JAZZ DUKE ELLINGTON: UNO DE LOS 3 MAS GRANDES DE SU EPOCA

Duke Ellington

Edward Kennedy "Duke" Ellington (Washington D.C., 29 de abril de 1899 - Nueva York, 24 de mayo de 1974), Duke Ellington, compositor, director y pianista estadounidense de jazz. Está considerado, según la crítica, como uno de los más importantes e influyentes compositores de jazz de la historia, junto a Louis Armstrong y Charlie Parker. Su biógrafo, Derek Jewell, afirma que Ellington pudo llegar a escribir unas 2.000 piezas musicales durante toda su vida, si bien las que creó en trozos de papel luego perdidos son incontables, pudiéndose elevar la estimación total de obras compuestas incluso hasta 5.000 piezas.

Primeros años

Ellington nació el 29 de abril de 1899, hijo de James Edward Ellington, un mayordomo de la Casa Blanca, y de Daisy Kennedy Ellington. Desde muy joven, el ambiente confortable en el que vivió le facilitó, con siete años, comenzar a recibir lecciones de piano, y a escribir música en su adolescencia. En 1917 dejó el instituto en el que estudiaba, y pasó a dedicarse por completo a la música. Su debut profesional se produjo con diecisiete años, en su ciudad natal. Desde sus inicios ya influyó en él un género musical muy popular a principios de siglo, el ragtime, estilo esencialmente pianístico derivado del jazz.

A partir de 1919 comenzó a tocar con diversas bandas de la zona de Washington, D.C., pero en septiembre de 1923 se decidió trasladar permanentemente a Nueva York con The Washingtonians, el quinteto al que pertenecía. Se convirtieron al poco tiempo en el grupo residente del club The Hollywood Club de Times Square (más tarde conocido como The Kentucky Club o también the Club Kentucky). En noviembre de 1924 realizaron sus primeras grabaciones, utilizando diferentes pseudónimos para cada una de las compañías con las que tocaron. "East St. Louis Toodle-oo", una de sus primeras grandes producciones, grabada en 1926, y es un ejemplo del denominado estilo "jungle" (jungla) que tocaban. Obras como ésta hicieron que la fama de la agrupación, ya bajo la batuta artística de Ellington, fuera creciendo.

Posteriormente, su paso por el famoso club "The Cotton Club" de Harlem, que duró tres años a partir de su entrada el 4 de diciembre de 1927, convirtió a Ellington en un músico de gran renombre en todo los Estados Unidos por la retransmisión radiofónica de muchas de sus actuaciones. Durante esta etapa, en 1929, el quinteto actuó interpretando música de George Gershwin en el musical de Broadway Show Girl. También actuaron en varias películas. Diversas giras por Estados Unidos y Europa acrecentaron su fama sobremanera.

Piezas musicales de la época, como Mood Indigo (1930) o Sophisticated lady (1933), disfrutaron un notable éxito, marcando el comienzo de una época dorada para la big band y en especial para Ellington.

Paulatinamente se fueron incorporando nuevos miembros a la agrupación, y lo que era originalmente un quinteto en sus primeras apariciones en el Cotton Club, llegó a completar hasta un total de doce músicos.

Madurez artística

A partir de mitad de la década de 1940 se produjo un viraje en el sentido de sus composiciones, que pasaron a ser más formales y de mayor aliento temático: Black, Brown and Beige (1944), Frankie and Johnnie (1945) o Deep South Suite (1946). Los gustos del público cambiaban, orientándose más hacia formaciones con mayor peso de un instrumento solista y de menor número de componentes, consecuencia todo de la revolución bop, pero Ellington permaneció leal a su concepción y forma de entender la música, dando paso en su banda a músicos de la talla del saxofonista Johnny Hodges o el trompetista Cootie Williams como muestra del nivel de exigencia de ésta.


Relanzamiento de su carrera

El Festival de Jazz de Newport de 1956 catapultó a la fama nuevamente a The Washingtonians, iniciando varias giras por el mundo que aumentaron su ya de por sí notoria fama mundial. En 1959, la composición de las bandas sonoras de las películas Anatomy of a murder (Anatomía de un asesinato), y, un año después, Paris Blues (Un día volveré), fueron parte de su incursión en el campo de la música cinematográfica.

