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martes, 16 de junio de 2009

GINO VANELLI_nació el 16 de junio de 1952



















































Gino Vannelli es un cantante y compositor canadiense, nacido en Montreal, Quebec, el 16 de junio de 1952.


De iniciación musical temprana -estudió teoría de la música, armonía y composición en la Universidad de McGill y comenzó su carrera artística junto a sus dos hermanos, Joe Vannelli (tecladista y arreglador), y Ross Vannelli (guitarrista y compositor de canciones para el cine y la televisión), con quienes conformó una banda de Rhythm and blues durante la década del '60.

Pero no sería sino hasta 1970 que encararía una trayectoria solista grabando para la RCA. Producido por el trompetista Herb Alpert, lanzaría al mercado su primer LP, "Crazy Life" (Vida loca, 1973), a partir del cual se sucederían con algunos altibajos una decena de discos más.

Vannelli es conocido mayormente por algunos hits que podrían incluirse dentro del género denominado "música pop" (Solo quiero detenerme, Duele estar enamorado, Autos negros, por citar algunos), pero ha navegado por toda clase de vertientes musicales, destacándose particularmente en el jazz (la música que gustaba Russ, su padre, quien influyó en ese aspecto), y últimamente en la lírica ("Canto", 2003), dando pruebas de un gran caudal vocal, enorme sensibilidad interpretativa, y de un crecimiento artístico sostenido a través de casi 40 años de trayectoria profesional.

No hay obra de Gino Vannelli que pueda considerarse mejor que otra; por el contrario, cada una en su estilo (pop, mélodico, jazz o lírico), se destaca por ser el resultado de un riguroso trabajo melódico, armónico y rítmico, y un producto claramente identificable de su autor.

Durante 2007, Vannelli desarrolló una intensa labor junto al pianista de jazz Michiel Borstlap, con quien realizó una serie de conciertos en vivo y para la televisión en varios países del continente europeo.

Discografia

Discografía como solista:

* Crazy Life (1973)
* Powerfull People (1974)
* Storm At Sunup (1975)
* Gist Of The Gemini (1976)
* A Pauper In Paradise (1977)
* Brother to Brother (1978)
* Nightwalker (1981)
* Black cars (1985)
* Big Dreamers Never Sleep (1987)
* Inconsolable Man (1990)
* Live in Montreal (1990)
* Yonder Tree (1995)
* Slow Love (2000)
* Canto (2003)
* These Are The Days (2006)


Vannelli también ha participado en trabajos junto a músicos notables, como Montserrat Caballé, Rok Golob y Martine St. Clair, entre otros.

Es importante mencionar, que Vannelli se ha convertido en uno de los iconos del Jazz -rock, en virtud de los arreglos Orquestales efectuados por su hermano Ross y su potente voz, capaz de recorrer varias escalas, con el virtuosismo propio de este genio de la musica moderna.

VIDEO

EN VIVO AÑOS ´70



viernes, 12 de junio de 2009

STEVIE VAI_BIOGRAFIA









Steven Siro Vai, guitarrista y compositor estadounidense. Vai es conocido principalmente por sus composiciones, actuaciones y producciones de música instrumental de guitarra, pero además ha participado en grabaciones de otros muchos artistas del rock. Es considerado uno de los principales guitarristas eléctricos, y un revolucionario dentro del rock instrumental.


























En su juventud, Vai se interesó en grandes del rock como Jimmy Page, Brian May, Alice Cooper y Jimi Hendrix que fomentó su interés en aprender guitarra. Antes de ingresar en la Berklee College of Music, Vai tomó lecciones con el guitarrista en ascenso Joe Satriani y tocó en muchas bandas locales. Durante este tiempo adquiere la influencia de guitarristas como Jeff Beck y el guitarrista de fusión Allan Holdsworth.

Historia

Nacido el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York (cumplió seis años el sexto día del sexto mes de 1966, como así comentó en la introducción de su libro de transcripciones de Frank Zappa).

A los 12 años, Steve es atraído por el instrumento que luego iba a ser su profesión: la guitarra. Esto hace que empiece a tomar clases, con Joe Satriani quien tenia 16 años. Es aquí donde empieza la carrera de Vai como guitarrista.






















Steve Vai conquistó el reconocimiento general trabajando para el legendario músico, productor y compositor Frank Zappa. Al principio Vai solo le hacia las transcripciones de sus partes de guitarra. Cumplido sus veinte años Frank le pidió a Vai que se uniera a la banda. Cuenta una anécdota que Steve le dijo: "Frank, yo quiero ser como tú“, a lo que Zappa respondió: “Imposible, eres demasiado joven para ser pelado".


















