roberto beto pincetti, musico, locutor, profesor de musica, córdoba

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sábado, 28 de febrero de 2009

JOHN LENNON IMAGINE

sábado, febrero 28, 2009  , ,  Sin comentarios


IMAGINE

"Imagine" es una canción del músico británico John Lennon, publicada en el álbum de 1971 Imagine. Si bien el tema está acreditado de forma exclusiva a Lennon, es conocida la participación de Yoko Ono en el concepto lírico. El tema fue producido por Phil Spector.

"Imagine" es considerada como una de las mejores composiciones de todos los tiempos. En 2004, la revista musical Rolling Stone la ubicó en la tercera posición de la lista de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos El ex-Presidente de los Estados Unidos de América Jimmy Carter llegaría a decir: "En muchos países del mundo -mi esposa y yo hemos visitado cerca de 125 países- oías la canción 'Imagine' de John Lennon usada casi igual que los himnos nacionales."

En el libro Lennon in America, escrito por Geoffrey Giuliano, Lennon comentó que la canción era "antireligiosa, antinacionalista, anticonvencional, anticapitalista, pero es aceptada por su dulzura." Lennon llegaría a definir el tema como "virtualmente el Manifiesto Comunista."

La letra de la canción está inspirada en las esperanzas de Lennon depositadas en una paz mundial, si bien el origen de la misma no es del todo claro. En 1963 Lennon abría la canción de The Beatles "I'll Get You" con el verso "Imagine I'm in love with you, it's easy cause I know", que guarda cierto parecido con la estructura de "Imagine". Aun así, parte de la canción podría haber estado influenciada por la poesía de Yoko Ono, en relación a su infancia vivida en Japón durante la Segunda Guerra Mundial. Según el rotativo The Guardian, los versos principales de la canción pueden ser encontrados en la edición de 1965 del libro Grapefruit, donde Yoko escribía "Imagine a raindrop" e "imagine the clouds dripping" (que pueden traducirse al español como "imagina una gota de lluvia" e "imagina las nubes sudando").

Composición

John Lennon declararía acerca del mensaje de la canción "Imagine":

No es un mensaje: "Give Peace a Chance" -no estamos perdiendo la razón, sólo decimos: da una oportunidad a la paz. Con "Imagine", decíamos: "¿Puedes imaginar un mundo sin países ni religiones?" Es el mismo mensaje una y otra vez. Y es positivo."

Yoko Ono declararía que el contenido lírico de "Imagine" era "tan sólo lo que John creía -que todos éramos un único país, un mundo, una persona. Queríamos exponer esa idea."

Criticas

A pesar de su popularidad, "Imagine" ha recibido numerosas críticas a lo largo de los años, algunas de ellas por la percepción negativa de su letra.

El crítico musical y periodista Robert Elms, conocido por sus controversiales opiniones como su odio por los Beatles y por John Lennon en particular, escribió que "Imagine" había sido escrita por "un multimillonario con una habitación de su mansión en Manhattan climatizada para guardar sus abrigos de piel"[8] Elvis Costello también comentaría con ironía el tema en la canción "The Other Side of Summer", donde escribe: "¿Era un multimillonario el que decía "Imaginad que no existen posesiones?"

Durante una entrevista para la revista Playboy, Lennon fue criticado por el motivo arriba indicado, defendiéndose al señalar que es muy difícil abandonar un mundo materialista una vez que estás inmerso en él y comparando su situación al momento en que abandonó The Beatles:

Playboy: ¿Por qué alguien necesitaría 150.000.000 dólares? ¿No se pueden conformar perfectamente con 100.000.000 o con 1.000.000 dólares?
Lennon: ¿Qué quieres que haga? ¿Darlo todo y vivir en la calle? Buda dijo: "Deshazte de las posesiones de tu mente." Apartarse del dinero no lo solucionaría. Es como con The Beatles. No podría deshacerme de The Beatles. Es algo que aún soy, ¿no? Si me deshago de una casa o de cuatrocientas casas, no voy a escapar de ellas.

Legado

Mosaico dedicado a John Lennon en el Strawberry Fields Memorial de Central Park, Nueva York.
  • En 1999, el BMI nombró a "Imagine" una de las 100 mejores canciones del siglo XX.
  • La edición original de "Imagine" aparece en la vigesimotercera posición de los singles más vendidos en el Reino Unido.
  • En noviembre de 2004, la revista musical Rolling Stone situó el tema en el tercer puesto de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos.
  • El 1 de enero de 2005, Canadian Broadcasting Corporation nombró a "Imagine" la mejor canción de los últimos 100 años en el espectáculo 50 Tracks.
  • La canción quedaría en el puesto 30 de la lista de las 365 canciones del siglo con mayor significado histórico, elaborada por la Asociación americana de la Industria Musical.
  • "Imagine" fue votada la mejor canción de todos los tiempos el 12 de septiembre de 2006 por el programa 20 to 1 de Nine Networks.
  • Poco después de que el catálogo musical de Lennon se distribuyera a través de iTunes, "Imagine" se alzaría hasta el puesto #63 de las 100 canciones más descargadas.
  • Imagine hasta el día de hoy, en argentina (2008) Puesto #10 de los 500 más importantes del rock mundial. En el programa más reconocido de radio llamado Cual Es? En la radio Rock And Pop

"Imagine" en la cultura popular

  • George Harrison hace una referencia a la canción en su tema "All Those Years Ago", homenaje a Lennon tras su muerte.
  • "Imagine" fue utilizada en la última secuencia de la película de 1984 Los Gritos del Silencio.
  • El tema fue interpretado durante un concierto conmemorativo del trigésimo aniversario de Star Trek.
  • El aeropuerto de Liverpool adoptó como lema el verso "above us only sky" (encima de nosotros sólo cielo).
  • En homenaje a Lennon, se construyó un mosaico como parte del memorial Strawberry Fields en Central Park, Nueva York, con el lema "Imagine" en el centro.
  • En la película Forrest Gump, Forrest habla de cómo era la vida en China, sin posesiones materiales ni religión. El presentador dice que es difícil de imaginar y John Lennon dice que "es fácil si lo intentas", éstas son frases que aparecen en la canción.
  • Figura como himno oficial de la organización de ayuda humanitaria Amnistía Internacional.
  • "Imagine", junto a otras composiciones de Lennon, fue utilizada en la película de 1995 Mr. Holland's Opus.
  • El 30 de enero de 2003, "Imagine" fue utilizada para despertar a los tripulantes del Transbordador espacial Columbia.
  • La canción fue incluida en la lista de canciones inapropiadas tras los ataques terroristas del 11-S, elaborada por Clear Channel.
  • En 2003, Bill Clinton se unió a cuarenta niños judíos y cuarenta niños árabes en el 80 cumpleaños de Shimon Peres para cantar "Imagine".[10]
  • George Galloway usó la línea "I'm not the only one" (no soy el único) para su autobiografía.
  • "Imagine" fue interpretado durante la noche de Fin de Año de 2006 y 2008 en el Times Square de Nueva York.
  • En el Fórum Monterrey 2007 se realizo una version con ritmos mas alegres para el espectaculo "la frgua del mundo" y fue muy popular entre el publico regiomontano.

Versiones

Versiones en directo

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JOHN LENNON IMAGINE: AL SON DE CAMPANAS

sábado, febrero 28, 2009  ,  Sin comentarios





La catedral de Liverpool, al son de 'Imagine'

Uno de los campanarios más altos del mundo repicará la canción de John Lennon en su ciudad natal

EFE - Londres - 27/02/2009

Las campanas de la catedral anglicana de Liverpool interpretarán este año la famosa canción Imagine de John Lennon, definida por su propio autor e hijo pródigo de la ciudad como un "himno antirreligioso".

