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martes, 30 de junio de 2009

JAVIER MALOSETTI_"Los artistas jóvenes son la esperanza del país"

Por pimera vez, el prestigioso bajista tiene una banda propia, Electrohope. Integrada por músicos Sub-30, habla del gran momento del jazz argentino y de su relación con los grandes, de Bob Dylan a Luis Alberto Spinetta.

Por: Gloria Guerrero
Javier Malosetti interpretando "Over the rainbow".
Con su metro noventaypico y sus zapatillas 49, tiene todo el aspecto de un basquetbolista profesional... luego de unas muy saludables vacaciones. El asunto de las "llantas" siempre fue un apocalipsis hasta que consiguió que una famosa marca le diera su apoyo (plantal) y se las hiciera a medida: "¡Me salvaron la existencia....!". Pero Javier tiene, de suyo, con qué pisar: es uno de los músicos más brillantes de la Argentina, lleva los genes de una leyenda del jazz local (Walter Malosetti) y cuenta con un historial abrumador que suma ocho discos como solista, muchos premios Clarines, Gardeles y Konex, y vínculos preciosos con gentes como Luis Alberto Spinetta (con quien grabó casi una decena de álbumes), Pappo, Divididos, Rada, Lito Vitale (sigue la lista) y hasta Bob Dylan, quien lo eligió como telonero de su concierto de 2008 en Rosario.

Figurón convocante del jazz de acá, experimentador y eterno propenso a la carcajada, Malosetti ha hecho casi todo. Pero siempre hay algo que alguien hace por primera vez. A los 43, tiene por fin banda propia: Electrohope, cuyo álbum debut sale a la venta este martes 30 de junio. El disco incluye composiciones propias y versiones de clásicos y rarezas (de Prince a León Gieco) y dos temas con dedicatoria especial: Waltz for Leloir (al Parque y al doctor) y Hymn for Mono, al gran baterista Norberto Minichilo, fallecido recientemente.

Javier Malosetti canta y se ocupa de bajos, guitarras, baterías y hasta panderetas. Y también del M2, un instrumento realizado por el luthier Mariano Maese compuesto por un doble mástil con bajo de cinco cuerdas y guitarra.


¿"Electrohope" es tu primera banda? ¿De verdad?

¡Yo nunca tuve una banda! Siempre toqué con algún solista, con algún cantante, en el grupo de otro... pero nunca formé parte de una banda. Entonces, me armé una yo.

Y con pibes.

Y con pibes, sí. Hay uno que es más jovato, aunque no llega a los 30 años: Nico Raffetta, organista y tecladista de Pappo; para mí es una pieza fundamental en el blues local. El baterista es Tommy Sainz (20 años); yo veía que no se soltaba, que no se soltaba y le dije: "Noto que, ante la duda, no tocás. Hacé al revés: ante la duda¿ ¡vos pegále!". Al final lo hizo, entendió todo, es perfecto (se ríe). En otros temas de este disco tocan Oscar Giunta o mi hijo (Julián, 17), o sea que las partes de batería siempre están buenísimas... salvo en dos canciones que la toco yo. Hernán Segret (22) es el guitarrista, un gran compositor; lo conozco desde que tenía 16 y era mi alumno de bajo... Mirá, éste es el primer disco de toda mi trayectoria en el que delego el lugar del bajista: en un tema toca Hernán, y en otro Mariano Otero... Pero el cambio fundamental de este disco radica en los chicos. En Electrohope lo de "Hope" (esperanza) es por ellos. Para mí son la esperanza del país, ni más ni menos: los artistas jóvenes

¿Y lo de "Electro"?

Porque tiene un sonido "un poquito más allá". No es que tocamos en las raves, entendés, no estamos hablando de música electrónica, pero tiene un destino más eléctrico que lo que yo venía haciendo. Remite más al sonido de un equipo puesto al palo, al sonido de un órgano con su Leslie girando hasta levantar vuelo... No interpreté mi propia música de este modo nunca antes.



¿Ahora sí te va a perturbar que te premien sólo como músico de jazz?

A ver: en realidad estoy agradecido de que cada tanto alguien ponga un disco mío y piense: "vamos a reconocérselo". Eso está buenísimo. Y si me ven como "músico de jazz" también me halaga, porque es la música más grossa en este momento...


¿Creés que el jazz es la música más grossa...?

