JOE STRUMMER_DOCUMENTAL ESTRENO

Vida y obra de una leyenda del punk

Esta noche, se podrá ver por primera vez en Argentina el documental sobre Joe Strummer, líder de la banda inglesa The Clash.

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"The Future is Unwritten", la historia de Joe Strummer, líder y fundador de The Clash.

Esta noche, los amantes de la música tendrán una oportunidad única. A las 20, por Cityvibe, de Movie City, por primera vez se podrá ver en la Argentina el documental The future is unwritten, que narra la vida de Joe Strummer, el cantante y líder de la legendaria banda inglesa The Clash.

Estrenado en 2007 en el festival Sundance, el filme es un retrato de uno de los músicos que encabezaron el movimiento punk, un género musical contestatario de fuertes raíces anarquistas, que tuvo su auge entre los jóvenes ingleses a fines de los '70 y esparció su rebeldía por todo el mundo. Strummer llevó sus canciones a los primeros puestos de todas las listas, y con los años terminó transformándose en un humanista preocupado por la ecología y la paz.

Así como Sex Pistols fue la cara visible y escandalosa del punk, The Clash encarnó el perfil político y combativo. Sus letras, mayormente escritas por el propio Strummer, abordaban temas como la falta de trabajo, la brutalidad policial, el racismo, la pobreza y la miseria moral de la Inglaterra de Margaret Thatcher. En 1980, su álbum London Calling fue elegido como el mejor del año por la revista Rolling Stone.

Turco de nacimiento e hijo de una enfermera escocesa y un diplomático británico, la vida de Strummer fue intensa y cambiante. Durante su infancia, conoció Egipto, México, Irán, Malawi y Alemania. Posteriormente ese recorrido reapareció en su obra: fue uno de los primeros en fusionar rock y música étnica. Fue diseñador, obrero, sepulturero, artista callejero y hasta cabecilla de una organización de ocupantes ilegales de casas. También condujo su propio programa de radio e incursionó en el cine como actor y compositor de bandas de sonido, de la mano de los directores Alex Cox y Jim Jarmusch. En 2002, el cantante murió de un ataque cardíaco, a los 50 años.

El documental fue dirigido en clave intimista por el experimentado Julian Temple, pionero en el terreno de los videos musicales, que congregó a familiares, amigos y compañeros de Strummer en The Clash alrededor de una fogata en el Brooklyn Bridge Park, en las afueras de Londres.

Gracias a un excelente archivo fílmico y fotográfico, Temple reconstruyó con sobriedad y refinamiento la vida del cantante, pero por sobre todo su mensaje y la pasión de sus ideas. La música de Strummer tuvo una gran influencia posterior en el rock, el rap, el hip-hop y el grunge. "La primera banda que vi fue The Clash. Tenía 17 años y el show fue muy excitante. Sus letras me abrieron al mundo. Desde esa noche empecé a pensar que yo también podía", revela Bono, el cantante de U2, una de las muchas celebridades que desfilan por el documental. Anthony Kiedis y Flea, de los Red Hot Chili Peppers; Courtney Love, la cantante y viuda del músico Kurt Cobain (de Nirvana); los actores John Cusack, Steve Buscemi, Mat Dillon y Johnny Depp; y hasta el cineasta Martin Scorsese cuentan anécdotas y recuerdan a Strummer, con una mezcla de nostalgia y agradecimiento.

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IRON MAIDEN_ En Bs As

Iron Maiden: "Somos casi como Rolling Stones del metal"

Hoy tocan en Vélez.Habló el vocalista Bruce Dickinson, un personaje increíble que pilotea el avión privado que traslada a la banda.

Por: Gloria Guerrero.

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Imágenes de su última visita a la Argentina, en 2008.

Es un pájaro...? ¿Es un avión...?". ¡Sí, es un avión! Con la deliciosa imagen del monstruo Eddie pintada en la cola y el logo azul y amarillo de Iron Maiden a los costados, el Ed Force One -un gigantesco Boeing 757 con el piloto profesional Bruce Dickinson en la cabina de mando- aterriza en Ezeiza con los músicos, los asistentes, los técnicos, y doce toneladas de equipos. La gira Somewhere Back in Time comenzó hace catorce meses en Mumbai, India, recorrió todo el planeta (incluida Buenos Aires, el 7 de marzo de 2008), marcó varios récords (por ejemplo, veintitrés estadios a full en Asia, Australia, América del Norte, del Centro y del Sur... en sólo 45 días) y hasta se posó en Azerbajián y Papúa Nueva Guinea en su ruta para llenar el tanque.

Parte de todo aquello quedó registrado en un filme (no un DVD, sino una película de cine) titulado Flight 666, a estrenarse el 21 de abril. Pero la gira sigue y sigue, Iron Maiden vuelve a presentarse aquí hoy mismo (en Vélez), y Bruce Dickinson está chocho.

Por teléfono, se desespera por resumir su adrenalina: su banda atraviesa uno de los mejores momentos de sus más de treinta años de historia; la vida le sonríe, y las decenas de miles de kilómetros surcando el aire en la "alfombra voladora", con su gorrita de capitán, le devuelven la energía que riega en cada escenario del mundo.

¿Cómo sobrellevan una gira tan grande?
Esta gira nos ha dejado grandes maravillas, nunca se hizo algo se mejante, a esta escala. Pero siempre lo mejor, para mí, es subirme al avión y seguir viaje... (se ríe). Te digo: sin el Ed Force One, no hubiéramos podido hacer un tour así. Habría sido antieconómico, nos habría torturado. Pero el concepto no es nuevo, claro. Cuando empezamos a tocar con Maiden, viajábamos en un micro con los técnicos y los plomos, y todo el equipo iba atrás en un trailer. Acá el micro es un avión, y el piloto viene a ser el chofer del micro... (risas).

Pero no es posible que te dé el cuero para pilotear durante toda la gira...
O soy piloto, o soy copiloto: igual, se necesitan dos personas para operar esa cosa. Pero yo no puedo pilotearla todo el tiempo; me bajo de un escenario a las 11 de la noche y no puedo ponerme a volar un avión menos de doce horas después: sería ilegal. Y nosotros cumplimos con las reglas. Pero creo haber comandado una tercera parte de todo este recorrido; en este último tramo, tal vez más.

Y en el medio de la vuelta al mundo les cayó la crisis económica y la recesión...
Bueno, esto es muy interesante porque, si te digo los números de Sudamérica, esta venta de entradas en la Argentina fue un 20 por ciento mayor que la del año pasado. Tocamos para 65.000 personas en San Pablo, cuando en 2008 habían sido 37.000. El año pasado tocamos para 28.000 mil personas en Chile, y ahora vendimos 55.000 entradas... Es totalmente increíble. La recesión financiera y el crash económico tampoco han variado nuestro presupuesto: en este tramo de la gira estamos gastando mucha más plata, y montamos shows especiales en los lugares donde ya habíamos estado antes. En Buenos Aires, por ejemplo, ahora verán el show europeo completo.

¿Qué podemos esperar?
Vamos a agregar a la lista algunos temas de Killers y de Number of the Beast (y tal vez algún otro) que no tocamos desde hace mucho, y probablemente ésta sea la última vez que los hagamos en vivo. Para la gente será muy especial, creo. Y traemos al gran Eddie, al verdadero "Eddie grande" de Europa, además de una puesta técnica muy espectacular, con explosiones y todo. Esta vez traemos todo.

Y ya se sumó una nueva generación de fans...
Bueno, creo que en realidad tenemos dos nuevas generaciones: una llegó en los '90, y ahora hay otra más. Son chicos entre 13 y veintitantos años. El nuestro no es un público de "rock clásico adulto", sino un público totalmente fresco. Mirá (se ríe), somos casi como los Rolling Stones del heavy metal. Hoy existen muy pocas bandas fieles a toda la historia que cargan detrás. Muchos tienen sed de celebridad, nosotros no. Sí, claro, cuando nos alojemos en el hotel de Buenos Aires vamos a tener que salir protegidos porque afuera está lleno de gente, pero no explotamos esa situación. No nos gusta ser famosos en lo individual, sino sobre el escenario y como Iron Maiden. No somos especiales. Cualquiera de nuestros fans puede hacer lo que nosotros hacemos, si lo inten ta lo suficiente.

¿Ya te acostumbraste a que los argentinos silben y griten cada vez que aparece la bandera británica durante "The Trooper"?
Bueno, más vale que se acostumbren. Es parte del show, y no hay nada que hacerle. Y no tiene nada que ver con la guerra de Malvinas (no dice Falklands, dice Malvinas). La canción habla de un desastre militar inglés del siglo 19, una catástrofe donde murió mucha gente. Todos saben que no es un ataque personal a los argentinos, y por cierto ninguna falta de respeto, de ningún modo, a quienes pelearon en la Guerra de Malvinas.

Ellos lo saben, pero chiflan igual.
(Se ríe.) ¡Y yo también me acostumbré! Espero esa silbatina, siempre. Si no lo

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CHARLIE GARCIA_ LA VUELTA

Charly volvió después de 294 días

A casi diez meses de haber sido internado, dio un concierto gratuito y sorpresivo frente a la Basílica de Luján. Tocó siete temas y cerró con su versión del Himno. Se lo vio recuperado y algo más calmado, pero con la energía de siempre. "Seguimos rockeando", avisó.

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Por Pedro Irigoyen.

Charly cantó. Casi diez meses después de su último concierto, aquel complicado 8 de junio, Charly García volvió a subir ayer por la tarde a un escenario, armado sobre una glorieta, frente a la Basílica de Luján, para dar un concierto de siete canciones, frente a algo más de mil personas que se acercaron al lugar.

"Qué bueno sería tocar acá, mañana", dicen que había dicho el músico, el día anterior. Y, en sólo 24 horas, el deseo se hizo realidad. "Nos hubiera gustado haber podido organizarlo un poco mejor", diría Palito apenas terminada la presentación. Pero enseguida agregaría: "Por suerte pudo hacerse y Charly pudo agradecerle a Dios y a la gente de Luján, como quería".

Si bien los rumores sobre la vuelta de Charly a un escenario habían comenzado a correr el domingo a la noche, recién a partir del mediodía de ayer se supo que el minirecital se haría, a las seis de la tarde. A partir de ese momento, la plaza comenzó a recibir a curiosos y fans dispuestos a no perderse el regreso. En franco contraste, la postal de pueblo, de un trío de gauchos que cruzaba la plaza, facón a la cintura, reforzaba junto a los vecinos que pasaban en bicicleta y una respetable cantidad de perros que jugaban de locales, se negaba a pasar a segundo plano.

