Der Graaf Generator adopta el extraño formato de órgano-piano-saxofón-batería. Este factor, junto con el estilo vocal multi-facético de Hammill son los detonadores de un estilo de Rock altamente vanguardista. A continuación, aparecen álbumes complejos, bizarros y expresionistas como “H To He Who Am The Only One” (1971) y el aclamado “Pawn Hearts” (1972). Por si fuera poco, la poesía existencialista de Hammill agregaba brillantez a composiciones tan célebres como la trágica “A Plague Of Lighthouse Keepers”.

Inexplicablemente, después de lograr su mejor triunfo artístico, el grupo se desintegra. Sin embargo, Hammill continúa trabajando en solitario sin prescindir de los miembros del grupo. Esta cercanía desemboca en un nuevo periódo de actividad para el cuarteto. El disco de reaparición fue “Godbluff” seguido por el extraordinario “Still Life” (Ambos grabados en 1975). Los músicos crecieron como instrumentistas y lograron un sonido más fino, sin perder el propósito artístico original. Las grabaciones seguían ubicándose en la vanguardia. El álbum “World record” (1976) termina con la era del cuarteto, ya que al final de la gira de promoción, tanto Banton como Jackson se separan de Van Der Graff Generator.

El grupo continúa con un nuevo formato y acortando su nombre a Van Der Graaf. Se quedan Hammill y Guy Evans. Por otro lado, llega el violinista Graham Smith y regresa el bajista Nic Potter. La grabación subsecuente “The Quiet Zone / The Pleasure Dome” resulta airosa manteniendo al grupo a flote. Desafortunadamente el grupo nunca obtuvo la remuneración económica que hubiera merecido y trabajar en la bancarrota parecía ser una constante. Hasta 1978, año en que el grupo no pudo más y se desintegra definitivamente.

A pesar de que durante la prolífica carrera en solitario de Hammill, el cantante continuó trabajando con casi todos los ex-miembros del grupo, se veía muy lejana la posibilidad de una reunificación. Las circustancias cambiaron en el año 2004, cuando el grupo anuncia que la formación clásica de Hammill-Banton-Jackson-Evans entraría al estudio para grabar un album doble, mayormente instrumental llamado “Present”.
Por ultimo, acaba de editarse “Real Time” doble en vivo de la reunión del 2005. Además estan grabando nuevo cd en estudio Hammill/Banton/Evans. Jackson esta vez no será de la partida.

































lunes, 27 de abril de 2009

BOB DYLAN_LIBROS


ABCDylan

Si hay abundancia de algo en este mundo, ese algo son los libros sobre, por y acerca de Bob Dylan. Y varios de ellos son enciclopedias y pecan de la soberbia de intentar –en unos pocos cientos de páginas– destilar vida y obra de misterio de un artista imposible de atrapar y clasificar. Como no queremos ser menos y aspiramos a más –coincidiendo con la salida del magnífico y saltarín y fronterizo Together Through Life, número 33 en su discografía de estudio–, aquí lo intentamos en unas pocas líneas. Mientras suena esa especie de canción zombi-mex que es “Beyond Here Lies Nothin’” y abre la puerta para lo que –junto a Love and Theft y Modern Times– ya es considerada una trilogía a la altura de aquella que conformaron Bringing It All Back Home, Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde. Bienvenido, Bob.

Por Rodrigo Fresán

ALL ALONG THE WATCHTOWER

Dylan medio recuerda: “Probablemente se me ocurrió durante una tormenta de esas con truenos y relámpagos”. “All Along the Watcher” es también la canción que más veces ha interpretado Dylan en vivo (1,413 veces entre 1988 y 2006) por lo general como bis en tándem con “Like a Rolling Stone”.

BLOOD ON THE TRACKS

Ni Baez ni “Blowin’ in the Wind”, lo siento. Esta letra B pertenece al mejor álbum divorcista de la historia y, para muchos, el mejor de Dylan. Grabado –dos veces– en 1975 mientras se separaba de la madre de sus hijos y a quien ama y odia en grandes canciones como “Tangled Up in Blue”, “You’re a Big Girl Now”, “Idiot Wind” y “Shelter from the Storm”. Con B de blues, sí.