Los responsables de la catedral, que tiene uno de los campanarios más altos del mundo, han considerado detenidamente "la sensibilidad" de la letra y han decidido que su capacidad de atraer a las masas supera su potencial para la ofensa.

Un portavoz catedralicio ha explicado que la iniciativa de interpretar el tema mediante repique de campanas partió de los organizadores del festival cultural Futuresonic, que se celebrará del 13 al 16 de mayo en Manchester y Liverpool.

Cuando Drew Hemment, fundadora del festival en 1995, tuvo la idea de tocar Imagine con un fondo de campanas pensó que ello debería hacerse en Liverpool, la ciudad natal de Lennon y del resto de los Beatles.

La conocida canción, escrita en 1971 y descrita por Lennon como "antirreligiosa, anticonvencional y anticapitalista", llama con su letra a imaginar que no existe ni el cielo, ni el infierno, ni la propiedad privada. Así seríamos todo, según Lennon, mucho más felices.

"La actuación propuesta inspirará a la reflexión ya que llama a la paz en un mundo roto y atormentado", ha expresado un portavoz de esta catedral anglicana, que tiene un impresionante campanario de más de cien metros de altura, formado por trece campanas que rodean a una central llamada El Gran Jorge, que pesa más de catorce toneladas y se puede oír a kilómetros a distancia.

Hemment ha señalado que la fusión de fe y laicismo que representa el concierto que se interpretará en el templo "refleja el tradicional carácter tolerante y valiente" de la ciudad.

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Oumou Sangare: 'Sounsoumba'

sábado, febrero 28, 2009  ,  Sin comentarios


Videoclip de 'Sounsoumba', de Oumou Sangare
La canción, una versión acústica grabada en los estudios de músicas del mundo Livingston, y con el músico Benego Diakite en el kamelngoni, abre el nuevo álbum de la estrella de Malí Oumou Sangare, 'Seya'.


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U2: EN LA AZOTEA

sábado, febrero 28, 2009  ,  Sin comentarios


U2 actúa
por sorpresa
en una
azotea de
Londres







La banda liderada por Bono emula a los Beatles con un concierto en el que presentaron dos canciones de su nuevo álbum

EFE - Londres - 27/02/2009

Como hicieron los Beatles hace 40 años, la banda de rock irlandesa U2 ha sorprendido este viernes a los viandantes del centro de Londres con un insólito concierto sobre la azotea de un edificio que hizo enloquecer en la calle a unas 5.000 personas.

Bono, The Edge, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton se encaramaron al tejado de la Casa de Radiodifusión de la cadena pública BBC, adonde habían acudido como invitados a varios programas de radio para promocionar su disco No line on the horizon, que acaba de salir a la venta en Irlanda y llegará al resto de Europa el 2 de marzo. En la azotea y con el oscuro cielo londinense de fondo, la banda interpretó durante 20 minutos cuatro canciones: dos del nuevo álbum (Get on your boots y Magnificent) y dos de sus clásicos (Beautiful day y Vertigo).

Una multitud se congregó frente al edificio de la BBC, donde los seguidores de U2 (avisados por rumores que circularon en varios foros de Internet) bailaron, aplaudieron, cantaron y tomaron fotos del inusual espectáculo con teléfonos móviles. "Es un gran honor. Es la primera vez que cantamos estas canciones (las del último álbum, duodécimo del conjunto de rock) en público. Por tanto, esperamos no fastidiarlas", dijo Bono, líder y vocalista del grupo, ante la concurrencia.

Abajo, en la calle, la policía se vio obligada a cerrar la zona de Portland Place y desviar el tráfico, mientras un helicóptero sobrevolaba el área. Según el periodista de la BBC Darryl Chamberlain, "la multitud gritaba y vitoreaba". "Unos salían de los pubs y tiendas para verlos y otros miraban a través de las ventanas. Fue una multitud amable y la gente parecía disfrutar", relató Chamberlain.

La idea de Bono y compañía recordó el mítico "concierto de la azotea" de los Beatles, del que se cumplieron el pasado mes 40 años. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr tocaron por última vez en directo el 30 de enero de 1969 sobre el tejado de la sede de su discográfica, Apple Records, en el número 3 de Saville Row, la conocida calle de los sastres en Londres.

Antes de subir a la azotea de la BBC, la banda reveló en un programa de la emisora pública que prepara una gira para el próximo verano y que espera ofrecer entradas a precios más asequibles, dada la actual recesión económica. "¡Asimismo, va a haber entradas a precios muy caros porque la gente rica también tiene sentimientos!", exclamó Bono.

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MERCEDES SOSA: NUEVO ALBUM

sábado, febrero 28, 2009  , ,  Sin comentarios

El álbum de duetos de Mercedes Sosa

En el lanzamiento más ambicioso de la música popular, la Negra grabó dúos con lo mejor de la música hispana.

Vicentico y Mercedes Sosa. Foto Gentileza Sony Music

En 1982, durante el último gobierno militar, Mercedes Sosa estaba exiliada, radicada en Madrid desde 1980. Regresó al país para una memorable serie de conciertos en el teatro Opera entre el 18 y el 28 de febrero, que quedó registrada en Mercedes Sosa en vivo en Argentina.

Ese álbum doble, en el que participaban artistas del rock nacional como Charly García y León Gieco, entre otras figuras, no sólo marcó el emotivo reencuentro de la cantante con su público, sino que –prohibida la difusión de artistas que cantaran en inglés durante el conflicto de Malvinas– se convirtió en récord de ventas y en un símbolo cultural del camino que marcaría el regreso a la democracia. El 26 de diciembre de ese año, Mercedes subió como invitada de Charly en el primer concierto de rock en un estadio de fútbol: la presentación de Yendo de la cama al living en Ferro. Justamente, en el último trimestre de 1983, en coincidencia con la elección y asunción del presidente democrático Raúl Alfonsín, lanzó Mercedes Sosa, en el que incluía una versión de "Inconsciente colectivo", de Charly, en lo que serían los primeros pasos de una relación artística y personal sincera, profunda, duradera.

Hoy, 35 años después, la tucumana viene de pasar por la quinta de Palito Ortega (bautizada casualmente "Mi Negrita") y allí se reencontró con un Charly en plena recuperación bajo tutela judicial. En los estudios de la casa, en los que García trabaja en nuevas composiciones y grabaciones junto a músicos cercanos como Samalea y el Zorrito Von Quintiero, reeditaron esa alianza creativa y registraron una sentida versión de "Desarma y sangra" (aquella canción de Seru Giran que anuncia: "Si las sanguijuelas no pueden herirte, no existe una escuela que enseñe a vivir"). Hubo más: bailaron juntos un rock & roll, para sorpresa de los poquísimos y privilegiados presentes, y se conmovieron: era uno de los primeros registros de Charly desde su reclusión forzada, y seguramente el primero que vea la luz si se confirman las fechas de salida de este proyecto para el 31 de este mes o las primeras semanas de abril.

Esa canción forma parte de uno de los más ambiciosos proyectos discográficos de la música popular de este 2009: un álbum de la Negra que impresiona ya desde la lista de invitados, un verdadero seleccionado de artistas de habla hispana (de Joan Manuel Serrat a Jorge Drexler), a los que se suma también el brasileño Caetano Veloso, que ya cantó junto con Mercedes en varias ocasiones (y formó parte de aquel registro de "Volver a los 17", de Violeta Parra, junto con Milton Nascimento, Chico Buarque y Gal Costa).