"Cuando mi hija tenía un año, me escapé con ella a ver Adiós Sui Generis al Luna Park. Cómo no iba a estar hoy acá", preguntaba sin esperar respuesta alguna Miguel Gil, quien viajó desde Llavallol con un "Say no more" tatuado en el brazo y el antecedente de haber organizado el musicazo frente a la Clínica Avril, el año pasado.

A unos metros, y a la espera de la llegada del músico al improvisado anfiteatro, Fernando Juan, también de la zona sur del conurbano, confesaba que vio a García por primera vez en Ferro Carril Oeste, en 1982, y que desde entonces marcó su vida. "Por culpa de él y de los Beatles me hice músico", señalaba, antes de asegurar que hay García para rato: "Tiene mucha música para dar, aún. Y él siempre sale".

Mientras, sobre el escenario, Kiushe Hayashida, Tonio Silva Peña y Carlos González, el trío chileno The prostitution, junto al zorrito Von Quintiero, ajustaban el sonido y daban algunos detalles de la previa. "Vinimos el martes a la mañana, para empezar a ensayar", explicaron los chilenos, quienes anticiparon gira y disco, sin entrar en mayores precisiones. En cambio, destacaron la recuperación de Charly. "Poder estar con él es impresionante. Estamos felices de verlo más sano y feliz de volver a cantar", coincidieron.

Entonces, a las 18.03, de la Traffic blanca que minutos antes había abandonado la estancia Mi Negrita, bajó, con tumulto incluido, Charly García, acompañado bien de cerca por su amigo y anfitrión Palito Ortega.

No hubo presentaciones. No hicieron falta. Sentado al teclado, con una bandera inspirada en John Lennon, en la que se podía leer "La paz es posible, si usted quiere", firmada por Charly, como telón de fondo, el García 2009, un poco más gordo y lento, arrancó con Demoliendo hoteles. Siguió con Promesas sobre el bidet y No me dejan salir. Entonces sí, por primera vez se paró, avanzó hacia el borde del escenario. "Tengo que volverte a ver", cantó. Y regresó a su refugio de teclas, donde a medida que los minutos y las estrofas pasaban, se animaba a más.

Abajo, las pocas vallas de contención comenzaban a ceder ante la presión de la gente y llenaban de preocupación la cara de los encargados de la seguridad. Entonces, García fue Charly y puso las cosas en su lugar. "Seguimos rockeando", anunció, y desde entonces, todo volvió a la normalidad.

Cerca de la revolución, tema de apertura de los shows de la prolongada etapa del "aguante", fue el prólogo de Influencia. Entonces cantó: "Algo ha cambiado, para mí no es en vano". Y habrá que creerle. Como cuando su voz se desgarró y abandonó hasta el más tibio intento de afinación, y ya no cantó sino que gritó: "Debo confiar en mí", antes de volver a susurrar (se): "Lo tengo que saber".

El quinteto continuó su show con No voy en tren, y para entonces, los fans hacían temblar la endeble estructura de luces y alguna chica era retirada desmayada, como para certificar que lo que estaba sucediendo era, ni más ni menos, que un concierto de rock. Faltaba el cierre. Y, sin introducción, el Himno Nacional en versión García abría el cierre del concierto. Como para aclarar que el regreso no significa concesiones estéticas. Ni ideológicas. "O juremos con gloria, morir", cantó. Y terminó.

Entonces, con el vallado de frente colapsado, varios auxiliares se lo llevaron corriendo, sin saludos ni palabras de despedida, al mismo vehículo del que había descendido 34 minutos antes.

Abajo, entre el público, cerca de un cartel que le deseaba "fuerza" al músico, Julieta Ortega no ocultaba su alegría. "A quienes vimos su evolución de cerca nos produce una gran emoción verlo sobre el escenario. Era un momento que estaba esperando", contó. Ahí nomás, Marcela Salloni y Graciela Iribarne, vecinas de la ciudad, no dejaban de celebrar la vuelta de García a la música. "Estuvimos en el recital de Adiós Sui Generis. Es lo más grande que hay", dijeron al unísono, a la vez que elogiaban la decisión de que la presentación durara tan sólo media hora.

Con la camioneta que trasladaba a Charly ya camino a la estancia de los Ortega, las conclusiones quedaron en la voz de Von Quintiero, coequiper hoy de García como en tiempos de Cómo conseguir chicas. Y, desde su lugar, aportó: "Lo vi bárbaro. Fue una idea que se le ocurrió a él, que se concretó de un día para otro, y sonó bien". Y agregó: "Por suerte, estuvo bueno. Lo que sigue, todavía no lo sabemos".

Por entonces, sobre el escenario, un grupo de fans, muchos de ellos luciendo brazaletes con la consigna "Say no more", insistía en que Charly no se iba. En tanto, la imagen de un García que tiene por delante un largo camino por recorrer comenzaba a hacerse un lugar en la memoria de quienes habían disfrutado, minutos antes, el inicio de un regreso que va a paso más que tranquilo.

Como el de María Victoria Ramos, quien antes de emprender su largo retorno a Avellaneda resumió: "Lo más importante es que se cure. Hoy, hizo lo que pudo. Y pudo bastante".

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HERB ALPERT_Los Ángeles, California, EEUU, 31 de marzo de 1935

Herb Alpert


Herbert "Herb" Alpert (Los Ángeles, California, EEUU, 31 de marzo de 1935) es un trompetista y cantante estadounidense conocido por formar parte del grupo Herb Alpert & The Tijuana Brass, Herb Alpert's Tijuana Brass o simplemente TJB. También es famoso por ser un ejecutivo de la industria fonográfica -es la letra "A" de A&M Records, un sello de grabación fundado junto a Jerry Moss-. Los logros musicales de Alpert incluyen cinco números uno, veintiocho álbumes en las listas de Billboard, ocho Premios Grammy, catorce discos de platino y quince discos de oro. En 1996, Alpert había vendido 72 millones de álbumes en todo el mundo.



Sus inicios y su carrera

Nacido en Los Angeles, California, Alpert empezó con lecciones de trompeta a los ocho años y de adolescente ya tocaba en bailes. Adquirió su primer magnetofón en la escuela secundaria y empezó a experimentar grabando con este equipo sencillo. Después de graduarse en la escuela secundaria de Fairfax en 1952, se unió al Ejército americano y actuaba frecuentemente en ceremonias militares. Después del servicio en el Ejército, Alpert probó suerte con actuaciones dramáticas, pero se acabó estableciendo en la carrera musical. Mientras asistía a la Universidad de California del Sur en los años cincuenta era miembro de la USC Banda de Marcha de Troya, durante dos años. Se graduó con BM en 1954.

En 1957, Alpert se asoció con Lou Adler, otro lírico del burgeoning, como autor de Keen Records. Varias canciones escritas o co-escritas por Alpert durante los siguientes dos años llegaron a los mejores puestos de los veinte mejores hits, incluyendo "Baby Talk" de Jan and Dean, "Mundo Maravilloso" por Sam Cooke, y "Alley-Oop" de The Hollywood Argyles por Dante y The Evergreens. En 1960, Alpert empezó su carrera de grabaciones como vocalista de RCA Records bajo el nombre de Dore Alpert, dónde grabó sus primeras canciones.

"Tell It To The Birds" se grabó como primera versión en el sello de Alpert & Moss, Carnival Records. Cuando Herb & Jerry se dieron cuenta de que ya estaba en uso la denominación Carnival, su sello se convirtió en A&M Records.

Los años con Tijuana Brass [editar]

Alpert preparó un pequeño estudio de grabación en su garaje y dobló una melodía llamada "Twinkle Star", escrita por Sol Lake que escribiría las melodías originales del futuro Tijuana Brass. Durante una visita a Tijuana, México, Alpert escuchaba una banda de mariachis mientras asistía a una corrida de toros. En esta experiencia, Alpert se dio cuenta de que él estaba "inspirado para encontrar una manera de expresar musicalmente eso que él sentía mientras veía la respuesta exacerbada de la muchedumbre, y oìa a los músicos de metal introducir cada nuevo lance con una emotiva fanfarria ". Alpert adaptó el estilo de la trompeta a la melodía, mezclando los aplausos de la muchedumbre y otros sonidos para recrear ambiente, y renombró la canción: "The Lonely Bull". Pagó de su propio bolsillo la grabación del "sencillo", y la difundió a través de las radios DJ´s hasta que tuvo éxito y se convirtió en un Top Ten en 1962. Siguió rápidamente con su álbum de debut, The Lonely Bull por "Herb Alpert & the Tijuana Brass". La versión inicial de Tijuana Brass constaba de músicos de estudio. El corte del título alcanzó #6 en la Lista de Singles de Billboard. Éste también fue el primer álbum de A&M (el número original era 101), pero se grabó en Conway Records.

A finales de 1964, debido a la creciente demanda de actuaciones en directo de Tijuana Brass, Alpert hizo una audición y contrató un grupo de músicos. Nadie de la banda era realmente hispano (el propio Herb es judío). Alpert decía a su público que el grupo constaba de "tres pastramis, dos bagels y un queso americano": John Pisano -guitarra eléctrica-, Lou Pagani -piano-, Nick Ceroli -batería-, Pat Senatore -guitarra baja-, Tonni Kalash -trompeta-, Herb Alpert -trompeta y voces-, y Bob Edmondson -trombón-. La banda debutó en 1965 y rápidamente se convirtió en uno de los grupos más cotizados, que realizaba una completa interpretación que incluía coreografías y actuaciones cómicas escritas por Bill ("José Jiménez") Dana.

El éxito de Tijuana Brass ayudó a nacer a otros grupo latinos, Julius Wechter (el viejo amigo de Alpert y el marimbero para los Brass) y la Banda Baja Marimba, y las ganancias le permitieron a A&M empezar a contar con un repertorio de artistas como Chris Montez y The Sandpipers. Wechter también contribuyó en varias canciones originales de los Brass, normalmente al menos uno por álbum, junto con los de otros amigos de Alpert, Sol Lake y Ervan "Bud" Coleman.

Además, el estilo de Tijuana Brass también se adoptó en otras bandas americanas, Chicago y Earth, Wind & Fire. Ambas alcanzarían los mejores puestos en los hits de los setenta y en los primeros años ochenta.

Grababan un álbum o dos cada año a lo largo de los años sesenta. La banda de Alpert también era destacada en especiales de televisión, cada uno centrado en interpretaciones de las canciones de su último álbum -esencialmente los primeros "videoclips", hechos famosos después por MTV. El primer especial de Herb Alpert and the Tijuana Brass, patrocinado por el Singer Sewing Machine Company, se publicó el 24 de abril de 1967 en CBS.