CRISTO

Dylan lo descubre a finales de los ’70 y pone en escena una de sus transformaciones más radicales e inesperadas: la de furibundo y apocalíptico born again christian. Para celebrarlo, graba dos álbumes donde se encuentran varias de sus interpretaciones vocales más apasionadas –Slow Train Coming y Saved– que harían mucho más divertidas y entregadas a las misas si Benedicto XVI permitiera su interpretación. Difícil que así sea y, en cualquier caso, enseguida Dylan ya comenzaba a creer –o a no creer– en otras cosas.

DON’T LOOK BACK

Cinema verité on the road –filmado en el ’65, estrenado en el ’67– jamás superado cortesía de D. A. Pennebaker. Y contiene el nunca del todo superado y tantas veces homenajeado/plagiado-videoclip filmado donde Dylan va dejando caer carteles con palabras sueltas del proto-rap “Subterranean Homesick Blues”.

EVERY GRAIN OF SAND

Versos sublimes se corresponden con una melodía perfecta de vals cristiano. En el contexto de sus canciones devotas, aquí, en Shot of Love (1981), Dylan se permite por una vez confesar sus dudas llegando a lamentar la ausencia de un Dios cuyas pisadas ya no oye.

FREEWHEELIN’ BOB DYLAN, THE

1963 y una foto icónica en la portada. Bob Dylan junto a su novia Suze Rotolo por la calle Cornelia del West Village neoyorquino y un puñado de clásicos instantáneos –“Blowin’ in the Wind”, “A Hard Rain’s A-Gonna Fall”, “Don’t Think Twice, It’s Allright”, “Girl of the North Country”, “Masters of War”– hicieron de The Freewheelin’ Bob Dylan uno de los más grandes segundos discos de la historia.

GUTHRIE, WOODY (& Co.)

El primer Dylan no es otra cosa que un Guthrie Revisitado al detalle con profundo amor, admiración y, al mismo tiempo, la voracidad insaciable de un discípulo más que dispuesto a superar a su maestro en su propio territorio. Dylan fue a visitar a Guthrie, enfermo pero bien dispuesto, el 29 de enero de 1961, apenas cinco días después de su llegada a Nueva York. Allí, a pie de cama, Dylan le cantó unas cuantas canciones a su héroe. La leyenda dice que Guthrie vaticinó: “Es un chico con talento. Llegará lejos”. A su regreso de la visita, deprimido por lo mal que se encontraba su ídolo, Dylan escribió “Song to Woody” en el bar del Mills Hotel. Guthrie, también, es el apellido y factor que pone en juego uno de los deportes favoritos de Dylan: el tráfico de influencias, los guiños a sus mayores, los cordiales y cómplices “robos” y alusiones en sus últimos álbumes (delitos denunciados por muchos con furia bíblica) sin darse cuenta de que Dylan –al igual que los artistas que él siempre admiró– siempre fue un vampiro sónico y lírico al que, claro, tanto le han saqueado a lo largo de ya casi medio siglo.

HAWKS, THE

Banda que acompaña a Dylan durante su tempestuosa gira eléctrica en el ’66 y con la que registraría –luego de un nunca del todo aclarado accidente en motocicleta– las domésticas The Basement Tapes a lo largo del verano del ’67. Después, enseguida, se convierten en leyenda por cuenta propia: The Band. Dylan se uniría a ellos en 1974 para grabar Planet Waves y volver a salir a dar vueltas por ahí luego de un largo período de campesina vida en familia casi retirado de los escenarios.

I’M NOT THERE

Primero, canción perdida y recuperada de The Basement Tapes. Después, hace poco, brillante y atípica biopic de Dylan filmada y firmada por Todd Haynes en el 2007. Y jugada brillante de Mr. Bob: luego de disfrutar del éxito de No Direction Home –documental de Martín Scorsese–- sabe que tarde o temprano va a caerle encima una de esas biografías de celuloide incómodas e irritantes. Así que Dylan alienta este proyecto donde aparecer como un hombre (y mujer) de varios rostros –Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger y Ben Whisham– y cuyo noble y transparente modelo es 8 1/2 de Fellini. Y todos felices. Y bienvenidos a la aproximación más borrosamente precisa o precisamente borrosa del mito: una película que no se conforma con mostrarnos cómo miramos a Dylan sino que, además, también nos cuenta cómo Dylan nos mira a nosotros.

¡JUDAS!

