EL REGRESO DE MACHI RUFINO

El bajista invisible


Conoció a Pappo en La Cueva y pasó a formar parte del Pappo’s Blues que grabó el memorable Volumen 3. Tiempo después, Spinetta lo vio tocar con el Carpo y lo invitó a formar ese momento único de su carrera que fue Invisible. Como si eso fuera poco, ese lugar especial que ocupa dentro del rock también lo tiene en el jazz, por sus años como bajista de Baby López Furst. Pero un día dejó de tocar. Y recién ahora, diez años después de ese momento infinitamente triste en su vida, Machi Rufino está volviendo a subir a un escenario. Por eso, Radar lo entrevistó y recorre con él su vida.

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Por Martín Pérez

Una, dos, tres veces. El ruido de los estornudos consecutivos de la pequeña Perla interrumpe la charla, y Machi Rufino saca un pañuelo descartable para hacer algo parecido a sonarle la nariz. Perla es una diminuta gatita que acaba de llegar a este cálido hogar de Almagro, donde Machi le reserva un lugar privilegiado en lo que vendría a ser su estudio o sala de ensayo, un cuarto lleno de música, ubicado apenas se abre la puerta de su casa de siempre. Afuera, la gran ciudad puede estar sufriendo todas esas cosas por las cuales es grande, pero en lo de Machi –donde se accede luego de caminar por un pasillo que parece llegar hasta mitad de cuadra– reina un silencio musical, por llamarlo de alguna manera. Apenas se entra en su casa, al lado de la puerta, lo primero que se ve es una biblioteca llena de libros, tapados por recortes o revistas, sedimentos de toda una vida. “Antes tenía ahí un piano, donde Fito Páez se sentó a tocar todos los temas de La la la, la tarde que vinieron con Luis a invitarme a grabar con ellos en ese disco”, recordará casi al pasar Machi durante la charla. Enfrente de la biblioteca está el cuarto donde estornuda Perla, tan atiborrado de posters, fotos, computadoras y diversos estratos de tecnología de reproducción musical –vinilos, cassettes, CD, videos vhs y DVD– que parece el cuarto de un adolescente. Lo de las computadoras es un detalle aparte, porque Machi es lo que su hijo Pablo –también músico– denomina una excepción entre los de su generación. Todo empezó cuando Spinetta le regaló una vieja computadora Amiga para su hijo, pero el regalo nunca llegó a destino. El bajista por entonces se dedicaba también a ser técnico de grabación, y le divirtió el chiche. Hoy resume su ejemplo como excepción generacional diciendo que se da maña con las computadoras. Y como muestra de ello se puede recurrir a su site en MySpace, atiborrado de recuerdos y también de presente. Porque Machi Rufino tiene un presente musical que hoy está tan vivo como su historia. Pero no siempre fue así y por eso es que se disfruta tanto poder decir hoy que Machi está de regreso. “Me sentí bárbaro”, dice con una sonrisa cuando se le pregunta por sus sensaciones después del exitoso debut en La Trastienda con su nuevo trío, junto al guitarrista Lito Epumer (“descubrí un alma gemela”) y al baterista Cristian Judurcha. “No era consciente de que la gente me tenía tanto cariño”, se sorprende este bajista mítico del rock nacional más histórico, cuya figura se asimila a lo que para muchos fans fueron los mejores momentos en la carrera de dos figuras emblemáticas como lo son Pappo y Spinetta. Pero Machi rápidamente aclara, con algo a lo que se podría denominar orgullo, que su vínculo no es con el rock sino con la música. “El rock significaba una ruptura con lo establecido, contra una sociedad pacata que censuraba desde algo tan trivial como el largo del pelo hasta cosas más profundas. Pero eso fue en una época. Hoy ya no representa la rebelión, sino que es una cosa más de todo lo que tiene para ofrecer el mercado”, dice Machi, que apunta que tiene una cuenta pendiente con el tango y el folklore. “Pero me acuerdo cuando tocaba en el Coliseo con Spinetta presentando Mondo di Cromo, y esa misma noche me iba a la vieja Trastienda de Palermo para tocar con Baby López Furst y Jorge Navarro. Poder hacer eso era algo que me encantaba. Y tocar con Baby para mí fue como tocar con Pappo en su momento. Si formar parte de Pappo’s Blues me abrió las puertas del rock, Baby me hizo lo mismo con las del jazz. Pasé a ser el bajista de Baby, lo que no era poco.”

LOS LIBROS DE LA BUENA MEMORIA

Aunque deje claro que la música –así, en general– está antes que el rock, la primera pasión de Carlos Alberto Rufino en realidad fueron los autos. “Cuando era chico estaba convencido de mi destino: iba a ser corredor de autos”, cuenta Machi, hijo de una madre que supo trabajar de operaria en una fábrica de vinos y un padre que fue chofer, cruzando la cordillera por caminos de ripio en los años ’30. Después, sí, llegaron Los Beatles y la música en general. Pero esa adrenalina generada por escuchar los motores, el olor a nafta y a goma quemada nunca se fue del todo. De hecho, si se le pregunta Ford o Chevrolet, no puede evitar responder, en voz baja, Chevrolet. “Fue una pasión que retomé un poco con Pappo”, explica, y cuenta que nunca llegó a correr en alguna carrera, pero que fue a velocidades ridículas al lado del Carpo. “Siempre condujo muy rápido. Una vez chocamos en la Juan B. Justo: no me lo olvido más.” Pero la música estuvo en su casa desde siempre: antes del oficio de chofer, el padre de Machi fue violinista. Cuenta que llegó a verlo tocar y que, poco antes de morir, su padre se emocionó tanto cuando lo vio tocar en un concierto de Invisible que le regaló su instrumento. Como no quería que quedase olvidado en un rincón de la casa, Machi aprendió a tocarlo. Tomó clases durante 3 años, y lo dejó recién cuando un médico le sugirió que el violín debía ser la causa de unos recurrentes dolores de espalda. Cantar era el berretín del pequeño Machi, y le fascinaban las voces de Johnny Ray y Frankie Lane. Pero como si hubiese querido siempre alejarse de su destino, en un principio el instrumento que soñaba con tocar fue la batería. Terminó pasándose al bajo, cuando un grupo de amigos necesitaba justamente eso, un bajista. Ya andaba por los 20 años, había trabajado de cadete en una agencia periodística, e incluso había llegado a encargarse de armar el horóscopo diario combinando frases que ya estaban escritas. Pero, a partir de ese comienzo, no largaría el bajo nunca más: “Empecé de cero y a los tres meses grabamos un demo –cuenta–. Fue todo muy rápido: en menos de un año ya era músico profesional.” ¿El secreto? Machi se encoge de hombros: “Creo que a eso lo llaman tener condiciones”. Le comenzaron a llegar propuestas para irse a tocar a Brasil, o hacer una temporada en un hotel de Europa. “No conocía la palabra no: tocaba en cualquier lado.” Fue a tocar a Mau Mau por una noche, y terminó con un contrato por un año. “Desde entonces desarrollé esa capacidad que tengo, que escucho un tema una sola vez y ya lo puedo tocar”, explica. “Menos los de Luis, claro”, agrega con una sonrisa. Por supuesto, Luis sólo puede ser Spinetta.

