Apoya mis publicaciones con un ME GUSTA!

Mostrando las entradas con la etiqueta INSTRUMENTOS. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta INSTRUMENTOS. Mostrar todas las entradas

jueves, 28 de enero de 2010

Yngwie Malmsteeen ahora con Seymour Duncan?

El pasado 18 de Enero el guitarrista Yngwie Malmsteen visitó la fábrica de Seymour Duncan, donde aprovechó para fabricar con sus propias manos sus primeras pastillas para guitarra .

Estas tres pastillas fabricadas por Yngwie serán subastadas en eBay, y los beneficios irán directamente a los damnificados por el terremoto de Haití.

Os recuerdo que Yngwie Malmsteen recientemente confirmó su nueva colaboración con Seymour Duncan, dejando de lado DiMarzio tras muchos años. Sus nuevas pastillas son las YJM Fury de Seymour Duncan.


martes, 17 de noviembre de 2009

Gibson Custom Angus Young SG & SG Standard





Gibson Custom Angus Young SG Standard
Gibson Custom Angus Young SG

Gibson Guitars ha presentado dos nuevos modelos de guitarra Signature del mítico guitarrista de AC/DC, Angus Young. Se trata de la Gibson Custom Angus Young SG y de la Gibson Custom Angus Young SG Standard.

Antes hablar de las características de los dos modelos, cabe destacar el elevado precio de los dos modelos (era de esperar…). La Gibson Custom Angus Young SG tiene un precio de $9,409 para el modelo firmado (Angus Cherry Aged/Signed) y $6,115 el modelo Angus Cherry VOS. La Gibson Custom Angus Young SG Standard es el modelo más “accesible”, por un precio de $3,617.

Entre las características más destacables encontramos los cuerpos de caoba, mástil de arce, diapasón de ébano o pastillas Humbuckers personalizadas a raíz de las peticiones del propio Angus Young. La versión estándar cuenta con pastillas Gibson Classic 57 y la edición limitada con una pareja de Seymour Duncan Pearly Gates.

Podes observar todas las características de ambos modelos en los siguientes enlaces:

Gibson Custom Angus Young SG
Gibson Custom Angus Young SG Standard

domingo, 25 de octubre de 2009

GURBACHAN SINGH SACHDEV El maestro del bansuri

Admirado por George Harrison y discípulo de Ravi Shankar, Singh Sachdev es uno de los mayores exponentes vivos de la música clásica india. De paso por Buenos Aires, cuenta los secretos de su instrumento milenario y recuerda que así como "estamos en un mundo, la música también es una".

Por: Juan Ignacio Sixto

SINGH SACHDEV "Somos afortunados de tener a este excelente músico entre nosotros", dijo George Harrison sobre el músico indio. Por Juan Ignacio Sixto.

"Esta música ha ayudado a la gente a salirse de la granja propia", dice Gurbachan Singh Sachdev, palabra por palabra, en un inglés con un timbre típico y reconocible. "Una nota a la vez", sentencia y la metáfora se vuelve piel. El maestro flautista de la India, que ha llegado a convertirse en el cultor de una de las músicas más antiguas de la historia del hombre, de visita por unos días en Buenos Aires, habla de todo: del hombre en sí mismo, de la lucha por los territorios, del arte de la flauta de bambú y la universalidad del lenguaje musical que le ha permitido romper las barreras entre Oriente y Occidente.

Mitad de un lado y mitad del otro, con jeans, camisa típica, descalzo y con medias deportivas, Sachdev espera paciente ante cada pregunta. Habla con la simpleza con la que alguna vez el New York Times describió su música. "El sonido de su flauta resuena con pureza indescifrable". "Pero una nota a la vez", repite él, sonríe y explica: "Porque la música clásica de la India (Hindustani Shastrya Sangit) es una forma melódica. No como la Occidental, que es de naturaleza armónica. Por eso cada nota es tan importante para nosotros".

Radicado en California, Estados Unidos, desde 1970, Sachdev, alumno de Vijay Raghava Rao y del famoso Ravi Shankar, hoy con 75 años, ya ha recorrido más de 50 países con sus giras. Grabó 16 discos y hasta llegó a negarle la invitación al guitarrista de jazz John Mclaughlin, que lo convocó para hacer fusión. Comenzó a tocar la flauta bansuri (del sánscrito baos, bambú, y ovar, nota) a los 14 por su cuenta, a partir de la música folklórica que escuchaba, y todavía recuerda cómo llegó a ese instrumento: "Cuando era niño, en verano, y había vacaciones en la escuela por dos meses, mis padres me llevaban a la estación de la colina, conocida como Shimla. Íbamos a hacer caminatas, y en el valle fue donde escuché a los pastores tocar la flauta. El sonido me pegó directo en el corazón. Allí sentí que ese era el instrumento que quería tocar".

Pero las historias se repiten de un lado y del otro del globo. "Debes convertirte en doctor". Ese fue el precepto de sus padres. Sachdev decidió entonces seguir medicina para satisfacerlos. Hizo la preparatoria de la carrera e ingresó a la universidad, pero no pudo tolerarlo. "No podía tocar mi instrumento. No podía practicar. Lo odié y tuve que dejarlo", cuenta. Pero la decepción de su padre que había sido Patwari (recolector oficial de impuestos) lo obligó a intentarlo de nuevo: "Estudié ciencias políticas y economía, y ambos se pusieron contentos. Pero, bueno, llegó un momento en que dije 'ya está, dedicación completa'", y así comenzó su historia.