La década de 1960 despertó el interés de Duke Ellington en la música litúrgica. Compuso piezas como "In the beggining of God", reproducida públicamente por primera vez en 1965 en la catedral de San Francisco, y permaneció al frente de su orquesta hasta su fallecimiento, momento en el cual tomó el relevo su hijo Mercer Ellington. Simultáneamente, también grabó con una extensa serie de músicos más jóvenes y de reconocido talento: John Coltrane, Max Roach o Charlie Mingus.

Últimos años

Al final de su vida llegaron los mayores reconocimientos a su carrera, teniendo en su haber los títulos de Doctor Honoris Causa por las Universidades de Howard en 1963, y de Yale en 1967, además de la Medalla Presidencial del Honor otorgada en 1969. Fue nombrado miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras de Estados Unidos en 1970, y en 1971 pasó a ser el primer músico de jazz miembro de la Real Academia de la Música de Estocolmo. Estuvo nominado en 1965 para recibir el Premio Pulitzer, pero su candidatura fue rechazada, a lo cual reaccionó con una de sus frases más famosas: "El destino está siendo amable conmigo. No quiere que yo sea famoso demasiado joven".

Murió el 24 de mayo de 1974, víctima de un cáncer de pulmón agravado por una neumonía. Sus restos reposan en el Woodlawn Cemetery, en la ciudad de Nueva York.

En febrero de 2009, su imágen se convirtió en la primera individual de un afroamericano que es acuñada en las monedas de curso legal de su país. Fue inmortalizado junto a un piano en la moneda de 25 centavos.

Selección discográfica

* 1947: Daybreak Express (RCA)
* 1950: Masterpieces by Ellington (Columbia)
* 1953: Ellington Uptown (Sony International)
* 1956: Ellington at Newport [live] (Columbia)
* 1957: Such Sweet Thunder (Columbia/Legacy)
* 1958: Black, Brown and Beige [live] (Columbia/Legacy)
* 1958: Newport Jazz Festival (1958) [live] (Columbia)
* 1960: Three Suites (Columbia)
* 1960: The Nutcracker Suite (Columbia)
* 1960: Peer Gynt Suite/Suite Thursday (Columbia)
* 1961: First Time! The Count Meets the Duke (Columbia)
* 1962: Money Jungle (Blue Note)
* 1962: Duke Ellington and John Coltrane (Impulse!)
* 1963: The Great Paris Concert [Atlantic] [live] (Atlantic)
* 1966: Ella & Duke at the Cote D'azur [live] (Verve)
* 1966: Sacred Music [live] (RCA)
* 1967: Johnny Come Lately (RCA)
* 1967: ... and His Mother Called Him Bill (Bluebird/RCA)
* 1968: Latin American Suite (Fantasy)
* 1969: The Intimate Ellington (Original Jazz Classics)
* 1970: New Orleans Suite (Atlantic /WEA)
* 1971: The Afro Eurasian Eclipse (Ojc)
* 1973: Eastbourne Performance [live] (RCA)

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PETER GABRIEL: NO A GENESIS

Peter Gabriel: "No me imagino volviendo con Génesis"

Antes de su tercera visita a la Argentina el 22 de marzo, el ex Genesis habla de su ex banda, recuerda el concierto de Amnesty en River y habla del futuro de la música.

Por: Alfredo Rosso.

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Peter Gabriel en vivo haciendo uno de sus clásicos: "Solsbury Hill".

La campiña de Wiltshire, a media hora de tren hacia el suroeste de Londres, merecería sin duda el adjetivo bucólico. Allí ha mudado Peter Gabriel su casa y su estudio de grabación. "Me encantan los trenes —dice—, pero el mayor problema que tuvimos cuando armamos el estudio fue que se nos metía el ruido del tren". De todas formas, Gabriel se manifiesta encantado con el lugar, pleno de árboles, bosque, verdor por doquier. "Cada año nos volvemos más urbanizados y más cerca de la carrera de ratas, pero Wiltshire es un sitio espectacular, donde puedo darme el lujo de dar largos paseos por las mañanas."