Y, para mí sí. Porque tiene los conceptos armónicos de la música clásica pero extendidos aún más: tiene la improvisación, el swing, el ritmo, el «áfrica, el humor, cosas que, a mi modo de entender, la convierten en la música más alta. Pero algunos apelan también a otros estados, claro. Como los "rockeros malos", todos pintados: son otras sensaciones que prefiero dejarlas en mi casa. Porque a veces las músicas heavies se llaman así porque están tocadas desde un modo pesado, pero musical y armónicamente tienen un mensaje muy inocente. Y después ponés el Pájaro de Stravinsky y decís: "¡Esto sí que es pesado, boludo...!" O la Danza de Maya de la Mahavishnu Orchestra: ¡ésas son cosas pesadas, que te dejan lleno de inquietudes y de miedo!... El jazz es una gran influencia para mí, aunque no la única. Fue lo que siempre más me gustó: no quiero darles la espalda a todos los años en los que escuché a Louis Armstrong. No el Armstrong de cabaret, sino el Armstrong joven, inquieto y compositor. Me gusta que eso aparezca en mi música de algún modo, en algún momento. Es una tradición. Y a mí me gustan las tradiciones. Como me gusta Prince, porque disfruta tanto de Duke Ellington: Prince ha escuchado mucho, es como un Duke moderno¿


En tu nuevo disco está Prince y también está Príncipi...

(Risas) ¡Sí! Grabé mi versión de Vicki Waiting: si hago un tema de un artistazo, prefiero que sea un lado B. Y Cachito campeón de Corrientes es un tema que me encanta de toda la vida. También incluimos esta versión en el disco homenaje a León Gieco, a beneficio de comedores de Buenos Aires, y Osvaldo Príncipi participa como invitado: es el relator de la pelea de Cachito. Príncipi, mirá vos, fue de gira por todo el mundo con mi abuelo materno, el periodista de boxeo Jorge Mórtola, quien tuvo las páginas Luces en el ring en Crónica durante medio siglo... Príncipi era algo así como "el pollo" de mi abuelo y todo el tiempo me cuenta cosas de él... a mí, que de boxeo no tengo ni idea. Y terminé haciendo un blues rural, aunque en el medio conservé un poco de chamamé. Porque el blues y el chamamé comparten el compás ternario: vos ponés un chamamé y un blues que estén al mismo tiempo y no tienen nada que ver estilísticamente, pero rítmicamente caminan juntos. Cachito... es fantástico, es una novela¿


Ahora vas a presentar "Electrohope" en La Trastienda y después en el interior. ¿Cómo se vive la crisis en las giras?

Sé que cerraron muchos lugares y que la cosa está difícil en los pubs, pero en el interior siempre tocamos en teatros hermosos... El del jazz es un fenómeno particular. En un país bastante incendiado y con poca guita, sin embargo hay boliches de jazz, un vasto catálogo, salen muchos discos, y todos tocan. La crisis argentina es innegable, pero tenemos laburo y a salas llenas. No sé, será que a la gente le gusta destinar parte de su erario a su esparcimiento artístico... cosa que celebro con felicidad.

EL "FLACO" SPINETTA HABLARA HOY DE "ARTAUD"


El testimonio del músico sobre su disco de 1973 será el plato fuerte de la emisión de esta noche de "Elepé" (Canal 7).
La historia de un disco histórico
Por: Eduardo Slusarczuk
PALABRA SANTA SPINETTA, ESUIVO A LAS CAMARAS, HOY LAS ENFRENTARA SIN PUDORES.
Bisagra y puente entre la crudeza de Pescado Rabioso y la sofisticación de Invisible. Espacio de búsqueda y experimentación de nuevos sonidos y colores. La aparición de Artaud, en 1973, marcó en la historia del rock argento un hito cuya génesis y proyección transitará hoy Elepé, discos clásicos de rock (a las 22, Canal 7). A lo largo del programa, los testimonios de Luis Alberto Spinetta, su hermano Gustavo, Emilio del Guercio, Rodolfo García y Juan Gatti abrirán las puertas de aquellas sesiones de grabación y la cocina de diseño de la tapa que se ganó el odio de los disqueros de la época. Además, los periodistas y escritores y Juan Carlos Diez y Miguel Grinberg, buceadores de la obra del Flaco, más los músicos Diego Frenkel y Leo García, analizarán el impacto de la obra en su presente y en lo que vino después.

"El disco es como una especie de antídoto", dice Spinetta en Martropía, el libro en el que Diez recopiló sus conversaciones con el músico. "Había que encontrar a alguien para amar. Otro proyecto de vida", revelará esta noche en Elepé.