"Somos afortunados de tener a este excelente músico entre nosotros", reconoció George Harrison años después. Luego de escuchar su música, según palabras del maestro, el Beatle le pidió que grabara junto a Ravi Shankar y la Orquesta de Bangladesh. El maestro Sachdev vino cerca de 15 veces a la Argentina y con el "espiritu zen" que ronda el mundo y llegó hace tiempo para quedarse entre los porteños, cordobeses, rosarinos y tucumanos -entre el yoga, los centros de meditación, de retiros espirituales y los ashrams- suma cada vez más seguidores. "Es como estar delante de un Piazzolla", se entusiasma Rasikananda Das, tablista, que va a acompañar a Sachdev en sus presentaciones en Buenos Aires, junto con Ariel Chab-Tarab, sitarista, los dos argentinos y fieles representantes de la música oriental en el país.

Para Rasikananda Das, "la moda de la espiritualidad" es otra historia. "Se está haciendo cada vez más conocida la música India. Pero hay mucho esnobismo. Por suerte cada vez son más los que llegan por la música y la toman como algo serio". Y desde esa seriedad adyacente la explican dos alumnos argentinos que vinieron a escuchar a Sachdev: "Los ragas son formas melódicas que transmiten un sentimiento o momento del día. Hay masculinos, los ragas, y femeninos, los ragini. Pero son importantes los ciclos del universo para que un raga suene con su mejor intensidad".

A pesar del "zen universalizado", el mundo está divido, y Sachdev lo recuerda con el ejemplo de su tierra natal. "Pakistán e India fueron uno. Tienen la misma música. La gente es la misma. La cultura es la misma. Hasta la comida es igual", relata con cierta nostalgia. "Hay que entrar más en profundidad para entender el enfrentamiento", dice y prefiere no hacerlo. Los dos países están entre los diez más poblados del mundo y cada uno por su lado ha bregado desde siempre por el territorio. "Una nota a la vez", repite y reza: "la música de la India ayudará a detener el conflicto". Para Sachdev hay una conexión en ese lenguaje universal que ya ha roto las fronteras. Así lo cuenta y la voz resuena siempre a tono: "estamos en un mundo, la música también es una".

sábado, 19 de septiembre de 2009

Reactable, la última revolución musical


Sergi Jordà, el creador del Reactable, el instrumento colaborativo e interactivo del futuro, está en Buenos Aires. Aquí, advierte sobre el fin de la industria discográfica y sueña con el futuro de la música.


REACTABLE. La islandesa Björk ya utilizó el nuevo sistema. Jordà explica la invención que puede revolucionar la música popular del siglo XXI.


Lejos quedó la bravuconada del fallecido e inmortal Norberto Pappo Napolitano contra Dj Deró en el prime time de fin de semana. La música electrónica, verdad de perogrullo, está entre nosotros y para quedarse. Sin embargo, si lo dice el madrileño de nacimiento y catalán por adopción Sergi Jordà, la afirmación adquiere un matiz más fidedigno y científico.

De paso por Buenos Aires, no vino a hablar de física o de free-jazz, dos de sus pasiones y profesiones; está aquí, en cambio para presentar en Argentina un soporte, una máquina -un instrumento- ni más ni menos que amenaza con convertirse en el punto de ruptura e inflexión que alguna vez supusieron los sintetizadores y las mezcladoras. La islandesa Björk ya lo probó en Buenos Aires y durante su última gira mundial. Mejor preguntarle al padre de la criatura, de qué hablamos cuando hablamos de Reactable. "Es un nuevo instrumento que tiene forma de mesa y que se toca colocando objetos sobre su superficie, moviéndolos, desplazándolos y relacionándolos entre sí, pero básicamente es un instrumentos musical electrónico", cuenta en un diálogo exclusivo con Ñ Jordà minutos antes de su presentación en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, que este viernes repetirá en la Alianza Francesa, antes de partir a Córdoba.

-¿Bajo qué circunstancias nació el Reactable?
-Bueno, yo formo parte del Grupo de Tecnología Musical (GTM) en la Universidad Pompeu Fabra, de Barcelona. Es un grupo grande importante, donde hay 50 investigadores de todo el mundo dedicados a productos e investigaciones en diferentes ámbitos siempre relacionados con la tecnología musical. Cuatro investigamos sobre este proyecto (Jordà, Marcos Alonso, Günter Geiger y Martin Kaltenbrunner).

-¿La idea fue crear una plataforma totalmente independiente de las computadoras?
-No totalmente, porque utiliza un ordenador dentro. El Reactable devuelve la gestualidad y la fiscalidad a la música electrónica, hecha con computadoras. Hay muchas formas de alejarse del ratón y del teclado y ésta es una de ellas. El diseño está pensado para que sea atractivo, para que no de miedo y para que se aprenda sin necesidad de que te lo expliquen; lo que no significa que sea sencillo, porque es muy –repite- muy complejo como los instrumentos tradicionales. No obstante, no intimida y atrae, está pensado para que haya una progresión, y para que el usuario pueda mejorar por sí mismo.