A principios de los años 1980 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, "Flex-Able", y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz, aunque él mismo admitió más tarde no poder reemplazarle. Poco tiempo después saca su segundo disco solista "Flex-Able Leftovers" con temas grabados durante la preparación de su primer disco pero finalmente no incluidos. Entonces se unió al antiguo front-man de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, "Eat them and smile" y "Skyscraper", además de una versión en español del primero titulada "Sonrisa salvaje". En 1986 saltó a la pantalla grande apareciendo en el legendario duelo final de la película Crossroads (Cruce de caminos o Encrucijada) del director Walter Hill donde hizo el papel del guitarrista del diablo llamado Jack Butler enfrentadose a un joven guitarrista virtuoso de la escuela de Julliard en un duelo guitarristico Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid). En esta película Vai interactúa interpretando su parte con Ry Cooder que interpreta la parte de Ralph Macchio, y William Kanengiser interpretando las partes de guitarra clásica, incluyendo "Eugene's Trick Bag" compuesta por William Kanengiser la primera mitad de los arpegios y la segunda mitad el mismo Vai, basándose en el Capricho No. 5 de Paganini, el duelo de crossroads fue interpretado en conciertos en vivo junto a Mike Keneally

Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum "Slip of the tongue" y en 1990 grabó su tercer álbum "Passion and Warfare" obteniendo la atención mundial en su carrera como solista. Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa "Zappa's Universe", por su solo en "Sofa", siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.























En 1991 participa junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla 1992 (Expo´92).

En 1993 aparece el álbum titulado "Sex & Religion", con una formación nueva, Devin Townsend (voz), Terry Bozzio (batería) y T.M.Stevesns (bajo). Deja de lado el estilo solista con una dinámica más de banda. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión.

En el año 1995 Steve graba un álbum titulado "Alien Love Secrets", del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los vídeos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en 6 semanas.

En Septiembre de 1996 se edita "Fire Garden". Encarnando una nueva banda y estilo. Un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.

También en(1996) participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. "
Steve Vai






















Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco "The Ultra Zone", en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.

En el año 2000 Steve Vai graba su primer disco en vivo, "Alive in an ultra World", presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de "The Ultra Zone".

Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2003.

Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, "Live In Astoria: London", donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco. Realizó una vez más con Joe Satriani, una gira convirtiéndose en G4, teniendo en esta oportunidad como invitados al legendario Robert Fripp y al chileno Alejandro Silva.

Su álbum editado en 2005 se titula "Real Illusions: Reflections" y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.

En 2006 participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil.

En 2007 graba el álbum doble "Sound Theories Vol. I & II".

























Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas llamada Ibanez Universe UV77MC. También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck. La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve. En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.

Hoy en dia, Steve es uno de los principales representantes de Ibanez a nivel mundial, y ha logrado que dicha fábrica se convierta en una de las de mayores y más importantes a nivel mundial, gracias a su promocion de la misma usando sus modelos Signature. El 24 de octubre de 1997, tocó en vivo en la fiesta de celebracion del 90 Aniversario de Ibanez, evento que se llevo a cabo en la Nissin Power Station en Japon, con la colaboracion de la prestigiosa marca de baterias Tama. Este evento incluyo a 2 importantes estrellas de la guitarra: el legendario Paul Gilbert, y Andy Timmons, quien formaba parte de la alineacion de la banda que tocaria en dicho evento. Tanto Gilbert como Timmons son dos de los más reconocidos guitarristas en la actualidad y ambos son usuarios de guitarras Ibanez, teniendo sus propios modelos Signature al igual que Vai.

Estilo

Aunque las contribuciones de Vai a otros materiales se han visto obligadas en gran parte por el estilo rock o heavy-rock, su propio material es algo más ecléctico. El estilo de Vai se ha caracterizado como movido y angular, debido a su conocimiento profundo de la teoría musical, su facilidad y magnífica técnica con el instrumento. Vai ha sido acreditado con el reciente renacimiento de la guitarra de siete cuerdas, y ha usado guitarras de dos y tres mástiles.

Un interesante punto a notar es el compromiso de Steve Vai con la práctica. En varias revistas de guitarra y textos, declaró practicar ocho horas por día, un hábito que comenzó temprano en la secundaria.























Equipo

Vai es un productor de estudio realizado, (es dueño de dos: "The Mothership" [1] y "The Harmony Hut" [2]) en sus grabaciones combina el poder de su guitarra signature con un uso importante del estudio y sus efectos de grabación, como el Eventide H3000 ultra harmonizer y de Digidesign, el Pro Tools HD.