"Tenerlo a Luis es un honor", reconoce Nicolás Pauls, conductor del ciclo, quien asumió la tarea de comunicarse con el artista, habitualmente esquivo a la TV. La simpleza y bajada de línea de Todas las hojas son del viento, la deconstrucción poética que propone Por, el desarrollo de ideas de la Cantata de puentes amarillos, la versión Cerati de Bajan. Apenas algunos de los temas que permitirán conocer un poco más de cerca todo lo que aún encierra uno de los discos más importantes de la música popular de esta partecita del mundo.

EDUARDO LAGOS_SU MUERTE


EL PADRE DE LA PROYECCION FOLCLORICA

Murió el pianista Eduardo Lagos. Fue uno de los más grandes renovadores de la música folclórica de la Argentina. Tenía 80 años.

Por: Juan Andrade
UN RENOVADOR "NO HACEMOS FOLCLORE, HURGAMOS EN SU ESENCIA Y SUS RAICES PARA PROYECTARLO HACIA HOY", DECIA.
En la madrugada del viernes, el pianista Eduardo Lagos falleció en el departamento de la Recoleta en el que atesoraba unos cinco mil discos y un piano Erard de fines del siglo XIX. Médico oftalmólogo de profesión, fue una de las figuras que inauguraron la música de "proyección folclórica" cuando parecía que se trataba de términos antagónicos. A lo largo de sus 80 años de vida también ejerció ocupaciones como el periodismo (fue crítico musical del diario La Prensa y de las revistas Gente y Folklore, además de ocupar la dirección artística de las radios El Mundo, Belgrano, Municipal y Nacional), la navegación y la organización de interminables veladas con colegas y compinches.

Nacido en Buenos Aires en febrero de 1929, en plena infancia empezó a tomar clases con el compositor Juan Carlos Paz. Así fue como a una edad temprana se hizo habitué del paraíso del Teatro Colón y se familiarizó con la obra de Claude Debussy y Erik Satie. Pero más tarde quedó fascinado por el universo autóctono que se desplegaba en las peñas encabezadas por los Hermanos Abalos. Aunque pretendía imitar a su admirado Adolfo Abalos, el mayor elogio que recibió de parte de éste fue una frase algo socarrona: Ay, Laguitos, que atrevido...

Para Lagos, el folclore nunca supo a tradición anquilosada. La oncena, la chacarera de avanzada que escribió en 1956 y más tarde registró Mercedes Sosa, lleva por título una referencia al acorde principal del tema. Junto con La bacha y Cuando los gauchos vienen marchando encabezaba el ránking personal de su trabajo autoral. Según la definición que había tomado prestada de Waldo de los Ríos, se las podía escuchar como piezas de "música argentina contemporánea".

"Sabemos perfectamente que no estamos haciendo folclore, pues el folclore ya está hecho y, a lo sumo, podremos hurgar en su esencia y en sus raíces para proyectarlo hacia hoy", escribió en 1969 a propósito de la salida de Así nos gusta, disco que grabó con Astor Piazzolla, Hugo Díaz, Antonio Agri, Domingo Cura, Oscar Cardozo Ocampo y Oscar Alem, entre otros.

En compañía de varios de los mencionados y otros pares, Lagos animaba en su casa reuniones en las que diálogo se producía a menudo a través de las notas musicales. Orientados por su espíritu inquieto y vanguardista, encontraban en las armonías del folclore un espacio de libertad apto para la improvisación. Por su similitud con la jam sessions del jazz, el armonicista Díaz las bautizó folkloreishons. La serie de tres volúmenes con grabaciones encontradas que Lagos editó desde 2005 a través del sello Melopea se titulan, en honor a aquellos encuentros, Folkloreishons.

