Como parte del Día de la Ciudad en la Feria del Libro, Pedro
Aznar ofreció un emotivo recital gratis y al aire libre en Plaza Italia,
para homenajear a Luis Alberto Spinetta. Ante más de 50 mil personas,
abrió el show con "Tema de Pototo" de Almendra y siguió con "Cantata de
Puentes Amarillos" del disco Artaud de Pescado Rabioso, "Perdonado (Niño
condenado)", "Kamikaze", "Umbral" y "Los libros de la buena memoria",
entre otros.
El músico presentó allí su espectáculo “Puentes
Amarillos”, que en 90 minutos repasó 26 canciones de Spinetta. Lo
acompañaron el pianista Andrés Beeuwsaert, Pomo Lorenzo -el baterista
que acompañó al “Flaco” en las bandas
Invisible y
Spinetta Jade-, y la cantante Roxana Amed.
Frente al escenario hubo 8 mil sillas para el público que también pudo seguir el espectáculo por dos pantallas gigantes.
"Es
difícil describir la emoción que representa. Fue alguien que ha
cambiado nuestras vidas, tanto y para siempre y es un regalo de la vida
homenajear a uno de los ciudadanos más importante de todos los tiempos",
dijo el ex bajista de Serú Girán.en el escenario.
El músico abrió
con "Tema de Pototo", solo acompañado de su guitarra y con la tapa del
disco Artaud de fondo en una pantalla gigante, Aznar dio luz verde a
este homenaje.
"Voy a conectar con las canciones y no con los
recuerdos. Sino, no voy a poder cantar", advirtió aunque con el correr
de la noche deslizó algunas anécdotas. En este repaso, siguieron temas
como "Kamikaze", "Umbral", "Cementerio club", "Cantata de puentes
amarillos", "Todas las hojas son del viento" y "Dulce tres nocturno"
junto al pianista Andrés Beeuwsaert.
Minutos más tarde y para
iniciar otro tramo del recital, subió al escenario el legendario Pomo,
"el dueño espiritual de muchas canciones de esta noche". Juntos tocaron
"Resumen Porteño", "Figuración" o, como definió a esta canción el mismo
Pedro, "un ensamblado de una exquisita soberbia", "Sexo" y "Blues de
Cris" de Pescado Rabioso.
En este viaje que transportó a miles de
personas, Aznar presentó el tema inédito que compuso con el Flaco:
"Lenny Blues". Los aplausos coronaron esta presentación.
La
cantante Roxana Amed, "una de las mejores voces que ha dado la
Argentina" tal y como fue presentada la partenaire de Aznar para la
interpretación a dúo de dos de los temas más aplaudidos de la noche:
"Barro tal vez" y "Durazno sangrando".
"En todos se queda un
pedacito tuyo, serás inspiración multiplicada por millares a lo largo de
los años y lo ancho de las geografías", escribió Aznar cuando murió
Spinetta y fue esta noche su mejor celebración, que concluyó con las
canciones emblemáticas "aunque todas los son", aclaró, como "Seguir
viviendo sin tu amor" y "Muchacha ojos de papel".
Fuente: http://www.clarin.com
Pedro Aznar: "Poder cantar a Luis es una forma de aliviar nuestro dolor"
Entrevista. Mañana homenajea a Spinetta Será en Plaza Italia a
las 19 horas. Además, tiene nuevo álbum: el bello y ecléctico “Ahora”,
que lo muestra más directo.
28.04.2012
| Por Eduardo Slusarczuk
En el "Mundo Aznar", todo luce prolijo. Como si cada cosa tuviera un
lugar definitivo. Allá, de un lado, los libros, que acercan la poesía a
la filosofía y la historia más urgente. Del otro, una especie de
laboratorio sónico presidido por una gran consola. Más acá, una mesa y,
al frente, un piano con un Debussy que se codea con un libro de
entrevistas a directores de orquestas y una piña seca.
En ese
espacio, donde todo, a su manera, tiene que ver con Ahora, su nuevo
álbum -lo presentará el 28 de junio, en el Gran Rex, en medio de una
gira argentina y latinoamericana-, Aznar se toma un descanso en la
preparación del recital con que mañana "celebrará" la obra de Luis
Alberto Spinetta (ver recuadro).