En cuanto a su guitarra, ayudó en el diseño de su serie de guitarras signature, Ibanez JEM. Estas tienen una agarradera (comúnmente llamada como "monkey grip") en la parte superior del cuerpo de la guitarra. Tiene tres pastillas: una humbucker en el puente, una single coil en medio y otra humbucker en mástil. Todas son diferentes modelos (Evolution, Breed y EVO 2) de las marca DiMarzio. También usa el sistema denominado "Ibanez's Edge locking tremolo system". Steve también equipa muchas de sus guitarras con un tope de Ibanez , un estabilizador de tremolo. Un modelo de guitarra de 7 cuerdas fue diseñado por él bajo el nombre de Ibanez Universe. También tiene un modelo signature de guitarra acústica Ibanez, Euphoria. Antes de usar Ibanez Steve había probado con Jackson guitars pero el contrato solo duro dos años.

Steve Vai también trabajó con Carvin Guitars and Pro Audio para desarrollar una línea de amplificadores para guitarra. Vai quería crear un amplificador que tuviera sonido único y equilibrado, versátil y adaptable a cualquier guitarra, cosa que no había podido conseguir con otros amplificadores.

A lo largo de su larga carrera musical, ha utilizado y ha diseñado un arsenal de guitarras. Hasta hizo poner su ADN dentro de la pintura de una de sus guitarras signature, la JEM2KDNA[cita requerida]. Solamente 300 de estas guitarras fueron fabricadas. Actualmente usa sobre todo su JEM7V blanca, la cual lleva escrito en un pedazo de cinta las letras "Evo", principalmente para diferenciarla de su guitarra gemela "Flo", aunque "Flo" lleva un susteiner Fernandes.

Entre su ejército de guitarras cuenta con "Mojo", una guitarra de acrílico que tiene incorporadas luces internas ; una guitarra de tres cuellos, la cual tiene las mismas características que sus guitarras JEM7V. Su mástil superior cuenta con doce cuerdas, el del medio es una guitarra típica de seis cuerdas y el mástil inferior no tiene trastes y cuenta con un susteiner Fernandes Sustainer. Esta última guitarra fue utilizada durante la gira del G3 en el 2003 tour, para la ejecución de I Know You're Here. Los pedales de Vai incluyen un Boss DS-1 modificado, un Ibanez Tube Screamer, un Morley Bad Horsie, un Korg Pandora PRX4, un Morley Little Alligator Volume pedal, un Digitech Whammy, y un MXR Phase 90.

Películas

* La música de Steve Vai ha tenido cabida en varias películas como Dudes y Ghosts of Mars.
* Apareció en pantalla en 1986 en la película de Ralph Macchio, Crossroads, interpretando al guitarrista endemoniado Jack Butler. En el clímax de la película, Vai se enfrenta en un duelo de guitarras con Macchio, cuyas partes del duelo fueron hechas por Vai y Ry Cooder, quien toca la parte inicial con slide al comienzo del duelo y las otras performances de Macchio al comienzo de la película. La pieza con la que Macchio gana la competencia, es una pieza neoclásica llamada Eugene's Trick Bag también compuesta por Vai. El tema esta basado sobre el Capricho No. 5 de Niccolò Paganini. Steve Vai utilizo el riff de apertura del tema Head Cuttin' Duel para el tema llamado Bad Horsie de su EP de 1995 Alien Love Secrets.Más tarde el trabajo realizado por Vai en Crossroads y otras películas reaparecería en 2002, formando parte de álbum The Elusive Light and Sound, volume 1.
* En la película Bill & Ted's Bogus Journey el riff introductorio KISS' God Gave Rock 'N Roll To You II como el tema interpretado en la batalla de bandas fue escrito e interpretado por Vai.
* También compuso la banda de sonora de PCU (1994), e hizo contribuciones en el 2001 para las películas de John Carpenter, Ghosts of Mars, tocando los temas Ghosts of Mars y Ghost Poppin. Su tema I'm the Hell Outta Here puede ser escuchado durante el film Encino Man cuando Brendan Fraser esta tomando sus lecciones de conducir.

Filantropo

En 2005, Vai se anotó como sustentador oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee instrumentos de música y clases sin costo a jóvenes de las escuelas públicas en los Estados Unidos. Su nombre figura en la lista de directores como miembro honorario.

Es también fundador de la fundación Make A Noise que provee instrumentos y formación musical a niños sin acceso a ello.

