Debido al mal de Parkinson que le diagnosticaron a comienzos del nuevo milenio, en los últimos años casi no salía de su casa. "Me da bronca no poder tocar bien el piano", solía repetir, ya definitivamente alejado de los escenarios. De todas formas, siguió recibiendo la visita de nuevas generaciones de músicos que supieron valorar el lugar de precursora que tuvo su obra. Y él les contaba quiénes habían sido Manuel Gómez Carrillo o José María Hoyos, para que sus nombres no cayeran en el olvido. Como tampoco caerá el suyo

lunes, 29 de junio de 2009

CARLY SIMON_VIDEOS

Carly Simon – Anticipation: Live

Carly Simon – Nobody does it better (The spy who loved me)

Carly Simon – I Only Have Eyes For You

Carly Simon “Blackbird”

Carly Simon “Scarborough Fair”

Carly Simon – Wynken, Blyken, and Nod (as the Simon Sisters)

Carly Simon – You belong to me

Carly Simon – Coming Around Again (Itsy Bitsy Spider)

CARLY SIMON – Raining

Carly Simon – I Got It Bad(Itsy Bitsy Spider)

You’re So Vain

carly simon – jesse (live – 1995)

Carly Simon “No Secrets”

Carly Simon “Quiet Evening”

Carly Simon – With A Few Good Friends

Carly Simon – Love Of My Life: Live

James Taylor & Carly Simon – Close Your Eyes

James Taylor & Carly Simon – Devoted To You

Mockingbird – Carly Simon and James Taylor

Carly Simon – “Laura”

CARLY SIMON – “My Romance”




Carly Simon LET THE RIVER RUN

Carly Simon – Life Is Eternal”

Carly Simon – Holding Me Tonight

carly_simon_blue

One of the things that has always motivated me to write is the desire to get it out and look

CARLY SIMON_nació el 25 de junio de 1945













Carly Elisabeth Simon (n. Nueva York, 25 de junio de 1945) es una cantante estadounidense. Fue una de las artistas, llamadas confesionales por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años '70 y '80.

Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.

A inicios de los años sesenta ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado "The Simon Sisters" que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".

Las hermanas se separaron a finales de los sesenta y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman quien para entonces era el representante de Bob Dylan, sin embargo el intento no prosperó.

Entonces decidió dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be" y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado “Carly Simon”, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.

Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.

Aún hoy, en todas las entrevistas que se le hacen a Carly Simon se le pregunta sobre quién es el dedicado y la respuesta siempre es una evasiva que simplemente tiende a enredar más los mecates.

La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90 se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.

“No Secrets”, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do” que llegó al top 40. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.

En 1972 Carly Simon se casó con cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.

Si bien es cierto el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.

Su cuarto álbum fue “Top Ten Hotcakes” de enero de 1974 y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó "Haven't Got Time for the Pain" que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.

“Playing Possum” de 1975 y “Another Passenger” de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de la película de James Bond, “El Espía que Me Amó”. "Nobody Does It Better" vendió más de un millón de copias y estuvo entre las diez más populares de la lista Billboard.

Su siguiente disco “Boys in the Trees” de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.

Sus siguientes discos “Spy” de 1979 y “June” de1980 no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en él último venía “Jesse” un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.

En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.

La primera mitad de los ochenta no fueron boyantes para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.

En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio, como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.

Su regreso a las 40 calientes en 1986 vino de la mano de “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Óscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.

En 1990, Simon lanzó un disco de baladas pop en el que incluía una serie de “covers” llamado “My Romance”. 6 meses después puso a la venta “Have You Seen Me Lately?” en el que todo el material era original.

En el 2001 graba la banda sonora de "La Gran Pelicula de Piglet" la que le da un impulso a su carrera

Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.

Quizás no sea el tipo de persona que la gente recuerde por su nombre, pero definitivamente es el tipo de voz melódica que tiene el poder de apartarnos un momento de lo que estamos haciendo para recordar y sentir.

GILBERTO GIL_nació el 26 de junio de 1942












Gilberto Gil, nacido Gilberto Passos Gil Moreira el 26 de junio de 1942 en Salvador, Bahía, Brasil. Es cantante, compositor y, desde el 2003 hasta el 2008, fue Ministro de Cultura de Brasil. Gil es conocido principalmente por sus grabaciones hechas en los años 1960, en la fase del tropicalismo, incluyendo Roda, Lunik 9, y Domingo no Parque. La cantante brasileña Elis Regina grabó muchas de sus canciones.


Comenzó su carrera como músico de bossa-nova, pero inmediatamente comenzó a componer música que reflejaba una preocupación política y contenido social, junto con su compañero Caetano Veloso. En los años 1970, Gil añadió elementos nuevos, de la música de África y de Estados Unidos, a su ya vasto repertorio, y continuó lanzando álbumes como Realce y Refazenda. João Gilberto grabó la canción Eu vim da Bahía (Yo vine de Bahía), en su clásico disco llamado João Gilberto.