Es lo que le gritaron a Dylan en un concierto en Manchester. Se lo acusaba de haber electrificado su sonido folk y haber enturbiado con visiones su perfil de protesta. Ver este “¡Judas!” en No Direction Home de Martin Scorsese y oírlo en The Bootleg Series, Volume 4: Live 1966/The Royal Albert Hall). Después Dylan ordena un “Play fucking loud!” y ese sonido mercurial y “How Does It Feel?”.

KOOPER, AL

Guitarrista que se cuela en una sesión y toca por primera vez teclados para conseguir la línea de órgano más reconocible y pegadiza desde Bach. “Sube el órgano”, ordenó Dylan, “Pero si no es un organista”, dijo el productor Tom Wilson, “Hey, no me digas a mí quién es un organista y quién no”, dijo Dylan. Lo que nos lleva a...

LIKE A ROLLING STONE

La más perfecta y salvaje y al mismo tiempo civilizada canción-de-odio escrita por Bob Dylan (y a la vez el himno definitivo sobre la pérdida de la inocencia y el modo en que la experiencia te curte hasta fosilizarte). Dylan la definió en 1965 como “vomitífica en su estructura. Tan sólo vino a mí. Todo empezó con ese riff de ‘La Bamba’”. Y sigue con el resto del magistral Highway 61 Revisited, claro.

McTELL, BLIND WILLIE

Leyenda del blues e inspiración para “Blind Willie McTell”, una de las cimas de Dylan. Algunos incluso llegan a postularla como la número uno y “la canción más importante y atemorizante desde el ‘Heartbreak Hotel’ de Elvis”. Lo que no impidió que Dylan la dejase –para consternación de su productor Mark Knopfler– fuera de Infidels (1983).

NETTIE MOORE

Lo mejor de todo Modern Times (2006), perfecta representante del Dylan de estos días, y seguramente, una de las mejores canciones en todo su catálogo. Pocas veces Dylan ha cantado con más emoción y emocionado tanto, desgranando estrofas secas que, al alcanzar el estribillo, se alzan como una ola de puro e incontenible sentimiento.

OH MERCY

Bob Dylan cierra su década terribilis –los ’80– con un formidable retorno a su mejor forma de la mano del productor de moda Daniel Lanois, recomendado por Bono. La relación no fue fácil pero Oh Mercy se convertía en el más intenso, personal, logrado y mejor escrito álbum de Dylan desde Blood on the Tracks. Escuchar varios de sus descartes en Tell Tale Signs.

PRESLEY, ELVIS

“Elvis estuvo allí cuando no había nadie. El era Elvis y todos saben lo que Elvis hizo. Me lo hizo a mí y se lo hizo a todos”, le dijo Dylan a Ron Rosenbaum de la revista Playboy. Sentimientos encontrados, admiración confesa y, al mismo tiempo, terror ante el final del Rey han sido temas recurrentes en obra y declaraciones de Dylan quien, según testigo, sufrió una gran depresión al enterarse sobre la sórdida y temprana muerte de uno de sus más grandes ídolos. “Toda mi vida pasó frente a mis ojos. Volví a revivir mi infancia. No hablé con nadie por una semana”, dijo tiempo después. “Cuando oí por primera vez la voz de Elvis supe que yo no iba a trabajar para nadie y que nadie sería mi jefe. Oírlo por primera vez fue como escaparme de la cárcel.” Antes de eso, Dylan le dedicó “I Went to See the Gipsy” en New Morning (1970).

QUINN THE ESKIMO (THE MIGTHY QUINN)

Una de las canciones estrella grabadas por Dylan junto a sus amigos en los sótanos de Nashville. No incluida en The Basement Tapes y recién legalizada para la megaantología Biograph en 1985 aunque antes se había escuchado una desprolija versión live en el perverso y autodinamitante Selfportrait (1970) registrada en el Isle of Witht Festival por los días en que Dylan sólo quería no ser Dylan (y, de paso, irritar a sus fieles). En cualquier caso, una absurda y juguetona canción sobre un esquimal y supuestamente inspirada por una película con Anthony Quinn es –misteriosamente o no– uno de los temas más versionados de Dylan.