"La idea surgió de manera
espontánea, antes de mi show en el ciclo Folclore en la Ciudad, dos días
después de la muerte de Luis", cuenta. Y sigue: "El fatídico 8 de
febrero, Roxana Amed estaba citada acá para ensayar. Cuando llegó, le
dije que empezáramos con Barro tal vez. Se nos cerraba la garganta.
Estábamos muy tristes, y se pensó en cancelar el concierto. Pero,
después, pensamos que poder cantar a Luis es una manera de aliviar
nuestro dolor, y también el de mucha gente. En ese marco, apareció esta
propuesta. Y pensé que lo más hermoso que podía ocurrir, era que su
ciudad natal lo homenajeara."
Después del recital de mañana, todo
se enfocará en el material que Aznar concibió durante el invierno
pasado, en Mar de las Pampas. "Me tomé un retiro compositivo. Estaba en
un momento exacto para bucear en mí; para que saliera esta música.
Entonces, paré todo, cargué mis instrumentos básicos –que son unos
cuantos- en el auto, y me fui, con la idea de armar un pequeño estudio
móvil para ir grabando mis partes. Y, de hecho, mis partes de guitarras,
bajos y voces que están en el disco, en un 9 por ciento fueron grabadas
allá. Después se agregaron los otros instrumentos", resume.
"Esta
música" es una docena de canciones que, a primera escucha, suenan más
accesibles que algunos de los trabajos anteriores de Aznar. "Es un disco
más inmediato. Es música que te deja entrar inmediatamente. Después,
podés ir encontrando distintas capas de significado, a medida que metés
en el disco. Pero, es cierto que te deja pasar. Hasta uso esa imagen en
una letra: ‘Como sendero que te deja pasar’".
¿Fue un efecto buscado?
Sí.
Está decidido que sea así, por una necesidad personal mía de comunicar y
de escribir directamente. Por decantación y maduración lógica… Bah,
retiro lo de lógica. Y, también, porque salió así. Aunque, creo que en
estas cosas, la espontaneidad de un cambio que se ve como una cosa muy
natural y espontánea arrastra todo un proceso de un nuevo entendimiento.
En mi caso, hay una búsqueda, una necesidad de condensación de sentido,
de ir a lo medular.
¿Es un proceso consciente?
Va
sucediendo con el paso del tiempo. Cuando me siento como preñado para
un proyecto futuro, y veo que algo está queriendo manifestarse, me
suelo hacer una lista de lo que me gustaría que pase. De lo que a mí,
como fan, me gustaría escuchar. Cuando producía a otros músicos, les
recomendaba: ‘Tráiganme una lista de lo que les gustaría que pase con
este disco, cuando lo pongan. Qué les gustaría verse diciendo, cantando.
Cómo les gustaría oírse. Qué los pondría felices de escuchar, de parte
de ustedes. Qué cambio quieren ver con este disco.’ Y cuando yo hago un
disco, hago lo mismo. Este no fue la excepción, y en la lista figuraban
todas estas cosas. Dichas, tal vez, de otra manera.
¿La lista la llevás con vos?
No.
La anoto, y queda. Es una expresión de deseos que, inconscientemente,
empieza a trabajar en uno. Es como si yo me escribiera una carta a mí
mismo diciendo: ‘Yo, Pedro, fan de Pedro Aznar, me gustaría en el
próximo disco de él escuchar que pase esto’. Y tiro ese pedido. Después,
el tiempo va haciendo su cosa. Y cuando me siento a escribir, pasa.
¿Por qué en Mar de las Pampas?
Porque
es un lugar tremendamente inspirador. Mi refugio. Un lugar muy calmo,
hermoso; que tiene como una de sus particularidades la de ser un bosque
sembrado en un lugar en el que antes había un desierto. Por eso la letra
del primer tema: ‘Mano del hombre, semilla generosa, sueño que brota,
páramo a vergel’. Es un desierto, devenido jardín por la mano del
hombre. El primero, fue el viejo Gesell. Lo trataban de loco, y el tipo
se empeñó en fijar las dunas. Un acto que tiene esa cosa romántica de la
quijotada que se logra. La de hacer que de un desierto surja vida. El
hecho artístico es eso.
Pensaba en eso, y en que tu empeño en
hacer cosas como "Paranoia y soledad", ante un público de rock, o rapear
a Borges, en el Colón, aún a costa de las críticas más lapidarias,
puede ser visto así.
Seguro. Desafiar al status quo léido (ironiza sobre la elite literaria).
Eso también requiere cierto temple.