En 1969, Gil y Caetano Veloso fueron considerados «subversivos», y fueron detenidos por el régimen militar brasileño instaurado después de 1964. Una vez liberados, ambos fijaron residencia en Londres. Gil empezó a tocar con grupos como Yes, Pink Floyd y la Incredible String Band, al mismo tiempo continuaba su carrera como solista. En los años 1970 hizo una gira por los Estados Unidos y grabó un álbum en inglés. Trabajó con Jimmy Cliff y lanzó en 1980 una versión en portugués de No woman, no cry, de Bob Marley (en portugués, «Não chores mais»), que fue el primer éxito con ritmo reggae grabado en Brasil en portugués.

Continuó grabando, dando conciertos e involucrándose en varias causas sociales, y llegó a ser elegido concejal en Salvador (Brasil), su ciudad natal, en los años 1990. En 1993 grabó Tropicália 2, contando con la participación de Caetano Veloso. Este disco incluye una versión de la canción de "Wait Until Tomorrow" de Jimi Hendrix y es considerado uno de sus mejores trabajos desde finales de los años 60.

Cuando Luís Ignácio Lula da Silva asumió la presidencia de Brasil en enero de 2003, escogió a Gilberto Gil para ser Ministro de Cultura en su gobierno.

Gilberto Gil es miembro del Partido Verde brasileño. Es conocido por su defensa del software libre, y por extensión, de la cultura libre.

JOHN ENTWISTLE_9 de octubre, 1944 - 27 de junio, 2002












John Alec Entwistle (9 de octubre, 1944 - 27 de junio, 2002) fue el bajista de The Who, uno de los más importantes bajistas de la historia del rock.

Nació en Chiswick, un suburbio de Londres, en 1944. Desde niño aprendió a tocar varios instrumentos, integrando conjuntos de marchas y de jazz. Aunque fue amigo de la infancia de Pete Townshend fue a través de Roger Daltrey que se unió a inicios de los años 60 al conjunto de Rock and Roll The Detours, que eventualmente evolucionaría hasta convertirse en The Who. Entwistle fue quien a su vez introdujo a Townshend al grupo al recomendárselo a Daltrey como guitarrista.

Algunas veces conocido como "The Ox" ("El Buey"), generalmente fue visto como la persona más tranquila de la banda. Bill Wyman lo describía como "el hombre más callado en la vida privada pero el más ruidoso sobre el escenario."

Además de ser uno de los mejores y más famosos bajistas de la historia de la música rock, John Entwistle era un talentoso compositor. Escribió canciones como "Cousin Kevin", "My Wife", "Boris The Spider" y "Heaven and Hell". Estas canciones, además de sus trabajos solistas, mostraban un obscuro sentido del humor que no solía ser compatible con las composiciones de Pete Townshend, que solían ser más introspectivas. Aunque solía aportar sus composiciones en los álbumes de The Who, fue el primer miembro de la banda en editar un álbum solista (Smash Your Head Against The Wall, de 1971).

Entwistle también sabía tocar el corno francés y la trompeta, por lo que ocasionalmente aportaba partes de los mismos en canciones de The Who (en especial en el álbum Quadrophenia), y ocasionalmente aportaba su voz, no solo para cantar sus canciones sino para los coros.

Su estilo único permitió demostrar el potencial del bajo como instrumento principal (como en "My Generation"). Townshend lo consideraba el guitarrista principal del grupo.

Sus influencias incluyen a Duane Eddy y Gene Vincent, y a bajistas de soul y R&B como James Jamerson (otro bajista pionero), al igual que sus lecciones de corno francés, piano y trompeta. Entwistle suele ser aparecer en los primeros puestos de las listas de "Mejores bajistas" de diversas revistas especializadas; en el año 2000, los lectores de la revista Guitar lo declararon "Bassist of the Millennium" ("Bajista del Milenio").

Además de su trabajo con The Who, Entwistle era un destacado solista, realizando cierto número de álbumes en los años 70. Hacia el final de su carrera, formó The John Entwistle Band con su amigo de toda la vida, el baterista Steve Luongo. Godfrey Townsend (sin "h" y no relacionado a Pete) era el guitarrista y cantante principal del mismo. En 1996, la banda salió de con Alan St. Jon en teclados (la gira se llamó "Left for Dead"). Tras la gira "Quadrophenia", de The Who, la banda de Entwistle salió de gira nuevamente en 1998 (esta gira se llamó "Left for Dead - the Sequel"), con Gordon Cotten en teclados. Luego de la misma, la banda editó un álbum en vivo con los mejores momentos de las giras, llamado Left for Live.