RODAR (EL VERBO)

5 de octubre de 1987, concierto en Locarno, Suiza. Una noche tan terrible como iluminadora en la que –como cuenta en Crónicas Volumen I– primero “todo se vino abajo” y después “todo volvió a su sitio y en forma multidimensional” y de pronto “poseía una facultad nueva que parecía superar todos los requisitos humanos... Inmediatamente despegué a las alturas... Mediante la combinación de ciertos elementos técnicos que se activan unos a otros podía modificar los niveles de percepción, estructuras temporales y sistemas rítmicos, para insuflar vida a mis canciones, levantarlas de la tumba... Si quería un objetivo diferente, ya lo tenía. Era como si me hubiera convertido en otro músico, desconocido en toda la extensión de la palabra. En más de treinta años de actuaciones, nunca había visto aquel lugar, nunca lo había visitado. Si yo no hubiera existido, alguien tendría que haberme inventado”. Desde entonces, Dylan no ha parado de rodar, reinventando sus viejas canciones y consiguiendo “un público adecuado... un público nuevo” para “un nuevo género, un estilo que todavía no existía” y en el que “mis letras, algunas escritas veinte años atrás, eclosionarían ahora musicalmente como una nube de hielo. Nadie tocaba así”. Había nacido el célebre Never Ending Tour.

SEDGWICK, EDIE

Una de las grandes musas de Andy Warhol, Edie Sedgwick (1943-1971) fue, durante 1965, una suerte de botín de guerra entre las facciones encontradas de Dylan & Co. y Warhol Inc. Patti Smith escribió: “Todos / Sabían que ella era la verdadera heroína de / Blonde on Blonde”. Se supone que “Just Like a Woman” le canta a ella.

TIME OUT OF MIND

El 25 de mayo de 1997, al día siguiente de su cumpleaños número 56, Bob Dylan fue ingresado de urgencia en un hospital de Los Angeles con fuertes dolores de pecho y dificultades para respirar. Se salvó por poco, dicen. Cuatro meses después se editaba Time Out of Mind: un puñado de canciones sombrías (escritas y grabadas antes de su enfermedad, otra vez producidas por Daniel Lanois) que parecían referirse al fin del amor y al final de todo lo demás con mirada y voz premonitorias. De haber muerto Dylan, el álbum sería hoy considerado su testamento existencial y creativo. Habiendo vivido para cantar el cuento, las críticas fueron extáticas, las ventas más que respetables (fue su primer disco de oro desde Infidels en 1983), ganó tres premios Grammy e incluye esa joya casi funeraria que es “Not Dark Yet”. Tell Tale Signs completa este rompecabezas (a destacar el espirituoso spiritual que es “Marchin’ to the City”) y, sí, Time Out of Mind es el estreno del Dylan milenarista –que se afilará con el sonido áspero y autoproducido bajo el alias de Jack Frost de Love and Theft y Modern Times– y que, probablemente, va a ser el último Dylan. Pero con Dylan nunca se sabe.

UNDER THE RED SKY

Durante muchos años, Bob Dylan comentó sus ganas de componer un álbum especialmente para niños. Lo que nadie imaginó es que lo hiciera –sin anunciarlo, además– luego del maduro y reflexivo Oh Mercy. En resumen: la aparición del incomprendido Under the Red Sky desconcertó a seguidores e irritó a los críticos que, en su mayoría, no supieron ver y oír y comprender de qué iba la cosa. Y es que los críticos no saben abrir la puerta para ir a jugar. Under the Red Sky –nada es casual– comenzó a grabarse el día de Reyes de 1990. Y está dedicado a “Gaby Goo Goo”: una hija suya con la vocalista Carolyn Dennis de la que entonces –con cuatro años de edad– nada se sabía ni se supo hasta el 2001, al salir una biografía de Dylan firmada por Howard Sounes.

VISIONS OF JOHANNA

Anfitriona del, se dice, mejor verso en todo Dylan: “The ghost of electricity howls in the bones of her face”. En 1999, en un club de Manhattan, Dylan la cantó como “Visions of Madonna” porque Madonna estaba entre el público. Una indiscutida obra maestra. Una catedral de canción. El equivalente a “A Day in the Life” en Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Nadie ha escrito y cantado y sonado mejor –ni volverá a sonar y cantar y escribir mejor– acerca de lo que significa padecer y disfrutar el insomnio del amor.

WILBURY

The Traveling Wilburys y su música –los discos de 1988 y 1990 recientemente reeditados y, misteriosamente o no tanto, resultando best-sellers– actuó como un poderoso a la vez que relajante revulsivo. Ahí y entonces, Dylan se sintió cómodo entra amigos siendo “otro” –Lucky Wilbury y Boo Wilbury alternativamente– componiendo bajo un nuevo alias a sus letras más graciosas y sus melodías más elegantes en muchos años.