RUIDO DE MAGIA

Hay una película bélica, cuenta Machi, en la que después de una batalla se escuchan unas gaitas escocesas, y unos heridos dicen algo así como: compadezco a los que escuchan las gaitas de mi tierra y no son escoceses. “Bueno, a mí me pasa lo mismo: yo compadezco al que escucha la música de Spinetta y dice que no la entiende”, dice Machi, que es un fanático del Flaco a ultranza. “Si los genios existen, él es uno de ellos”, dice sin vueltas. Y lo dice con conocimiento de causa, después de haber constatado bien de cerca, casi mejor que nadie, de qué está hablando. Cuando debe buscar un ejemplo, sin embargo, no recurre a la mítica época de Invisible, sino un poco más acá, durante la grabación de Fuego Gris. Durante un año, se encontraron en el estudio para grabar ese disco: Spinetta como músico, Machi como técnico. “Ninguno de los tipos con los que trabajé son capaces de hacer lo que le vi hacer a él”, desliza el que fuera su bajista durante ocho años. Una época que comenzó apenas dejó de tocar en Pappo’s Blues, cuando sonó el timbre de su casa. “Los vi a Pomo y a vos tocar con Pappo y me volaron la cabeza”, le dijo Spinetta, y lo invitó a tocar con él. “Pomo ya está conmigo”, le aclaró a la pasada. “No estuvimos ni una semana solteros”, comenta Machi, con una sonrisa. Había nacido Invisible, la última gran banda de quien ya había quedado en la historia grande del rock argentino al frente de Almendra y Pescado Rabioso. “Para mí Invisible está en un cofre de oro”, recuerda que alguna vez le dijo Luis. Fueron cuatro años y tres discos, y una época ineludible en la carrera de Machi. Y también en la historia del rock argentino. “Cuando los Divididos me invitaron a tocar con ellos, de lo primero que hablamos en el ensayo fue de Invisible. Parecían preguntas que habían llevado guardadas toda la vida”, recuerda el bajista, que dice que cuando le preguntaron el secreto de la música del trío, explicó que simplemente era la música de tres tipos que estaban siempre juntos. “Los tres primeros meses del grupo los pasamos ensayando los tres solos en una quinta de General Rodríguez, lejos de todo –recuerda–. Tocábamos, cocinábamos y dormíamos en tres camas que estaban una al lado de la otra, al lado de una chimenea. Ahí salió todo el primer disco, que incluye un tema como ‘Irregular’, sí, que es marciano, pero no por caprichoso, sino porque así era la música que nos salía.”

ESTADO DE COMA

Aquella vez que los Divididos lo invitaron a tocar sobre el escenario de Obras, en el 2003, Machi llevaba varios años sin tocar. Un particular sacrificio al que se sometió luego de la inexplicable desaparición de su hija Laura, que enfermó de meningitis y murió cuando tenía apenas 19 años, a mediados de los ’90. “No sentía ninguna motivación para seguir tocando”, intenta explicar. “Me parecía obsceno disfrutar haciendo algo que me gustaba cuando mi hija ya no estaba por acá”, cuenta Machi, que sobrevivió durante todo ese tiempo dando clases, trabajando de técnico de grabación y pasando mucho tiempo con la computadora. “Vos tenés unas bolas...”, recuerda que le decía Spinetta, que le dedicó a la memoria de María Laura Rufino su primer disco con Los Socios del Desierto. Y él lo corregía: “No, estoy como un león atrapado, que se da la cabeza contra los barrotes de la jaula hasta que se cansa. Y cuando se repone vuelve a empezar”. Por eso fue que, después de aquel show, volvió a esconderse. De hecho, sólo aceptó tocar porque recordó que Divididos era uno de los grupos preferidos de su hija. Su regreso definitivo fue recién hace un par de años, primero para grabar “Tres agujas”, de Fito Páez, junto a Spinetta en el homenaje al rock argentino producido por Lito Vitale. Y luego con la Superbanda, grupo al que lo invitó el Tuerto Wirtz, y del que participaron compañeros de su generación, como Héctor Starc y Ciro Fogliatta. “El que diga que el tiempo todo lo cura está mintiendo. Porque la muerte de una hija no tiene cura. Uno simplemente tiene que aprender a convivir con eso. O, en mi caso, aprender que, no importa lo que hagas, no se puede modificar la realidad”, explica Machi, que había dejado la música justo cuando su hijo Pablo empezaba a tocar. Así que, dice, este regreso en parte se lo debía a él. Pero confiesa que se siente bien con esto de volver a encontrarse con colegas, la adrenalina del escenario, esas cosas. El repertorio del trío, con el que estuvieron grabando un disco en estos recientes shows en La Trastienda, incluye temas de La Blanqueada, el anterior grupo de Lito Epumer. Y también covers como ‘Cold Turkey’ y ‘Sunshine of Your Love’, que grabaron con Pedro Aznar como invitado. Honrando de alguna manera a la mejor parte de ese mundo del rock al que Machi, como dijo antes, entró por la puerta grande, gracias a Pappo. “Lo conocí en La Cueva, una de las pocas veces que fui –recuerda–. Llevaba conmigo un bajo Fender, que era como si hubiese llegado con un Rolls Royce. Se me acercó y me dijo: Yo soy Pappo, ¿me prestás el bajo? Y se lo pasó a Medina”. Mucho después de aquella noche poco sutil, lo invitó a formar parte del Pappo’s Blues que grabó el Volumen 3 del grupo, que llegó a durar un año y medio: “Una eternidad, según sus parámetros”. Para Machi, Pappo tenía un don. “Era un tipo que tocaba bien en cualquier circunstancia: vos le dabas un palo de escoba, e igual la rompía.” En aquel hoy mítico Volumen 3, Machi no sólo toca el bajo, sino que canta en “El sur de la ciudad” y comparte autoría del tema “Sandwiches de miga”. “Pero sólo la música, no tengo nada que ver con la letra”, se ataja en broma. Cuando se le comenta que Pappo alguna vez dijo que el tema se le había ocurrido en un viaje de ácido en un backstage, mirando el catering, contesta: “Mirá, por aquel entonces Pappo no tomaba ácidos, eso te lo aseguro”. ¿Y de qué habla la letra, entonces? “La verdad que nunca se me ocurrió preguntarle”, dice aún más sonriente.

- Cuál fué el primer show de música en vivo que fuiste a ver ?
(incluyendo aquel al que te llevó tu familia...o el primero que te acuerdes haber visto...)
Creo que fueron los Shakers en un club del sur del gran Buenos Aires en 1966..., eran muy buenos (los hermanos Fattoruso), tambien iba a ver a Los Gatos por esa época...

-Donde tocaste en vivo la primera vez,valen fiestas de colegio!
La primera vez que toqué en vivo fue en un casamiento, y me temblaban las piernas de miedo.. En realidad teniamos tanto miedo que armamos los amplificadores delante nuestro, como una especie de parapeto o barrera....

- En que año debustaste profesionalmente .Recordás en donde y quienes te acompañaban?
Debuté profesionalmente en 1968 tocando bossa nova con un brasileño llamado Waldecir Lima en un lugar que se llamaba Bomarzo....

- Qué show de los que viste te impactó más ... Qué fué que lo hizo especial ?
Weather Report, en el Luna Park en 1980, donde tuve oportunidad de ver y escuchar a Jaco Pastorius, bajista de la banda. Era una combinacion perfecta, la banda de jazz-rock mas creativa que existió, y el mejor bajista de todos los tiempos....

- Cuál es el músico que te resulta más completo en vivo (profesionalidad, carisma....)
De aquí sin duda Luis Alberto Spinetta..., pero admiro a mucha gente, “Mono” Fontana, Javier Malosetti, Pedro Aznar, Guillermo Vadalá, Pomo, Cristian Judurcha, mi hijo Pablo bajista de Lito Vitale y La Sed, Dany Wirtz, el “negro” Colombres, el trio Aca Seca que me deslumbraron..., Lito Vitale, La Sed, Jota Morelli, Baltasar Comotto, David Lebon, Rodolfo Garcia, Hector Starc, el trio Fattoruso, la lista puede seguir bastante más, y todavía faltarían los de afuera....

- Qué anécdota propia tenés de algún show ?
Tocando con Invisible en un club de Liniers, se vino abajo el escenario que estaba muy mal armado mientras tocabamos...., por suerte nadie se lastimó, pero fue una situación tremenda... Muchísimos años despues, en un video club, el dueño me recuerda el incidente, y me dice: yo fuí el que armó el escenario”....., increíble...

- Cuál es tu "Dream Band " en vivo para tu propio show en vivo (...valen operador de sonido, sala, etc )
La posibilidad de tocar con diferentes músicos es siempre exitante por la novedad del cambio, por lo que no podría nombrar a nadie en especial, siempre es lindo tocar con alguien que nunca tocaste, o volver a tocar con alguien a quien ya conoces...., eso si, como operador de sonido sin duda Mariano López....