El estilo de Alpert logró enorme popularidad con la difusión nacional que The Clark Gum Company dio a una de sus grabaciones en 1964, una versión de Sol Lake titulada "The Mexican Shuffle", qué se retituló "The Teaberry Shuffle" para anuncios de televisión. En 1965, Alpert grabó dos álbumes: Whipped Cream and Other Delights y Going Places. Whipped Cream vendió más de 6 millones de copias en los Estados Unidos. La portada del álbum es considerada un clásico. La modelo caracterizada Dolores Erickson lleva lo que aparentaba ser crema batida. En realidad, Erickson llevaba una manta blanca encima sobre la que se esparció, hábilmente colocada, crema de afeitar -la crema batida real se habría fundido bajo el calor de las luces del estudio-, aunque la crema de su cabeza es crema batida real. En los conciertos, cuando a Alpert le pedían la canción, decía "disculpen, no podemos tocar la portada para ustedes". La gracia fue parodiada por varios grupos incluso por Soul Asylum y por el cómico Pat Cooper para su Spaghetti Sauce and Other Delights. El single incluido en el título cortó, "Lollipops and Roses", and "A Taste of Honey". El último ganó un Premio Grammy para la Grabación del Año. Going Places ha producido cuatro singles más: "Tijuana Taxi", "Spanish Flea", "Third Man Theme", y "Zorba the Greek."

The Brass también interpretó la melodía de Bert Kaempfert "La Trompeta Feliz (The Happy Trumpet)" retitulándolo "Trompeta Mágica (Magic Trumpet)". La interpretación de Alpert contenía un compás que coincidía con otro de la melodía de la cerveza Schlitz, "cuando usted está fuera de Schlitz, está fuera de la cerveza". "La Melodía maltesa" era otra portada de Alpert de un original de Kaempfert. Otro uso comercial era una melodía llamada "El Garbanzo" que era destacado en algunos anuncios de Sunoco ("They're movin', they're movin', people in the know, they're movin' to Sunoco").

En 1967, the TJB hizo el tema principal de la película Casino Royale.

Muchas de las pistas de Whipped Cream and Going Places han tenido múltiples versiones, y aún se hacen; frecuentemente se usan como música ambiental en The Dating Game on the Game Show Network, especialmente los temas Whipped Cream, Spanish Flea y Lollipops and Roses.

Alpert and the Tijuana Brass ganaron seis premios de Grammy. Quince de sus álbumes ganaron discos de oro y catorce, discos de platino. En 1966, el Libro Guinness de Records Mundiales reconoció que H. Alpert logró un nuevo record poniendo cinco álbumes simultáneamente en el Billboard Pop Album Chart, un logro que nunca se ha repetido. En abril de ese año, cuatro de esos álbumes estaban simultáneamente en el Top 10.

La falta de profundidad en la desautorizada biografía y material histórico sobre Alpert es algo curioso dado lo que se ha escrito sobre los únicos tres artistas de la música que lo superaron en los años sesenta - Elvis Presley, Frank Sinatra, y the Beatles. Esto se explica quizás por la ausencia de actos violentos, dramáticos, o trágicos en su vida. Habían, sin embargo, cientos de artículos escritos sobre Alpert por prensa especializada, periódicos y revistas de música.

El único sencillo de Alpert que fue número uno durante este periodo (y el primer #1 corte de su sello A&M) era un solo: "Este Tipo Enamorado de Ti (This Guy's in Love with You)", escrito por Burt Bacharach y Hal David, ofreciendo un raro vocal. Alpert se lo dedicó a su primera esposa en un especial de Televisión CBS en 1968 titulado Beat of the Brass. La secuencia se grabó en la playa en Malibu. No se pensaba que la canción se volviese a emitir, pero después del especial, las miles de llamadas telefónicas a CBS preguntando por Herb convencieron al dueño del sello de Alpert para lanzarlo como single dos días después de que el show se emitiese. Las habilidades vocales de Alpert eran limitadas, pero esta canción tampoco tenía especiales reqisitos y ello jugó a su favor. El single apareció en mayo de 1968, llegó a la cima en el ámbito nacional en cuatro semanas y estuvo en lo más alto entre los hits del año; inicialmente menospreciado por los críticos y los melómanos como un tema para amas de casa, la expresiva grabación de Alpert en "This Guy's in Love with You" se considera ahora como una de las baladas emblemáticas del pop. En 1996 en el Salón Festivo Real de Londres, Noel Gallagher, la banda Oasis de rock británico, realizó la canción con Burt Bacharach.

Vida después de Tijuana Brass

Alpert disolvió la Tijuana Brass en el año 1969, pero grabó otro álbum para el grupo en 1971. En 1973, con algunos de los miembros originales de Tijuana Brass y otros nuevos, formó un grupo llamado the T.J.B. Esta nueva formación de los Brass grabó dos álbumes en 1974 y 1975 e hizo algunas giras. Alpert recombinó una tercera etapa con The Brass en 1984 después de que le invitasen a actuar para los atletas de los juegos olímpicos en los Juegos de Verano de Los Angeles. La invitación llevó al álbum Bullish.

En los 1970s, '80s, and '90s, Alpert disfrutó de una triunfal carrera solista. Tenía su hit instrumental más grande, "Levantamiento (Rise)", del álbum del mismo nombre, que fue número uno en octubre de 1979 y ganó un Premio Grammy, y se probó después en 1997 canción de rap "Hipnotice" por el rapero difunto Notorious B.I.G. "Rise" también hizo a Alpert alcanzar el hit #1 en los singles Billboard pop charts con una pieza vocal and una pieza instrumental. La canción "Ruta 101 (Route 101)" extraída del álbum Fandango alcanzó el número 37 en Billboard en agosto de 1982. Alpert se bifurcó exitosamente al mundo de R&B con el hit del álbum Keep Your Eye On Me en 1987, asociándose con productores Jimmy Jam y Terry Lewis en "Diamantes (Diamonds)" y "Haciendo el amor En la Lluvia (Making Love In the Rain)" destacando vocales de Janet Jackson y Lisa Keith.

Desde 1962 hasta 1992 los artistas de Alpert firmaron para A&M Records y produjeron discos. Él descubrió la banda de la Costa Oriental We Five. Entre los artistas notables con quienes trabajó estuvieron Chris Montez, The Carpenters, Sergio Mendes and Brasil '66, Bill Medley, Lani Hall -la segunda y actual esposa de Alpert-, y Janet Jackson, la vocalista destacada en el hit single de 1987 "Diamantes (Diamonds)". Estas relaciones laborales le han permitido a Alpert volverse un único manager de artistas para llevar singles al Top 10 en por lo menos tres décadas diferentes ('60s, '70s, y '80s).

Alpert y su compañero Jerry Moss de A&M Records recibieron un Premio que Fideicomisarios de Grammy le otorgan en 1997 por sus continuos logros en la industria discográfica como ejecutivos y el Premio Grammy de Logro Perpetuo en 2007.

Por su contribución a la industria discográfica, Herb Alpert tiene una estrella en el Salón de la Fama de Hollywood en el Boulevard Hollywood 6929. También se instalaron Alpert y Musgo en el Salón de la Fama del Rock and Roll el 13 de marzo de 2006 como no-actor los logros perpetuos de su trabajo en A&M.

Hoy

Alpert continúa tocando su trompeta actualmente, pero también se dedica a su segunda carrera como pintor expresionista abstracto y escultor con las exposiciones alrededor de los Estados Unidos. También ha trabajado como productor del teatro de Broadway, con su producción de los Ángeles de Tony Kushner en América ganando un premio Tony.

En los años ochenta creó la Fundación Herb Alpert y los Premios Alpert de las Artes con El Instituto de California de las Artes (CalArts). La Fundación apoya juventud y educación de artes así como los problemas medioambientales y fondo de auxilios la serie de PBS "Bill Moyers en la Fe y Razón."

Ha mantenido los fondos para el grupo disidente cultural conocido como The Yesmen.

Aunque no ha lanzado un nuevo álbum desde 1999 "Herb Alpert and Colors", está controlando activamente la reedición de su biblioteca musical. En el 2000, Alpert adquirió los derechos de su música a Universal Music (los dueños actuales de A&M Records), en un pago legal y empezó la remasterización de sus álbumes para la reedición de sus discos compactos. En 2005, Shout! Factory empezó distribuyendo versiones del remasterizado de A&M de Alpert digitalmente, incluso un nuevo álbum, los Tesoros Perdidos (Lost Treasures), constando de material no grabado de los años de metal de Tijuana de Alpert. En la primavera de 2006, una versión del remixed del álbum Whipped Cream, titulado Whipped Cream and Other Delights: Re-Whipped se grabó y subió al #5 en la Lista de Billboard Contemporary Jazz.

Continúa siendo artista invitado para los amigos como Gato Barbieri, Rita Coolidge, Jim Brickman, Brian Culbertson y David Lanz.

Sus canciones han estado en varios shows de TV como Saturday Night Live.

Alpert también se acreditó con un papel secundario en el video musical de Beastie Boys, "Ch-Check It Out," aunque él no aparecía.

Aparte de las reediciones, el Álbum de Navidad (Christmas Album) continúa estando disponible todos los años durante la época navideña.

Ha donado $30,000,000 a UCLA, fundando la Herb Alpert Escuela de Música, y $24,000,000 (incluidos $15M en el 2008 de abril) al Instituto de California de las Artes (CALARTS) para su programa de música.

Herb Alpert y su música en la cultura moderna

* La canción "Tijuana Taxi" es interpretada en el episodio On a Clear Day I Can't See My Sister de la serie de televisión de dibujos animados Los Simpson. La canción también aparece en otro episodio cuando el Sr. Burns da testimonio en un causa civil.

* "Spanish Flea" es tocado en otro episodio de Los Simpson en el que Homer Simpson canta en su coche, mientras espera a Bart a la salida de un concierto de Spinal Tap, sin notar el alboroto de la policía entrando a la arena en masa. Esta canción ha aparecido cuatro veces en otros tantos episodios de la serie.

* Algo de "Spanish Flea" es tocado en la película American Pie 2, en una escena en el campamento de la banda por un miembro del campamento con una trompeta.

* En "King of Queens", el padre de Carrie, Arturo, baila la canción "Tijuana Taxi" con el disco que Carrie reemplazó (ella había roto el disco de Herb Alpert de su padre "South of the Border" hace 15 años) pone en el tocadiscos. Él baila hasta el final del episodio.

* El hit más grande de Alpert de su carrera post-TJB, "Rise", se usa como el gancho principal para el sencillo de Notorious B.I.G. "Hipnotice".

* El equipo de fútbol Leyton Orient sale al comienzo de cada partido abajo las notas de "Tijuana Taxi". Ésta es una tradición anterior a la década de 1960 de origen desconocido.