Favored Nations

Vai es dueño de Favored Nations, una compañía de grabación y publicación de música que se especializa en procurar y mantener internacionalmente músicos. Favored nations está dividida en tres secciones, 'Favored Nations', 'Favored Nations Acoustic' y 'Favored Nations Cool (Jazz style)'

Los artistas actuales en Favored Nations incluye a Yngwie Malmsteen, Eric Johnson, Tommy Emmanuel, Vernon Reid, Andy Timmons, The Yardbirds, Larry Coryell, Mimi Fox, Eric Sardinas, Dweezil Zappa, Dave Weiner y Johnny A.

Vida personal

Vai esta casado con Pia Maiocco, bajista de Vixen. Steve y Pia tienen dos hijos, Julian Angel y Fire. En su tiempo libre Vai disfruta del cuidado de abejas, cuya miel es vendida para su fundación Make a Noise.

VIDEOS
















































jueves, 11 de junio de 2009

Efecto Mozart


¿Qué es el efecto Mozart y por qué hay escuelas que usan la música de ese artista para enseñar?

El efecto Mozart es una teoría según la cual los individuos que escuchen la música de Wolfgang Amadeus Mozart podrán mejorar el intelecto, o al menos algunos componentes de la función intelectual. El término fue acuñado por el Dr. Alfred. A. Tomatis (1991), quién utilizó la música de ese compositor como estímulo en su trabajo para intentar curar una variedad de trastornos.
Él considera que la calma de esa música presentada en diferentes frecuencias ayuda al oído, y promueve la sanación y el desarrollo del cerebro.
La idea del Efecto Mozart fue estudiada más a fondo en el año (1993) en la Universidad de California, Irvine, por el neurobiológo Gordon Shaw y la Dra. Frances Rauscher, experta en el desarrollo cognitivo. Ellos estudiaron en una docena de estudiantes universitarios cuáles eran los efectos al escuchar por 10 minutos la Sonata de Mozart para dos pianos en D mayor (K. 448). Estos investigadores encontraron una mejora temporal en el razonamiento (espacio temporal).
Aunque hay otros investigadores como Kenneth Steele (profesor de psicología) que dicen que siguieron los mismos protocolos que los dos profesionales nombrados anteriormente y que no hallaron ningún tipo de efecto en absoluto.
En 1997, el escritor Don Campbell lanza su libro “El efecto Mozart” en el cual afirma que el poder de la música cura el cuerpo, fortalece la mente, y desbloquea el espíritu creativo, y analiza la teoría de que escuchar a Mozart (en especial el concierto de piano) puede aumentar temporalmente el coeficiente intelectual y producir muchos otros efectos beneficiosos sobre la función mental.
En una de las escuelas se colocaba la música de Mozart después de venir del comedor escolar al salón, logrando así comenzar la jornada con menor ansiedad y en un estado de relajación. También habían días estipulados para desarrollar el proyecto en los cuales se elaboraban letras para los temas de Mozart, basadas en por ejemplo: las tablas de multiplicar, también se creaban movimientos sincronizados y repetitivos con las manos según los distintos niveles y tiempos de la música, como puede verse en el siguiente video


www.Tu.tv


Este video es un documental que nos muestra cómo reacciona nuestro cuerpo con la música de Mozart y también vemos algunas de las actividades que se pueden realizar en la escuela con sus composiciones.
Como la música tiene efectos diferentes en distintas personas, algunos investigadores siguen poniendo a prueba si el efecto Mozart es real y si cualquier otra pieza tiene el mismo efecto.
Lo que no podemos poner en duda es que ésta y otras músicas sirven para despertar la creatividad, aumentar la concentración, disminuir el estrés y afinar el sentido auditivo.
Pensemos en lo que decía Gioachino Rossini, “La música es una especie de medicina que se debe de administrar en dosis"

viernes, 29 de mayo de 2009

JEFF BUCKLEY_nació el 17 de noviembre de 1966 y falleció el 29 de mayo de 1997







Jeffrey Scott Buckley nació el 17 de noviembre de 1966 y falleció el 29 de mayo de 1997. Cantautor y guitarrista estadounidense reputado por su peculiar voz de al menos cuatro octavas y media. Tras la publicación en 1994 del álbum de debut Grace la crítica lo consideró uno de los artistas más prometedores de su generación. Sin embargo, en la cima de la popularidad, muere ahogado mientras nadaba en el río Wolf River. Los críticos y los músicos aún reconocen su trabajo y estilo.