-¿Qué criticas recibiste por el Reactable? Hasta hace algunos años la antinomia entre música instrumental y electrónica era muy virulenta...
-Llevo toda la vida dedicándome a la música electrónica de manera muy outsider. Mi trabajo siempre se trató de experimentar y, sin pretenderlo, era un poco elitista. De repente, sin pretenderlo también, creé algo que se volvió muy popular. No lo pensamos, no dijimos "seamos famosísimos". Uno lleva toda la vida y piensa que los desarrollos son lineales. ¿Si sentí rechazo? No, todo lo contrario...

-Siempre resaltás la interactividad como el punto fundamental del éxito de Reactable. ¿Qué puertas abre la interactividad que permite la Web 2.0?
-Son dos cosas diferentes. Una cosa es la Web 2.0 y los contenidos que aportan los usuarios; y otra cosa es la forma en la que nos relacionamos con las máquinas y las computadoras. Son dos cosas diferentes aunque pueden tener puntos en común. El Reactable es interacción en tiempo real, para crear música en vivo y la máxima interacción entre un músico y un instrumento, como si fuera uno tradicional, como fue siempre. El fenómeno de la Web 2.0, por ejemplo nos ayudó muchísimo, porque sin YouTube no hubiéramos despegado como el día en que finalmente decidimos poner unos videos online.

-¿Por qué se decidieron a dar ese paso?
-Fue casual, en 2006. YouTube estaba comenzando y subimos los videos sin pensarlo demasiado. La recepción fue inmediata, al día siguiente ya había muchísima gente, al siguiente mes éramos la tapa de todas las revistas norteamericanas, y a los dos meses nos llamó Björk.

-¿Cómo surgió la relación con Björk?
- Nos escribió un día su manager y luego Björk utilizó el Reactable durante toda su gira. Nosotros le explicamos cómo usarlo a Demian Taylor, que es la persona que se encargaba de tocarlo. La verdad es que tuvimos muy poco tiempo, y sólo tuvo la mesa el día antes del primer concierto en Reikiavik. Luego, fue progresando de concierto a concierto.

-¿Ya los contactaron otros músicos profesionales?
-Estamos trabajando con varios músicos, pero ninguno está todavía en los escenarios y por eso preferimos no decir nombres por ahora.

-El Reactable respeta en gran medida la filosofía de Richard Stallman y el software libre no es casual teniendo en cuenta que siempre programaste tus propios software para hacer música.
-Es que la mejor forma de personalizar la música que uno hace con ordenadores es personalizándolos y programando tus propias aplicaciones; y, en mi caso, sobre todo teniendo en cuenta que cuando comencé a 25 años no había nada. Respecto del software libre, hay que decir que de los cuatro creadores del Reactable, Günter Geiger ha sido una de las personas más activas en los años 90 en lo que respecta a las aplicaciones de audio para linux. Por eso, con Reactable hemos seguido parcialmente con esta filosofía y hay partes del código que son libres y abiertos, por lo que hay centenares de proyectos en todo el mundo académicos o de chavales independientes que pueden tomar herramientas de nuestro modelo.

-¿Cuál es el objetivo de máxima que se trazan con el Reactable?
-Ya ha superado la expectativa que teníamos y hemos tenido que crear una empresa, porque era la única forma en la que podíamos seguir y dar a conocer todo esto. Un ideal sería que en unos años el Reactable o cosas derivadas de él formen parte del día a día de la música; como lo hicieron en su momento los sintetizadores modulares y los platos giradiscos. Creo que estamos cerca de esto, no en un sentido egoísta y personal, sino porque creo que en paralelo con el Reactable están surgiendo en todo el mundo proyectos similares. La música electrónica está aquí para quedarse, la música en vivo también. Sobre todo porque la industria discográfica está condenada a terminar y por consiguiente la música en vivo deberá incorporar cosas nuevas, que todavía hoy no existen. El Reactable es un paso en esta dirección y dentro de pocos años veremos todas estas consecuencias.

Cómo funciona Reactable

El Reactable consta de un tablero semi translúcido iluminado directamente con dos cámaras situadas al otro lado del tablero que analiza de vez en cuando la superficie y sigue los movimientos, la naturaleza, la posición y la orientación de los diferentes objetos físicos y lógicos que están situados sobre el tablero por medio de visión artificial. Varios músicos simultáneos comparten control completo sobre el instrumento moviendo y rotando los objetos en el redondo tablero luminoso. Al mover y relacionar los objetos por la superficie del tablero se modifica la estructura y los parámetros del sintetizador de sonido. Estos objetos conforman los típicos módulos de un sintetizador modular. Simultáneamente, el proyector muestra la actividad y las características principales del sonido producido, otorgándole de esta forma la necesaria retroalimentación al ejecutante. De esta forma varios músicos pueden compartir el control desplazando y rotando fichas transparentes sobre la mesa luminosa. Cada uno de los usuarios puede crear una función sonora diferente.