* La canción "Beanbag" es recordada en el Reino Unido como el tema musical para a la muestra del juego física británica de larga carrera It's A Knockout.

* La cubierta y el título del álbum de 1989 Soul Asylum "Clam Dip & Other Delights" es una parodia del álbum de Herb Alpert & The Tijuana Brass Whipped Cream & Other Delights.

* La pista, "Tijuana Taxi", también puede escucharse en un episodio de 'Just Shoot Me', cuando Dennis comete muchos hechos de travesura.

* En la película Matchstick Men el personaje de Nicholas Cage está tocando la canción "The Lonely Bull".

* El tema "Casino Royale" es destacado en Saturday Night Live durante la aparición del invitado Peyton Manning.

* La banda de punk rock NOFX hace un cover de una de sus canciones "What Now My Love" en su álbum en vivo 2007 They've Actually Gotten Worse Live!.

* La canción "Route 101" fue la canción principal del show de juegos en la televisión argentina "Seis para triunfar"

* El grupo de Rap "Delinquent Habits" utiliza como base la música de la canción "The lonely Bull" en su tema "Tres Delincuentes".

* "Spanish Flea" también es destacada en la película Perdita Durango con personajes interpretados por Javier Bardem y Rosie Pérez que secuestran a dos adolescentes para sus propósitos nefastos.

Discografía

Con la Herb Alpert & The Tijuana Brass

* The Lonely Bull (1962) LP-101 (mono)/101S (stereo)
* Volume 2 (1963) LP-103/SP-103
* South of the Border (album)|South of the Border (1964) LP-108/SP-4108
* Whipped Cream & Other Delights (1965) LP-110/SP-4110
* Going Places (1965) LP-112/SP-4112
* What Now My Love (album)|What Now My Love (1966) LP-114/SP-4110
* S.R.O. (1966) LP-119/SP-4119
* Sounds Like... (1967) LP-124/SP-4124
* Herb Alpert's Ninth (1967) LP-134/SP-4134
* The Beat of the Brass (1968) SP-4146
* Christmas Album (TJB)|Christmas Album (1968) SP-4166; reissued as SP-3113
* Warm (1969) SP-4190
* Greatest Hits (1970) SP-4245
* The Brass Are Comin' (1969) SP-4228
* Summertime (1971) SP-4314
* Solid Brass (compilation) (1972) SP-4341
* Foursider (compilation) (1973) SP-3521
* You Smile - The Song Begins (1974) SP-3620
* A Treasury of the Award-Winning Herb Alpert and the Tijuana Brass plus selections from the Baja Marimba Band (1974) Longines Symphonette LWS-500-505
* Coney Island (1975) SP-4521
* Greatest Hits Vol. 2 (compilation) (1977) SP-4627
* Bullish (1984) SP-5022
* Classics Volume 1 (compilation) (1986) CD-2501
* Lost Treasures (2005)
* Whipped Cream & Other Delights Rewhipped (2006) Shout Factory

En solitario

* Just You and Me (1976) SP-4591
* Herb Alpert/Hugh Masekela (1978) SP-728
* Main Event Live! (1978) SP-4727
* Rise (Herb Alpert song)|Rise (1979) SP-4790
* Beyond (1980) SP-3717
* Magic Man (1981) SP-3728
* Fandango (1982) SP-3731
* Blow Your Own Horn (1983) SP-4919
* Wild Romance (1985) SP-5082
* Classics Volume 1 (1987)
* Keep Your Eye On Me (1987) SP-5125
* Under a Spanish Moon (1988) SP-5209
* My Abstract Heart (1989)
* North on South St. (1991)
* The Very Best Of Herb Alpert (compilation of Tijuana Brass and solo material) (1991)
* Midnight Sun (1992)
* Second Wind (1996)
* Passion Dance (1997)
* Colors (1999)
* Definitive Hits (compilation of Tijuana Brass and solo material) (2001)

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ANGUS YOUNG_nacido el 31 de marzo de 1955 en Glasgow, Escocia

Angus Young

Angus McKinnon Young (nacido el 31 de marzo de 1955 en Glasgow, Escocia) es un guitarrista y letrista de música rock que es miembro y fundador de la banda australiana AC/DC.

Biografía

Primeros años

Angus Young nace en Glasgow, Escocia, donde vive con sus hermanos mayores Malcolm y George. En 1963 la familia Young emigra a Australia, afincándose en Sydney. Angus y Malcolm reciben clases de guitarra de su hermano George, miembro del grupo The Easybeats.

Antes de la formación de AC/DC, Young tocó con un grupo local llamado Kentuckee (más tarde cambiarían el nombre a Tantrum).

Formación de AC/DC


Young, con 18 años de edad, junto a su hermano Malcolm crean en 1973 el grupo AC/DC. La primera formación de la banda cuenta con Malcolm Young en la guitarra rítmica, Phil Rudd en la batería, Mark Evans al bajo, y Dave Evans el cantante quien fue remplazado en 1974 por Bon Scott quien moriría en 1980 en el automóvil de un amigo, intoxicado por el alcohol. Lo remplazaría Brian Johnson que hasta el día de hoy es el cantante.

Después de tocar un tiempo con el grupo, Young adoptó su imagen con el uniforme de escolar. Solían ensayar a la salida del colegio de Angus. Es por este motivo que Angus llegaba a los ensayos todavía vestido con su uniforme de colegial (gorra, camisa blanca, corbata, chaqueta, pantalones cortos y cartera). La realidad nos indica que Angus ya no estaba en la escuela cuando formó AC/DC con su hermano Malcolm, por lo tanto, no es cierto que utilizara el traje de escolar cuando salía del colegio para ensayar. Sin embargo, es posible que Angus si que estuviera todavía en la escuela cuando tocó en alguna de sus bandas anteriores a AC/DC. Angus y Malcolm buscaban una puesta en escena que impactará, junto con su música, al público. Margaret, hermana de Angus y Malcolm, sugirió que en la actuaciones en vivo Angus continuara vistiendo el uniforme escolar como seña de distinción de la banda. En las primeras actuaciones de AC/DC, Angus apareció vestido con una gran variedad de disfraces (disfrazado de gorila, de Superman, de Zorro y de Spiderman). Era la época del Glam rock y ya estaba de moda que los músicos de rock se disfrazasen durante sus actuaciones. Desde 1974, Angus probó varios disfraces, incluyendo los de El Zorro, Superman (como 'SuperAng') y el de gorila. La vestimenta escolar se acabaría convirtiendo en la firma de la banda, junto al "Andar de Pato" de Angus, que copió de Chuck Berry, del que Angus es un gran fan. En los conciertos, siempre enseña sus calzoncillos en los que lleva la bandera del país en el que están.

Equipo de música

Guitarras

Angus Young ha utilizado guitarras Gibson SG de diferentes tipos (Standard, Special, '61 Reissue y Custom SG). En pocas ocasiones utiliza otra guitarra, aunque tiene guitarras Telecaster, Gibson Firebird y Gibson ES-335. Cuando AC/DC tocó en 2003 una jam session con los Rolling Stones, Angus utilizó una Gibson ES-335, quizá una de las únicas ocasiones que se le ha visto en un escenario sin una SG.

La casa Gibson, aprovechando la popularidad de Angus, ha puesto en circulación un modelo denominado Gibson Angus Young Signature.

Amplificadores

Young Marshall: JTM45, JTM50, JMP50 y Superlead. Su amplificador principal es un JTM45, que utiliza tanto para las actuaciones en directo como para las grabaciones en estudio.

Angus McKinnon Young is a Scottish -born Australian musician and the lead guitarist, songwriter, and co-founder of the Australian hard rock band AC/DC. He is known for his wild, energetic performances and schoolboy-uniform stage outfits and was ranked 96th on Rolling Stone's list of the "100 Greatest Guitarists of All Time"

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NORAH JONES_30 de marzo de 1979

Norah Jones


Geethali Norah Jones Shankar (30 de marzo de 1979), conocida como Norah Jones, es una cantante y pianista estadounidense de jazz y música pop. Su voz cálida e íntima, su sencillez y un enorme talento ha enamorado a medio mundo y con su primer disco “Come Away With me” ha conseguido vender más de 20 millones de copias y 8 premios Grammy y hasta la fecha la cantante lleva más de 39 millones de copias vendidas en todo el mundo. Su música combina elementos de jazz, soul y country. En 2007 hace su primera aparación en el cine en "My Blueberry Nights", a manos de Wong Kar-Wai.

Biografía

Sus primeros acordes

El 30 de marzo de 1979, meses después de terminarse la relación entre el maestro indio del sitar, Ravi Shankar, y la enfermera Sue Jones, nació la pequeña Norah. Norah y su madre vivieron en Nueva York hasta que la niña cumplió cuatro años. Entonces se mudaron a Grapevine (cerca de Dallas, Texas), donde vivió hasta los veinte.
En su casa nunca faltaron discos de los clásicos del blues y del jazz: Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin, Ray Charles, Bill Evans, Joni Mitchell... A la influencia musical materna hay que sumar la que recibió de su abuela, una apasionada del recio country de los outlaws, desde Hank Williams a Willie Nelson.
Norah empezó a estudiar canto y se sumó al coro de la iglesia para cantar gospel, al tiempo que iniciaba las clases de piano y saxofón (a los siete). Estaba lejos de ser una alumna modelo: era bastante vaga y dejó el estudio varias veces. Sin el esfuerzo de su madre, su abuela, y sus profesores Renetta Frisque y Julie Bonk, probablemente hubiese abandonado el camino musical. Cuando creció se matriculó en una escuela de artes y nunca faltaba en las actuaciones para cumpleaños y concursos musicales.
Su primer contacto con el jazz lo tuvo en Dallas, al ingresar en su adolescencia en el Instituto Broker T. Washirable. En 1996 y 1997 ganó varios premios de interpretación y composición para estudiantes. Al finalizar el instituto entró en la Universidad de North Texas, donde estudió piano y teoría en el programa de jazz. Allí se especializó en teclado de jazz y formó su primer grupo. De ahí pasó a tocar el piano y cantar regularmente en un restaurante italiano.

En la gran manzana

Con veinte años cumplidos, Norah volvió a Nueva York para unas breves vacaciones y ya no quiso volver a Texas, para disgusto de su madre. Poco antes había tomado contacto con un grupo de músicos de aquella ciudad y quedó prendada. Una vez en “La gran manzana”, pronto hizo pie en el fértil circuito de garitos de conciertos de Greenwich Village y colaboró con diversas bandas. Durante dos años se ganó la vida cantando en salones de jazz, almuerzos y happy hours, muchas veces ante menos de quince personas y cobrando sólo de las propinas que les daban los parroquianos. Sin embargo, en esa época supo que quería vivir de cantar en vivo y que iba a hacer todo lo posible por lograrlo. Abandonó la universidad, empezó a escribir sus propias canciones, formó parte del combo de funk fusion, Wax Poetic, y finalmente montó su propio grupo con el bajista Lee Alexander, el guitarrista y compositor de Don’t Know Why, Jesse Harris, y el baterista Dan Rieser. Por esa época se estabilizó como cantante en el club nocturno The Living Room.