Carrera

Nacido en Los Ángeles, California, Jeff Buckley fue el único hijo de Mary Guibert y Tim Buckley. Su padre era compositor y publicó una serie de discos de folk y jazz muy aclamados a finales de los 60 y principios de los 70, hasta su inoportuna muerte en 1975. Su madre era de ascendencia panameña, y su padre provenía de una familia de emigrantes irlandeses de Cork. Buckley se crió con su madre y su padrastro, Ron Moorhead, en el sur de California, moviéndose continuamente por el condado de Orange. También tenía un hermanastro, Corey Moorhead. Durante su infancia fue conocido como Scott "Scottie" Moorhead pero cuando tenía aproximadamente 10 años decidió tomar su nombre de nacimiento tras conocer a su padre (a quien no volvió a ver), aunque para su familia siguió llamándose Scottie.

A los 18 años se trasladó a Los Ángeles, donde se graduó en el curso de dos años del Musician's Institute. Buckley siempre se refirió a su paso por éste centro como una "pérdida de tiempo", aunque hizo amigos de por vida allí. Su bagaje musical se reflejó en aquellas bandas en las que participó antes de iniciar su carrera en solitario. En Los Ángeles formó parte de la banda de reggae Shinehead, así como en otras bandas en las que normalmente se limitaba a tocar la guitarra. Todavía tenía que descubrir su espléndida voz, incluso sus propios compañeros de grupo.

Buckley se trasladó a Nueva York en 1990. Su debut en público como cantante fue una actuación en 1991, un tributo a su padre, Tim Buckley, en la iglesia de St. Ann de Nueva York. No se le pagó como intérprete. Simplemente eligió mostrar sus respetos a su padre diciendo: "Esto no es un trampolín, esto es algo muy personal". Interpretó "I Never Asked To Be Your Mountain" con Gary Lucas acompañándole a la guitarra, y cantó una versión a capella de "Once I Was", que dejó al auditorio en completo silencio. Cuando se le preguntó por este concierto en particular, Buckley contestó que "no era mi trabajo, no era mi vida. Pero me sentía mal por no haber estado presente en su funeral (de su padre), de que nunca tuve la oportunidad de decirle nada. Aproveché ese concierto para mostrarle mis últimos respetos".

Buckley se convirtió pronto en intérprete solista habitual en el café Sin-é de Greenwich Village, donde atrajo la atención de los ejecutivos de Columbia Records. En 1993 Columbia publicó un EP de cuatro temas grabados en el café Sin-é.





















Grace

Buckley tocó con el guitarrista experimental Gary Lucas y su banda Gods and Monsters. En 1994, Buckley publicó su disco debut Grace, compuesto por diez canciones. Las ventas progresaban lentamente, pero el álbum enseguida recibió las alabanzas de la crítica y el aprecio de otros músicos (entre ellos Jimmy Page, Robert Plant, Bob Dylan, Thom Yorke, Neil Peart y Paul McCartney). Muchos consideran su versión del Hallelujah de Leonard Cohen como la grabación definitiva de dicha canción y probablemente sea la más conocida de Buckley.

El intento de Buckley de preservar su integridad artística y creativa frente a las exigencias intolerables de la industria discográfica le llevó a una situación insoportable. Tras la publicación de su primer y aclamado disco, Buckley pasó más de dos años de gira por todo el mundo. Parecía ser una forma agotadora pero eficaz de mantener la independencia de su compañía discográfica, con la que mantenía una relación bastante tensa. En 1995 Buckley realizó un concierto en el Olympia de París, un local que había hecho famosa a la cantante francesa Édith Piaf y que él consideró el mejor de toda su carrera.

También realizó una gira conocida como "phantom solo tour". La inició en diciembre de 1996 utilizando diversos seudónimos como Father Demo, Topless America, Smackcrobiotic, The Halfspeeds, Crackrobats, y Martha and the Nicotines. Como justificación a tan misteriosa gira, Buckley publicó una nota en internet argumentando que había perdido el anonimato de tocar en pequeños locales y cafés:

Hubo una época en mi vida no hace mucho tiempo en la que podía llegar a un café y simplemente hacer lo que quería, tocar música, aprender tocando, explorar lo que ello significa para mí, esto es, divertirme cuando aburro y/o entretengo a una audiencia que no me conoce o que no sabe a qué me dedico. En esta situación me puedo permitir el precioso e irremplazable lujo de equivocarme, de arriesgarme, de rendirme. He trabajado muy duro para conseguir todo esto, este entorno donde trabajar. Lo amaba y ahora que lo he perdido lo echo de menos. Lo único que estoy haciendo es reclamarlo.