-Con qué músicos compartiste escenario ?
En el rock con Pappo, Spinetta, Fito Páez, entre muchos otros, en el jazz, con Baby López Furst, Jorge Navarro, Santiago Giacobbe, Francisco Rivero, Luis Cerávolo, Osvaldo López, Horacio Larumbe, entre muchos otros...

- En la actualidad , cómo se compone tu show y qué estás presentando
Me estuve presentando con La Superbanda, junto a Hector Starc, Ciro Fogliatta, y Daniel Wirtz en el verano, luego en el transcurso de este año tambien con Rodolfo García y algunos invitados como Gady Pampillon, Alambre Gonzalez y David Lebon.

Link para visitar: www.myspace.com/carlosmachirufino

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A CINCO CALENDARIOS DEL SOLO FINAL DE PAPPO

Ultimo héroe de acción

Obviando posibles peleas con Cumbio, algún piñazo a los nuevos exponentes del electropop y las demoledoras canciones que podría habernos dejado, recordamos su “legado no reconocido” en el reggae, el rock folklórico, el indie, el pop de canciones, el rock mestizo y hasta una experiencia como... Miranda!

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Por Matías Córdoba y Mario Yannoulas

Norberto se enamoró a primera vista en un andén británico. Después de pasar con ella menos tiempo del deseado, tuvo que despedirse. Después, decidió que el tema abriera un disco con un agresivo solo de batería, seguido de un símil shuffle blusero. Después, que el tema terminara con un fade out caradura. Así de simple salió El tren de las 16, la pieza que inaugura el Volumen 2 de Pappo’s Blues, un disco que integra, junto con el primer y el tercer volumen, una tríada vital para el rock argentino. Esa influencia de Black Sabbath, vestida con las telas de un Hendrix criollo y la esencia algo inocente de un Muddy Waters, entre otras fuentes, hicieron que Pappo se instalara rápidamente como el primer guitar hero argentino.

Sus temas habilitaban furiosos air guitar domésticos (Cementerio, Especies, Siempre es lo mismo nena); o eran piezas dulces y melancólicas (Desconfío); a veces tenían atributos de power trío (Algo ha cambiado, Sucio y desprolijo); y en otras ocasiones eran loas al “hombre común” (El hombre suburbano); o más bien psicodelia pringosa (Sandwiches de miga); o convides bucólicos (Blues de Santa Fe); o tal vez westerns de proletariado feliz (Trabajando en el ferrocarril). Wah-wah, slide, distorsión podrida, todo directo a la parrilla. Ese era Pappo a comienzos de los ‘70. Y ese siguió siendo después. Y sigue. Y seguirá.

A Spinetta lo versionaron desde Cerati hasta Iorio. Su último recital de las Bandas Eternas de diciembre convocó a 35 mil personas en Vélez, como una suerte de reeditado de lo que Pappo hiciera para la presentación en Obras de su (¿auto?) disco (¿tributo?) Pappo & Amigos, donde participaron, hace diez años, músicos de diferentes escenas del rock local. Pero, a diferencia del Flaco, amigo y admirador de aquellas épocas, Pappo carga con una etiqueta maldita que lo separa de ciertas franjas de la escena argentina. Como ser: Cerati nunca lo versionó, para su tranquilidad.

Ese estigma, producto de la imagen massmediatizada que se reforzó desde los ‘90, con el chiste de Mi vieja, hasta prácticamente sus últimos años –pasando por participaciones en tiras de Adrián Suar–, lo encalló en una zona gris de la historia, como un hombre de Neandertal siempre dispuesto al puño, cuya música era menos importante que esperar de él una grosería. Recién con Buscando un amor (2003), con una fuerte producción ejecutiva detrás y composiciones digeribles, el Carpo logró reinsertar su honor en ámbitos del rock argentino que lo habían eliminado de entre sus opciones. Y logró, también, autoasignarse el Olimpo al imaginarse como un ángel acompañado por Hendrix, Stevie Ray Vaughan y Robert Johnson.

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EL 5 DE FEBRERO BOB MARLEY CUMPLIRIA 65 AÑOS

Dejó un cuantioso pero incierto número de hijos. Tuvo al menos ocho mujeres. Su patromonio, millonario, sigue creciendo. Muerto de cáncer en 1981 con tan sólo 36 años, el líder mundial del reggae tendrá mañana su celebración anual en Jamaica.

JAMAICA, BOSTON. El artista y su emblemática interpretación de "No woman no cry" en Boston, en 1979.

El jamaicano Bob Marley, que falleció en 1981 con sólo 36 años, se ha convertido en algo parecido a un joven rebelde, hippie con canas, entusiasta del esoterismo, sabelotodo mundial o simplemente miembro de la sociedad del ocio. Tiene algo para todos los gustos.

Pero también fuera de la cultura occidental, Marley, que el 6 de Febrero habría cumplido 65, sirve de excusa para todos. Para los indios hopi,
el músico representa el cumplimiento de una profecía milenaria. Los nepalíes le consideran la encarnación del dios hindú Vishnu, mientras
que los aborígenes adoran a la leyenda del reggae como predicador de la paz y los derechos de los menos favorecidos.

Y es que Marley supo vincular su crítica social y política con un reggae que traspasó fronteras, convirtiendo su música en una fuerza que sigue surtiendo efecto. A ritmo de reggae, elevó su voz de forma tan poética como combativa contra la pobreza en los suburbios de Kingston y la misantropía de las clases altas blancas.

"Them belly full, but we hungry" (su tripa está llena, pero nosotros tenemos hambre), criticó en "War". "Mientras haya hombres que tienen de todo y hombres que no tienen nada, mientras una raza se sienta por debajo de otra, habrá guerra en este mundo", sigue cantando. Por desgracia, al igual que con "Get Up, Stand Up" o "One Love", el público blanco prefirió sentirlo como un llamamiento a toda la humanidad, aunque se dirigía a los negros reprimidos por blancos.

"Mi música seguirá viviendo eternamente", profetizó Marley, antes de morir de cáncer en un hospital de Miami. Aunque la cuestión de la eternidad aún no puede demostrarse, en las listas de los fallecidos que más dinero "ganan" Marley comparte los primeros puestos junto a Elvis Presley o Curt Cobain. Además, el cantante hizo mundialmente famosas las rastas y su gorro tricolor (rojo-verde-amarillo). Ambos provienen del movimiento cultural -religioso de los rastafaris, para quienes Marley era su mayor "profeta".

Robert Nesta Marley llegó al mundo el 6 de febrero de 1945 en Rhoden Hall, Jamaica. Fruto de una relación breve entre un oficial de marina británico y una joven nativa, de cuya vida pronto desapareció el oficial. El pequeño Bob dejó su pueblo con 14 para irse a la capital, Kingston, a trabajar como soldador. En 1964 fundó con Peter Tosh el grupo "The Wailers".

Sus éxitos musicales en Jamaica se limitaron a diez años. Los primeros temas eran canciones de amor. Luego, con distintos colegas, comenzó a desarrollar el reggae. Su lanzamiento mundial no llegó hasta los 70, con una versión del reggae más al gusto occidental, aunque para algunos sea más débil. A partir de ahí, sus ventas de discos se cifran en millones.

En diciembre de 1976 recibió un tiro en su vivienda de Kingston en un atentado con aparentes tintes políticos. Un año después, fue operado de cáncer en Miami. Ya gravemente enfermo, en 1981, se sometió a un tratamiento de medicina alternativa en Alemania, pero cuando su muerte se aproximó, regresó a su patria. Sin embargo, en el viaje de regreso, tras hacer escala en Miami, no pudo volver a volar hacia el Caribe y murió poco después en un hospital.

Marley dejó a un gran número de hijos, de los que no se conoce la cifra exacta, con al menos ocho mujeres, los derechos de cientos de canciones de su breve carrera y un millonario patrimonio que hoy sigue creciendo. Su isla natal, desde 1990, celebra el 6 de febrero como día festivo nacional.