Y
ganas de mojar la oreja. Eso siempre estuvo. Y está en este disco
también. Algunas de esas capas de significado de las que hablaba,
contienen eso también. Hay desafíos al oyente. Porque yo los necesito
como fan mío. Me gusta que mi música presente una cosa que despierte la
curiosidad, que inquiete. Lo que sí siento es que esas mojadas de oreja
las he ido refinado, y lo logro con elementos menos abigarrados.
Entonces, en este disco, me da la sensación de que esos desafíos al
oyente no se sienten como una cosa que asusta, como música compleja.
Además, en pos de esa transparencia, en unos días subiremos a mi sitio
web, un área de partituras donde estará transcripto todo el disco. Vas a
tener los arreglos de cuerdas, con las cinco partes –violines uno,
violines dos, violas, chelos y contrabajos-, la reducción para piano,
las partes de piano nota por nota, cifrados y tablaturas para guitarra,
exactas, con todas las posiciones y afinaciones que van. O sea que si te
sentás con la guitarra y querés ver cómo se hace esta música, ponés el
disco, te conectas al sitio, y lo tocás.
Imagino que no lo hubieras hecho con tus primeros discos, por eso de guardar los secretos y no revelar las fórmulas.
(Risas)
Algo de eso nos pasa a todos. Porque cuando sos muy joven, pensás que
si alguien copia tus truquitos, va a sonar como vos. Después, te vas
dando cuenta de que no es así. Porque eso no atenta contra tu identidad.
En todo caso va a ayudar a la de quien te copia. Sobre todo, si a
partir de eso, busca por su cuenta.
En el caso de “Ahora”, parece haber una búsqueda que hace que las guitarras suenen de manera poco habitual.
Es
verdad. Todo el disco está hecho con afinación de blues tradicional.
Que consta de sexta, quinta y primera cuerdas bajadas un tono. Suena
mucho menos extraño que la guitarra convencional. Es un acorde de Sol M.
¿Por qué lo hiciste?
Por
varias cosas. Una, para lograr la sonoridad que deseaba; dos, porque en
el verano 2010/2011 estuve leyendo en la biografía de Keith Richards,
que es hermosa, lo que le pasó cuando descubrió la afinación del blues, y
empezó a componer a partir de ahí. Y, un poco por jugar, me puse a
hacer lo mismo. Todo el tiempo uso afinaciones alternativas, y esta vez
me propuse darle una prioridad a esta afinación, porque suena muy lindo.
Es una sonoridad muy particular.
¿Cómo se definió la temática de
las canciones, que van de lo más íntimo, como en rencor, a la mirada
social macro, que aparece en Ruina sobre ruinas, en un contexto muy
distinto al que describe el tema?
Es lo opuesto. Desde una
ciudad decrépita hasta un vergel. Hay de todo eso en el disco. La
temática iba apareciendo sola. Lo de Ruina, surgió de una charla acerca
de las mega ciudades latinoamericanas, medio arruinadas. En este caso,
hablábamos de México. Pero, de alguna manera, también lo es Buenos
Aires, y cualquier gran ciudad. Y lo de ruina sobre ruinas, habla de una
ciudad que se construyó sobre las ruinas de otra gran ciudad. Es la
“civilización” europea aplastando las civilizaciones americanas,
acallándolas, y sometiéndolas, e imponiéndole sus dioses. Hablo de
dioses, porque uno de ellos es el dinero. Esa es la mirada macro.
Que contrasta con un tema mínimo como “Pensaba en vos”.
Que
lo grabé con el iPhone, mientras estaba componiéndolo, en la sala de la
casa, en un día como describe la letra. Se venía la penumbra, en un
otoño muy particular en el que el cielo estaba gris de ceniza hasta en
los días claros; lo que daba una luz hermosa, perlada, muy especial.
Rencor, en cambio, surgió en medio de una siesta. Me desperté con el
principio de la canción completo: “Estás, preso del rencor, preso de un
amor que te retiene en el pasado…” Prendí el piano, el iPhone, la
computadora, lo empecé a componer y salió de un tirón.
¿Habías pasado ya por la experiencia de dirigir una orquesta, como lo hacés en varios de los temas?
Sí.
Es la tercera vez que lo hago. La primera lo hice para cuando hice la
música de No mires para abajo, de Subiela, la segunda para Quebrado. Y
la tercera fue ésta, en Abbey Road, en Londres, donde ya había estado
cuado grabé David y Goliath, en 1994.
¿La masterización también la hiciste allí?