El principio del “boom”

En uno de esos conciertos la escuchó Shell White, miembro de la discográfica EMI, una noche del año 2000. Le gustó lo que oía y le pidió un demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en la búsqueda de nuevos artistas. Norah Jones en Londres, el 23 de abril de 2003 La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres canciones de ese cassette y le encargó al productor Craig Street que trabajara el material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la voz. El paquete estaba listo y Come Away With Me, su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor artista novel, siendo la gran sorpresa de la noche ya que prácticamente le arrebató 3 estatuillas de la mano a Eminem, incluido el de disco del año, ya que según las apuestas favorecían a Eminem. Dos años después de la publicación de su álbum de debut, "Come Away with Me", Norah Jones regresa con "Feels Like Home".La cantante-pianista-compositora vuelve a hacer equipo con el productor Arif Mardin, el ingeniero de sonido Jay Newland y su grupo habitual en directo. Nos ofrece un conjunto de canciones compuestas por ella, los miembros de su grupo y por el cantante y compositor Richard Julian. Jones también hace versiones de varias canciones incluyendo "Be Here To Love Me" de Townes Van Zandt y "Melancholia" de Duke Ellington, canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All".

En 2007, saca su tercer álbum de estudio, Not Too Late.

Colaboraciones
The Little Willies
The Little Willies es una banda formada el 2003, con Norah Jones en las voces y el piano, Richard Julian en las voces, Jim Campilongo en la guitarra, Lee Alexander en el bajo y Dan Rieser en la percusión. Hasta el momento han sacado un disco, The Little Willies

Peeping Tom
Peeping Tom es un álbum colaborativo de Mike Patton, lanzado el 2006. Jones apareció en la canción número 10, "Sucker".

El Madmo

El 12 de mayo de 2006, Norah Jones (disfrazada con una peluca rubia, mucho maquillaje, mallas y pantalones muy cortos) apareció en una banda llamada "El Madmo" como teloneros de Pela. Consistía de "El" (Daru Oda de Handsome Band) "Maddie" (Norah Jones) y "Mo"(Andrew Borger). El 20 de Mayo de 2008 saldrá a la venta su primer disco que llevará el nombre de la banda.

Tracklist

1. Carlo! 2. Head in a Vise 3. Vampire Guy 4. GGW 5. Sweet Adrenaline 6. Attack of the Rock People 7. The Best Part 8. Fantasy Guy 9. I Like it Low 10. Scary Lady 11. Nonny Goat Mon 12. Rock Yer Balls Off

The Joni Letters
En 2007, Norah Jones aparece como parte del álbum "River: The Joni Letters", de Herbie Hancock como un tributo a Joni Mitchell. Norah canta la pista "Court and Spark". The Peter Marlick Group Colaboraron juntos en una canción llamada "Strange Transmissions"

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ERIC CLAPTON_Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945

Eric Patrick Clapton Shaw (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en específico con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirs, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Además, aparece en el puesto número 4 de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 53 de su especial "Inmortales: Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".


Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario; Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff"). Posiblemente su mayor éxito fue la canción "Layla" de su época con Derek and the Dominos.

Biografía

Primera Epoca

Eric Clapton nació en Ripley, Surrey, Inglaterra, como hijo de la pareja formada por Patricia Molly Clapton (7 de enero de 1929 - marzo de 1999), de 16 años, y Edward Walter Fryer (21 de marzo de 1920 - 1985), un piloto militar de Montreal, Quebec, Canadá de 24 años que por aquél entonces no estaban casados. Su padre se encontraba destinado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial y antes de que Eric naciera, regresó a Canadá junto a su esposa. El niño creció con su abuela, Rose, y su segundo marido Jack creyendo que eran sus padres, y que su madre era su hermana mayor. El apellido de sus abuelos era Clapp, de ahí la confusión en cuanto a su apellido, ya que Clapton es el apellido del primer esposo de su abuela Rose y abuelo materno de Eric (Reginald Cecil Clapton).



















Años después, su madre se casó con otro soldado canadiense (Frank MacDonald) y se mudó a Canadá, dejando a Eric a cargo de sus abuelos. Cuando Clapton contaba con 9 años de edad, averiguó la verdad cuando su madre y su hermanastro Brian regresaron a Inglaterra de visita. Esto supuso un punto de inflexión en su vida, haciéndole distanciarse de su familia y no aplicarse en el colegio. Su hermanastro, Brian, murió en un accidente de moto en 1974 a los 26 años. Clapton tiene otras dos hermanastras del segundo matrimonio de su madre; Cheryl (nacida en mayo de 1953) y Heather (nacida en septiembre de 1958).

































Clapton creció siendo un niño callado, solitario, y en sus propias palabras, "un niño malo". Aun así Clapton es conocido por su sentido del humor. Eric se crió en un entorno musical, donde su abuela tocaba el piano y, tanto su tío como su madre, disfrutaban escuchando las Big Bands de la época. Su madre le contó en una ocasión al biógrafo oficial de Eric, Ray Coleman, que su padre era un músico de mucho talento, y que tocó en varias bandas de la zona de Surrey. Eric consiguió su primera guitarra a los 13 años, una guitarra acústica de la marca alemana Hoyer recibida por su cumpleaños, encontrándolo muy difícil y casi dándose por vencido. Aún a pesar de su frustración inicial, dedicó muchas horas a aprenderse los acordes y a emular la música de los artistas de blues que escuchaba en su magnetófono de casete.









Después de abandonar el colegio en 1961, Clapton estudió en Kingston College of Art, del que fue expulsado por no progresar lo suficiente en el resto de las áreas del arte, centrándose únicamente en la música. Por esta época Clapton comenzó a frecuentar la zona de Kingston en Richmond (Londres). A los 17 años se unió a su primera banda "The Roosters." Permaneció en este grupo de enero a agosto de 1963. En octubre de ese mismo año tocó en siete conciertos con Casey Jones and the Engineers. Antes de dedicarse de lleno al mundo de la música Clapton se ganaba la vida trabajando de obrero junto a su abuelo.

The Yardbirds

En octubre de 1963 Keith Relf (que estudiaba con Clapton) y Paul Samwell-Smith, reclutaron a Clapton para el grupo de rock con influencias de blues, The Yardbirds. Hasta la entrada de Clapton, el grupo estaba formado por Keith Relf (voces), Paul Samwell-Smith (bajo), Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarty (batería) y Anthony "Top" Topham (guitarra principal), siendo Clapton el sustituto de Topham.
The Yardbirds, ya sin Clapton, en Langueux, Francia en 2006. De izquierda a derecha: John Idan, Jim McCarty, Chris Dreja.

Durante su periodo de 18 meses con The Yardbirds, Clapton se ganó su apodo de "slowhand" (mano lenta). Sintetizando sus influencias de guitarristas de blues como Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, Clapton se convirtió en uno de los guitarristas más populares de la escena musical británica. La banda comenzó a formarse un buen nombre, sobre todo después de ganar la vacante dejada por The Rolling Stones en el Crawdaddy Club en Richmond, Londres. Hicieron una gira con Sonny Boy Williamson II; del cuál saldría el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds (grabado el 8 de diciembre de 1963) y editado en 1965. En el álbum de 1964, Five Live Yardbirds, recrean versiones de R&B y blues americano, con largas improvisaciones y solos de guitarra, quedando clara la imaginación y confianza en sí mismo de Clapton.

























Sin embargo, el grupo paulatinamente fue acercándose al estilo pop, para intentar entrar en las listas de venta, cosa que consiguieron con "For your love", que llegó al #2 en el Reino Unido y al #6 en Estados Unidos. Esta canción fue escrita por el compositor Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo de pop The Hollies. Pero Clapton seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds. Así que decidió dejar la banda y recomendó a Jimmy Page como su sustituto, quién se negó por lo bien que le iban las cosas como músico de sesión. Así que, al final no se unió al grupo y, él mismo recomendó que Jeff Beck, que por aquél entonces tocaba en una banda llamada The Tridents, fuera el sustituto de Clapton. De todas maneras, Page se uniría posteriormente al grupo, primero tocando el bajo y después asumiendo junto a Beck el papel de guitarrista. Clapton, Beck y Page, llegaron a tocar juntos en una mini-gira en beneficio de la esclerosis múltiple y en el álbum Guitar Boogie.

La banda

* Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
o Eric Clapton - guitarra
o Chris Dreja - guitarra
o Keith Relf - voces, armónica
o Paul Samwell-Smith - bajo
o Jim McCarty - batería
























John Mayall & the Bluesbreakers

Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers en abril de 1965, renunciando apenas unos meses después, para marcharse a Grecia, a tocar con una banda inglesa llamada "The Glands", en la cual tocaba el piano un viejo amigo suyo, Ben Palmer, regresando a la banda de John Mayall en noviembre. Fue durante esta etapa donde se ganó el respeto unánime del circuito de clubes de Inglaterra. Aunque Clapton se ganó el reconocimiento mundial por su ejecución en el álbum Blues Breakers with Eric Clapton, éste álbum no se comercializó hasta después de su marcha definitiva de la banda. Habiendo cambiado su Fender Telecaster y su amplificador Vox AC30 por una guitarra Gibson Les Paul Standard y un amplificador Marshall, el sonido de Clapton inspiró un grafitti muy bien promocionado que rezaba: "Clapton is God" (Clapton es Dios). La frase fue pintada por un seguidor en una pared de la estación de Islington en el subterráneo de Londres en otoño de 1967. La pintada fue captada en una famosa fotografía, en la que aparece un perro orinando en esa misma pared. Clapton dijo:
"Nunca acepté que fuera el mejor guitarrista del mundo. Siempre quise ser el mejor guitarrista del mundo, pero eso es un ideal, y lo acepto como tal."