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AUDIOS: ESCUCHANDO JAZZ

Ingrid Jensen – Litha

Ingrid Jensen – Land Of Me

Ingrid Jensen – I Fall In Love Too Easily

Ingrid Jensen - Seventh Avenue

Carter, Medeski, McBride, Rogers, Baron – Diminishing

Carter, Medeski, McBride, Rogers, Baron – Infiniment

Carter, Medeski, McBride, Rogers, Baron – Blue Leo

Carter, Medeski, McBride, Rogers, Baron - Heaven On Earth

Henri Texier Azur Quartet – Laguna Laïta

Henri Texier Azur Quartet – Amazone Blues

Henri Texier Azur Quartet – Cyclosis

Henri Texier Azur Quartet – Indians / Desaparecido

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baladas de guitarra eléctrica clásicas

Joe Satriani – Always with me, always with you

Steve Vai – “Tender Surrender”

Jason Becker – Blue

Jason Becker – Altitudes

Parisienne Walkways – Gary Moore (no instrumental… pero mítica)

Andy Timmons – Cry for You

Jimi Hendrix – Little Wing (tampoco instrumental, pero imprescindible)

Carlos Santana – Europa

Stevie Ray Vaughan – Lenny

Jeff Beck – Cause we’ve ended as lovers

Frank Zappa – Watermelon In Easter Hay

Marty Friedman – namida (tears)

David Gilmour – Marooned

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HELEN MERRILL: una de las grandes voces blancas del jazz

La cantante, Helen Merrill (New York, 1930), es una de las grandes voces blancas del jazz. Su estilo siempre ha estado exento de ornamentas y vibratos adicionales y su canto es un homenaje a la desnudez vocal. Con un registro pequeño en comparación con sus colegas, su especialidad es la balada. Nunca fue una cantante de bigband, ni cultivaba el arte del scat,
pero en los tiempos lentos es toda una autentica especialista.




De origen yugoeslavo, Jelena Ana Milcactic, verdadero nombre de Helen Merrill, consiguió con su primer álbum (Helen Merrill, Emarcy 1954) llegar a lo mas alto del jazz vocal. Con el mismo acompañamiento instrumental que había tenido días antes la gran Sarah Vaughan -Con Clifford Brown, a la trompeta como principal solista- tuvo la virtud de grabar un disco original, intimista, inteligente y con una voz prodigiosa. Clifford Brown, estaba en el momento álgido de su carrera y eso lo agradece el disco. Su debut como profesional tuvo lugar con la orquesta de Reggie Childs con quien estuvo de vocalista entre 1946 y 1947. Después vino el disco de su debut con Clifford Brown ya citado y a continuación varios mas para el sello Emarcy -una casa discográfica, filial de la Mercury que se especializó en grabar a cantantes- algunos de ellos también excelentes como el grabado en 1956 titulado: "Dream of You" y que cuenta con la extraordinaria aportación en los arreglos del maestro Gil Evans, ya famoso por su participación fundamental en el Noneto Capitol, y que por vez primera se decidía a trabajar exhaustivamente con una cantante. Los cincuenta y los sesenta vieron como la cantante, que seguía teniendo una naturalidad apoteósica y una dicción matizada, dejó algunos discos salteados para varios sellos: Verve, Milestone o Landmark.

Su estancia en Europa y en Japón- donde vivió entre 1967 y 1972- contribuyó a su renacimiento artístico en el país nipón, y en Europa tuvo que esperar a que en 1984 publicara el disco "No Tears, No Godbyes" (OWL) junto al pianista, Gordon Beck y mas tarde el magnifico "Music Makers" con Steve Lacy y Grapelli en 1986 para que el publico francés la redescubriera. Antes, en 1967, había grabado para Milestone una serie de discos con el extraordinario pianista, Dick Katz -su acompañante y director musical, antes de instalarse en Japón- que aportaron nuevos horizontes a su voz humeante. Dos discos dejaron testimonio de aquella feliz etapa: "The Feeling is Mutual" un disco admirable, y "A Shade of Difference" (1968) algo mas desigual pero con una magnifica versión de "Lonely Woman" la obra maestra que compuso Ornette Coleman.

En 1987, treinta años después de la primera colaboración con Gil Evans, cantante y arreglista se juntan de nuevo para grabar "Collaboration" (Emarcy) una reedición con los mismos temas y arreglos de la primera ocasión. En 1989 llegó la esperada cita con Stan Getz, uno de sus músicos preferidos "Just Friends" (Emarcy) aunque ya su voz no era la misma y anunciaba la cercanía del retiro. Su obra postrera mas importante, es el álbum que ella misma se retrata. Esa autobiografía musical titulada "Jelena Ana Milcactic a. k. a. Helen Merrill" (Gitanes, 18 abril de 2000) es además de un gran disco, una especie de tributo a su magnifica carrera como cantante de jazz.


Una de las cantantes de jazz más distintivas que haya habido nunca, Helen Merrill comenzó a cantar profesionalmente hace 60 años,
cuando su cálida voz se sumó a la Reggie Childs Orchestra en 1946. Pero ese fue sólo el comienzo de una larga y vívida historia que llevaría a la talentosa y joven hija de inmigrantes croatas a hacer historia en el jazz grabando con el trompetista Clifford Brown y el arreglador y director Gil Evans en los 50. Una historia que incluye la oportunidad de compartir el escenario con luminarias como Charlie Parker, Miles Davis y Bud Powell, de cantar con el pianista Earl Hines y de vivir en diferentes países, de Italia a Japón. ¿Suficiente para alguien que quiere saber más acerca de esta gran señora de la canción? Bueno, entonces siga leyendo...

All About Jazz: Mirando hacia atrás, de esos 60 años de tantas canciones, discos (más de cuarenta), de importantes compañeros musicales y de shows por todo el mundo, ¿cuál es el balance de su carrera?

Helen Merrill: Tengo una personalidad que siente que cada día es el comienzo de algo nuevo y, entonces, el balance de mi carrera siempre está cargado de posibilidades, tanto negativas como positivas. No soy buena para ocuparme de mi carrera, que me mantiene en una suerte de limbo.




















AAJ: Después de todos estos años, ¿hay todavía algún país donde nunca haya estado y donde le gustaría cantar?

HM: He soñado con China desde que era muy niña. Leí tantos libros sobre ese país cuando era una niña. Incluso grabé una canción china. Me parece que mi acento no fue muy bueno.

AAJ: Bueno, volvamos hacia atrás en el tiempo. Usted comenzó su carrera en el 845 Club, en el Bronx, cuando todavía estaba en el colegio secundario. ¿Cuándo se dio cuenta por primera vez de que quería ser una cantante? ¿Fue muy importante ese club en su carrera?

HM: Siempre supe que sería una cantante, desde muy joven. Además, era más que pensar que cantar me abriría al mundo, que lo hizo. El 845 Club fue muy importante porque confirmó mi talento. Bud Powell era el pianista, Kenny Clarke el baterista y había montones de solistas, todos muy bien conocidos en el mundo de la música.

AAJ: Era el final de la era Big Band, pero usted sí cantó con la Reggie Childs Orchestra entre 1946 y 1947. ¿Qué aprendió de esa experiencia, qué pudo usar luego en el contexto de un pequeño grupo?

HM: Todo lo relacionado con interpretar música era excitante para mí. Aprendí a cantar con una banda, lo cual no fue difícil. Tuve que suplicarle a mi padre que me permitiera viajar con la banda, lo que hizo tras muchísima persuasión de mi parte.
























AAJ: ¿Cómo y de qué manera Jelena Ana Milcetic se transformó en Helen Merrill? ¿Hay algo importante que rodeara la elección de su nombre artístico?

HM: Ahora siento que el nombre Merrill fue un gran error. Pero en aquellos días todos cambiaban sus nombres, y yo también. Fue en un momento de chiquilinada, mi amiga tenía un novio con ese nombre y me sonaba tan bien en aquel momento... Muy americano.

AAJ: ¿A qué cantantes estaba escuchando cuando comenzó su carrera? ¿Tenía algún ídolo a quien quisiese emular?