Detrás del plan de este disco, que al cierre de esta edición esperaba completarse con una larga lista de duetos, está la mano del ahora presidente de Sony Music, Afo Verde. Este es el primer proyecto de Mercedes Sosa para el sello. Su último disco de estudio, Corazón libre (2005), fue editado globalmente por Deutsche Grammophon y se trató de un proyecto folclórico producido por Chango Farías Gómez, en el que participaron Raúl Carnota y Eduardo Falú, entre otros.

Entre finales del año pasado y los primeros meses de éste, y en las múltiples sesiones en los Estudios Ion que se vienen desarrollando en secreto en los últimos meses –y que están siendo grabadas para un futuro DVD–, se destacan algunas colaboraciones memorables que quedarán en el registro final del álbum.

Vicentico, artista del sello, registró "Parao", de Rubén Blades. La mexicana Julieta Venegas evocó su propio repertorio con el tema "Sabiéndose de los descalzos", del álbum Aquí. Además, insistentes rumores daban por cierta la versión de que el ambicioso plan contempla incluir una versión de "Duerme negrito" de Sosa junto a la cantante colombiana Shakira. Ambas compartieron escenario en el festival benéfico de la Fundación Alas en 2008 y Mercedes y el entorno de producción del disco apuraba las gestiones.

Con un amplio abanico que recorre de la canción popular al rock, diversas generaciones y estilos musicales, y una fuerte presencia de artistas jóvenes, destaca una vez más la devoción de los artistas por la cantante que, a los 73 años es un símbolo de la música popular argentina y global.

Pero, acaso, uno de los encuentros cumbre es el de Luis Alberto Spinetta, quien compartió sala de grabación con la Negra para rehacer "Barro tal vez", cuya primera línea es, finalmente, un buen resumen de la carrera de la intérprete, que comenzó hace cincuenta años como parte del Movimiento del Nuevo Cancionero Argentino y que lleva grabados más de treinta larga duración: "Si no canto lo que siento, me voy a morir por dentro".

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U2 : DISCO NUMERO ONCE DE ESTUDIO

sábado, febrero 28, 2009  , ,  Sin comentarios

U2 - No Line On The Horizon

"Nací para cantarles / No tuve otra alternativa que elevarlos", declara Bono cerca del comienzo de este álbum, en una canción llamada "Magnificent". Lo hace en un raro registro bajo, un susurro cálido por sobre el resplandor de la guitarra de The Edge y el galope de hierro del bajista Adam Clayton y el baterista Larry Mullen Jr. Rápidamente Bono está en el aire con esos familiares gritos de rodeo camino al estribillo, que termina con él cantando sólo la palabra "magnífico", repitiéndola con gusto, estirando las sílabas.

Pero no lo hace auto-felicitándose, sino más como con asombro y respeto, como si ya adulto, y en el onceavo disco de estudio de su banda, todavía no pudiese creer que tiene el don – y la suerte – que tiene. Bono sabe que nació con el arma adecuada para armar un buen lío: el limpio destello y el enorme arco de su voz. "Era una mañana aburrida / cuando desperté al mundo chillando", largaba en "Out of Control", escrita por Bono en su cumpleaños numero 18 y editada en el EP debut de U2 en Irlanda.

Sigue cantando sobre cantar a lo largo de todo No Line on the Horizon, el primer disco de U2 en casi cinco años y el mejor -en su exploración de texturas y tenaz manejo melódico- desde Achtung Baby de 1991. "Gritá de alegría si tenés la chance", aulla en "Unknown Caller". Él mismo da el ejemplo en el pop simple de "I’ll Go Crazy If I Don’t Go Crazy Tonight" -"Escuchenme / Estaré gritando / Gritandole a la oscuridad"- y luego pide por su parte del barullo en el festejo glam de "Get on Your Boots": "¡Déjenme entrar en el sonido! ¡Encontrémonos en el sonido!". Dios, la culpa, el amor, el pecado, el terrorismo y la trascendencia: acá Bono hace malabares con todo eso, con la habitual joda a su propio endiosamiento. "Pónganse de pie frente a los rock stars", advierte en "Stand Up Comedy", "Cuídense de los pequeños hombres con grandes ideas".

Bono también sigue volviendo al crudo poder y placer de una larga nota alta y la salvación que podés sentir al ser escuchado. "Estoy corriendo por el camino como electricidad suelta", farfulla con algo de esa acidez nasal del Dylan del 66, en el repiqueteo hard-rock de "Breathe", "mientras la banda que suena en mi cabeza hace un striptease".

Es una cosa rara cantar en un disco que muchas veces se revela en gestos tibios, y a paso medido (la gran excepción, la directa frivolidad de "Get on Your Boots,", aparece justo en el medio, como si la banda hubiese pensado que necesitaba algún tipo de entretiempo estrafalario). La mayoría de los mejores -y más vendidos- discos de U2 han sido exitosas confrontaciones: la dramática entrada de Boy de 1980; el alcance peregrino-espiritual de The Joshua Tree en 1987; el remolino electro-Weimar de Achtung Baby; la vuelta a lo básico con How to Dismantle an Atomic Bomb en 2004. Producido por el ya establecido trío formado por Brian Eno, Daniel Lanois y Steve Lillywhite, No Line on the Horizon está más cerca de los riesgos transicionales -el hechizo irlandés-gótico de The Unforgettable Fire de 1984, el jet lag techno-rock de Zooropa de 1993- pero con una consistente persuasión en las líneas de guitarra, los ritmos y las melodías de voz.

En No Line on the Horizon es la combinación del zumbido de órgano de garage, la gruesa distorsión de guitarra, y la batería militar de Mullen, esta última siempre tan afilada y dura que se hace difícil cuánto de eso es de él y cuanto un loop (lo cual es un elogio). The Edge saca uno de sus escasos solos de guitarra largos en el final de "Unknown Caller", un muy directo y elegíaco cambio de tono con un gastado y marcado filo en los agudos. "White as Snow" tiene mucho de quietud alpina -guitarras, teclados, Bono y sus coros-, como "The Crystal Ship" de los Doors mezclado con una balada de los Apalaches. "Cedars of Lebanon" termina el disco de la misma manera que "The Wanderer" lo hacía en Zooropa, un logro de usos mínimos (esta vez es Bono yendo en círculos alrededor de las ruinas, en vez de Johhny Cash, que cantaba en "The Wanderer") con guitarras limpias y una electrónica que parece una canción de amor de Jimi Hendrix, si hubiera vivido durante la era digital.

"Fez-Being Born" es la canción menos lineal de este disco (lo cual no es poco), un paseo por una autopista de imágenes en flashback marcado por los aullidos sin palabras de Bono y la guitarra de Edge en espiral descendente. Las ultimas líneas de hecho dicen mucho sobre las prioridades de U2 en cuanto a componer: "Primero la cabeza, luego los pies / Y luego el corazón zarpa". La gran ironía: su cantante es uno de los frontman más inseguros de la industria. Bono sabe exactamente lo que muchos de ustedes piensan acerca de su activismo político y su vistosa diplomacia freelance. Pero la otra cara de la moneda de ese bravuconería, en "I’ll Go Crazy…" -"El derecho a parecer ridículo es algo que aprecio mucho"- es una duda constante en las letras de Bono, de que siempre se le va la mano ("Stand Up Comedy") y que nunca será tan bueno como sus ideales. El efecto subida-bajada de los coros de voz que rodean a Bono en la larga caminata espacial "Moment of Surrender" es una imagen perfecta de a dónde él quiere estar realmente, cuando llega al verso sobre "visión en vez de visibilidad".

Y está seguro de que nunca va a llegar por ahí por sí solo. "Somos gente nacida del sonido / Las canciones están en nuestros ojos / Voy a ponérmelas como una corona" alardea Bono, junto al febril staccato de guitarra de The Edge, cerca del final de "Breathe" -una grandilocuente descripción de cómo es estar en una gran banda de rock & roll, en particular en esta. Bono sabe que nació con una voz. También sabe que sin Mullen, Clayton y The Edge, sólo sería otro bocón más.