Durante toda su carrera, Buckley hizo varios covers sobre escena de sus artistas preferidos : Bob Dylan, The Smiths, Siouxsie y Leonard Cohen,






















Muerte
Hay muchas teorías sobre la muerte de Jeff Buckley. La historia más aceptada sobre su muerte es la que se muestra en el documental que emitió la BBC hace unos años. Es cierto que se ahogó en el río Wolf, en Memphis (Tennessee) el 29 de mayo de 1997 a la edad de 30 años, la tarde en que su banda había llegado a Memphis para comenzar la grabación de su segundo disco, que iba a llamarse My Sweetheart the Drunk. Aquel día estaba en la orilla del río Wolf con un amigo, escuchando Whole Lotta Love, de Led Zeppelin, cuando de repente, Jeff se levantó y se fue metiendo en el agua totalmente vestido. Mientras Buckley nadaba, su amigo giró para subir el volumen y cuando volvió Jeff había desaparecido. Su cuerpo fue encontrado desnudo cinco días después al final de Beale Street, la legendaria cuna del blues; pudo ser identificado por el característico piercing que llevaba en el ombligo.

También se ha especulado sobre la posibilidad de que Buckley se hubiese suicidado. La biografía escrita sobre él y su padre, Dream Brother, revela que la noche anterior a su muerte Jeff supuestamente había confesado a varios de sus seres queridos que padecía un desorden bipolar. Hay mucha controversia sobre si su muerte fue o no un accidente.

Tras la muerte de Buckley, algunas de las demos grabadas para su segundo álbum fueron publicadas bajo el nombre de Sketches for My Sweetheart the Drunk. Se han publicado otros tres discos con grabaciones en vivo, así como un DVD de un concierto en Chicago.

El trabajo de Buckley, aparentemente anómalo con su época, ha tenido una influencia enorme. Se han escrito numerosas canciones en su tributo, entre las que destacan "Memphis" de PJ Harvey, "Blind River Boy" de Amy Correia, "Memphis Skyline" de Rufus Wainwright, "Wave Goodbye" de Chris Cornell, "Song For A Dead Singer" del grupo belga Zita Swoon, varios temas del grupo de New Jersey Ours. Vocalistas como Thom Yorke de Radiohead y Matt Bellamy de Muse se reconocen a sí mismos como influidos por su voz.

El padre de Jeff Buckley, Tim Buckley, también era músico. Publicó una serie de discos de folk y de jazz muy elogiados a finales de los años sesenta y principios de los setenta antes de morir también a una edad temprana en 1975. Su madre, Mary Guibert, nació en Panamá y tocaba el piano. Algunos fans de Buckley le han acusado de explotar la memoria de su padre, pero resulta una afirmación posiblemente exagerada.


















Discografía

* 1993 - Live at Sin-é
* 1994 - Grace (álbum de Jeff Buckley)
* 1995 - Live from the Bataclan
* 1998 - Sketches for My Sweetheart the Drunk
* 2000 - Mystery White Boy
* 2001 - Live a L'Olympia
* 2002 - Songs To No One 1991-1992
* 2002 - The Grace EPs
* 2003 - Live at Sin-é (Legacy Edition)
* 2004 - Grace (Legacy Edition)
* 2007 - So Real: Songs from Jeff Buckley

Vídeos en directo

* 2000 - Live in Chicago

Documentales


* Amazing Grace: Jeff Buckley (2004) – http://www.amazinggracejeffbuckley.com
* Everybody Here Wants You (2002) – BBC
* Goodbye and Hello (2000) de la TV neerlandesa.
* Fall in Light (1999) de la TV francesa.





































VIDEOS
Forget her
Everybody Here Wants You
Grace
Hallelujah






















jueves, 21 de mayo de 2009

GREEN DAY_NUEVO DISCO


Los punks también crecen

La banda estadounidense Green Day da muestras de un rock "adulto" en un CD "21st Century Breakdown", demasiado largo.


"Know your enemy", corte del nuevo trabajo de Green Day.

69 minutos con 9 segundos es mucho tiempo. En tiempos de iTunes (allá) y de Rapidshare (acá), Green Day desoye la urgencia del mp3 y lanza el ambicioso, dramático, superproducido y largo 21st Century Breakdown. Una ópera rock que funciona como secuela de American Idiot y se detiene en un lugar que invita a la pregunta: ¿encontraron la inspiración o encontraron la fórmula?

American Idiot (2004) ayudó a relanzar la carrera de los californianos tras los alicaídos Nimrod (1997) y Warning (2000) bajo lo que Brandon Flowers de The Killers catalogó de "anti-americanismo calculado". Pero si Billie Joe Armstrong dijo haberse quedado perplejo luego del éxito de American Idiot, lo cierto es que Flowers parece tener tanta razón como celos. El rock de estadio parece tener como modelo a una banda: U2. Si The Killers suele bañarse en Queen para intentar lograr el objetivo, Coldplay siempre chapoteó en Radiohead para el caso. Green Day, entonces, eligió en American Idiot y repite en 21st Century Breakdown las lecciones de The Who mezcladas con viejas ideas propias (o apropiadas).