En el año 2001 toco en el show "A Walk Down Abbey Road" (tributo a los Beatles), organizado por Alan Parsons y con la participiación de Ann Wilson de Heart, Todd Rundgren, y David Pack de Ambrosia, además de Godfrey Townsend en guitarra, Steve Luongo en batería, y John Beck en teclados. A fines del 2002 se editó una edición expandida (y doble) de Left for Live (llamada Left For Live Deluxe), con más performances de The John Entwistle Band.

Una de las razones de su intensa actividad solista y como miembro de The Who fue que Entwistle era excesivamente liberal con el dinero y necesitaba ingresos para cubrir sus dispendios. Según una declaración suya, poseía una colección de automóviles y no sabía conducir. De acuerdo a Pete Townshend, para la gira «Quadrophenia» en 1996, John cobró una cantidad de más de un millón de libras esterlinas, y antes de un año había gastado casi todo el dinero. De hecho, el principal motivo de las giras y grabaciones de The Who entre la muerte del baterista Keith Moon en 1978 y la de Entwistle en 2002 era la necesidad de Entwistle de reunir dinero para poder pagar sus deudas. Hasta el último día sus excesivos gastos (ropa, restaurantes, automóviles, mujeres, drogas, proyectos musicales solistas...) plagaron las finanzas de John y tras fallecer su familia hubo de subastar varias propiedades y recuerdos de su carrera musical (poseía una gran colección de bajos) para poder liquidar sus adeudos.

Murió en Las Vegas en el 2002, en las vísperas del primer show de una gira de The Who por los Estados Unidos por un supuesto ataque al corazón. Los médicos determinaron que el ataque cardíaco podría haber sido causado por una cierta cantidad de cocaína: la droga podría haber causado que sus arterias coronarias se contrajeran. Entwistle, al igual que Townshend, luchó contra una adicción a la cocaína por gran parte de su vida. Fue reemplazado en The Who por Pino Palladino.

Discografía

* Smash Your Head Against The Wall (1971)
* Whistle Rymes (1972)
* Rigor Mortis Sets In (1973)
* Mad Dog (1975)
* Too Late The Hero (1981)
* The Rock (1996)
* King Biscuit Flower Hour Presents In Concert (1996)
* Left For Live (1999)
* So Who's the Bass Player? The Ox Anthology (2005)


John Entwistle Band-Horror Rock












Chester Burton "Chet" Atkins (20 de junio de 1924 – 30 de junio de 2001) fue un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul - le trajo admiradores ambos dentro y fuera de la escena de EE. UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Él creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como el sonido Nashville, que amplió la música country incluyendo a admiradores de música pop adultos.


Chet Atkins nació en Luttrell, Tennessee, y creció con su madre, dos hermanos y una hermana, siendo el más joven. Sus padres se divorciaron cuando él tenía seis años. Él comenzó con el ukelele, más tarde avanzó al violín, pero negoció a su hermano Lowell una vieja pistola y algunas tareas para una guitarra cuando él tenía nueve años. Forzado a trasladarse Georgia (estado) para vivir con su padre debido a una casi fatal condición asmática, Atkins fue un joven sensible que hizo de la música su obsesión. Él se hizo un guitarrista dotado mientras estaba en educación media. Atkins era autodidacto, y más tarde la vida le concedió junto a Tommy Emmanuel, Jerry Reed y John Knowles el grado honoris causa "CGP", significando "Guitarrista Certificado" (en inglés, Certified Guitar Player). Su hermanastro Jim fue también un guitarrista acertado que llegó a trabajar con el Trío de Les Paul en Nueva York.

Atkins no tuvo un estilo propio hasta 1939, cuando (todavía viviendo en Georgia) él oyó tocar a Merle Travis en la radio (la WLW). Esta temprana influencia dramáticamente formó su estilo de tocar propio. Mientras que la mano derecha de Travis utilizó su índice para la melodía y el pulgar para apuntes de bajo, Atkins amplió su estilo de mano derecha para incluir una pulsación a las cuerdas con sus tres primeros dedos, y con el pulgar sobre el bajo. El resultado fue una claridad y complejidad que hizo su sonido inequívoco. Después de dejar el colegio en 1942, él consiguió un trabajo en WNOX la radio de Knoxville. Allí él tocó el violín y la guitarra con el cantante Bill Carlisle y el cómico Archie Campbell así como también se hizo miembro de la estación "Dixieland Swingsters", un pequeño combo instrumental de swing.