Por David Fricke

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Bruce Springsteen - Working on a Dream

sábado, febrero 28, 2009  , ,  Sin comentarios

Bruce Springsteen - Working on a Dream

Para poder comprender el alcance romántico y la soberbia ambición musical que caracterizan al primer álbum de Bruce Springsteen de la era Obama, es preciso remontarse al álbum vigente durante el gobierno de Ford: Born to Run (1975). En aquel entonces, Springsteen dirigía la E Street Band con total libertad y pasaba la noche en vela exagerando los overdubs: glockenspiel, guitarra surf, violines, y motocicletas. Desde entonces, en muy raras ocasiones ha reducido la intensidad. No obstante, en gran parte de Working on a Dream, Springsteen finalmente reaviva su temprano enamoramiento por las sinfonías de Roy Orbison y Phil Spector. Esto es claro desde el primer track: una fábula tragicómica sobre el antiguo Oeste que dura ocho minutos, titulada "Outlaw Pete", en la que Bruce apela a todo tipo de recursos, salvo traer un caballo real al estudio: hay cambios de tiempo, chelos explosivos, la armónica sollozante de Once Upon a Time in America, un conjunto de cuerdas, crescendo tras crescendo, y un solo de guitarra lírica a modo de cierre digno de "Jungleland".

Working on a Dream es el álbum de rock más completo de los tres que Springsteen lleva editados en esta década con la E Street Band. Minuto tras minuto y con cada uno de sus temas, es posible vislumbrar más sorpresas musicales que en cualquier otro de sus álbumes, desde la distorsión vocal en el blusero "Good Eye" hasta el jubiloso y vital British Invasion "Surprise, Surprise".

Springteen ha logrado mejor que nadie un dominio sobre los sonidos clave de la mejor época del rock, y los plasma a voluntad en su álbum, mostrando claramente las influencias a las que antes apenas había aludido en sus grabaciones. Al menos dos tracks recalan bastante en los Byrds: las guitarras rasgadas tipo cítara de "Life Itself" son puro "Eight Miles High", y también los arreglos de voz de ese contundente temita rockero "What Love Can Do". La fantasía pop distorsionada de "Queen of the Supermarket" –el narrador solitario tiene una obsesión desmesurada con la cajera– dispara vibes con reminiscencias de "Pretty Flamingo", de Manfred Mann, en una radio AM de la década de los 60. Y las soñadoras voces de acompañamiento que se escuchan en la melodía de amor celestial de "This Life" le deben tanto a los Turtles como a Spector.

Sin incluir "The Wrestler", canción del soundtrack de la película con Mickey Rourke que se adjunta a modo de bonus track, el álbum culmina con el tema que se titula "The Last Carnival", una elegía auténtica e inconsolable para Danny Federici, el organista de la E Street Band que falleciera de cáncer el año pasado. La melodía sirvió como corolario de la tan amada canción que Bruce Springsteen compuso en 1973, "Wild Billy’s Circus Story", en la que narra un romance circense de toda una vida en la carretera. Es en este contexto que el circo sigue adelante con su show, ya sin la presencia de Billy. La canción concluye con un coro que suena con las voces superpuestas de Springsteen y Patti Scialfa, que se elevan hacia el infinito. Para un compatriota alicaído, es la última ópera a lo largo del camino.

Por Brian Hiatt

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BRIAN JONES: BIOGRAFIA II

sábado, febrero 28, 2009  , ,  Sin comentarios












Brian Jones:
(1942 - 1969)





















Historia:

Nacimiento y adolescencia:

Nacio en Londres, en una clinica de Cheltenham, en el seno de una familia bastante acomodada. Tuvo dos hermanas menores, pero una de ellas, Pauline, murrio de leucemia cuando Brian tenia 3 años. Su madre era profesora de piano y su padre ingeniero aeronautico gran aficionado a la musica jazz y practicante de piano. Desde niño brian fue instruido, gracias a su madre en el clarinete, flauta y piano. Poco afecto al deporte, durante su adolescencia fingía enfermedades para evitar jugar al fútbol y al críquet con sus compañeros de la escuela: inventaba ataques de tos (aprovechándose de su asma) o renqueaba súbitamente. Brian no era muy amante de los estudios (aunque tenia un coeficiente de inteligencia de 135) fue recién en la secundaria, la Cheltenham Grammar School, que nació su rebeldía. Se transformo en el chico malo del lugar. Tomaba cerveza cuando los demás preferían una chocolata. Tan "adelantado" estaba, que a los 16 años dejo embarazada a una chica de 14. El hijo fue dado en adopción y Brian resulto expulsado de la escuela. Descubrió el jazz, a Charlie Parker y cambio su clarinete por un saxo. Empezó a tocar en un grupo de jazz tradicional de su barrio (ramrods), ademas de tocar la guitarra para el mismo genero. con la plata que consiguio a partir de ramrods se largò a Europa por donde estuvo vagando, llevando una vida bohemia, tocando en bares y cafeterias su armonica y guitarra. Tras la aventura por el continente (especialmente escandinavia) donde dejo dos hijos ilegitimos, regreso a las islas britanicas. Fue en ese momento cuando comenzo a interesarse mas por el blues americano y nombres miticos como Muddy Watters, Elmore James, Sonny Boy Williamson o Jimmy Reed. Mientras tanto, Jones embarazaba chicas e iba teniendo hijos: a lo largo de su vida se enteró de cinco, pero pudieron haber sido más. Tan mujeriego como celoso, más de una vez sus novias aparecieron con el ojo morado. Sin embargo, los testimonios de quienes lo conocieron hablan de su sensibilidad y su fuerte necesidad de afecto. Poseedor de una salud muy endeble durante toda su vida, con frecuencia se atribuyeron sus malestares físicos a su abuso de las drogas y al asma, aunque es probable que haya sido epiléptico sin saberlo. Sus habilidades lo llevan a entrar en la formacion de Alexis Korner, los "Blues Incorporated" donde conoce a Ian Stewart. Una noche actuando en el Ealing fue visto por un trio de amigos que vivian juntos en Londres con la esperanza de formar una banda profesional, ellos eran Keith Richards, Mick Jagger y Dick Taylor, tres miembtro nuevos que se incorporaron a la banda. Keith Recuerda: Brian era fantastico, fue la primer persona que vi tocar una slide. Poco despues Dick Taylor se iria a fundar los "Pretty Things"

En 1962
-Brian jones, como lider casi absoluto, bautiza a la banda como "The Rolling Stones" en honor a un blues de Muddy Watters y tienen su primer presentacion en el Marquee. -A finales del año Brian encontro a Charlie Watts (bateria) y a Bill Wyman (bajo) con quienes completaba la alineación de los Stones. Un año mas tarde firmo con la Impact Sound, cosa que fue mala idea, ya que obligaron a que expulsen a Stewart. En 1964 -En el 64 Jones conoce a Linda Lawrence con quien tiene un hijo Julian Brian Lawrence, años mas tarde seria adoptado por el Bob Dylan britanico Donovan luego que este se case con Linda.