Problemas y futuro

Jordà también se refirió al futuro y los desafíos que deberá atravesar la revolución del Reactable. No cuesta de hecho imaginar prototipos para niños y versiones más cómodas para el hogar. Tal vez en un futuro todo el mundo ostente un Reactable en su casa, pero no por ahora."En este momento uno de nuestros principales problemas es que esta tecnología es cara, que somos un grupo pequeño y no podemos pretender fabricar 100 mil unidades para empezar. La progresión y hacer eso posible es algo complicado, pero esperamos que lograrla. Bob Moog, el inventor del sintetizador modular, vendió 15 aparatos y nosotros ya superamos esa cifra.

¿Lo están comercializando?
Se está comercializando una versión grande y sólida, que es más bien para instituciones públicas y para uso público. El modelo para los músicos profesionales es más potente y más transportable, pero todavía no lo tenemos definido.

-¿Qué grados de desarrollo existen hoy en la informática musical?
Más que antes y menos que mañana. Lo que el público conoce es la punta del iceberg de lo que se está haciendo...

¿Y en América latina?
-Los países punteros son Argentina, Colombia, Brasil, Chile México Hay una tradición de música electrónica y de informática musical. En Buenos aires y en Córdoba, por ejemplo, creo que hay bastantes cosas. El lado bueno de la globalización es que el conocimiento es cada vez es más global y que para investigar no se necesitan muchos recursos. Quizás Europa Estados Unidos todavía ostenten más desarrollo, pero no tiene por qué seguir siendo así.

viernes, 3 de julio de 2009

China encabeza la fabricación mundial de violines

Es el primer productor mundial de violines, con un millón de instrumentos al año, lo que representa un 70 por ciento del volumen global. La mayoría de los fabricantes, algunos de ellos encabezados por luthiers de prestigio internacional, se concentran en el distrito de Pinggu.

CENTENARES de fábricas de violines producen en China instrumentos que se venden entre los 1.000 y los 15.000 dólares por unidad (informe de AFPTV).


En sólo 20 años el distrito de Pinggu, cerca de Beijing, se ha convertido en uno de los centros mundiales de producción de violines, una industria que está tratando de cumplir con los pedidos del exterior en medio de una creciente demanda interna de su producción.

Geng Guosheng, de 47 años, abrió un pequeño taller en Pinggu a principios de la década de 1990, y ahora emplea a unas 20 personas. Además, lleva adelante una escuela con aprendices de luthier.

"Antes de hacer violines la mayoría eran campesinos, pero esto les ha permitido aumentar sus ingresos", dijo el luthier que estudió el oficio en Italia y hoy es uno de los más prestigiosos de China y que ya se ha ganado prestigio internacional.

Hoy Guosheng exporta sus instrumentos a países como los Estados Unidos, Japón, Alemania y Suiza. Muchos músicos eligen esperar hasta tres años –debido a la demanda que tiene actualmente– por un violín salido de su taller.

El violín sólo tiene una historia muy reciente en China. Mao Zedong, el fundador de la China comunista, lo consideraba un instrumento revolucionario y decenas de talleres surgieron alrededor del país durante la Revolución Cultural (1966-1976).

Pero se producían los instrumentos de mala calidad, buenos quizás para expresar el fervor socialista a través de la música, pero poco adecuados para la reproducción de una música melodiosa.

Cuando China se abrió al mundo exterior en la década de 1980, quedó claro que estos violines jamás podrían un artículo de exportación.

Rápidamente, China aprendió los trucos del libre comercio, como lo hizo en otras áreas comercialmente viables, y se convirtió en una especie de sucursal "del mundo de los luthier"..De este modo, varios cientos de empresas, localizadas principalmente en Pinggu y en la provincia oriental de Jiangsu, se dedicaron a la fabricación de estos instrumentos y hoy baten el récord de más de un millón de violines fabricados cada año, según informa Zheng Quan, otro luthier que se capacitó en Italia.

Esa cifra representan casi el 70 por ciento del mercado mundial de producción de violines, según Zheng.

"La mayoría de los distribuidores y de los usuarios consideran que el violín chino mantiene una buena relación calidad-precio", dijo Zheng, quien fundó la escuela de luthería en el Conservatorio Central de Música de Pekín a finales de la década de 1980.

martes, 2 de junio de 2009

GIBSON SG EDICION LIMITADA


GIbson SG AAA

Se trata de la Gibson SG con tapa tallada de grado AAA edición limitada. Como siempre, el gran inconveniente es su elevado precio ($4442).

Cuando reemplazó en 1961 a la Les Paul Standard original de corte único, la Les Paul/SG (posteriormente, solo SG) fue considerada una versión más convencional de la guitarra eléctrica de cuerpo sólido. No tenía el trabajo elaborado, el cuerpo de diversas maderas ni la tapa arqueada de su antecesora, pero siempre estuvo un paso más delante de la tradición Gibson de construcción de guitarras. Ahora, sin embargo, la introducción de la SG con tapa tallada de grado AAA ofrece una gran parte de elegancia y un trabajo minucioso de los lutieres en este icono de guitarra, lo que la convierte en el resultado perfecto de combinar la innovación y el patrimonio de Gibson. Disponible desde comienzos de marzo de 2009, se fabricará en una producción sumamente limitada de 350 guitarras y es la adquisición ideal tanto para el usuario como para el coleccionista.