Pronto, sin embargo, Gabriel habrá cambiado la calma pastoril de la campiña inglesa por el fragor de una nueva gira que lo traerá por tercera vez a la Argentina. El ex Genesis no salía al camino desde el maratón de conciertos de su álbum Up en 2002-2003, quizás por eso esta vez decidió hacer una especie de "precalentamiento" con su periplo europeo de 2007, que llevó precisamente ese nombre: The Warm-up. La pregunta de apertura se caía de madura. ¿Qué podemos esperar los argentinos de esta nueva visita?

"En pocos días comenzarán los ensayos con la banda y armaremos el repertorio en base a las canciones que nos hacen sentir mejor al momento de tocarlas. En la gira previa recuperamos algunos de los temas más viejos, que no tocábamos desde hacía un largo tiempo, y nos divertimos mucho. De modo que el plan es mezclar material de todas las épocas."

Las listas de la gira europea lo confirman: clásicos como Solsbury Hill, un testimonio musical de su ruptura con Genesis, de su primer disco solista; Don't Give up, el hit que grabó a dúo con Kate Bush en el álbum So, y Biko, su célebre tributo al líder africano Steve Biko, conviven con material más oscuro y sofisticado como Signal to Noise, Secret World o Digging in the Dirt.

La pregunta es por sus recuerdos de la Amnesty Human Rights Tour, la gira que lo trajo por primera vez a nuestro país en 1988, para actuar en la ciudad de Mendoza y en el estadio de River Plate junto a Bruce Springsteen, Sting, Tracy Chapman, Yossou N'Dour, León Gieco y Charly García.

"Los recitales de la Argentina fueron una parte maravillosa de Amnesty Tour, ya que allí tuvimos una de las más cálidas reacciones de toda la gira. Las audiencias argentinas son muy entusiastas y te lo demuestran, lo cual es muy alentador para un artista. Esta receptividad especial del público argentino en mis dos visitas anteriores fue uno de los principales factores que nos decidió a concretar esta gira sudamericana."

La venida de Gabriel no está atada a la presentación de un nuevo álbum, como suele ser el caso con los músicos que realizan giras hemisféricas, lo cual no quiere decir que haya estado inactivo en el rubro discos. Peter viene de editar Big Blue Ball, un álbum que le llevó casi dieciocho años hacer y en el que el rol protagónico de cada tema es compartido con músicos de diversos géneros y estilos, desde el rock hasta la música étnica de varias geografías. De paso aprovecha para darnos una primicia: "Es un proyecto llamado Scratch My Back. Básicamente, estoy grabando temas de otros músicos y ellos, por su parte, graban temas míos. Ese será mi próximo álbum."



La pregunta del millón... ¿se va a reunir alguna vez el Genesis clásico: Gabriel, Hackett, Rutherford, Banks, Collins? Anduvo circulando una versión con que el regreso era posible.

Sé que es una pregunta inevitable (se ríe) Y mi respuesta es siempre la misma: no me imagino formando parte de una prolongada reunión de Genesis por ningún motivo, ya que mi vida de por sí ya es bastante interesante.



¿Pero hubo algo?

Tal vez tiene que ver con algunas propuestas que tuvimos, como la de unas personas que quieren hacer una película con el álbum conceptual The Lamb Lies Down on Broadway. Allí podríamos colaborar todos los miembros del grupo, por lo menos en la parte musical.

Cuando Peter Gabriel dejó a Genesis en 1975, en pleno suceso mundial, la prensa especializada pensó que era una movida suicida de parte del cantante y que los días de la banda, sin su carismática presencia escénica, estaban contados. Ninguno de estos pronósticos agoreros se cumplió: Genesis tomó un nuevo y muy exitoso rumbo musical bajo la batuta del baterista Phil Collins -quien asumió el rol de cantante- y Gabriel dio comienzo a una carrera solista de gran nivel artístico y buen eco comercial, que incluyó, asimismo, la realización de bandas sonoras para películas como Birdy (Alas de libertad), de Alan Parker, y La última tentación de Cristo, de Martin Scorsese, entre otras.