En 1965
-Claro que Brian Jones no era una pobre víctima desplazada. Trataba de aquietar su paranoia a veces justificada, a veces desproporcionada– con pastillas y alcohol, seguía dejando embarazadas a sus amantes y se paseaba en un Rolls-Royce Silver Cloud. Era el rey de las fiestas, el más solicitado. En 1965 conoció a la modelo y actriz Anita Pallenberg, y la pareja se hizo célebre como dos iconos decadentes de la moda. El cineasta Kenneth Anger, que estaba obsesionado con ellos, los consideraba la “unidad oculta” dentro de los Stones. Anita tenía fama de bruja, y en ocasiones aparecía en público con el rostro cubierto de moretones. Brian la golpeaba, como había golpeado a todas sus amantes, pero con Anita parecía haber construido una relación sadomasoquista; al menos eso registra el mito. -Keith y Mick tomaron el liderazgo de la banda, no permitiendo que Brian componga y solo le permitian incluir arreglos en las canciones; estas acciones se asemejaron a las ocurridas en los Beatles, donde Paul McCartney y John Lennon, asumían la labor de compositores, pero no le daban crédito a los aportes de George Harrison.

En 1967
-Fue arrestado por posesión de Cannabis y la cárcel terminó de marcar su psiquis: paranoico, alterado, varias internaciones no pudieron rescatarlo del abismo. -El productor Andrew Loog Oldham estaba más interesado en promover a la dupla creativa de JaggerRichards que en oír su material. Sin embargo, sus problemas constantes con las drogas y su rechazo hacia las canciones que consideraba comerciales originaron una relación tirante entre él, la dupla Jagger - Richards y Andrew Loog Oldham. -Su complejo de inferioridad repecto al talento para la escritura de Jagger-Richards lo llevo a distanciarse de la banda alegando que la postura musical que los Stones estaban siguiendo no era la mas deseada. E inicio algunos protectos en solitario como la composicion de la banda sonora "A degree of Murder". En 1968 -La policía británica empezó a perseguir a los Rolling Stones en 1967, año en que pasaron entre los tribunales, la cárcel y las redadas en busca de drogas. Brian tuvo sus encontronazos con la Justicia, pero lo máximo que sufrió fue una noche en prisión y varias multas. Sin embargo, estaba convencido de que, si caía preso, lo echarían del grupo. En el verano de 1967 tuvo motivos para justificar su paranoia. Keith Richards decidió tomarse vacaciones para huir del escándalo de drogas e invitó a Brian y a Anita. Tom Keylock, chofer de los Stones y oscuro multiasistente, llevó al trío en coche hasta Marruecos. En España tuvieron una parada forzosa cuando Brian se enfermó sobredosis o neumonía, las versiones difieren, pero no se quedaron a esperarlo.Keylock apenas podía manejar: tanto lo distraían las sesiones de sexo que Keith y Anita protagonizaban en el asiento de atrás del Bentley, rumbo a Africa. Cuando Brian fue dado de alta y se unió a sus "amigos" en Marrakesh –Mick Jagger y Marianne Faithfull esperaban al resto de la banda allí–, la traición había sido consumada. Furioso, Briangolpeó a Anita, que huyó de él y escapó con Keith hacia Londres. “Le quité a su novia”, dijo Richards. “Y arruiné todo para siempre. Nunca me perdonó por eso. No lo culpo.” -A mediados del 68 grabó Pipes of Pan at Jajouka un disco donde presenta a la tribu Jajouka, de Marruecos, tocando musica etnica.

En 1969
los Stones se iban a EE.UU. y tomaron la decidieron de expulsar a Jones, este lo tomo de buena manera: "Ya no estoy de acuerdo con los demás por lo que respecta a los discos que estamos grabando. No nos comunicamos musicalmente. La música de los Stones ya no es de mi gusto. El trabajo de Mick y Keith ha progresado por una tangente, al menos en mi opinión. Tengo el deseo de tocar mi propio estilo de música y no el de los demás, por mucho que estime sus conceptos musicales"En ese momento algo que no es muy sabido es que Jones tenia la posibilidad de unirse a los Beatles y a la reformada Jimi Hendrix Experience, pero el insistía con juntarse con Jimmy Miller (ex-productor de los Stones), Ian Stewart (teclados), Mitch Mitchel (bateria de la Experience) y Alexis Korner (guitarra y piano) quienes finalmente accedieron. -El 3 de julio de ese mismo año apareció muerto en la pileta de su granja. Nunca se supo bien como fue esa muerte; si accidente, sobredosis, o asesinato. Nunca se sabrá.

Su personalidad:
-Entre sus amistades en el mundo de la música se cuentan a Jim Morrison, Bob Dylan, John Lennon, Jimi Hendrix, George Harrison y Steve Marriott. -Introvertido, Jones compuso muchas canciones, pero no solía mostrarlas a sus compañeros de la banda, un poco porque juzgaba que no eran buenas, y otro poco porque el productor Andrew Loog Oldham estaba más interesado en promover a la dupla creativa de Jagger-Richards que en oír su material. -Quienes lo han escuchado sostienen que se trataba de canciones románticas, sentimentales, en cierto modo emparentadas con el estilo de Donovan o con Bob Dylan. -Aftermath fue uno de los álbumes en que más participó. Se sentía cómodo con canciones como Going Home -que duraba 11 minutos con 35 segundos- antes que con los más tradicionales hits, o tocando la cítara en Paint It, Black. Participó activamente, también, en el psicodélico y muy discutido Their Satanic Majesties Request. -La personalidad de Brian era muy compleja, era el Stone más camorrista y sin embargo el más sensible y frágil de todos. Esta fue la razón de que tras dos grandes mazazos: la pérdida de liderazgo en el grupo a manos de Mick y la pérdida de su gran amor: Anita, que le dejó para empezar una relación con Keith, se refugiara en las drogas, lo que le hizo más inestable y paranoico que nunca. Además el marcaje al que fue sometido por la policía, le hizo la vida insoportable. -Ry Cooder, que entonces colaboraba con los Stones, cuenta: “Brian era una persona desfasada, un personaje triste. A veces, cuando empezábamos a tocar, agarraba una armónica y se ponía a soplarla en un micrófono. Pero la mayor parte del tiempo estaba sentado en un rincón, durmiendo o llorando. Jagger se mostraba siempre muy desdeñoso con él y le decía que estaba acabado. Mick siempre fue una sanguijuela”.

Brian Jones - Descripcion Personal

Color de Ojos:Verde/Grises
Color de Pelo: Rubio
Nombre de sus padres: Lewis and Louisa
Primera aparicion en television: 1958
Hobbies: Instrumentos raros y fotografia
Color favorito: Marron,Verde,Blanco,Negro
 Cantante favorito: Otis Redding
Banda favorita: Booker T & the M.G.'s
Compositor favorito: Lennon & McCartney
Le gusta: Chicas
No le gusta: Cuando la gente le pregunta de los Beatles
Ambicion personal: Ser feliz
Ambicion profesional: Cargar con las cosas como son

Aportes musicales:
Las contribuciones que Jones realizó a la banda, aparte de su papel como guitarrista, son varias: Toca guitarra slide en "I Wanna Be Your Man", "All Sold Out" y "No Expectations", guitarra slide y armónica en "Little Red Rooster", armónica en "Come On", "Dear Doctor", "Prodigal Son", "2120 South Michigan Avenue", y "Not Fade Away", tambura y sitar en "Street Fighting Man" y "Paint It, Black", órgano en "Let's Spend The Night Together", "Complicated" y "2000 Man", marimba en "Under My Thumb" y "Yesterday's Papers", flauta en "Ruby Tuesday", saxofón en "Child of the Moon", dulcimer en "Lady Jane", órgano y acordeón en "Backstreet Girl", clave, saxofón y oboe en "Dandelion", clave en "Lady Jane", mellotron en "She's A Rainbow", "In Another Land", "Stray Cat Blues" y "We Love You", mellotron y piano en "2000 Light Years from Home", pandero en "Can I Get A Witness", mellotron y clave en "Citadel", y autoharp en "You Got the Silver". En los primeros años de la banda, Brian tambíen participaba en las armonías vocales. Ejemplo de ello son las canciones "I Wanna Be Your Man", "Can I Get A Witness" y "Walking The Dog". La voz de Jones haciendo coros también se puede oir en "Come On", "Bye Bye Johnny", la versión del disco 12 x 5 de "Time Is On My Side", "You Better Move On", "Money", "Everybody Needs Somebody To Love" y "Empty Heart" (junto a Jagger y Richards). El año 1967 también aportó vocalemente en canciones como "Let's Spend The Night Together", "All Sold Out", "She's A Rainbow" y el año 1968 en "Sympathy For The Devil".