Entre todas sus características, podemos destacar:

  • Tipo de cuerpo: SG Carved Top / AAA parte superior de árce, trasera de caoba
  • Hardware cromado
  • Puente Gibson Tune-O-Matic
  • Afinadores Grover Kidney
  • Pastilla de mástil Burstbucker Pro
  • Pastilla de puente Burstbucker Pro
  • Pastillas con cubierta
  • Un control de volumen, uno de tono y selector de tres posiciones
  • Mástil de caoba
  • Diapasón de palorosa / escala 24 - 3/4″
  • 24 trastes
!Que aparato ,por favor!!

sábado, 23 de mayo de 2009

EL GARRAHAND_UN NUEVO INSTRUMENTO ARGENTINO



Sonido sideral Federico Parra y Ary Lacanna inventaron una especie de hang “barato”, que es un instrumento de percusión con notas musicales.


Por Julia González

El garrahand, como el colectivo y la lapicera, también es un invento argentino. Desde que los músicos Ary Lacanna y Federico Parra se quemaron la cabeza pensando cómo podían hacer un instrumento que fuera similar al hang, uno de los pocos de percusión en el que se pueden tocar notas y no sólo toques, apareció este invento cruza de garrafa con lengüetas en su parte superior. La idea surgió de la dificultad de acceder al hang, ya que los únicos fabricantes en el mundo son una pareja de suecos que lo venden a mil doscientos euros, además del gasto de envío. Y como para ponerle un poco más de mística a este instrumento que suena como la marimba y luce como un ovni, hay que escribir una carta explicando los motivos por los que se lo desea. Si los fabricantes creen que los motivos son nobles como para poseerlo, ahí sí, la compra es un hecho.

El garrahand tomó forma en la cabeza de Fede, que quería hacerle un regalo a su entonces profesor de percusión Mariano “Tiky” Cantero, uno de los ideólogos de La Bomba de Tiempo y percusionista de Aca Seca. “El loco hablaba mucho del hang y tenía que juntar la plata, escribir la carta y no tenía forma. Para esa altura ya el Tiky era profe y además, amigo. Yo le tenía mucho cariño. Entonces llegaba su cumple y con Ary estábamos tocando juntos en Las Formas del Agua, además de que somos amigos hace como quince años, entonces yo ya lo venía maquinando”, cuenta Fede. Al mismo tiempo, vio en YouTube un video del primer acercamiento al hang de un pibe que quería uno y no lo podía pagar, y había hecho un injerto con un tanque de gas. “Eso fue el primer movimiento en el mundo de alguien que se le ocurrió hacer un hang barato. Y yo agarré un tanque y, como no tenía idea de cómo cortarlo, dije: ‘¿Quién sabe de técnica? Ary’. Y ahí se lo llevé y fue el único limado que se animó”, recuerda Fede.

El tanque de gas estuvo una semana en el patio de la casa de Ary en San Martín, mientras ellos con paciencia esperaban a que se le terminara de ir el gas. “Había un olor a gas que se sentía desde la puerta. Le metíamos agua, lo batíamos y salía soda, era imposible”, cuenta Ary, que se arriesgó a que la caladora hiciera explotar su casa. “Siempre al borde del accidente”, dice. Por eso, no lo intenten en sus casas, es más fácil conseguirlo en http://www.myspace.com/garrahand por mucha (¡bastante!) menos plata que el hang, o en la tienda Baires Music. “Queremos que el garrahand se conozca a nivel mundial, y es re loco, pero es lo que está pasando. En este momento se conoce más afuera que acá”, dice Fede y cuenta que comenzó a comercializarse a Europa a fines del año pasado.

Así, sin saberlo, comenzaron a montar su empresa, entre tardes de facturas y mate en torno de las garrafas de gas. Desde su nacimiento el año pasado, aparecieron varias versiones del instrumento. Sus creadores cambiaron el tamaño, la afinación, la forma, inventaron un micrófono especial que no reproduce el sonido de afuera, sólo el del garrahand, para que pudiera ser amplificado sin que se sumara el sonido de cualquier instrumento que tuviera al lado. Para afrontar estos cambios, Fede y Ary estuvieron atentos a las sugerencias de La Bomba de Tiempo, porque, ¿quiénes más adecuados para emitir una crítica que los mejores percusionistas del país, que luego lo comprarían e incorporarían a sus tocadas? Así, el garrahand llega a ser electroacústico, en sus dos versiones: la amplificada para tocar en vivo; y la hippie, para ser tocado entre las piernas, sin enchufarse. “En el sistema de afinación nuevo podés cambiar hasta una séptima cada lengüeta. Lo hacés en un minuto, es un tornillo que se desajusta y se afina como una guitarra. Con el garrahand podés tener todo tipo de afinaciones y eso lo aleja de cualquier otra cosa que hubiera aparecido. Por ejemplo, un balafón viene afinado y no lo podés mover. El hang sale 1200 euros y viene afinado en una tonalidad”, compara Fede. Hoy, el garrahand es de acero, el mismo material del que están hechas las campanas.