HM: Nunca tuve a un/a cantante como ídolo. Escuchaba a muchos músicos y mis ídolos fueron Ben Webster, Lester Young, Johnny Hodges. Esas personas sabían las letras de las canciones e interpretaban la música con el significado de las canciones en su mente, añadiéndole sus propios sentimientos especiales. Mi madre fue mi verdadera influencia. Ella sentía la música desde un lugar muy espiritual. Un lugar privado que era totalmente propio. Ese tipo de música no puede tener maestros. Venía de su lugar natal, que era la isla de KRK en Croacia. A partir de eso, permití que mis propias experiencias guiaran mi interpretación de la música. No creo que el arte deba emular, o que debamos estar buscando clones. Aprendemos los unos de los otros y, a partir de eso, continuamos nuestro propio viaje.

AAJ: A veces a Ud. se la ha visto como una mezcla de la intensidad voladora de June Christy y de la flexibilidad de Sarah Vaughan. ¿Concuerda en algún sentido con esa comparación?

HM: Sarah fue fabulosa y fue mi favorita. Su voz era un instrumento musical y su don era enorme. Mi atención estaba en los instrumentistas. Me sorprende que me compare con otras maravillosas cantantes pero yo he sido siempre yo misma. Siempre corriendo muchísimos riesgos...



















AAJ: Su primer álbum, Helen Merrill (Emarcy, 1954), tuvo un invitado muy especial: Clifford Brown, y así también lo era su arreglador y productor, Quincy Jones. ¿Qué recuerdos tiene de esa grabación? ¿Las canciones se grabaron con todos los músicos tocando juntos o hubo mezclas?

HM: Mi grabación con Clifford fue un hecho muy natural. Sin ensayos, sin reuniones. Clifford era tímido, y yo también. Estábamos en la misma habitación y Quincy escribió los arreglos e hizo que todos nos sintiéramos como una familia. Quincy de hecho nos reunió a Clifford y a mí. Siempre tuvo una habilidad mística para reunir a las personas adecuadas. Creo que Clifford juega su mejor parte emocional en nuestro disco.

AAJ: Después de Helen Merrill, Ud. grabó Dream of You (Emarcy, 1956), con Gil Evans, lo que ayudó a sacarlo de su retiro y trabajar luego con Miles Davis. ¿Quién eligió a Gil? ¿Fue decisión suya?

HM: Fue mi decisión y el productor Bob Shad estaba horrorizado porque Gil era famoso por usar muchísimas horas de grabación. Aun así, yo seguía queriendo a Gil y él nunca olvidó mi lealtad hacia él. Él era un tesoro viviente y todos nosotros lo amábamos. Miles y Gil tuvieron una relación de mucha protección. Creo que él lo veía a Gil como una súper figura paterna. Sí, yo le conté a Miles de mi grabación y él simplemente dijo: “Creo que voy a llamarlo a Gil y a grabar de nuevo con él...”

AAJ: Aunque el disco con Clifford Brown fue bastante importante, hay quienes dicen que este “resalta mejor su expresivo talento vocal” y, treinta años después, usted trabajó nuevamente con él en Collaboration (Emarcy, 1987), que es considerado como uno de sus mejores discos. ¿Qué tan diferente fue esta experiencia de la primera?

HM: Kyoshi Koyama fue mi productor en ese álbum con Gil, y Gil aceptó la propuesta. Gil era un autor muy cuidadoso y muy, muy lento. No estaba bien en aquel momento y entonces decidimos rehacer lo viejo y agregar “Summertime.”

AAJ: Hablando de colaboraciones, en 1989 usted grabó Just Friends (Emarcy, 1989), un hermoso disco con Stan Getz, donde ustedes compatibilizaron tan perfectamente, estando a la vez relajados y en ritmo. ¿Cómo se dio esa oportunidad de grabar juntos?

HM: Stan y yo éramos viejos amigos. Trabajamos juntos en Escandinavia por mucho tiempo.

AAJ: ¿Por qué se mudó a Italia, Europa, a finales de los 50? ¿Estaba teniendo problemas para encontrar trabajo en los Estados Unidos?

HM: Siempre hubo problemas para los artistas del jazz en los Estados Unidos, pero mi motivo fue más bien un lugar común. Estaba escapándome de un romance muy malo. Me fui a Inglaterra con el crítico de jazz Leonard Feather para cantar en la BBC con Dudley Moore (que era un pianista muy bueno), y de allí a Bélgica y el Festival Comblain. Allí me encontré con el pianista Romano Mussolini, quien me invitó a cantar con él y con sus varios grupos. Tuve bastante éxito allí haciendo festivales, TV e incluso música para películas. Estando allí me invitó el Hot Club of Japan para cantar en aquel país. Eso fue en 1960.




















AAJ: ¿Cómo fue esa experiencia?

HM: Fue una experiencia fantástica. Fue como un sueño. Yo no fui a vivir a Japón, fui allí para trabajar. A finales de los 60 conocí allí a un caballero con quien me casé. Él estaba a cargo de la UPI para toda Asia. Fueron días excitantes, de muchos viajes, pero de alguna manera yo me veía forzada a interrumpir mi carrera.

AAJ: ¿Realmente esperaba Ud. hacerse tan popular en Japón, como afortunadamente resultó?

HM: La fortuna tiene poco que ver con esto. Yo trabajé muy duro y por muy poco dinero. Mi música me hizo popular con el público y con los músicos, como ocurrió también en Italia y en Francia. Japón es un país de gustos e intereses diversificados. Hay un grupo leal de seguidores del jazz y ellos siguen siendo leales. Mi popularidad, de largo tiempo, tiene que ver en parte con mi sincero interés en aquel país y en su cultura, y en parte, como diría el pianista Roland Hanna, “Tú tienes una mágica manera de tocar el corazón de la gente”. De modo que aun cuando canto en inglés, no parece importar. Lo mismo en Francia.

AAJ: Japón siempre ha sido un mercado muy importante para el jazz y para los músicos del jazz. Habiendo vivido y grabado allí, ¿cómo explica Ud. este fenómeno?

HM: Las personas japonesas tienen muchos intereses y son ávidos en sus hobbies. Cuando fui a Japón por primera vez, me encontré con algunos de los mejores músicos, del jazz y de música clásica y del pop. Los músicos clásicos como Tortu Takemitsu, Seiji Ozawa y otros, ya tenían un gran conocimiento de la música clásica occidental. Los músicos jóvenes del jazz estaban muy ávidos de aprender y yo traté de impartir cuanto conocimiento yo tuviera. Hoy, los músicos japoneses de jazz han alcanzado un nivel muy alto. También tienen un gusto muy sofisticado para seleccionar la música y los músicos, de modo que continúan disfrutando del jazz.

AAJ: ¿Por qué decidió regresar a los Estados Unidos en los 70?

HM: Como dije, mi carrera en Japón es como que se había terminado cuando me casé. Así, el hecho de que yo viviera allí era para los japoneses más como un enigma que una ventaja. Volví a los Estados Unidos porque así lo hizo mi esposo.

AAJ: De vuelta a su hogar usted grabó dos álbumes muy exitosos con el pianista Dick Katz y con músicos como Thad Jones, Gary Bartz, Jim Hall, Ron Carter y Elvin Jones: The Feeling is Mutual (Milestone, 1967) y A Shade of Difference (Landmark, 1968). ¿Cuán importantes fueron en su carrera?

HM: Las grabaciones que hice con Dick Katz siguen siendo frescas y bastante maravillosas. No lo digo por mí, sino que sólo el calibre de los músicos en aquellas sesiones podía crear una música sorprendente. Dick fue y es un arreglador interesante y su música suena muy contemporánea. La grabación fue en vivo y tiene un sonido que es sorprendentemente bueno.

AAJ: En 1976 Ud. grabó con John Lewis, un álbum principalmente de duetos. Luego en los 80 grabó de nuevo en dueto con Gordon Beck (1984) y con Ron Carter (1987). ¿Es desafiante y gratificante cantar en ese contexto?