Otras contribuciones:
Jones aportó con la percusión en una versión inédita de Jimi Hendrix de la canción de Bob Dylan "All Along the Watchtower", además de varias improvisaciones grabadas con Hendrix y Dave Mason de Traffic a principios de 1968. Adicionalmente, Jones toca saxofón alto en la canción de los Beatles "You Know My Name (Look Up The Number)", la cual no se publicó hasta después de su muerte. También participó en los coros de la canción Yellow Submarine.

Muerte:
Los rumores sobre un posible asesinato fueron frecuentes desde la muerte de Brian Jones, pero en los últimos diez años prácticamente se confirmaron. Ahora, 36 años después, un libro (Who Killed Cristopher Robin? de Terry Rawlings) y una película (The Wild and Wycked World of Brian Jones de Stephen Wooley) presentarán al mundo la teoría del crimen, que salpica a los Rolling Stones. Aunque los hechos desencadenantes parecen ser bastante vulgares y tristes. Brian quería hacer reformas en Cotchford Farm y contrató a un equipo de albañiles encabezado por Frank Thorogood, un obrero londinense que antes había trabajado en Redlands, la casa de Keith Richards, viejo amigo del oscuro Keylock. Se cree que Thorogood, además, tenía la misión de vigilar a Brian e informar sobre sus pasos a los Rolling Stones. De hecho, se le permitía pasarle los gastos de su equipo al grupo, que a su vez los debitaba a Jones. Brian trató de hacerse amigo de Frank, pero la relación era conflictiva. El albañil, veterano de guerra, no soportaba a la arrogante estrella de rock, pero Brian le permitió vivir en un departamento sobre el garaje los días de semana. Frank cenaba en la casa y a veces se emborrachaba con el ex stone. Los albañiles hicieron uso y abuso de la generosidad del guitarrista: apenas trabajaban, comían a cualquier hora y pasaban gastoscomo si en realidad se estuvieran deslomando. Brian puso punto final el 29 de junio, cuando se desplomó el cielorraso de la cocina. Furioso, echó a Frank y a sus asistentes. El albañil reclamó 8 mil libras y Brian prometió dárselas si terminaba algunos trabajos incompletos. Como quiera que sea, Thorogood todavía estaba allí la noche de la muerte del ex stone. Las versiones sobre lo que pasó el 2 de julio varían. Anna, la novia de Brian, habla de una velada tranquila. Otros como Nick Fitzgerald, un amigo de Jones, aseguran que había una fiesta que incluía a los albañiles y a sus novias. Lo que se sabe es que, en un punto de la noche, Brian invitó unos tragos a Frank y Janet, amante de Tom Keylock. Todos estaban algo borrachos cuando se fueron a nadar. Anna cree que Frank ahogó a Brian durante el breve lapso que compartieron solos en la pileta. Fitzgerald dice que vio a varias personas sostener a Brian bajo el agua y que, cuando quiso intervenir, Keylock lo persiguió por el bosque. Keylock, por su parte, dice que no estaba allí a esa hora, que llegó de madrugada, cuando el cuerpo había sido retirado. Pero la madrugada del 3 de julio, el jardinero de Cotchford Farm encontró a Keylock quemando la ropa de Brian en una hoguera improvisada, mientras Thorogood tiraba libros al fuego. Más tarde, los asistentes saquearon la casa y cargaron las pertenencias de Jones en un camión. Keylock dijo que los padres de Brian habían pedido las cosas e indicaron que quemaran todo lo demás, pero se sabe que recibieron muy pocas cosas de su hijo. Además, los formidables gastos de los albañiles habían llevado al ex stone a la ruina. El asesinato de Brian permaneció en el terreno del rumor hasta la muerte de Frank Thorogood, en 1993. Fue entonces cuando Tom Keylock le contó a Terry Rawlings, el autor de Who Killed Christopher Robin?, que el albañil le confesó en su lecho de muerte haberse “cargado” a Brian. Lejos de cerrar el caso, la declaración abrió un escándalo. El fan club oficial de Brian Jones, manejado por su ex novia Pat Andrews, exigió una investigación formal. “Quiero justicia para el padre de mi hijo”, declaró Pat. “En 1969, nadie del entorno de los Stones pensó en incluirnos en el funeral. Como si no existiéramos. Yo estaba criando a nuestro hijo de 8 años en un refugio en Londres y no tenía manera de viajar a Cheltenham, menos en tan corto tiempo. Me enoja pensar que la gente responsable de la muerte de Brian se beneficia aún hoy de lo que él empezó. No culpo a los Stones, pero ellos debieron saber lo que realmente pasó, y durante estos años han borrado a Brian. Creo que mi hijo Mark, Brian y yo somos una vergüenza para ellos.” Andrews convocó a expertos en medicina forense y en cold cases (casos cerrados) que diseccionaron un dossier de 150 páginas de evidencia. Basados en los hechos, prepararon un caso para que la policía de Sussex reexaminara las circunstancias de la muerte. Trevor Hobley, vocero del fan club, dice: “Brian Jones es un testigo silencioso, porque su cuerpo fue preservado de tal manera que la tecnología de hoy podrá determinar la causa de muerte. Además, ¿por qué alguien mandó embalsamar el cuerpo, y enterrarlo a una profundidad tan inusual en un ataúd de metal al vacío? ¿Tuvo que ver con seguridad o chantaje? Brian era una persona famosa, y es insólito hacer una investigación sobre una muerte sospechosa, una autopsia, una indagatoria y un entierro en tan poco tiempo. Es como si alguien tratara de esconderlo bajo la alfombra”. A nadie se le escapa que aquellos albañiles habían trabajado antes en la casa de Richards, el archienemigo de Jones en 1969. Todos recuerdan que Anna Wohlin siempre insistió con que Thorogood la instruyó sobre qué decirle a la policía y Keylock le ofreció dinero para que callara. Además, los Stones la hicieron firmar un documento que la obligaba a pedir autorización para dar entrevistas y, un día antes del funeral, gente del entorno stone la puso en un avión rumbo a Suecia. Si sus deseos y los del fan club se cumplen, el cuerpo de Brian Jones será exhumado y contará la historia de su muerte. Los Rolling Stones, mientras tanto, callan. Charlie Watts dijo poco después: “Le sacamos lo único que tenía”. Pero no era tan cierto. Brian estaba muy solicitado, y por entonces hasta se rumoreaba que podía sumarse a los Beatles o a la banda de Dylan o a la de Hendrix. Que fuera un paranoico y un personaje complicado no era un problema tan grande en el salvaje mundo del rock de fines de los ‘60.

Joujouka:
En el verano de 1969 encontró un nuevo rumbo para sus inquietudes musicales fuera de los Stones: grabó a la tribu ahl sherif de Jajouka, Tánger, y sus ritos tribales relacionados con las ceremonias religiosas de Roma y Cartago, y aun de la Grecia de la Arcadia. Era la primera grabación seria que se hacía allí, y Brian se anticipaba diez años al interés por la música étnica. El disco se lanzó como The Pipes of Pan at Jajouka, y hasta hoy se lo considera un verdadero hallazgo.