Después de tres años, él se movió a la radio WLW en Cincinnati, Ohio, donde Merle Travis anteriormente había trabajado. Después de seis meses él se movió a Raleigh y trabajó con Johnnie y Jack antes de dirigirse a Richmond, Virginia, donde él tocó con la banda Sunshine Sue Workman. La personalidad tímida de Atkins trabajó contra él, como hizo el hecho que su estilo sofisticado condujo muchos a dudar que él fuera realmente un tocador "country". Él fue despedido a menudo, pero fue capaz de conseguir otro trabajo en otra emisora de radio debido a su habilidad de tocar única. Atkins hizo sus propios discos, que por lo general visitaban normas de pop y jazz, en un estudio propio sofisticado en su casa, a menudo grabando las pistas de ritmo en la radio RCA, pero añadiendo sus partes de solo en casa, refinándolo todo hasta que el resultado lo satisficiera. Los guitarristas de todos los estilos llegaban de todas partes para admirar varios álbumes suyos debido a sus ideas musicales únicas y en algunos casos, sus ideas electrónicas experimentales. En este período Atkins se hizo conocido internacionalmente como "Mister Guitar" (Señor Guitarra), que es también el nombre de uno de sus álbumes. Su marca registrada "el Estilo de Atkins" para tocar, que era y es muy difícil para un guitarrista de dominar, es usando el pulgar y los primeros dos - a veces tres - dedos de la mano derecha. Él desarrolló este estilo de escuchar a Merle Travis de vez en cuando de una radio primitiva. Él estaba seguro de que nadie podría tocar esto articuladamente solamente el pulgar y el índice (que en realidad era exactamente como Travis lo tocaba) y él asumió que para esto se requerían el pulgar y dos dedos - y era el estilo que él promovió y dominó.

El hit más grande de Atkins fue el single de 1965, "Yakety Axe" una adaptación de su amigo saxofonista Boots Randolph, "Yakety Sax". Él raras veces se presentaba en vivo en aquel tiempo, y eventualmente tuvo que alquilar a otros productores de RCA como Robert Ferguson y Felton Jarvis para aliviar su carga de trabajo. Un combate en 1973 contra el cáncer de colon, sin embargo, condujo Atkins a redefinir su papel en RCA, permitir a otros manejar la administración mientras que él volvió a su primer amor, la guitarra, a menudo grabando con Reed o incluso con Homer y Jethro en Jethro Burns (el cuñado de Atkins) después de que Homer muriese.

Hacia finales de los años 70, Atkins se la había pasado como un productor. Nuevos ejecutivos en RCA tenían ideas diferentes. Él primero se retiró de su posición en la empresa, y luego comenzó a sentirse sofocado como un artista porque RCA no le dejaría diversificarse en el jazz. Al mismo tiempo él se descontentó con la dirección Gretsch (ya sin posesión familiar sobre ella) fue y retiró su autorización a ellos para usar su nombre y comenzó a diseñar guitarras Gibson. Él abandonó RCA en 1982 y firmó a Columbia Records, para la cual produjo un álbum de estreno en 1983. Mientras estaba con Columbia, él mostró su creatividad y gusto en la guitarra de jazz, y en varios otros contextos. El jazz siempre fue un amor fuerte suyo, y a menudo en su carrera él fue criticado por músicos "puros" de country del país, por sus influencias de jazz. Él también dijo en muchas ocasiones que no le gustaba ser llamado un "guitarrista country", insistiendo que él era un guitarrista nada más, y punto. Aunque él tocase 'de oído' y fuese un improvisador magistral, también fue capaz de leer la música y hasta realizó algunos arreglos de guitarra clásicos con el gusto y la distinción. Él más tarde, volvió al country con álbumes que él registró junto a Mark Knopfler y Jerry Reed. Siendo cuestionado para nombrar a los diez guitarristas más influyentes del siglo XX, él nombró a Django Reinhardt en primera posición de la lista, y él mismo se ubicó quinta posición.

En años posteriores él volvió a la radio, apareciendo en Garrison Keillor's Prarie Home Companion, llegando incluso hasta el punto de tocar un violín de tiempo en tiempo.

Atkins recibió numerosos premios, incluyendo once Grammy Awards y nueve premios de la Country Music Association. Mientras él hacía más y más actos, en los años noventa su salud se puso frágil y el cáncer volvió y esta vez empeorado. Luego Chet Atkins moría el 30 de junio de 2001 en su casa en Nashville.