El aspecto visual y coreográfico siempre fue uno de los fuertes de Gabriel, desde los sofisticados disfraces que usaba en la era Genesis. Ya en la era de MTV, mientras muchos de sus colegas se contentaban con filmar una actuación en vivo o escenificar las letras de sus canciones, Peter fue uno de los pocos artistas que exploró a pleno las posibilidades del videoclip musical como un vehículo creativo con valor propio.

Por otra parte, los intereses de Peter Gabriel se han extendido mucho más allá del mundo del rock. En los años '80 comenzó una incansable labor junto a organizaciones que defienden los derechos humanos en el mundo (ver Todo preso es político), y también se dedicó a la difusión de la hoy llamada world music con la organización del festival WOMAD ("un mundo de música, arte y baile"), que se realiza anualmente en Inglaterra desde 1982 y que tiene hoy ramificaciones en varios países, entre ellos España, Australia, India y Singapur.

"Me parece increíble que hayamos logrado sobrevivir veintiséis años con WOMAD. Para nosotros siempre fue un proyecto pasional. Nos dimos cuenta de que en varias partes del mundo se hacía una música maravillosa que era muy poco conocida fuera de sus respectivos países. El festival WOMAD nació para presentar esos músicos y esas culturas tan diversas y ricas al público de rock y desde entonces se ha abierto en varias direcciones, incluyendo talleres musicales para niños y actividades interactivas. Además, se ha convertido en un festival familiar. Siempre lo organizamos en lugares agradables, con muchos espacios verdes, donde es fácil acampar y pasear. Crear una vibración amistosa es una parte fundamental de WOMAD."



¿Qué posibilidades hay de hacer una versión de WOMAD latinoamericana?

Sería genial. De hecho hicimos uno hace algunos años en Colombia y me encantaría que se repitiese. El problema son los costos, especialmente de pasajes aéreos, ya que hay que traer artistas de todas partes del mundo. De modo que tenés que contar con algún tipo de auspicio o financiación extra para que resulte viable.

Paralelamente al festival WOMAD, Peter Gabriel creó el sello Real World, especializado en música étnica de diversas geografías, el cual también ha logrado sobrevivir a los embates y las crisis de la industria discográfica y goza de buena salud en pleno siglo XXI ¿Cómo hace?

"Estamos atravesando una transición, como cualquier otro sello grabador. Es bueno considerar las nuevas posibilidades que ofrece, por ejemplo, Internet. Cuando yo empecé mi carrera con Genesis, una compañía no te contrataba a menos de que pensara que podía llegar a vender, digamos, cien mil copias de tu disco. Hoy todo eso ha cambiado. Para darte un ejemplo concreto, The Incredible String Band vino a mi estudio a grabar su álbum Nebulous Nearness y trajeron con ellos ciento veinte fans, cada uno de los cuales había pagado sesenta libras esterlinas —unos cien dólares— por el privilegio de estar presentes en la grabación. Ese dinero sirvió para pagar los costos del estudio e incluso para hacer un video que se vio por Internet. ¡Con solo ciento veinte fans, el grupo pudo grabar su álbum y darle un nuevo envión a su carrera!"

Gabriel sabe de lo que habla. La tecnología es otra de sus pasiones. Fue fundador de On Demand Distribution, uno de los primeros servicios para bajar música de Internet en forma legal. Recientemente desarrolló The Filter, un software que ayuda a los audiófilos a seleccionar su música favorita —por asociación entre artistas afines— de entre las infinitas opciones que ofrece la carretera digital. Pero por sobre todo, Gabriel ve en la Web una fuente de juventud para una industria musical en crisis.