Stoned:
Brian Jones (Leo Gregory) fue algo más que un Rolling Stone. Fue su miembro fundador en 1962, su líder, su visionario, su mejor músi-co... Unos pocos años más tarde, a la edad de 27 años, Jones apareció muerto en el fondo de su propia piscina. Oficialmente, se ahogó por accidente bajo los efectos del alcohol y las drogas. Stephen Woolley, director y pro-ductor de la película, ha pasado los últimos 10 años investigando las circunstancias que rodearon a aquella fatídica noche del 2 de julio de 1969.

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LOS ROCKEROS y algunos excesos...

sábado, febrero 28, 2009  ,  Sin comentarios


músicos célebres y excesos de todo tipo.



Sexo, drogas y rock and roll: el triángulo por el que muchos músicos se meten a "tocar la guitarra todo el día", tal como dicen Los Auténticos Decadentes. Acá va, entonces, una decena de grupos y solistas que son tan famosos tanto por sus canciones como por sus escándalos. Y la pregunta de siempre, ¿quiénes son los que faltan?

Motley Crüe
Si se quedaban sin heroína, los hair metaleros no dudaban: se inyectaban Jack Daniels. Para tentar a la parca, tampoco se andaban con chiquitas: Vince Neil se pegó un palo con su auto matando al Hanoi Rocks Razzle y Nikki Sixx fue declarado muerto tras una sobredosis en 1987 (resucitó gracias a sendas inyecciones de adrenalina camino al hospital). ¡Y el inolvidable video porno casero de Tommy Lee con Pamela Anderson! Inimitables.

Led Zeppelin
Ponerle un pescado vivo a una groupie en pleno acto sexual: una idea que sólo le podía entrar en la cabeza a los desaforados de Led Zeppelin, lo mismo que pasearse en motocicleta por los pasillos de un hotel o patentar el lanzamiento de televisores por las ventanas de los alojamientos. John Bonham llevó al extremo este estilo de vida: murió tras ingerir 40 medidas de vodka en 12 horas y atragantarse con su propio vómito.

Iggy Pop
Autoflagelaciones en vivo con vidrios, "decorarse" a sí mismo con manteca de maní, afeitarse las cejas, abusar de toda clase de drogas duras, acostarse con miles de mujeres (y dicen las malas lenguas que también con David Bowie) y aún hoy seguir siendo La Gran Bestia Pop. Iggy, The Real Wild One.

Keith Richards
Ya lo dice la profecía: cuando llegue el fin del mundo, sólo quedarán vivas las cucarachas… ¡y Keith Richards! Se podría decir que, en la historia de la humanidad, pocos físicos fueron tan maltratados como el del Stone, que en los 60 y 70 vivió a base de heroína y escocés. Sus últimas hazañas: sobrevivir a una caída de un cocotero, y aspirar las cenizas de su difunto padre. Todo dicho.

Keith Moon
Meter un Rolls Royce dentro de una piscina llena de agua en un hotel (y destrozar de forma sistemática las habitaciones), pasearse vestido de nazi, beber como un cosaco, abusar de toda clase de drogas de todo tipo: algunas de las locuras protagonizadas por el baterista de The Who. Murió a los 32 años, por excederse en el consumo de unas pastillas con las que combatía su alcoholismo.

Jim Morrison
"El camino de los excesos conduce al palacio de la sabiduría", escribió William Blake. Y el Rey Lagarto aplicó esa sentencia a su vida pública y privada. LSD, cocaína, alcohol, tabaco, sexo en cantidades industriales: a nada le escapó Jimbo. Y es más, una de las leyendas sobre su desaparición en París en 1971 habla de una supuesta sobredosis de heroína.

Amy Winehouse
"Me quieren mandar a rehabilitación, y les digo ‘No’, ‘No’, ‘No’", cantaba Amy Winehouse y posteriormente, tras abusar de la cocaína, la heroína, la ketamina y el crack, se tuvo que guardar sus palabras. En la actualidad, recae en los hospitales, y no se puede recuperar del todo.

Pete Doherty
Desde desvalijar la casa de Carl Barat, su compañero en The Libertines, para poder costearse sus vicios hasta una filmación casera en donde Kate Moss (su ex novia) aparecía trazando rayas de cocaína para los Babyshambles. En el medio, internaciones, la cárcel, arrojarle su propia sangre a un camarógrafo de MTV y una supuesta desintoxicación actual. Todo es posible en el mundo de Pete Doherty, "el hombre que pudo ser rey".

Courtney Love
Groupie de la escena post punk de Liverpool (tuvo amoríos con Ian McCulloch y Julian Cope), la viuda de Cobain admitió su dependencia a la heroína al estar embarazada de su hija Frances Bean. Y luego del suicidio del líder de Nirvana, Love cayó en desgracia, aunque ahora parecer estar de vuelta en la nueva senda.

Stevie Nicks
Los excesos de los Fleetwood Mac en los 70 fueron tales que la banda no dudó en agradecerle a su dealer de coca en la portada de Rumours. Y entre tanto polvo blanco colombiano la abanderada fue Mrs. Nicks quien asegura, hoy ya limpia, que puede "pasar un anillo de oro" a través de su tabique nasal.

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BRIAN JONES: HACE 67 AÑOS...

sábado, febrero 28, 2009  , ,  1 comentario













Brian

Jones





Lewis Brian Hopkin Jones, primera guitarra de la formación original de los Rolling Stones, nació el 28 de febrero de 1942 en la clínica Park de Cheltenham (Londres); y murió el 3 de julio de 1969, a los 27 años, en su casa de Hartfield, Sussex, poco después de haberse ido del grupo. Entre 1965 a 1967, fue el novio de la actriz Anita Pallenberg, la que luego sería la novia de Keith Richards.