La banda

* Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
o John Mayall - teclados, órgano, armónica, voces
o Eric Clapton - guitarra
o John McVie - bajo
o Jack Bruce - bajo (marzo de 1966)
o Hughie Flint - batería

























Cream

Clapton abandonó los Bluesbreakers en julio de 1966, siendo sustituido por Peter Green, para formar la banda Cream, uno de los primeros supergrupos de la historia. También se le considera uno de los primeros power trios, con Jack Bruce ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization como bajista, y Ginger Baker también ex-miembro de Graham Bond Organization como baterista. Antes de la creación de Cream, Clapton era prácticamente desconocido en los Estados Unidos, ya que abandonó The Yardbirds antes de que el sencillo "For Your Love" entrara en el Top Ten US, y aún no había tocado allí. En su época en Cream, Clapton empezó a evolucionar como cantante, compositor y guitarrista, aunque Jack Bruce era la voz predominante y el compositor de la gran mayoría de los temas junto con el letrista Pete Brown. Su primer concierto fue en el "Twisted Wheel" de Manchester en julio de 1966, antes de hacer su debut oficial con dos noches en el "National Jazz and Blues Festival" en Windsor. Parte de su fama legendaria se debe a sus jam sessions y solos de guitarras y batería en sus conciertos.

A principios de 1967, la hegemonía de Clapton como mejor guitarrista de Gran Bretaña entró en rivalidad con Jimi Hendrix, que estaba innovando en la manera de tocar la guitarra existente hasta entonces. Hendrix asistió al concierto de Cream en la Universidad de Westminster en Londres del 1 de octubre de 1966. Cuando Hendrix comenzó a tocar en la escena local muchos de los grandes artistas de Inglaterra asistían con gran expectación a sus conciertos, entre ellos Clapton, Pete Townshend, The Rolling Stones y The Beatles.

Clapton visitó por primera vez Estados Unidos con Cream. Fueron a Nueva York en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el teatro RKO. Después, en mayo de ese mismo año, regresarían a Nueva York para grabar su álbum Disraeli Gears. El repertorio de la banda evolucionó de canciones comerciales como "I Feel Free" a largas "jams instrumentales" de blues como "Spoonfull". Estos temas mostraban la guitarra punzante de Clapton, mezclado con la potente voz y vibrante bajo de Jack Bruce, mientras la potente, polirítmica batería con influencias de jazz de Ginger Baker aseguraban a Cream como un power trio.




















En 28 meses, Cream se había convertido en un éxito comercial, vendiendo millones de álbumes y tocando por toda Europa y Estados Unidos. Ellos redefinieron el papel instrumental dentro del rock, siendo de las primeras bandas en enfatizar el virtuosismo musical y las improvisaciones de corte jazzístico. Sus sencillos de éxito en los Estados Unidos incluyen "Sunshine of Your Love" (#5, 1968), "White Room" (#6, 1968) y "Crossroads" (#28, 1969) - versión en directo de la canción de Robert Johnson "Cross Road Blues." Aunque Cream fue uno de las grandes bandas de su época, y la adulación para con Clapton era constante, el supergrupo estaba destinado a tener una vida corta. Las legendarias diferencias entre Bruce y Baker y la creciente tensión entre los tres miembros de la banda finalmente acabarían con el grupo.


























El álbum de despedida de Cream, Goodbye, incluía actuaciones en directo en "The Forum", Los Ángeles, California, grabadas el 19 de octubre de 1968, y fue comercializado poco después de que Cream se separara. El álbum contaba también con el sencillo "Badge", co-escrita con George Harrison, a quién Clapton conoció en un concierto en el que The Yardbirds compartieron cartel con The Beatles en el London Palladium. Esta amistad se tradujo en la colaboración de Clapton en el tema "While My Guitar Gently Weeps" del White Album de The Beatles. Ese mismo año salió el debut en solitario de Harrison Wonderwall Music, que sería el primero de un largo número de álbumes de Harrison en contar con Clapton en la guitarra, aunque por motivos legales no apareciera en los créditos. Además, tocaban frecuentemente juntos como invitados el uno del otro. El 29 de noviembre de 2002, un año después de la muerte de Harrison, Clapton ayudó a organizar el tributo "Concert for George" como director musical.

Desde su ruptura en 1968, Cream se ha reunido en varias ocasiones. En 1993 en una ceremonia para ingresar en el Salón de la Fama del Rock y en 2005, una reunión para tocar cuatro noches en el Royal Albert Hall de Londres y tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York. La grabación de sus conciertos en el Royal Albert Hall salieron a la venta a finales de 2005 bajo el título Royal Albert Hall London May 2-3-5-6 2005.

La banda

* Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
o Eric Clapton - guitarra, voces
o Jack Bruce - bajo, voces
o Ginger Baker - batería

Blind Faith























Después de la ruptura de Cream, Clapton vuelve a formar un supergrupo, Blind Faith (1969), compuesto por Ginger Baker, Steve Winwood proveniente de Traffic (disuelto en enero de 1969) y Ric Grech de la banda Family, cuya corta vida dejó un álbum y una gira de promoción del mismo. El supergrupo debutó ante 100.000 espectadores en Hyde Park, Londres, el 7 de junio de 1969, del cual Eric Clapton, conocido por su perfeccionismo, salió bastante defraudado por la calidad ofrecida. Después hicieron varios conciertos por Escandinavia y comenzaron una gira americana en julio. El álbum Blind Faith fue grabado en los estudios de grabación Olympic, bajo la producción de Jimmy Miller con tantas prisas que la cara B sólo consta de dos temas, siendo una de ellas una "jam" de 15 minutos llamada "Do What You Like". Llegó al número 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La cubierta del álbum, que incluía una foto de una chica pre-adolescente semidesnuda creó polémica en Estados Unidos y fue sustituida por una fotografía de la banda. La banda se disolvió después de apenas siete meses de actividad.

























La banda

* Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
o Eric Clapton - guitarra, voces
o Steve Winwood - teclados, guitarra, bajo, voces
o Ginger Baker - batería
o Rick Grech - bajo, violín eléctrico


















Delaney and Bonnie and Friends

Clapton decidió apartarse del mainstream (corriente principal), girando con el grupo americano Delaney and Bonnie and Friends, que habían hecho de teloneros de Blind Faith en su gira americana de 1969. Formado por Delaney y Bonnie Bramlett (marido y mujer), el dúo llegó a contar con colaboraciones de la talla de George Harrison y Duane Allman, además de Clapton. Delaney and Bonnie and Friends hizo una gira europea con The Plastic Ono Band, con quienes Clapton tocó en un par de conciertos de la gira. Clapton aparece en el álbum On Tour with Eric Clapton, siendo éste el álbum más vendido del grupo, llegando al Top 30 de las listas americanas.

La banda

* Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
o Eric Clapton - guitarra, voces
o Delaney Bramlett - guitarra, voces
o Bonnie Bramlett - voces
o Dave Mason - guitarra
o Jim Gordon - batería
o Carl Radle - bajo
o Bobby Whitlock - órgano, voces
o Jim Price - trompeta
o Bobby Keys - saxofón
o Rita Coolidge - voces
o Tex Johnson - percusión
o George Harrison - guitarra (sólo en directo)


























Primer álbum en solitario

Usando a los músicos de "The Bramletts" y una serie de músicos de prestigio (incluyendo a Leon Russell y Stephen Stills), Clapton grabó su primer álbum en solitario, el homónimo Eric Clapton. El álbum incluía dos temas compuestos por "The Bramletts" ("Bottle Of Red Wine" and "Let It Rain"), además de la versión de la canción de J.J. Cale, "After Midnight", alcanzando este último el número 18 en las listas americanas. Además, en esta época participó en el álbum de George Harrison, All Things Must Pass en la primavera de 1970. También grabó con otros artistas como: Dr. John, Leon Russell, Plastic Ono Band, Billy Preston y Ringo Starr.

Derek and the Dominos

Después de ese primer álbum en solitario, Clapton reúne a los músicos de Delanney y Bonnie, Bobby Whitlock (teclados y voces), Carl Radle (bajo) y Jim Gordon (batería) para formar un nuevo grupo, posiblemente para demostrarse que podía tener un grupo y dejar un poco de lado su fama de estrella. La banda iba a llamarse en un principio "Eric Clapton and Friends", decidiéndose después por "The Dynamics". El hecho de acabar llamándose Derek and the Dominos, parece ser que es debido a que a la hora de presentarles en su primer concierto el locutor, en vez de Derek and the Dynamics, dijo "Derek and the Dominos", quedándose después así. Aunque, sin embargo, en la biografía de Clapton, se dice que Ashton quería que se llamase "Del and the Dominoes", (siendo Del el mote que le habían asignado a Clapton) y que al final lo que hicieron fue unir Del y Eric, quedando Derek and the Dominos como resultado.


La amistad de Clapton con Harrison, le hizo conocer a Pattie Boyd, esposa de Harrison, de la cual quedó prendado. Cuando ella rechazó sus avances, los sentimientos de Clapton se plasmaron en las canciones del álbum Layla and Other Assorted Love Songs. El álbum contiene el gran éxito "Layla", inspirada por el poeta clásico de Persia, Nezami, y su poema "The Story of Layla and Majnun". La historia que contaba el poema conmovió profundamente a Clapton, ya que hablaba de un joven que se enamoraba perdidamente de una hermosa mujer, inaccesible porque ya estaba casada.

























La banda grabó su único álbum en los estudios de grabación Criteria de Miami con Atlantic Records, bajo la producción de Tom Dowd, con el que ya había trabajado Clapton en el álbum de Cream Disraeli Gears. Las dos partes de "Layla" se grabaron en sesiones distintas; primero se grabó el comienzo de guitarra, y para la segunda parte, grabada varios meses después, el batería Jim Gordon tocó la parte de piano. En el álbum también acabó colaborando Duane Allman de The Allman Brothers Band, convirtiendo al grupo en un quinteto. Duane primero añadió su guitarra slide a los temas "Tell the Truth" y "Nobody Knows You When You're Down and Out." En cuatro días el quinteto grabó "Key to the Highway", "Have You Ever Loved a Woman", y "Why Does Love Got to be So Sad." En septiembre, Duane dejó las sesiones para hacer unos conciertos con su banda, y los cuatro restantes grabaron "I am Yours", "Anyday", and "It's Too Late." Después grabaron la versión de la canción de Jimi Hendrix (que murió durante la grabación de este álbum) "Little Wing" y "Thorn Tree in the Garden"



















El álbum tenía muchas influencias del blues. Además, la contribución de Allman, enriquecía mucho el sonido de la banda. Muchos críticos dirían que Clapton tocaba mejor cuando le acompañaba otro guitarrista. En este álbum aparecen algunas de las mejores composiciones de Clapton y algunas de sus mejores piezas de guitarra.




















La banda comenzó una gira por los Estados Unidos sin Allman que había regresado a su banda. Aunque Clapton más adelante admitiría que la gira estuvo llena de drogas y alcohol, el álbum In Concert que se grabó en la gira, sonaba sorprendentemente potente. Además la banda grabó varios temas para su segundo álbum de estudio (que nunca llegaría a editarse) durante la primavera de 1971. Cinco de estos temas aparecen en la caja recopilatoria de Eric Clapton Crossroads de 1988.