"Con Internet no necesitás vender cien mil discos, con vender cien salís hecho. Eso promueve un cambio saludable en la música, porque ayuda a que haya búsqueda, experimentación y colaboraciones entre diferentes artistas. Estamos a las puertas de un nuevo Renacimiento en el mundo musical."-

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LOU REED: ANIVERSARIO

Lou Reed

Lou Reed (nacido como Lewis Allen Reed el 2 de marzo de 1942 en Freeport, Long Island, Nueva York) es un cantante y escritor de rock, considerado el padre del rock alternativo, primero como líder del grupo The Velvet Underground y luego en solitario. Enormemente influyente en el arte pop desde la década de los 60, sus principales discos son Rock'n Roll Animal, Transformer y, para un primer acercamiento, el soberbio concierto que ofreció en el Meltdown Festival: Perfect Night Live in London. Vive en Nueva York.
En su época de The Velvet Underground escribió canciones que han pasado a la historia de la música pop:
Heroin, Rock and Roll y Sweet Jane.

Carrera

Reed era un fan del rock and roll y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas durante su época de estudiante y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran "traer la sensibilidad de la novela a la música rock" o escribir "la Gran Novela Americana" en un disco.
Se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como escritor de canciones para Pickwick Records y cofundó The Velvet Underground como guitarrista/vocalista/letrista, junto con John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker. Aunque la banda se deshizo en 1970 y nunca tuvo éxito comercial, su reputación como uno de los grupos más influyentes en la cultura underground se ha mantenido intacta.


Después de dejar la The Velvet Underground en agosto de 1970, Reed tomó un trabajo en la empresa de contabilidad de su padre como mecanógrafo, con un sueldo de 40 libras a la semana. Sin embargo, un año después, firmó un contrato discográfico con RCA y grabó su primer álbum solista en Inglaterra, con la colaboración con músicos de Yes como el tecladista Rick Wakeman y el guitarrista Steve Howe. El álbum, simplemente titulado: Lou Reed, contenía versiones alternativas de canciones con la The Velvet Underground muchas de las cuales fueron descartadas y archivadas (las cuales se pueden encontrar en el box set Peel Slowly & See).
Pese a su calidad musical este primer trabajo solista pasó desapercibido por los críticos y tuvo muy pocas ventas.
Tras el fracaso con su primer álbum, a finales de 1972, Lou Reed trató de re-orientar su carrera musical lanzando Transformer, un álbum de glam rock producido por David Bowie. A continuación publicó Berlin, que cuenta una trágica historia de amor entre dos drogadictos en Berlín.
Este disco incluye Caroline Says (violencia), The Kids (prostitución y adicción a las drogas), The Bed (suicidio) y Sad song ("Canción triste").

Reed se adelantó a su tiempo en la elección de estos temas.

La música popular no se pondría a su altura hasta la aparición de los punks, entre mediados y finales de los años 70 del siglo XX; pero incluso entonces sus canciones eran únicas: ya fuese entre guitarras distorsionadas o suavemente melódicas, Reed cantaba sobre las cosas desasosegantes, o incluso sórdidas, que otros letristas no trataban. "Walk on the Wild Side" es un saludo irónico y gráfico a los inadaptados, chaperos y travestis en la Factoría de Andy Warhol. "Perfect Day" es una elegía a la adicción de Reed a la heroína, más tarde incluida en la banda sonora de la película Trainspotting. En el material que escogía, Reed seguía, y actualizaba, a autores tales como Allen Ginsberg y Jean Genet. La personalidad de Reed fue también avanzada, prefiriendo el cuero negro y la imaginería sadomasoquista incluso en la época hippie. En 1975, produjo el doble álbum de estudio Metal Machine Music, lleno de pura distorsión y sonidos de sintetizadores electrónicos. Su discográfica lo estaba presionando para que grabara otro álbum comercial al estilo de Transformer, y Lou decidió cortar con ellos grabando intencionadamente uno de los discos más insoportables de la historia.
El periodista de rock Lester Bangs lo declaró genial. Aunque admitiendo que las notas internas de los instrumentos usados es ficticia y paródica, Reed mantiene que MMM era y es un álbum serio. Sus discos de finales de los 70 son frecuentemente recordados con reservas por los críticos de rock, debido al menos en parte a las adicciones de Reed en aquellos años. Al principio de los años 80, Reed dejó las drogas y comenzó, tanto en su trabajo como en su vida privada, a intentar asuntos más serios, notablemente en su aclamado disco de regreso The Blue Mask.
Se casó con Sylvia Morales (más tarde, se divorciaron). En su exitoso álbum New York lanzó una enfadada salva contra los problemas políticos de su ciudad, denunciando el crimen, los caros alquileres,