HM: Puede ser muy gratificante cantar en dueto pero el espíritu tiene que ser el correcto y ser interesante el diálogo. Las grabaciones que hice con Gordon fueron un gran éxito en Francia. Hicimos muchos conciertos en Francia y vivimos algunos momentos mágicos.






















AAJ: Tenemos que hablar sobre Brownie (Polygram, 1995). Además de ser un gran disco, es asimismo un homenaje a Clifford Brown 40 años después del encuentro de ustedes en un estudio de grabación. Todo comenzó con un homenaje por el 35to. aniversario de la muerte de él, pero llevó dos años entrar finalmente a un estudio y grabarlo. ¿Por qué?

HM: Un disco homenaje, que es muy personal para uno mismo, nunca puede ser como uno siente que debería ser. Así fue siempre respecto de mis discos en homenaje. Usted de repente confronta lo enorme de su responsabilidad de representar a estas personas muy especiales. Llevó mucho tiempo mi CD Brownie a causa de mi gran respeto por Clifford y por su hermosa esposa Larue. Escribí la letra de “Your Eyes” para Larue y ella me envió la carta más conmovedora y hermosa, sobre su reacción ante mi letra. El otro caso fue tratar de interpretar las vidas de mis padres: una misión imposible. Cuando mi madre cantaba, siempre había un mensaje subyacente que era el secreto de ella. Aprendí que los espacios y la imaginación del que escucha eran tan importantes como la persona que envía el mensaje. Hay versos en “I'll Take You Home Again Kathleen” que al día de hoy me emocionan profundamente: “Las rosas todas han abandonado tus mejillas, yo las miré desvanecerse y morir... tu voz es tan triste cada vez que hablas, las lágrimas detrás de tus ojos amantes... Oh te llevaré a tu casa Kathleen, adonde tu corazón no sienta pena...”, etc. Estaba claro para mí que mi madre estaba cantando sobre sí misma. Mi madre extrañaba su patria y a su familia allí.

AAJ: ¿Quién, entre la nueva generación de trompetistas, puede continuar mejor la voz de Clifford?

HM: Bueno, nadie de quien yo sepa personalmente. Tom Harrell en sus mejores ocasiones es maravilloso. Hay muchos trompetistas muy buenos.

AAJ: A propósito, ¿habitualmente escucha usted sus discos en su casa?

HM: No, no escucho demasiado mis discos pero cuando lo hago, es como escuchar a una extraña y generalmente me sorprende qué buenas pueden ser algunas de esas grabaciones.

AAJ: ¿Qué escucha últimamente?

HM: Estoy buscando nuevo material para mi próximo CD y estoy escuchando música de todas las clases para inspirarme. Hasta ahora tengo un par de canciones que me gustan.

AAJ: ¿Tiene cantantes favoritas entre la nueva generación de cantantes mujeres de jazz?

HM: No tengo cantantes favoritas, pero a veces escucho alguna interpretación que me emociona muy profundamente. Amo a Shirley Horn, principalmente la de antes de que se hiciera más popular. Su música es hermosa y la extraño muchísimo. Cantantes de la nueva generación... bueno, no he estado escuchando pero comenzaré a hacerlo.

AAJ: ¿Cuál piensa que será su legado en el jazz?

HM: Mi legado, bueno… He tratado de hacer música interesante toda mi vida, he tenido el honor de trabajar con grandes músicos. Personas por las que siento el mayor de los respetos. Encuentro inspirador trabajar con músicos creativos. A diferencia de muchísimos cantantes, yo prefiero transformarme en una voz dentro de la música, más que tener un acompañamiento.

AAJ: Si pudiera comenzar todo de nuevo, ¿todavía querría ser una cantante de jazz?

HM: Sería una cantante de jazz, sí, a causa de mi necesidad de interactuar con los músicos. No es una vida fácil y no la recomendaría. No obstante, se hace amigos de toda la vida y eso es divertido.





















AAJ: De todos los músicos de jazz con los que ha tocado y grabado, ¿cuáles la impresionaron más?

HM: Hay tantos músicos que me han impresionado… Trabajar con Bill Evans, Gil Evans, Clifford Brown, George Mraz, Torrie Zito, Elvin Jones, Masahiko Satoh, Masaaki Kikuchi, Ennio Morricone, Dick Katz., Thad Jones, Oscar Pettiford... hay tantos. Todos tienen sentimientos muy profundos, sensibilidad y un modo original de expresar la música. Casi todos los músicos con los que he grabado son fabulosos instrumentistas.

AAJ: ¿Qué es el jazz para usted? ¿Qué le puede dar a la gente, a saber, a la gente joven?

HM: El jazz permite la expresión de sentimientos que pueden ser universales en la naturaleza. Puede ser profundamente triste o muy divertido. La parte que no es accesible para todos los artistas es la capacidad de proyectar esos sentimientos para quienes te están escuchando. Los jóvenes tienen una gran necesidad de expresar sentimientos y yo pienso que el jazz, desde el blues hasta el de vanguardia, puede ser un modo interesante de encontrar aquello que los haga ser sensibles.

AAJ: ¿Cómo piensa que cambiará el jazz en este nuevo siglo?

HM: Pienso que la world music está cambiando rápidamente el jazz, y podemos esperar maravillosos nuevos sonidos provenientes de todo el mundo que afectarán a nuestra música. También encuentro que el jazz es una forma maravillosa de diplomacia. La libertad en nuestra música es universal y atractiva para los jóvenes.

AAJ: ¿Todavía va a clubes y a shows de jazz?

HM: Sí, voy a clubes de jazz cuando hay algo interesante. Recién estoy regresando de una gira de conciertos en Japón con George Mraz, Ted Rosenthal, Bryan Lynch y Terry Clarke. Tuvimos una gran gira y nos divertimos muchísimo.

AAJ: Hablando sobre la Gran Manzana, ¿cómo está viviendo esta New York post 11 de septiembre?

HM: Los neoyorquinos somos personas muy resilientes… Estamos bien y deseando que el mañana mantenga la paz para las futuras generaciones. La terrible imagen de dos jóvenes tomándose de las manos y saltando de un edificio en llamas sigue estando por siempre en mi mente.

AAJ: El lado humano de Helen Merrill no es tan conocido como el artístico. A esta altura de su vida y de su experiencia, ¿qué tiene para decirle al mundo?

HM: Mi vida siempre ha estado ricamente cargada de curiosidad y de amor por la humanidad. Siempre he sido una viajera en mi mente y continúo siéndolo. La mejor manera de permanecer joven es continuar trabajando. No abandonar nunca tus sueños.


-fragmentos de una larga entrevista de All About Jazz.
Extraido de: musicacion.blogspot.com




Helen Merrill sings "I'm A Fool To Want You" live in Japan, at Club Byrd. Piano- Torrie Zito, Drums- Terry Clark, bass- Ned Mahn.

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Bill Frisell le pone sonido a Disfarmer

¿Es necesario encasillar a Bill Frisell?… ¿O podemos decir que es su música aborda los géneros, los encanta, los hipnotiza y los despoja?… Uno no puede menos que sacarse el sombrero ante uno de los cultores, en su caso a través de la guitarra, de una máxima invalorable en la música: menos es más… Casi tres décadas, lleva Frisell, editando discos que exploran, que toman riesgos, que educan… En su más reciente obra, Frisell se tomó el trabajo de ponerle música a modo de homenaje a Mike Disfarmer, fotógrafo especialista en retratos, que capturó con su cámara los momentos de miles de personas en la Norteamérica rural de finales de los años 30 y principios de los 40… Frisell no sólo tomó las fotografías (impactantes per se), sino que llegó hasta Heber Springs, Arkansas (de donde Disfarmer era oriundo) y se internó en un viaje a un lado y al otro del Río Mississippi para respirar la Norteamérica rural que plasmó Disfarmer y de paso encontrarse con una personalidad fascinante: la de un hombre huraño, introvertido, que dormía en su propio estudio de fotografía donde fue hallado muerto, solo y cubierto de ratas y rodeado de comida enlatada… Frisell quedó maravillado con la historia y la obra de este hombre, y se propuso traducir los sonidos de la mente de Disfarmer cuando observaba por la lente de su cámara… Juntó a un cuarteto ad hoc: el contrabajista Viktor Krauss (Tom Waits, Bèla Fleck, entre otros), Greg Leisz (especialista en steel guitar y mandolina ha tocado con infinidad de artistas: de Joni Mitchell a Beck; de Smashing Pumpkins a Brian Wilson) y su habitual compañera de viaje, la violinista Jenny Scheinman… Disfarmer, tal como se llama el disco, contiene 70 minutos de música diseminados en 26 piezas instrumentales, en las que uno puede captar el dolor, el hastío y hasta cierto misterio de la vida tan asombrosa como enigmática de un hombre cuya obra hoy se exhibe en los grandes centros de arte, pero que en su momento apenas significaba una costumbre rutinaria… Entre las piezas y viñetas propias, Frisell cuela significativas versiones: That’s Alright Mama, de Arthur Big Boy Crudup (blusero nacido en Mississippi y formado en Chicago), Lovesick Blues, de Cliff Friend e Irving Mills, y I Can’t Help It (If I’m Still In Love With You), de Hank Williams…