No estando Tom Dowd y Duane Allman para limar asperezas, Derek and the Dominos pronto se separarían en Londres. El final de Derek and the Dominos, viéndolo con el paso de los años, constituye una parte trágica de la historia del rock. Allman murió en un accidente de moto el 29 de octubre de 1971, y aunque Radle permaneció con Clapton hasta el verano de 1979 (murió en mayo de 1980 bajo los efectos de las drogas y el alcohol), la ruptura entre Clapton y Whitlock fue amarga, y no fue hasta 2003, que volvieron a trabajar juntos. Además, el baterista Jim Gordon, que era un esquizofrénico sin diagnosticar, mataría años más tarde a su madre durante un episodio de brote psicótico. Gordon fue encarcelado y posteriormente llevado a una institución mental, donde permanece hoy en día.

La banda

* Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
o Eric Clapton - guitarra, voces
o Jim Gordon - batería
o Carl Radle - bajo
o Bobby Whitlock - teclados, voces

























Carrera solista

Años 70

Los primeros años de la década de los 70 fueron desastrosos para la vida personal de Clapton, que estaba dominada por sus adicciones. Dejó de hacer giras y se recluyó en su residencia de Surrey, en el Reino Unido. Allí se dedicó a su adicción a la heroína, dejando de lado su carrera, sólo interrumpida por su aparición en el "Concierto por Bangladesh" en agosto de 1971, donde se desmayó en el escenario, fue reanimado, y continuó tocando. En enero de 1973, el guitarrista de The Who, Pete Townshend, organizó un concierto en el "Rainbow Theatre" para ayudarle a volver a la escena musical. Este concierto contó también con la colaboración de Ron Wood y Steve Winwood. Se grabó y después se editaría bajo el nombre de Eric Clapton's Rainbow Concert. Gracias a la ayuda de Townshend y una terapia de acupuntura Clapton dejó el consumo de heroina en 1973. Clapton, le devolvería en 1975 el favor apareciendo en la ópera rock de The Who, "Tommy", interpretando el tema "Eyesight To The Blind".
Eric Clapton enero de 2005, en una presentación de caridad debido a los tsunamis ocurridos en 2004.

























En 1974, ya junto a Pattie Boyd (aunque no se casaría con ella hasta 1979), y rehabilitado de su adicción a la heroína y cocaína, aunque todavía siendo alcohólico, Clapton formó una banda para su proyecto en solitario con el bajista Carl Radle, el guitarrista George Terry, el teclista Dick Sims, el baterista Jamie Oldaker y Marcy Levy (mejor conocida como Marcella Detroit del duo pop Shakespears Sister). Con estos músicos, Clapton grabó 461 Ocean Boulevard (1974), bajo la producción nuevamente de Tom Dowd. Era un álbum con canciones más simples y con menos solos de guitarra; siendo la versión de la canción de Bob Marley "I shot the sheriff" su primer sencillo en llegar al #1 en Estados Unidos.

























El álbum de 1975 There's One in Every Crowd fue una decepcionante continuación de su anterior álbum, ya que ni siquiera entró en el "Top Ten". La banda hizo una gira mundial de cuyas grabaciones se extrajo el álbum en directo, E.C. Was Here. A continuación vendría el álbum de 1976 No Reason to Cry, con las colaboraciones de Bob Dylan y The Band.

En agosto de este mismo año Clapton, provocó uno de los momentos más criticados de su vida, cuando, durante un concierto en Birmingham, habló sobre la creciente inmigración que sufría Inglaterra. Visiblemente intoxicado, dio su apoyo a un candidato político de la época llamado Enoch Powell y dijo que el Reino Unido estaba en peligro por el incipiente crecimiento de la comunidad negra. Este incidente, junto con otro similar provocado por David Bowie, fueron los causantes de la creación de una asociación llamada "Rock Against Racism". Clapton, de hecho, nunca se ha retractado de estos comentarios, aunque sí ha reiterado en varias ocasiones que no es racista.

























En noviembre de 1977 vendría Slowhand, muy bien recibida por la crítica, donde figura la canción "Wonderful Tonight", otra canción dedicada a Pattie Boyd, y la canción "Cocaine", una versión de un tema de J.J. Cale.

























En 1978 vino Backless, que no recibió las mismas críticas positivas que Slowhand. Contaba con dos temas de Bob Dylan y volvía a aparecer una versión de J.J. Cale. El único sencillo que entró en el "Top Ten" británico fue "Promises". Este sería el último álbum que grabaría con la banda que le había acompañado desde 1974.




















Años 80

En 1980, se edita el doble álbum en directo Just one night, grabado en el Teatro Budokan, en Tokyo, donde lo más destacable es su nueva banda, liderada por el guitarrista, Albert Lee, que le da un aire totalmente nuevo a la música de Clapton.
















En 1981, Clapton es invitado a colaborar en el concierto en beneficio de Amnistía Internacional. En esta ocasión se hizo acompañar de Jeff Beck dejando para la historia unos memorables duetos. Tres de éstos aparecieron en el álbum que se editó del evento. En esta época saca el álbum titulado Another Ticket, un álbum con polémica desde el principio, ya que Polydor no aceptó la primera entrega del álbum producido por Glyn Johns, teniéndose que volver a grabar íntegramente con el productor Tom Dowd. Además, en uno de los primeros conciertos de la gira, Clapton cayó inconsciente, quedando cerca de la muerte por su acusado alcoholismo. En esta época Clapton comienza a apoyarse cada vez más en la religión.

























En 1983 se lanza al mercado Money and cigarettes, con la compañía discográfica Reprise Records, con la memorable portada que muestra a Clapton fumando cerca de una stratocaster derritiéndose. Eric Clapton llamó así al álbum "porque, pensé que llegaría el momento en que serían las únicas dos cosas que me quedarían." Para este álbum Clapton se deshace de toda su banda, a excepción de Albert Lee, además de contar con la colaboración de Ry Cooder.

























En 1984, aparte de editarse un recopilatorio llamado Backtrackin', colaboró en el álbum del miembro de Pink Floyd Roger Waters y después le acompañó en su gira. A partir de aquí se han reunido en numerosas ocasiones. Después de la gira, se puso a grabar Behind the Sun, que supuso su primera colaboración con Phil Collins, que además de tocar la batería, se encargó de la producción. Este año sería especialmente significativo en la vida personal de Eric Clapton, ya que, aunque seguía casado con Pattie Boyd, empezó una relación con Yvonne Kelly. Fruto de esta relación, en enero de 1985 nació su hija Ruth. Ni Clapton, ni Kelly dieron a conocer el nacimiento de su hija, que no fue revelado al público hasta 1991. Así pues, Boyd no supo de la existencia de la niña hasta 1991, cosa que la indignó sobremanera llegando a decir:
"Lo que más me dolió fue que Eric supo de su existencia todo este tiempo. Mientras me declaraba amor incondicional, llevaba seis años pagándole manutención a Yvonne."




















En 1986 se lanzó el álbum August, el título refiriéndose al mes de nacimiento de su primer hijo reconocido, Conor. Este álbum, también producido por Phil Collins, obtuvo las mejores ventas desde "Another Ticket". Cabe destacar la colaboración en varios de los temas de Tina Turner. En 1988 se editó Crossroads, una caja recopilatoria de cuatro discos, que hacía un repaso a toda su discografía desde su época de The Yardbirds.

En 1989, Clapton lanzó al mercado Journeyman, un álbum de muy diversos estilos, tocando el jazz, el blues, el pop y el soul. En este álbum colaboraron George Harrison, Phil Collins, Daryl Hall, Chaka Khan, Mick Jones de Foreigner, David Sanborn y Robert Cray. Aunque la crítica recibió el álbum sin grandes elogios, Clapton sostiene que es uno de sus favoritos. Este año Clapton se divorció de Pattie Boyd, que alegaba infidelidades."



















Años 90

Los primeros años de la década de los 90 fueron especialmente trágicos para Eric Clapton. El 27 de agosto, su compañero Stevie Ray Vaughan, con el que estaba de gira, y dos de sus técnicos de gira murieron en un accidente de helicóptero durante el traslado entre conciertos. Después, el 20 de marzo de 1991, su hijo Conor, que contaba con cuatro años de edad, murió al caer de un piso 53 de un rascacielos de Nueva York en el que se encontraba con su madre. Su aflicción quedó plasmada en la canción "Tears in Heaven", coescrita con Will Jennings. La canción aparece primero en la banda sonora de la película "Rush" y después en su álbum de 1992 Unplugged, en una versión acústica, por el cual recibió seis premios Grammy, entre ellos el de álbum del año y mejor canción de rock del año.

En septiembre de 1994, se edita From The Cradle, que es el primer álbum de blues íntegro grabado por Clapton, en el que se recoge una colección de temas clásicos. Ganó el Grammy al Mejor Álbum de Blues Tradicional en 1995 y vendió más de 3 millones de copias en Estados Unidos, siendo el disco de blues que más ha vendido de la historia. En 1985 sale otro recopilatorio más, llamado "The Cream of Clapton".


















En abril de 1996, se publica una nueva caja recopilatoria con el título Crossroads 2: Live In The Seventies, que consiste en actuaciones en directo grabadas entre los años 1974 y 1978, así como 4 temas de estudio inéditos. Clapton también obtuvo un gran éxito ese año con la canción compuesta por Wayne Kirkpatrick, Gordon Kennedy y Tommy Sims, "Change The World", con el que ganó un Grammy a la mejor canción del año en 1997, el mismo año en que grabó Retail Therapy, un álbum de música electrónica con Simon Climiel. También participó en un concierto homenaje a Stevie Ray Vaughan y en el concierto "Princes Trust" en Hyde Park, Londres.
























En marzo de 1998, Clapton publicó el álbum Pilgrim con material totalmente nuevo, cosa que no ocurría en más de una década. En esta ocasión también cuenta con la colaboración de Simon Climiel, y recibió críticas dispares. En 1999 se edita un doble álbum con material de los años 70 llamado The Blues, y otro llamado Clapton Chronicles: The Best of Eric Clapton con material más reciente. Clapton acabó la década de los noventa con un álbum con B. B. King llamado Riding with the King que ganó un premio Grammy al mejor álbum de blues tradicional en 2001. Durante la grabación de este álbum conoció a su actual esposa Melia McEnery con la que se casó en 2002 y con la que tiene tres hijas: Julie Rose (13 de junio de 2001), Ella May (14 de enero de 2003), y Sophie Belle (1 de febrero de 2005).

2000-presente

Eric Clapton en 2004.



