* El garrahand se consigue en http://www.myspace.com/garrahand

viernes, 1 de mayo de 2009

Arte con pedales de efectos para guitarra





Isolation guitar effects pedals

“Isolation” es el título de esta obra de Robin Rose que se expone en la exposición “Cypher” (del 7 de Abril al 17 de Mayo en el American University Museum, Washington DC). La obra consiste en 50 pedales de efectos de guitarra conectados entre sí, justo al lado hay otra obra titulada “Ascendant“, un Marshall 800 Lead Amp Head, pantalla 1960 Slant, cable de guitarra dorado y una Fender Stratocaster de 1965. La peculiaridad de esta última obra se puede observar perfectamente en la foto

Joe Bonamassa Ernie Ball Doble Mastil




La última creación para Joe Bonamassa es esta guitarra Ernie Ball de doble mástil, basada en la Ernie Ball Music Man Steve Morse Signature Y2D. El mástil superior de la guitarra es baritono, mientras que el inferior es normal. El color tiene un acabado cherry sunburst. Parece ser que Joe fue visto durante los conciertos de los últimos meses usando una Musicman Baritone, y le gustó tanto que decidió encargar una guitarra de similares características pero con sus propias especificaciones. Solamente tres semanas fueron necesarias para llevar a cabo el proyecto de la guitarra.

Las pastillas son las de Y2D a excepción de las single-coils custom, la guitarra contiene un interruptor que permite seleccionar el uso de una u otra guitarra, ya que no precisa utilizar las dos guitarras al mismo tiempo, de este modo una de las dos queda desactivada. El cuerpo es de caoba africana con capa superior de arce.

martes, 28 de abril de 2009

G & L La verdadera historia




DOS HOMBRES LEGENDARIOS
Compañía
La historia de G&L Musical Instruments no puede contarse sin empezar por el principio, cuando George Fullerton conoció a Leo Fender. La "G" de G&L viene de George y la "L" de Leo. Estos hombres fundaron G&L Musical Instruments en 1980, aunque la historia real empieza el 4 de julio de 1947, cuando se conocieron en la feria de Fullerton, una pequeña y tranquila localidad del sur de California.George y Leo ya habían oído hablar el uno del otro porque ambos se dedicaban a lo mismo: los dos tenían una tienda de reparación de radios, cada uno en un extremo de la ciudad. Se conocieron, simpatizaron y ahí quedó la cosa.

Más tarde, Leo se introdujo en el negocio de los amplificadores para guitarras "lap steel", muy populares por entonces en aquella localidad rural. Las bandas que pasaban por Fullerton contaban a menudo en sus filas con guitarristas de lap steel, y la experiencia de Leo montando radios le ayudó a diseñar pequeños amplificadores. Al mismo tiempo que empezaba a construirlos, le pidieron que también reparara las guitarras. Leo pensó que incluso podía construirlas y vendérselas a los músicos itinerantes.

Resultó que la parte musical del negocio de Leo creció mucho más rápidamente que la parte dedicada a la reparación de radios, y le preguntó a George si le interesaría trabajar para él. A George le gustó la idea y aceptó la oferta.

Compañía
MANOS A LA OBRA
Aunque congeniaba a las mil maravillas con sus amigos músicos y les dedicaba su vida, Leo no era músico; por el contrario, George sí lo era. George tocaba la guitarra en un grupo local de country llamado Wint Nickles and the Gold Coast Rangers.

Un día, George le planteó a Leo los problemas que tenía con el mástil de la guitarra. Juntos examinaron detenidamente la guitarra y llegaron a la conclusión de que el mástil estaba mal y que tendrían que cambiarlo. En aquel entonces, si una guitarra tenía un mástil defectuoso, tenían que enviarla al fabricante porque no había muchos luthiers cualificados que pudieran efectuar una reparación en condiciones; así que enviaron la guitarra al fabricante y pasaron varios meses antes de que se la devolvieran.

Durante este tiempo, George tenía que pedir prestada una guitarra a sus amigos para poder tocar; si no la encontraba, los Rangers no podían actuar. Después de escuchar las quejas de George sobre su situación, Leo dijo: "¿Por qué diablos no atornillan sin más el maldito mástil y luego te envían uno nuevo? Así podrías arreglarte con el que tienes mientras llega el nuevo".
Así pues, se pusieron a pensar y a darle vueltas a la idea de una guitarra eléctrica con un pasador en el mástil. Entre tanto, Leo pensó que si la guitarra iba a amplificarse con mucho volumen, sería mejor que el diseño de la caja fuera macizo en lugar de hueco. Después de todo, veía que las guitarras "lap steel" macizas producían menos realimentación que las guitarras de caja hueca como la de George.

Pasó un año hasta que Leo y George desarrollaron el primer prototipo de guitarra válido, modelo que fueron perfeccionando hasta que conseguir la Broadcaster®, más tarde rebautizada como Telecaster®.

Estos dos hombres, con la ayuda de otra gente importante, diseñaron los instrumentos más revolucionarios, corno la Stratocaster y el Precision Bass, para ir dando forma a la música moderna tal y como la conocernos.