Miren qué lindo clip armó alguien con las fotos de Disfarmer y la pieza que abre el trabajo de Frisell, titulada Disfarmer Theme… Que lo disfruten…

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LO NUEVO DE PETER GABRIEL (al fin)

Peter Gabriel pertenece a la no muy numerosa elite de músicos surgidos del rock que siempre han mirado hacia adelante, que no le han temido a la innovación y a los que les calza bien el siempre incómodo rótulo de artista… Nunca me canso de escuchar sus discos solistas para descubrir y redescubrir algún sonido nuevo, algún instrumento que no había advertido… Up fue el último, publicado en el ya lejano 2002, y es uno de mis favoritos a la hora de buscar inspiración, sosiego, dramatismo… Pero ya pasaron 8 años… Calmó un poco mi ansiedad la visita que realizó en marzo de 2009, cuando fui feliz de poder observarlo finalmente, con una banda extraordinaria y ejecutando todas las canciones que quería oír…

Pues bien, la espera terminó y el próximo 15 de febrero está anunciada la salida de Scratch My Back, su nuevo álbum de estudio, aunque las expectativas son mayores porque se trata de un trabajo especial: es un disco de versiones de distintos artistas, en formato orquestal, con instrumentos acústicos (piano, cuerdas)… A modo de devolución, se dice que esos mismos artistas interpretarán canciones de Gabriel en un futuro álbum que se titularía I’ll Scratch Yours…

Las 12 canciones que integran Scratch my Back pueden oírse de manera exclusiva en el sitio del diario The Guardian: Heroes (Bowie); Street Spirit (Radiohead); The Book of Love (Magnetic Fields); Flume (Bon Iver); My Body is a Cage (Arcade Fire); Listening Wind (Talking Heads); I Think It’s Going to Rain Today (Randy Newman); Après Moi (Regina Spektor); The Boy in the Bubble (Paul Simon); The Power of the Heart (Lou Reed); Philadelphia (Neil Young), y Mirrorball (Elbow)… En el sitio oficial del músico también puede bajarse la canción Flume, que Gabriel interpreta de manera magnífica, acompañado de un piano y cuerdas… :

Para la apuesta de Scratch My Back, Gabriel eligió grabarlo en el estudio propiedad de George Martin, junto con el ingeniero Tchad Blake, el productor Bob Ezrin y el arreglador John Metcalfe…

El año último, en el festival de Womad, Gabriel tocó, acompañado de cuerdas, el tema de Paul Simon The Boy in the Bubble… Esta es una filmación amateur, bastante mala, pero que sirve para vislumbrar el espíritu del disco, del que además habrá (atención coleccionistas) edición en vinilo…

Lo reconozco: siempre me generaron incomodidad los discos enteramente compuesto por versiones de otros artistas; me atemoriza pensar en el fin de la creatividad o la inspiración del músico que se carga al hombro un proyecto de esas características… El tango redunda ya de discos en los que se siguen grabando versiones de Uno, La última curda, Adiós Nonino; el jazz desborda de discos con versiones de Stella By Starlight, Have You Met Miss Jones, All Of Me, Autumn Leaves (¿hace falta seguir grabándolos una y otra vez?)… El caso del rock es, tal vez, un poco más amplio, pues el abanico de géneros es grande y las versiones pueden encontrar distintos formatos, ya magistrales, ya incomprensibles…No me malinterpreten: se puede hacer un muy buen álbum de versiones… Sin ir más lejos, en 2007, Patti Smith editó Twelve, donde recreó de manera genial canciones de los Stones, Hendrix, Harrison, Dylan y Nirvana, entre otros…

En este caso, Scratch my Back es un trabajo introspectivo, calmo, intimista, dramático; ora minimalista, ora pretencioso y, hay que aclararlo para los desprevenidos, totalmente diferente de sus discos anteriores… My Body is a Cage (Arcade Fire) es uno de los puntos más altos, en tanto que Street Spirit, de Radiohead, lleva a la conmoción, el dolor está palpable… Tómenlo con calma; escúchenlo tranquilamente… No es para cualquier momento…

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Beyoncé: "Siempre sé lo que quiero"

La nueva diva del soul Antes de cantar en Buenos Aires, la Knowles se muestra como una mujer segura, capaz de discutir con sus padres sobre cómo llevar su carrera a los 28 años. También habla de su marido y su obsesión por el trabajo.

Por: Julian Perry

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Imágenes de su DVD en vivo en Las Vegas, "I Am... Yours".

El reportaje tiene lugar en Vancouver. Beyoncé Knowles, la superestrella del soul de este siglo, está por iniciar su gira internacional I am... World Tour (que llega a Buenos Aires este viernes, ver El Dato). Está nerviosa. "Puede salir mal. El show tiene muchos elementos. Siempre cruzo los dedos y espero que las luces se apaguen para poder cambiarme sin que me vean. Todos esos pequeños detalles técnicos me preocupan. Por eso disfruto más la segunda parte, porque lo único que tengo que hacer es cantar. Estoy a solas con el micrófono y no tengo que preocuparme de no olvidarme la coreo", dice. En este espectáculo -que resume su carrera desde su participación en Destiny's Child a hoy- cuenta con una banda de chicas. Explica: "En realidad es la misma banda que tuve en la gira anterior, The Beyoncé Experience. En primer lugar, tocan y cantan en vivo, por lo que la forma en que tocan los temas suena mucho más espontánea. La forma en que suena la percusión le da alma al disco. También hay un aire de rock and roll." Tantas mujeres juntas... Los entretelones deben ser pesadillescos. "Tuve una banda masculina increíble con la que trabajé durante años, pero me resulta más fácil trabajar con estas chicas. Vienen a algunas de las fiestas que se hacen después del show y son muy dulces hasta que yo me voy. Después llega el alcohol..."

¿No se portan bien en las fiestas? ¿Sos muy estricta con ellas?

No soy estricta, pero. Lo que pasa es que, cuando trabajo, trabajo. Cuando no estoy trabajando es otra cosa, pero es muy raro que no esté trabajando. Creo que hago todo lo posible por comportarme como una dama, y pienso que a algunas en ocasiones se les va la mano con el alcohol... Me cuentan cada historia después...

¿Cómo es trabajar con tu familia?

Casi toda mi familia participa en algún nivel. Tengo mucha suerte de poder contar con mi familia. Paso mucho tiempo en el exterior y a veces me siento muy sola. Ellos son mi hogar. Pero a veces las cosas se ponen difíciles. Mi madre y yo trabajamos muy bien juntas y coincidimos el 99% de las veces.

¿Qué hay de ese otro 1%?

Somos humanas. En ocasiones no coincidimos, pero nunca dura. Tengo suerte, ya que puedo irme y sé que todo va a estar bien porque mi madre se hace cargo de todo. Como dije, siempre coincidimos. Con mi padre, en cambio...

¿Y cómo sabe él cuando no estás de acuerdo?