En 2001, se edita Reptile que tuvo una relativamente buena acogida de la crítica. En 2002, Eric tocó en Party at the Palace, concierto con el que se celebraron los 50 años de reinado de la Reina Isabel II de Inglaterra, junto con otros artistas como Paul McCartney, Bryan Adams, Keith Airley, Atomic Kitten, Shirley Bassey, Tony Bennett, Blue, Emma Bunton, The Corrs, Joe Cocker, Phil Collins, Ray Cooper, Ray Davies, Dame Edna Everage, Tony Iommi, J'anna Jacoby, Elton John, Tom Jones, Ladysmith Black Mambazo, Annie Lennox, Ricky Martin, Ozzy Osbourne, Mark Andrew-Brydon, Brian May y Roger Taylor de Queen, Mis-teeq, Cliff Richard, S Club 7, Rod Stewart, Will Young, Brian Wilson, Steve Winwood, Tony Vincent o Hannah Jane Fox. En noviembre de ese mismo año organizó un concierto homenaje a George Harrison, quien había muerto el año anterior de cáncer. Junto a él tocaron Paul McCartney, Ringo Starr, Jeff Lynne, Tom Petty, Ravi Shankar, entre otros.
























En marzo de 2004 publica un álbum de tributo al bluesman Robert Johnson, Me And Mr. Johnson, que incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30.

























En mayo de 2005, se produce la reunión de Cream para una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. Las grabaciones resultantes se lanzaron en CD y DVD. Después hicieron un concierto en el Madison Square Garden de Nueva York. El 30 de agosto sale al mercado Back Home, con material totalmente nuevo. Para la gira de este álbum contaría con la ayuda de Derek Trucks y Doyle Bramhall II, siendo Trucks el tercer componente de The Allman Brothers en tocar en la banda de Clapton, mientras que el segundo fue Chuck Leavell, que anteriormente había colaborado en Unplugged y en 24 Nights.

























El 20 de mayo de 2006 Clapton hizo una actuación con Roger Taylor (Queen) y Roger Waters (Pink Floyd) en el Castillo Highclere. También hizo una aparición en un concierto de Bob Dylan en Columbus , Ohio. El 7 de noviembre de 2006 se edita un álbum llamado The Road to Escondido conjuntamente con J.J. Cale.

En la primavera de 2009 saldrá a la venta un set de dos CD y dos DVD de tres conciertos con Steve Winwood en el Madison Square Garden.




















Influencias

Clapton ha tocado temas de artistas muy variados, pero sobre todo de Robert Johnson y J.J. Cale. Otros artistas a los que ha homenajeado son Bob Marley, Bo Diddley y Bob Dylan. Él cita como sus mayores influencias a Freddie King, B. B. King, Albert King, Buddy Guy, Hubert Sumlin y Robert Johnson. Clapton dijo de Johnson:
"... el músico de blues más importante que jamás existió. Él era verdadero, absolutamente, nunca he encontrado nada más lleno de sentimiento que Robert Johnson. Su música es el llanto más potente que puedes encontrar en una voz humana, de veras... parecía resonar con algo que yo siempre sentí. "

























Estilo (Woman tone)
El woman tone es el término utilizado para referirse al distintivo sonido de guitarra eléctrico usado por Clapton a finales de los años 1960 con su Gibson SG y su amplificador Marshall de válvulas. Se ve claramente ejemplificado en la canción de Cream, "Sunshine of Your Love". Se trata de un sonido distorsionado, que se obtiene subiendo el volumen y tonos del amplificador al máximo, y la rueda del tono de la guitarra al mínimo. También, parte del sonido, es debido al característico estilo de tocar de Clapton.






















Equipamiento Guitarras

La elección de guitarras de Eric Clapton ha sido diversa, y junto con Hank Marvin, The Beatles y Jimi Hendrix, ha sido una gran influencia a la hora de popularizar algunos modelos de guitarra eléctrica en particular. Con The Yardbirds, Clapton tocó una Fender Telecaster, una Fender Jazzmaster y una Gibson ES-335 color cereza de 1964. Se convirtió a mediados de 1965 en usuario exclusivo de guitarras Gibson, después de comprar en una tienda de Londres una Gibson Les Paul Sunburst estándar. Clapton comentó sobre su estrecho mástil, lo que indicaría que se trataba de una Gibson Les Paul Standard de 1960.

























Durante los comienzos con Cream, la Gibson Les Paul Standard de 1960 fue robada. Continuó tocando con una guitarra casi idéntica que le compró a Andy Summers1, hasta la compra de su guitarra más famosa de esta época, una Gibson SG de 1964. En 1968, Eric Clapton compró una Gibson Firebird y volvió a utilizar de nuevo la Gibson ES-335 color cereza de 1964. La historia de esta Gibson ES-335 abarca un largo período de la carrera de Clapton, siendo utilizada en su último concierto con Cream en noviembre de 1968, apareciendo en la canción "Hard Times" del álbum de 1989 Journeyman, y también en el álbum y posterior gira de From the Cradle. Fue vendida en una subasta de 2004 por 847,500 dólares americanos.Gibson sacó una edición limitada de 250 piezas de una réplica de esta Gibson llamada "Crossroads 335".

























Durante la grabación de The Beatles del tema "While My Guitar Gently Weeps" usó una Gibson roja, que posteriormente le regaló a George Harrison. Esta Gibson SG llegó a manos del amigo de Harrison, Jackie Lomax, que después se la vendió al músico Todd Rundgren por 500 dólares en 1972. Rundgrend la restauró y le dio el mote de "Sunny", por la canción "Sunshine of Your Love." Le acompañó hasta el año 2000, en que la vendió en una subasta por 150.000 dólares.En el famoso concierto de Blind Faith de 1969 en Hyde Park tocó una Fender Custom Telecaster.
A finales de 1969 se cambió a Fender Stratocaster.


















" Yo tenía muchas influencias cuando comencé con la Strat. En primer lugar estaban Buddy Holly, y Buddy Guy. Hank Marvin fue el primer músico reconocida en usarla aquí en Inglaterra, aunque no era mi estilo. Steve Windwood tenía tanta credibilidad, que cuando comenzó a usar una, yo pensé, oh, si él puede, yo también puedo."

La primera Statocaster fue "Brownie", usada durante la grabación del álbum Eric Clapton que en 1974 se convertiría en pieza fundamental para la creación de "Blackie", la guitarra más famosa de Clapton. En 1970 compró seis Fender Stratocasters en una tienda de Nashville, Tennessee durante su gira con Derek and the Dominos, de los cuales, posteriormente, regaló tres a George Harrison, Steve Winwood y Pete Townshend. Usó lo mejor de las tres restantes para la creación de "Blackie", que fue su guitarra favorita de directo hasta que la jubilase en 1985. La tocó por primera vez el 13 de enero de 1973 en el "Rainbow Concert". El 24 de junio de 2004, Clapton vendió "Blackie" en una subasta de Christies, en Nueva York por la cantidad de 959.500 dólares, que donó a la Crossroads Centre, un centro de desintoxicación creada por él mismo. "Brownie" ahora se encuentra expuesta en un museo musical de Seattle llamado Experience Music Project. Fender ha creado desde entonces una edición limitada de réplicas de Blackie.



















Otro momento relativo a las guitarras de Clapton fue cuando en 1971 regaló una de sus guitarras firmadas al Hard Rock Cafe de Londres, para designar su taburete favorito del local. En respuesta, Pete Townshend, regaló una de sus guitarras, con una nota que rezaba: "La mía es tan buena como la suya! Love, Pete." Desde este momento Hard Rock comenzó a crear su particular estilo de decoración en sus locales.

























En 1988 Fender creó la llamada Eric Clapton Stratocaster. Desde aquí Fender ha creado diversos modelos dedicados a artistas como: Rory Gallagher, Mark Knopfler, Jeff Beck, Stevie Ray Vaughan o Buddy Guy. Clapton también ha sido honrado con una serie de guitarras acústicas fabricadas por C.F. Martin & Co.La Martin 1939 000-42 que usó para su álbum acústico Unplugged fue vendida en subasta por 791.500 dólares. Hoy en día usa una Martin 000-ECHF.

Todas las subastas de guitarras que ha llevado a cabo Clapton, tanto la de 1999 (donde se recaudaron más de 5 millones de dólares), como la de 2004 (donde se recaudaron 7.438.624 de dólares), fueron donadas al centro de desintoxicación creado en 1997 en Antigua que lleva su nombre.

























Resto de equipamiento

* En su primera época con "The Roosters" su guitarra Kay sonaba a través de un amplificador Selmer Futurama III.
* En su época con The Yardbirds su Stratocaster hacía uso de un amplificador Vox AC-30.
* Con The Bluesbreakers tocaba su Les Paul Standard de 1960 a través de un amplificador de 45 watios Marshall 2x12 combo (JTM 45) de 1962, con algunos retoques. El amplificador solía estar puesto a su máximo volumen, incluso en el estudio de grabación. Cuando los ingenieros se quejaban, Eric respondía: "Así es como toco".
* En su época de Cream se pasó a cabezales Marshall de 100 Watios usando dos paredes completas de 4X12. También usaba un pedal Vox wah-wah y ocasionalmente un pedal con efectos fuzz.
* Con Blind Faith usaba Fender Dual Showman con reverb o sus amplificadores de Marshall.
* Con Derek and the Dominos, Fender Champ fue el amplificador de estudio que utilizó en la grabación de Layla and Other Assorted Love Songs. En directo, usaba Fender Dual Showmans o sus Marshall.





















* En solitario:

o En 1976, usaba su Gibson ES-335 como guitarra slide con cuerdas Ernie Ball Super Slinky’s .009 - .042. Utilizaba amplificadores Music Man modificados con reverb y multiefectos de JBL. También usaba una pedalera Crybaby wah-wah.
o A mediados de los años 80 aumentó considerable los efectos y pedaleras que usaba en directo. Sintetizadores Roland 700, controladores Bradshaw, pedaleras wah-wah Crybaby Reissue de Jim Dunlop, retardos de Ibanez, compresores DBX, retardos Roland SDE-3000, entre otros. En esta época cambió sus amplificadores a la serie Marshall 800 de 50 Watios.
o En 1994, para la grabación de From the Cradle, aparte de usar más de 50 guitarras de su colección, utilizó un viejo amplificador Fender Twin sin ningún tipo de efecto y un Fender Champ.
o Durante su Gira Reptile de 2001 hizo varios cambios. Comenzó utilizando unos amplificadores Fender Tweed Twins, pero a mitad de la gira cambió a Fender Vibro Kings.
o Hoy en día su equipamiento se limita básicamente a una pedalera de efectos Boss Chorus CE-3, una pedalera Leslie y un pedal wah-wah 535 Crybaby de Jim Dunlop.

Fuente Wikipedia

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