Atkins fue citado muchas veces en todas partes de su carrera, y en su propio legado él una vez dijo:

"Años después, luego de que me haya ido, alguien escuchará lo que hice y sabrá que yo estuve aquí. A ellos no les importará quién era yo, pero ellos oirán a mis guitarras hablando por mí. "

STANLEY CLARKE_nació el 30 de junio 1951





















Stanley Clarke (Filadelfia, 30 de junio 1951), bajista estadounidense, tanto en su vertiente eléctrica como acústica, cuya producción, casi siempre vinculada al jazz, abarca estilos como el funk, la fusión y el post-bop.

Tocó el acordeón, el cello y el violín en su infancia. Trabajó en bandas de rythm and blues y de rock durante la adolescencia, pero tras marchar a Nueva York, tocó con el saxofonista de la vanguardia Pharoah Sanders a comienzos de los setenta. Otros acompañantes fueron Gil Evans, Mel Lewis, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon y Art Blakey; todos quedaron impresionados por su talento.
Stanley empezó en el instituto Norteamericano Berkley tocando el violín, pero tenía problemas con el tamaño de sus manos.Luego se pasó al cello, hasta que un día pasaba por un aula del colegio y en un rincón ve un contrabajo,se pone a tocar esas enormes cuerdas y encuentra el instrumento para el, que tenía el tamaño adecuado.

Sin embargo, Clarke comenzó su carrera de éxito al unirse a Chick Corea en su grupo Return to Forever. Cuando esta banda se definió como un cuarteto de fusión orientado hacia el Jazz Rock, Clarke trabajó sobre todo el bajo eléctrico y se convirtió en una fuerza influyente, precediendo a Jaco Pastorius en ese movimiento musical de los años 70.

Pero comenzando con su álbum School Days (1976) y continuando con su grupo de funk con George Duke (The Clarke/Duke Project), hasta sus proyectos como compositor de bandas sonoras, Stanley Clarke se ha movido continuamente más allá del mundo del jazz, dentro del ámbito de la música comercial, teniendo como ejemplo su participación en Animal Logic, al lado del ex baterista de The Police, Stewart Copeland. Su álbum de 1988 If This Bass Could Only Talk y su colaboración acústica de 1995 con Jean Luc Ponty y Al Di Meola The Rite of Strings, son dos de sus pocas grabaciones de jazz desde los setenta.

En 1999 junto a otro ex integrante de Return to Forever, el baterista Lenny White, formaron la banda Vertú, invitando a prestigiosos músicos de la talla del guitarrista Richie Kotzen, la tecladista Rachel Z y la multifacética violinista Karen Briggs. Este efímero grupo de Jazz Fusión fue el más cercano exponente a la esencia musical de Return to Forever desde su disolución.

En 2007 ha presentado "Thunder" junto con otros dos bajistas: Marcus Miller y Victor Wooten. Los tres iniciaron en 2008 una gira que comenzó en EE.UU. y finalizó el 31 de octubre en Almería (España).


Discografía

* Journey to Love (Nemperor) (1975)
* School Days (Nemperor) (1976)
* Modern Man (Nemperor) (1978)
* I Wanna Play for You (Nemperor) (1979)
* Fuse One (IMS) (1980)
* Rocks, Pebbles and Sand (Epic) (1980)
* The Clarke/Duke Project, Vol. 1 (Epic) (1981)
* Let Me Know You (Epic) (1982)
* The Clarke/Duke Project, Vol. 2 (Epic) (1983)
* Time Exposure (Epic) (1984)
* Find Out! (Epic) (1985)
* Hideaway (Epic) (1986)
* Project (CBS) (1988)
* If This Bass Could Only Talk (Portrait) (1988)
* 3 (Epic) (1989)
* Live 1976-1977 (Epic) (1991)
* Passenger 57 (Epic) (1992)
* East River Drive (Epic) (1993)
* Live at the Greek (Epic) (1993)
* Live at Montreux (Jazz Door) (1994)
* The Rite of Strings (Gai Saber) (1995)
* At the Movies (Epic Soundtrax) (1995)
* The Bass-ic Collection (Sony) (1997)
* 1,2,To The Bass (Sony) (2003)
* The Toys of Men (Heads Up) (2007)
* Thunder (Stanley Clarke, Marcus Miller & Victor Wooten) (2007)