Bueno, soy muy clara. Nos respetamos mutuamente. Cuando trabajo soy una empresaria. Y siempre sé lo que quiero. También sé que él es un empresario muy inteligente y lo respeto. Por eso es mi representante. Nos tenemos confianza y siempre solucionamos las cosas.

Decís que pasás buena parte del tiempo trabajando. ¿Alguna vez te molesta eso?

No, porque cuando tengo tiempo libre por lo general me encuentro algo para hacer, y eso se debe a que me encanta trabajar y que prefiero ir al estudio que hacer otras cosas.

¿"Workaholic"?

No me malinterpretes. Puedo tomarme dos semanas de vacaciones y no hacer nada, pero después de un par de semanas me aburro de eso. Y empiezo a trabajar.

¿Entonces cuál es tu idea del tiempo para descansar? ¿Qué hacés?

Escucho música, miro televisión. Me encanta HBO. Soy una fan de Sex and the City. Me cuesta decidir cuál de ellas sería, ya que pienso que en toda mujer hay algo de esas cuatro mujeres, pero supongo que Carrie sería la más cercana. Es la persona que mantiene unidas a las amigas, y por lo general yo soy la amiga que escucha y trata de ser sensata.

¿La moda te obsesiona tanto como a ella?

No sé si me obsesiona tanto. Cuando trabajo, sí, pero cuando estoy en casa me pongo la misma ropita todos los días. Por lo general me pongo un jean recto, un par de Christian Leboutins, una camisa blanca y una camperita floja.

¿Cuáles son tus diseñadores preferidos?

Tengo muchos. Me encanta Gareth Pugh, que hizo muchas cosas para el video y para mi primera aparición en los MTV Europe Awards. Es increíble.

¿Para tu propia línea te inspirás en esa gente?

Sin duda. Este vestido es House of Derion. Tiene metal y una clara estructura en la parte inferior. En las fotos que hago puedo ponerme esa ropa genial meses antes de que salga a la venta. Puedo verla, tocarla y sentirla, de modo que todo eso me inspira para la línea que hago con mi madre.

¿Bocetás?

A veces. Por lo general, critico. Veo los diseños y digo: "Creo que éste queda mejor de esta manera". Pero también puedo hacer un buen boceto, eh.

¿La gira va cambiando a medida que la hacés?

El show va evolucionando, pero en líneas generales se mantiene fiel a los dos primeros. Hay cambios menores todos los días y trabajamos mucho en los detalles. Empezamos a planificar hace ocho o nueve meses, de modo que no es muy fácil cambiar las cosas, pero sin duda todos los días pasan cosas y hay temas que puedo hacer según las ganas del momento.

¿A quién escuchás?

Me gusta el estilo de Lady Gaga. No le da miedo correr riesgos.

¿Qué te influencia?

Escucho todo tipo de música y me gustan películas muy distintas. En cuando a la moda, tengo amigos en todas partes del mundo, y todas esas cosas se reflejan en el show.

¿Las películas van a pasar a un segundo plano ahora?

Este año fue emocionante hacer las dos películas que hice. En ambos casos me pasé el 90% del tiempo llorando, gritando y peleando. Lo único que quiero es ser feliz, cantar un tema de amor y que algunos fans me miren con cara radiante. Estoy cansada de tanto drama y problemas psicológicos.

¿Sos así en la vida real?

No, no soy muy dramática. A veces me irrito y me enojo, pero puedo leer comentarios en blogs y reírme. No tengo muchos elementos para ser dramática. Sé que soy muy afortunada. La vida es buena para mí.

¿No tenés ningún costado de diva?

No lo creo. Hay cosas que me gusta, y me gusta estar cómoda, pero me lo gané. No creo que sean cosas de diva, sino sólo de saber lo que quiero. Trabajé mucho para lograrlo.

¿Entonces si pedís lirios blancos, te los consiguen?

Sí. (Se ríe.) Pero la verdad es que lo que pido obedece a que paso mucho tiempo en el exterior y quiero sentirme como en casa.

¿Pedís cosas imposibles?

No, nada absurdo; como que sólo admito M&M amarillos. Soy muy sensata.

Traducción de Joaquín Ibarburu

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GUSTAVO CORDERA: Barajar y dar de nuevo

Bandas que se atomizan, líderes que se lanzan como solistas, separaciones que se esconden bajo la alfombra, grupos masivos que demoran sus discos, una segunda línea que pide pista. El rock argentino se transformó en un rompecabezas de muchas piezas.

Por: Juan Manuel Strassburger.

"Aprendió a volar", nuevo corte de Suelto, el último trabajo de Gustavo Cordera, (¿ex?) Bersuit.

Por estos días Abel Alves, el flamante DT de Boca, busca encontrar el equipo que salga de memoria. Ese que le garantice buen juego, identificación con el hincha y, claro, los títulos que últimamente se le vinieron negando a la institución de la Ribera. Muy bien. Es probable que en una situación similar se encuentren hoy los popes del rock nacional (productores, empresarios, directivos, managers y diversos personajes asocidados al ambiente), después de que el año pasado varias de las bandas que salían de memoria y eran número puesto de los grandes festivales, las pautas de radio, las descargas de ringtones y todo lo que suele mover a la industria en general, entraron en procesos de recambio y "parates" que trastocaron el mapa del rock argentino masivo y lo convirtieron en el complicado rompecabezas que es ahora.

Entonces, a un par de días del Cosquín Rock... ¿de qué se trata y cómo son las bandas surgidas a partir del parate de Los Piojos, Bersuit, Intoxicados y Turf? ¿Hasta dónde se animarán los flamantes solistas Andrés Ciro y Gustavo Cordera? ¿Emprenderán terrenos desconocidos o elegirán pisar sobre seguro?

"Prefiero traicionar a morir", dijo el Pelado a este diario el año pasado (luego rubricaría esa sentencia en la nueva Tan cerca, cerca). Y lo cierto es que su disco ofreció continuidad bersuitera, pero también palpable novedad. Una propuesta a medio camino que pudo verificarse también en los álbumes de De Bueyes o La Franela.

A esta suerte de atomización se le agregó también la reformulación forzosa que debieron afrontar bandas como Attaque 77, Babasónicos o Las Pelotas, luego de que sufrieran el fallecimiento de un integrante (Gabo en Babasónicos), la partida del frontman (Ciro Pertusi en Attaque) o una suma de ambas cosas (Sokol con Las Pelotas).

Sin embargo, estas pérdidas no derivaron en "parates" o reagrupamientos como en los casos de Los Piojos, Bersuit Vergarabat y demás, sino en la consolidación de los lazos internos y en la continuidad del proyecto colectivo pese a todo. Tanto Attaque 77, como Las Pelotas y Babasónicos, editaron discos nuevos y ya los últimos avisaron que volverán a mover el avispero con el sucesor de Mucho.

Las partidas de Pertusi, Sokol (y antes de Bahiano en Pericos) ocasionaron, también, el surgimiento de nuevos frontman, que debieron aprender sobre la marcha cómo es eso de irradiar carisma sobre el escenario y soportar con gracia ser el más mirado. "(Cuando empezamos) los medios nos forzaron a que alguien fuera la voz principal. Pero siempre fuimos reticentes a esa idea", le aclararon el año pasado a Clarín los tres Attaque restantes. Sin embargo, desde el principio estuvo claro que el guitarrista Mariano Martínez (así como Germán Daffunchio en Las Pelotas o Juanchi Baleirón en Pericos) terminaría ocupando ese lugar, en un movimiento que tendió a premiar el ascenso de las segundas voces de la banda, en lugar de buscar un reemplazo afuera.

Mientras tanto, un pelotón de bandas con convocatoria intermedia (la necesaria para llenar un teatro a solas, pero insuficiente como para colmar un estadio) se aprestan a dar el gran salto y -de la mano de sus hits cada vez más recurrentes- conseguir un lugar en el cielo de los más adorados. Son los casos de La Mancha de Rolando, Los Tipitos, Las Pastillas del Abuelo, Massacre y Estelares, entre otros. Sus armas: las frescura de lo nuevo. Y las canciones, claro. Así, el rompecabezas del rock nacional 2010 queda armado. ¿Será?

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