LEO VENDE SU PRIMERA COMPAÑIA
En 1965, Leo vendió la firma Fender a la División de Instrumentos Musicales de CBS. Su salud se resentía y los médicos le recomendaron que dejara los negocios. Muy a su pesar, Leo accedió y procedió a la venta. En los términos del contrato se estableció que Leo seguiría siendo asesor de Fender durante 5 años, y que no competiría directamente con Fender durante una década. De esta forma, no podría emprender otra actividad relacionada con la fabricación de guitarras durante todo ese tiempo.

Fabricación

LA FUNDACIÓN DE CLF RESEARCH
En un par de años, la salud de Leo mejoró, y en 1970 adquirió una gran extensión de terreno próxima a la factoría Fender; una de las calles limítrofes de la finca recibió el nombre de Fender Avenue. En estos terrenos construyó una serie de edificios como inversión inmobiliaria, aunque conservando varios para sí, donde creó la firma de consultores CLF Research, las siglas hacen referencia a Clarence Leo Fender. Su buen amigo y asociado, George, se unió a él.

LOS COMIENZOS DE MUSIC MAN


Poco tiempo después, algunos de los antiguos colegas de Leo le encargaron que diseñara y fabricara una línea de guitarras, bajos y amplificadores bajo el nombre de Music Man®. Leo no participaría en la propiedad de Music Man, por lo que no rompía el acuerdo con la CBS. Fue en las instalaciones de CLF Research donde se puso en marcha el diseño y fabricación de los instrumentos y amplificadores Music Man, incluido el hoy popular bajo Stingray®.

Pasador
LEO AND GEORGE PONEN EN MARCHA G&L

A finales de 1975 expiró el acuerdo con la CBS. Leo decidió entonces, junto con su íntimo amigo George, crear su propia marca de guitarras y bajos. Como Leo ya disponía de instalaciones de producción y artesanos cualificados, iniciaron los preparativos para crear G&L Musical Instruments, constituida formalmente en 1980.
Leo y George ya habían patentado varios diseños novedosos y desarrollado algunos instrumentos de características revolucionarias, que pronto serían adoptados por músicos de todo el mundo. Entre las más conocidas se encuentran el Trémolo Dual Fulcrum®, el puente fijo Saddle Lock®, el diseño de mástil Bi-Cut® y la pastilla Magnetic Field®. Estos elementos son muestras de la inmejorable precisión, sonido y fiabilidad de los instrumentos G&L.

Puente
G&L, además, utiliza exclusivamente las mejores maderas armónicas tradicionales, algunas de ellas procedentes de proveedores en los que Leo había confiado durante décadas. De hecho, algunos de ellos continúan enviando facturas a la factoría de G&L, a la atención de Mr. C.L. Fender. G&L no utiliza cualquier tipo de fresno, sino fresno de los pantanos de Loulsiana; utiliza aliso norteño, arce 'hard rock' canadiense, palisandro indio, y ébano y caoba africanos. Antes de pasar a producción, la madera se almacena durante varios meses en una sala de curación que G&L tiene en sus instalaciones. Por ejemplo, el especialista de madera de G&L prefiere envejecer el palisandro brasileño durante 6 meses antes de que pase a producción. Aún más impresionante es el hecho de que la provisión de caoba de G&L es lo suficientemente grande corno para que la caoba de algunos modelos haya sido curada durante más de 8 años antes de ser utilizada.

Taller
G&L: LOS INSTRUMENTOS MUSICALES MÁS ARTESANALES DEL MUNDO

El uso exclusivo de las mejores maderas armónicas existentes es tan sólo el principio de un hermoso instrumento G&L. La mayoría de los métodos de producción de G&L tienen su origen hace 35 ó hasta 50 años, y aplican las técnicas artesanales creadas por Leo. Tales métodos, de requisitos temporales tan extensos, junto con la pericia y la meticulosidad de los artesanos musicales, son los que han hecho de los instrumentos G&L los más depurados de la historia profesional de Leo. Gran parte del instrumental utilizado por Leo en los años 50 y principios de los 60 fue objeto de una fiel reproducción a fin de que los artesanos de G&L consiguieran el elevado nivel de calidad que Leo exigía, siendo ésta una de las razones por las que los instrumentos Fender de la primera época alcanzan una estima tan alta entre los coleccionistas. Sin duda alguna, los instrumentos G&L son la culminación de un talento técnico y una atención al detalle que se extendió durante más de medio siglo.

Leo Fender
G&L EN LA ACTUALIDAD

Leo Fender falleció un lluvioso día de marzo de 1991. El suceso conmovió al mundo de la música: nos había dejado el padre de la música moderna. Ese mismo día, Leo completaba su último prototipo de instrumento y declaraba a su esposa Phyllis que ya había dado cuanto podía a los músicos del mundo.

Antes de morir, quiso asegurarse de que el legado de G&L continuaría brillando en el futuro. Sabía que debía cuidar al personal de G&L, su familia, y que ellos debían sentirse seguros y libres para seguir fabricando las mejores guitarras y bajos de mundo.

Su esposa Phyllis compartía su sueño y eligió a BBE Sound, con John C. McLaren a la cabeza, para hacerse cargo de la dirección de G&L, así como de su ampliación y desarrollo en la forma que habría querido Leo. Éste, que profesaba un enorme respeto por John, había iniciado algunos años antes las conversaciones y confiaba en que John podría hacer realidad los sueños de futuro que él tenía para G&L, de la que se sentía tan orgulloso. John compartía la visión de G&L como fabricante de instrumentos artesanales que encarnaran 50 años dedicados a la innovación en el diseño de instrumentos.