XM SATELLITE RADIO

Emisora que transmite el genial y gracioso programa en el que, desde el 2006, Dylan escoge y ordena temáticamente y presenta sus canciones favoritas con voz y prosa de disc-jockey de novela negra.

YOUNG Y YOUNGER

La idea de la juventud –a diferencia de lo que ocurre en la obra de otros grandes rockers– no es algo fundamental e indispensable. Ya en “My Back Pages” (1964) cantaba “Ah, pero yo era mucho más viejo entonces / Soy tanto más joven ahora”. Y dos versiones de “Forever Young” en Planet Waves (1974): una en calma con cierto aire de mariachi triste y otra saltarina y muy L. A.: “La escribí en Tucson. La escribí pensando en uno de mis hijos y no quería sonar demasiado sentimental (Dylan se refiere aquí a Jacob Dylan, líder de The Wallflowers). Los versos vinieron a mí, la terminé en unos minutos. No sé. A veces te obsequian cosas así. No sabes exactamente qué es lo que quieres pero esto es lo que aparece. Así fue que surgió esta canción. No era mi intención escribirla... No, nunca sabes qué vas a escribir. Ni siquiera sabes si vas a grabar otro disco”.

ZIMMERMAN

En coincidencia con el lanzamiento de su libro Crónicas Volumen I, Dylan concedió su primera entrevista televisiva en casi veinte años al programa Sixty Minutes. Allí, apareció parco y revelador al mismo tiempo y comentó que se cambió su nombre “porque vivimos en la tierra de la libertad y uno puede llamarse como se le antoje... yo nunca sentí que mi verdadero nombre fuera Zimmerman”. Cuando el periodista le comentó si no se le hacía raro que la percepción que el público tenía de él fuera exactamente la opuesta a la que él tenía de sí mismo, Dylan se limitó a inclinar la cabeza a un costado y comentar: “Ain’t it something?”.



Desire (1976) - Bob Dylan

Dentro del album, una canción digna de mencionar es "Romance in Durango", ya que Dylan canta parte del estribillo (dos frases xD) en español,



Letra:

Hot chili peppers in the blistering sun
Dust on my face and my cape,
Me and Magdalena on the run
I think this time we shall escape.

Sold my guitar to the baker's son
For a few crumbs and a place to hide,
But I can get another one
And I'll play for Magdalena as we ride.

No llores, mi querida Dios nos vigila
Soon the horse will take us to Durango.
Agarrame, mi vida
Soon the desert will be gone
Soon you will be dancing the fandango.

Past the Aztec ruins and the ghosts of our people
Hoofbeats like castanets on stone.
At night I dream of bells in the village steeple
Then I see the bloody face of Ramon.

Was it me that shot him down in the cantina
Was it my hand that held the gun?
Come, let us fly, my Magdalena
The dogs are barking and what's done is done.

No llores, mi querida Dios nos vigila
Soon the horse will take us to Durango.
Agarrame, mi vida
Soon the desert will be gone
Soon you will be dancing the fandango.

At the corrida we'll sit in the shade
And watch the young torero stand alone.
We'll drink tequila where our grandfathers stayed
When they rode with Villa into Torreon.

Then the padre will recite the prayers of old
In the little church this side of town.
I will wear new boots and an earring of gold
You'll shine with diamonds in your wedding gown.

The way is long but the end is near
Already the fiesta has begun.
The face of God will appear
With His serpent eyes of obsidian.

No llores, mi querida Dios nos vigila
Soon the horse will take us to Durango.
Agarrame, mi vida
Soon the desert will be gone
Soon you will be dancing the fandango.

Was that the thunder that I heard?
My head is vibrating, I feel a sharp pain
Come sit by me, don't say a word
Oh, can it be that I am slain?

Quick, Magdalena, take my gun
Look up in the hills, that flash of light.
Aim well my little one
We may not make it through the night.

No llores, mi querida Dios nos vigila
Soon the horse will take us to Durango.
Agarrame, mi vida
Soon the desert will be gone
Soon you will be dancing the fandango.




Hurricane



Oh, sister



Video de uno de los mejores temas de Bob Dylan, "All Along the Watchtower", con ilustraciones del pintor italiano Giovanni Rabuffetti, que van narrando la letra de la canción.