Dividido en tres actos, el disco tiene un relato politizado que arroja interrogantes y reflexiones sobre religión, guerra, violencia y otros tópicos de la agenda yanqui. Mi generación es cero. Nunca lo logré como un héroe de clase trabajadora, canta Billie Joe desde un lugar incierto. Armstrong tiene 37 años, entonces, ¿de qué generación habla? ¿De la suya? ¿No? ¿De la del personaje? ¿69 minutos de ópera rock en tiempos de mp3? ¿De cuándo y para quién es el disco? En Dookie (1994), Armstrong reflexionaba sobre el desánimo de su generación quejándose de que hasta masturbarse era aburrido, y hoy elige la grandilocuencia de la superproducción hollywoodense. Con la premisa muy Michael Bay de más (grande, largo, caro) es mejor, Green Day vuelve el disco eterno con baladas insufribles de encendedor (o celular) en mano, condimenta tímidamente con algo de vodevil, piano triste o cuerdas lánguidas, resucita viejos sonidos (ya les escuchamos media docena de los 18 tracks) en un paquete emprolijado por el productor Butch Vig (Nirvana). Devuelven, sí, un puñado de buenos hits pegadizos que alternan con un inevitable sabor cada vez más orientado al rock adulto pero aún anclado a un sonido y a letras adolescentes.

miércoles, 20 de mayo de 2009

JOE COCKER_n. Sheffield, 20 de mayo de 1944
























John Robert Cocker, más conocido como Joe Cocker (n. Sheffield, 20 de mayo de 1944) es un músico de rock y blues inglés.

Carrera

Joe Cocker inicia su carrera musical en la ciudad de Sheffield (Inglaterra), lugar donde nace, participando en algunas pequeñas bandas desde la edad de 15 años. La primera de ellas se llamaba The Avengers (bajo el nombre artístico de Vance Arnold), seguida de Big Blues en 1963 y The Grease Band (1966). Su primer single, llamado I’ll Cry Instead, fue el primero en contener varios covers de Beatles.

Después de éxitos menores en Gran Bretaña con el single "Marjorine", tiene su momento de éxito con una versión innovadora de "With a Little Help from My Friends", otro cover de The Beatles del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en el cual incorporan al guitarrista principal de Led Zeppelin Jimmy Page, liderando la lista de singles de Gran Bretaña en noviembre de 1968 por una semana.

En 1969 participó en el Festival de Woodstock, donde interpretó las siguientes canciones:

1. "Delta Lady"
2. "Some Things Goin' On"
3. "Let's Go Get Stoned"
4. "I Shall Be Released"
5. "With a Little Help from My Friends"

Cocker logra un segundo éxito en Gran Bretaña con la canción de Leon Russell "Delta Lady". Nuevamente alcanza grandes logros con sus covers de The Beatles, en especial en 1970 con su versión de "She Came in Through the Bathroom Window" del álbum Abbey Road.
Joe Cocker en el Festival de Woodstock (1969)

Mientras su éxitos británicos demostraron ser difíciles de mantener, disfrutó varios éxitos en los Estados Unidos con "Cry Me a River" y "Feelin' Alright" de Dave Mason. En 1970 su cover del famoso tema "The Letter" de The Box Tops, que apareció en álbum en vivo Mad Dogs and Englishmen, se convirtió en su primera canción en ser posicionada entre las 10 mejores en Estados Unidos.

En 1969 es invitado al Ed Sullivan Show. En el escenario, muestra una gran intensidad física, agitando sus brazos y tocando una guitarra de aire, dándole ocasionalmente apariencia superflua a su banda.

A principios de los ’70 estuvo involucrado en problemas con abuso de drogas, incluyendo problemas con el alcohol. Pero logró su recuperación para su regreso a escena en las décadas de 1980 y 1990, con éxitos que incluían:

* "Up Where We Belong", (Canción ganadora del Academy Award escrita por Buffy Sainte-Marie e interpretada por Jennifer Warnes para la película An Officer and a Gentleman)
* "You Are So Beautiful"
* "You Can Leave Your Hat On"
* "When The Night Comes"
* "N'oubliez Jamais"
* " Unchain My Heart"
* "Feels Like Forever", de la película The Cutting Edge


Cocker participó de la apertura de Woodstock '94, como uno de los pocos que habían tocado en el festival original en 1969. En el mismo fue muy bien recibido.

Esporádicamente participa en giras.

Se lo conoce a veces como "The Sheffield Soul Shouter" (El alma Shouter de Sheffield)

En el 2007 participó de la película "A través del universo", interpretando la canción "Come Together".