Se dispuso todo para que la propiedad fuera transferida a la compañía de John, BBE Sound. George Fulierton permanece como asesor vitalicio y la esposa de Leo, Phyllis, como Presidenta Honoraria de G&L, recordando ambos al mundo que el espíritu y la integridad de Leo Fender seguirán latentes en todos y cada uno de los instrumentos que se construyan en G&L.

Hoy, la factoría G&L continúa la producción como Leo deseaba. Su taller particular permanece tal y como lo dejó el último día que trabajó en él, y numerosas personas del mundo de la música se han acercado a visitarlo desde todas las partes del mundo. No hay ordenadores ni robots de los que fabrican guitarras con mucha precisión, pero sin ningún espíritu. La gente de G&L, su gente, prosiguen la creación artesanal de los instrumentos G&L con cariño, dedicación y talento. Leo decía: "Las guitarras y los bajos G&L son los mejores que jamás he hecho". Preservando la singularidad de G&L y respetando la visión de su creador, John C. McLaren , dijo: "G&L estará siempre dispuesto a introducir cambios. Leo Fender ha sido un símbolo de innovación y evolución en beneficio de los músicos. Pero ante cualquier consideración de cambio, debemos preguntarnos antes: ¿habría estado Leo de acuerdo? Si la respuesta es afirmativa, entonces adelante, si es negativa, lo dejamos. Queremos tener en todo momento la sensación de que Leo estaría orgulloso de cómo es G&L en la actualidad'.

viernes, 24 de abril de 2009

Guitarras y bajos Fender Road Worn Series






Fender Stratocaster Road Worn
Fender telecaster Road Worn

A simple vista parecen unas reliquias sacadas de los años 50 pero esconden secretos debajo de esos cuerpos “vintage” que les hace parecer más antiguas de lo que realmente son…

Aprovechando la inminente celebración del NAMM 2009, Fender ha anunciado las nuevas guitarras y bajos Road Worn Series. Esta serie cuanto con guitarras ‘50 Telecaster, ‘50 y ‘60 Stratocasters y con bajos ‘50 Precision y ‘60 Jazz bass. Hechas en México, además de tener el estilo y apariencia “vintage” mencionada anteriormente, albergan numerosas y modernas mejoras.

Todas las guitarras incluyen pastillas Tex-Mex y trastes 6105 , y a diferencia que las originales, las Stratocasters vienen equipadas con un selector de cinco posiciones para las pastillas.

BAJOS JENS RITTER

JENS RITTER ha anunciado dos nuevo bajos : una edición limitada Phil Lesh “Eye of Horus” Jupiter y el Roya Concept.

El bajo de 6 cuerdas Jupiter “Eye of Horus” es un bajo custom encargado por Phil Lesh de the Grateful Dead en Enero de 2008. Phil y Jens han decido sacar a la venta una edición limitada de 10 unidades que incluyen:
Features include:

  • Inlay de plata “Eye of Horus”
  • Cara frontal azul y leds laterales.
  • Pastilla Ritter Quattrobucker
  • Electrónica Custom Phil Lesh
  • Acabado “Futura Frosted”

El precio es de nada más y nada menos que 8366 € (aprox. $11,235.94)

Ritter Basses Eye of Horus

Por otro lado nos encontramos con la primera versión con trastes del bajo conceptual de Jens Roya, ya se han vendido todas las existencias pero se prevee que se comercialicen más en breve, las características del bajo son:

  • Acabado “Futura Frosted”
  • Acceso trasero para setup de afinación.
  • Acceso trasero a electrónica de cuatro bandas (supongo que será un EQ)
El precio es de 4900 € (aprox. $6,580.94)
Jens Roya Ritter Basses

PAUL GILBERT_VIDEO sobre sus guitarras

Paul Gilbert habla sobre sus dos nuevas guitarras, la

Ibanez Paul Gilbert Fireman y la Ibanez PGM100RE

Entre otras cosas, Gilbert comenta de la Ibanez Fireman que es una modificación de la original Iceman con la mejora de acceso a los trastes más altos y una configuración de tres pastillas single-coil DiMarzio en vez de lo usual en él, que es poner Humbuckers, dile que lo copió de uno de sus ídolos, Frank Marino. Además tiene un mástil ultra fino.

Respecto a la PGM100RE, reedición de su mítica guitara ochentera creada ya hace 20 años, con la que le suelen representar por su tiempo en Racer X o MrBig, una guitarra con mucha garra y fuerza.

jueves, 16 de abril de 2009

LOS INLAYS_VERDADERAS OBRAS DE ARTE

Los inlays (marca trastes) pueden llegar a ser verdaderas obras de arte, e ir más allá de los típicos puntos negros o perlados. En la variedad está el gusto así que ahí van unos cuantos inlays realmente trabajados, el creador es William Laskin, algunos (o todos) realmente carecen de utilidad y son meramente adornos en el diapasón:

Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra
Inlays Guitarra

GUITARRAS "ARTISTICAS"