Sí.
¿Cambia mucho el resultado que podés lograr en Londres, con respecto a Buenos Aires?
Lo
que más cambia es el oído de cada técnico. Los fierros, fierros son.
Pero se trata de buscar un tipo de color especial. Y por las cosas que
había escuchado, me parecía que Tony Cousins era el tipo indicado. En el
caso de la orquesta, la pasterización la hizo Sam Okell, quien había
ganado un Grammy por ser parte del equipo que había remasterizado el
catálogo beatle, y ahora obtuvo otro, por el nuevo CD de Paul McCartney.
Además, trabajó en uno de mis discos favoritos de los últimos años, que
es Chaos And Creation in the Backyard, también de Paul.
¿Te sentás, a veces, a pensar en qué lugares, y con quiénes estás trabajando?
Sí.
Pero con prudencia, porque, si no, ese vértigo te puede jugar una mala
pasada. Estando en Abbey Road, nunca me perdí el gustito de ir al
Estudio 2, donde se hacía la mayor parte del trabajo de los Beatles. En
una especie de peregrinación, para decir “en este lugar, en este aire,
sonó la música que a mí me hizo querer ser músico”. Entonces, es un poco
un lugar de pertenencia, un lugar de origen y de destino. Esa emoción
está. Pero, al mismo tiempo, tenés que tener la cordura de suspender el
deslumbramiento, y estar atento a si a la orquesta le sobran o le faltan
graves.
La proyección que Aznar logró a partir de su
salida de Seru Giran y su ingreso a la banda de Pat Metheny, potenciada a
lo largo de más de 3 años de trayectoria, lo convirtió en un músico
sumamente respetado, pero no siempre acompañado por un público masivo.
¿No pasa que la condición de músico complejo con que cargás, te da prestigio, pero te quita público?
Es
que quizás no llegaron a escuchar mi música. Y creo que eso pasa porque
la idea de que uno está en otro lado, lo único que hace es alejarte. Me
parece que la admiración es una mirada de lejos. Es verte en la
distancia. Y mi trabajo no es distancia, sino tocar una fibra emocional.
Yo siento que logré lo que quería hacer, cuando me emociona lo que
hice, y cuando el otro se emociona con eso. Y veo que hay una cantidad
muy grande de gente que ya no se deja llevar tanto por esa admiración.
¿Hay cosas en el mapa del rock actual de acá que te emocionen?
No
doy opiniones de otros músicos. En eso, soy tajante. Hablo de lo mío.
Es lo único acerca de lo que tengo algún conocimiento. Y ni de lo mío sé
todo. ¿Yo qué sé qué cosa se está expresando a través de mí? Yo soy un
canal, y ahí va. Por mí pasa esto. Pero no me preguntes de dónde viene,
porque no lo sé. Sé del oficio. Incluso, en parte, el uso de la
afinación alternativa es para no saber dónde están las notas, lo que me
permite componer como si tuviera ocho años, cuando jugaba a ser músico.
Como si fuera un juego. Todo lo que hacemos es un juego. Si no lo
entendés, te lo perdés.
La decisión de Aznar de no hablar de
otros músicos va de la mano con la de mantener su vida privada en ese
ámbito, en contraste con otros artistas, cuya exposición pone a la par, a
veces, las cuestiones artísticas con las personales.
"Sin
embargo -explica-, la exposición no implica un mayor conocimiento. Yo,
por ejemplo, soy amigo personal de Charly, y sé cosas que le pasan, que
no las sabe nadie. Por más que se sepa dónde o con quién vive, si se
internó o no, o si tomaba o no bicarbonato de sodio. So, what? Sabés
eso? ¿Y qué hacés con eso? Vos te leés la biografía de Richards. Y, ¿qué
sabés de él? Unos datos. Punto. No sabés lo que pasa, realmente. Lo que
hay es una exposición que hace que la gente termine hablando de vos
como de Colgate. Sos una marca." Y concluye: "Ese es un juego en el que
jamás voy a entrar. Este es mi trabajo; y yo no soy mi trabajo. No
importa cuántos datos míos se sepan. Porque me preservo el hecho de que
cuando me siento a escribir una canción soy Pedro, de ocho años, jugando
a ser músico, y tirando de un piolín de una canción que le vino en
sueños. Si yo me convirtiera en Colgate, eso no pasaría más. Sería la
peor traición que me podría hacer en mi vida. Y no lo voy a hacer."