Discografía

* With a Little Help from My Friends (1969)
* Joe Cocker! (1969)
* Mad Dogs & Englishmen (1970)
* Joe Cocker: Something to say (1972)* I Can Stand A Little Rain (1974)
* Jamaica Say You Will (1975)
* Stingray (1976)
* Greatest Hits (1977)
* Luxury You Can Afford (1978)
* Sheffield Steel (1982)
* Civilized Man (1984)
* Cocker (1986)
* Unchain My Heart (1987)
* One Night Of Sin (1989)
* Joe Cocker Live (1990)
* Night Calls (1992)
* The Best Of Joe Cocker (1993)
* Have A Little Faith (1994)
* The Long Voyage Home (1995)
* Organic (1996)
* Across From Midnight (1997)
* Greatest Hits (1998)
* No Ordinary World (1999)
* Respect Yourself (2002)
* Ultimate Collection (2004)
* Heart & Soul (2005)
* Classic Cocker (2007)

Curiosidades

* Joe fue amigo de la familia de Jarvis Cocker integrante de la banda Pulp.

* En 1976, Cocker interpretó "Feelin' Alright" en el show Saturday Night Live. John Belushi lo acompaño en el escenario, imitando los famosos movimientos de Joe Cocker.

* Fue expulsado de la escuela media y nunca obtuvo su diploma.

* "Woman To Woman" fue incluida en el video juego Grand Theft Auto: San Andreas en la estación de radio de Classic Rock K-DST

* El striptease de Kim Basinger en Nueve semanas y media se hace al compás de la canción de Joe Cocker "You can leave your hat on"

* En la película de Julie Taymor Across the Universe (2007), Joe Cocker interpreta varios papeles secundarios y participa en la banda sonora interpretando "Come Together" de los Beatles.

* El leve movimiento de sus brazos al cantar hace que dicho movimiento, hecho por personas que lo hacen de forma involuntaria, sea llamado "Síndrome de Joe Cocker".

VIDEOS

































lunes, 13 de abril de 2009

The Brian Setzer Orchestra










The Brian Setzer Orchestra es una orquesta de swing, rockabilly, psicobilly y otros subgéneros musicales formada en 1990 por Brian Setzer, cantante y guitarrista virtuoso de la popular banda rockabilly Stray Cats. Es una de las bandas más destacadas del estilo conocido como Swing Revival o Neoswing, basado en rescatar el sonido swing de los años 40 y 50 del siglo XX fusionado con otros estilos más modernos. Se distingue de otras bandas del género (normalmente compuestas por guitarra, contrabajo, batería, trompeta, saxo y trombón) por su gran cantidad de instrumentos de viento, contando con cuatro trompetas, cuatro trombones y cinco saxofones. De esta manera logra un gran vigor en los ¨ataques¨ y melodías. La orquesta saltó a la fama con su sencillo ¨Jump Jive An' Wail¨ una canción de Louis Prima y es una de las pocas bandas de Neoswing que ha sobrevivido a los 90 manteniendo su éxito. Participaron en varias películas, tocaron en Woodstock 99, y aparecieron varias veces en diversos shows de TV.

Formación

  • Bernie Dresel - batería
  • John Hatton – contrabajo
  • Will Mrillo - trompeta
  • Bob M. Bennett - trompeta
  • Kevin Norton - trompeta
  • Steve Reid – trompeta
  • Tim Misica - saxo
  • Charlie Peterson - saxo
  • Vince Trombetta - saxo
  • Mark Visher - saxo
  • Jim Youngstrom - saxo
  • Jason Thor - trombón
  • Robbie Hioki - trombón
  • Jeremy Levy - trombón
  • Greg Varlotta – trombón
  • Julie Reiten - coros y voces
  • Leslie Spencer smith – coros y voces
  • Brian Setzer - guitarra y voz principal

Discografía

  • The Brian Setzer Orchestra (1994)
  • Guitar Slinger (1996)
  • The Dirty Boogie (1998)
  • Vavoom! (2000)
  • Boogie Woogie Christmas (2002)
  • Jump, Jive an' Wail - The Very Best of the Brian Setzer Orchestra (2003)
  • The Ultimade Collection Live (2004)
  • Dig That Crazy Christmas (2005)
  • Wolfgang's Big Night Out (2007)

DVD en Vivo

  • Brian Setzer Orchestra live In Japan (2001)
  • Brian Setzer Orchestra Live: Christmas Extravaganza (2005)
  • The Brian Setzer Orchestra: One Rockin Night - Live In Montreal (2007)


BRIAN SETZER GUITAR LESSON