Biografía

En su libro Stone Alone, Bill Wyman opina que "si alguna vez un hombre vivió genuinamente la vida del rock and roll y caracterizó a los Rolling Stones en todos sus aspectos, mucho antes de que los cinco asumiéramos un estilo, ese fue Brian Jones". Brian Jones era el más experimental de los Stones, el que tocaba instrumentos raros para el rock: la mandolina, la cítara hindú, el dulcimer, la marimba, el melotrón, el arpa o las campanas tubulares. Era también el más descontrolado, y el que se aburrió más rápido de la banda. Cuando Mick Jagger, Keith Richards y Charlie Watts fueron a decirle que el grupo ya no podía seguir trabajando con él, esperaban una discusión larga pero Jones no se molestó: "Ya no estoy de acuerdo con los demás por lo que respecta a los discos que estamos grabando. No nos comunicamos musicalmente. La música de los Stones ya no es de mi gusto. El trabajo de Mick y Keith ha progresado por una tangente, al menos en mi opinión. Tengo el deseo de tocar mi propio estilo de música y no el de los demás, por mucho que estime sus conceptos musicales". Poco afecto al deporte (siendo, no obstante, un gran nadador), durante su adolescencia fingía enfermedades para evitar jugar al fútbol y al críquet con sus compañeros de la escuela: inventaba ataques de tos (aprovechándose de su asma) o renqueaba súbitamente. Le fue muy bien en la escuela secundaria, que terminó con notas brillantes. Precisamente, en la Dean Close Junior Public School debutó como músico a los 14 años, como clarinetista de la orquesta. En 1957 escuchó por primera vez los discos de Charlie Bird Parker y convenció a sus padres de que le compraran un saxofón.
Al igual que Charlie Watts, Brian entró en la música a través del jazz, pero luego se volcó al blues más tradicional: artistas como Muddy Waters, Sonny Boy Williamson y Elmore James. Por el contrario, Jagger y Richards respetaban a estos músicos, pero preferían a los menos puristas Jimmy Reed y Bo Diddley, o al rock and roll de Chuck Berry. Mientras tanto, Jones embarazaba chicas e iba teniendo hijos: a lo largo de su vida se enteró de seis, pero pudieron haber sido más. Tan mujeriego como celoso, más de una vez sus novias aparecieron con el ojo morado. Sin embargo, los testimonios de quienes lo conocieron hablan de su sensibilidad y su fuerte necesidad de afecto. Poseedor de una salud muy endeble durante toda su vida, con frecuencia se atribuyeron sus malestares físicos a su abuso de las drogas y al asma, aunque es probable que haya sido epiléptico sin saberlo. Entre sus amistades en el mundo de la música se cuentan a Jim Morrison, Bob Dylan, John Lennon, Jimi Hendrix, George Harrison y Steve Marriott. Introvertido, Jones compuso muchas canciones, pero no solía mostrarlas a sus compañeros de la banda, un poco porque juzgaba que no eran buenas, y otro poco porque el productor Andrew Loog Oldham estaba más interesado en promover a la dupla creativa de Jagger-Richards que en oír su material. Quienes lo han escuchado sostienen que se trataba de canciones románticas, sentimentales, en cierto modo emparentadas con el estilo de Donovan o con Bob Dylan. El aporte del guitarrista a los Stones fue, entonces, un concepto musical enorme que redondeaba los temas, que ayudaba a darles su forma final. Varios de los riffs de la primera etapa del grupo le pertenecen, así como la mayor parte de los arreglos con instrumentos curiosos para el estándar stone. Él fue acaso la primera persona que tocó la slide guitar en Inglaterra.
Sin embargo, sus problemas constantes con las drogas y su rechazo hacia las canciones que consideraba comerciales originaron una relación tirante entre él, la dupla Jagger - Richards y Andrew Loog Oldham. Aftermath fue uno de los álbumes en que más participó. Se sentía cómodo con canciones como "Goin' Home" -que duraba 11 minutos con 35 segundos- antes que con los más tradicionales hits, o tocando la cítara en "Paint It, Black". Participó activamente, también, en el psicodélico y muy discutido Their Satanic Majesties Request. Convocado gracias a las gestiones Anita Pallenberg -que fue la protagonista en 1967 compuso y grabó la banda de sonido del filme aleman Mott und Torschabl (también llamado A Degree Of Murder), dirigido por Volker Schlóndorf. En la tarea lo acompañaron Jimmy Page y Nicky Hopkins en piano. No obstante, casi no participó de las sesiones de Beggars Banquet: en plena grabación partió rumbo a Marruecos. Allí fue a los montes del Atlas para escuchar las flautas de barro que tocaban los músicos de Jajouka. Quedó tan entusiasmado que cuando volvió a visitar Marruecos lo acompañaba un ingeniero de sonido de Olympic Studios. Entre los dos compaginaron el trabajo de los músicos marroquíes, a veces acompañados por la guitarra de Jones. Él preparó la composición artística de la tapa junto con el diseñador Al Vanderburg y le dio el master, listo para ser editado, a Allen Klein. El productor no se interesó demasiado en el material, pero los Rolling Stones lo editaron tres años después, en 1971, cuando Brian ya había muerto. El título elegido fue Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka. Durante la grabación de Let It Bleed, el grupo decidió pedirle que se fuera y él no se mostró en desacuerdo. Al fin y al cabo, cuando empezaron las sesiones del disco estaba internado en una clínica, con un cuadro de depresión. Su trabajo en el disco, como lo demuestra la ficha técnica, fue por lo demás escaso. Antes de echarlo, el grupo empezó directamente a trabajar con Mick Taylor.

Multi-instrumentista

La personalidad de Jones se caracterizaba por ser inquieta, y en lo que a música se refiere lo era aún más. Su búsqueda de nuevos sonidos lo llevó a conocer nuevos instrumentos, que con su talento dominaba al poco tiempo. Estas canciones son un ejemplo del gran aporte que Brian hizo en su periodo como Stone: Toca Guitarra slide en "I Wanna Be Your Man", "Mother's Little Helper", "All Sold Out" y "No Expectations", guitarra slide y armónica en "Little Red Rooster", armónica en "Come On", "Dear Doctor", "Prodigal Son", "2120 South Michigan Avenue", y "Not Fade Away", tambura y sitar en "Street Fighting Man" y "Paint It, Black", órgano en "Let's Spend The Night Together", "Complicated" y "2000 Man", marimba en "Under My Thumb" y "Yesterday's Papers", flauta en "Ruby Tuesday", saxofón en "Child of the Moon", dulcimer en "Lady Jane", órgano y acordeón en "Backstreet Girl", clave, saxofón y oboe en "Dandelion", clave en "Lady Jane", melotrón en "She's A Rainbow", "In Another Land", "Stray Cat Blues" y "We Love You", melotrón y piano en "2000 Light Years from Home", pandero en "Can I Get A Witness", melotrón y clave en "Citadel", y autoharp en "You Got the Silver".

Aporte vocal

Aunque Brian Jones nunca cantó como voz solista, en los primeros años de la banda participaba en las armonías vocales. Ejemplo de ello son las canciones "I Wanna Be Your Man", "Can I Get A Witness" y "Walking The Dog". La voz de Jones haciendo coros también se puede oir en "Come On", "Bye Bye Johnny", la versión del disco 12 x 5 de "Time Is On My Side", "You Better Move On", "Money", "Everybody Needs Somebody To Love" y "Empty Heart" (junto a Jagger y Richards). El año 1967 también aportó vocalemente en canciones como "Let's Spend The Night Together", "All Sold Out", "She's A Rainbow" y el año 1968 en "Sympathy For The Devil".

Otras contribuciones

Sumado a la creación de la banda sonora Mott und Torschabl en 1966 y de sus grabaciones en Marruecos que dieron como resultado el álbum "Brian Jones presents The Pipes Of Pan At Joujouka", Jones participó en varios proyectos fuera de los Stones. Brian aportó con el sitar y la percusión en una canción inédita de Jimi Hendrix llamada "My Little One", además de varias improvisaciones grabadas con Hendrix y Dave Mason de Traffic a principios de 1968. Adicionalmente, Jones toca saxofón alto en la canción de los Beatles "You Know My Name (Look Up The Number)", la cual no se publicó hasta después de su muerte. También participó en los coros de la canción "Yellow Submarine".

 Discografía Rolling Stones

* The Rolling Stones (1964)
 * England Newest Hitmakers (1964)
* 12 x 5 (1964)
* The Rolling Stones No.2(1965)
* The Rolling Stones, Now! (1965)
* Out Of Our Heads (1965)
* December's Children (And Everybody's) (1965)
* Aftermath (1966) * Big Hits (High Tide & Green Grass) (1966)
* Got LIVE If You Want It! (1966)
* Between The Buttons (1967)
 * Flowers (1967)
* Their Satanic Majesties Request (1967)
* Beggars Banquet (1968)
* Let It Bleed (1969)
* Through The Past Darkly (Big Hits Vol.2) (1969)
* Hot Rocks 1964-1971 (1972)
* More Hot Rocks (Big Hits & Fazed Cookies) (1972)
* Metamorphosis (1975)
* Singles Collection: The London Years (1989)
* Rock And Roll Circus (1995)

En solitario

* Banda sonora de la película "A Degree Of Murder" (1966)
* Brian Jones presents The Pipes Of Pan At Joujouka (1968)

Citas

* "Sí, quiero ser famoso. Y no, no quiero cumplir treinta años."

"Rolling Stones, Los viejos dioses nunca mueren."

Fuente Wikipedia.org

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