a Jesse Jackson e incluso al Papa Juan Pablo II y Kurt Waldheim. Cuando Andy Warhol, que fue anfitrión y productor de The Velvet Underground, murió tras una operación rutinaria, Reed cerró una brecha de 25 años para colaborar con su compañero de la Velvet John Cale en Songs for Drella, una biografía de Warhol en música pop minimalista. Emocionante y dolorosamente confesional, a menudo ingeniosa, la voz de Reed produce ampollas cuando canta sobre presuntos errores médicos y sobre el intento de asesinato de Warhol llevado a cabo por Valerie Solanas en 1968. Reed continuó en esos tonos oscuros con Magic and Loss, un disco sobre la mortalidad.
En 1997 más de 30 artistas hicieron una versión de "Perfect Day" para un especial de la BBC en favor de los niños.
En 2001 fue víctima de un bulo que afirmaba que había muerto de sobredosis de heroína.
En 2003, publicó un doble álbum, The Raven, basado en la obra de Edgar Allan Poe.
En 2004, se publicó una remezcla de su canción "Satellite of Love" que alcanzó el número 10 en las listas inglesas.

Discografía en solitario

Álbums de estudio

* Lou Reed (1972)
* Transformer (1972) * Berlin (1973)
* Sally Can't Dance (1974)
* Metal Machine Music (1975)
* Coney Island Baby (1976)
* Rock 'n' Roll Heart (1976)
* Street Hassle (1978)
* The Bells (1979)
* Growing Up in Public (1980)
* Suck Me! Live at CBS-FM (1981)
* The Blue Mask (1982)
* Legendary Hearts (1983)
* New Sensations (1984)
* Mistrial (1986)
* New York (1989)
* Magic and Loss (1992)
* Set the Twilight Reeling (1996)
* Ecstasy (2000)
* The Raven (2003)
* Hudson River Wind Meditations (2007) En directo
* Rock n Roll Animal (1974)
* Lou Reed Live (1975)
* Live: Take No Prisoners (1978)
* Live in Italy (1984)
* Live in Concert (Una reedición del álbum anterior) (1996)
* Perfect Night: Live in London (1998)
* American Poet (2001)
* Animal Serenade (2004)
* Berlin: Live at St. Ann's Warehouse (2008)
* Through the years: New York 1983 - Spain 2004 (2008)

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RORY GALLAGHER: ANIVERSARIO II

Rory Gallagher

irlandés de fuego

Una injusticia, una celebridad menor en fulgor, no en importancia, que brilló alto en los 70 y cayó en el olvido en los 80, y logró solo un modesto papel de estrella de 2ª... sus enormes actuaciones, sus Lp’s de gran calidad no le dieron la fama y memoria que mereció, pero grabó docenas de Lp’s con algunos de los mejores y más incendiarios solos de guitarra que has podido oír, tocó ante un público entregado que sabía que Rory era sinónimo de música intensa... y consumió cantidades ingentes de bebida. Rory era feliz.

Nace el 2 de Marzo de 1949 en Ballyshannon, Irlanda del Norte. Con 9 años consigue su primera guitarra. Oye en la radio blues y folk, enloquece con el primitivo y excitante rock’roll y el skiffle. Son de skiffle sus primeros grupos, con 11 años. A los 12 la primera guitarra eléctrica y a los 15, su primer grupo serio, la orquestina Fontana Show Band, (luego The Impact) con los que recorre España, Inglaterra, Alemania....ya profesional, compra la Fender Stratocaster del 61 con la que posa en 1000 fotos y portadas. Siempre fué fiel a ésa venerable guitarra de fabuloso sonido. También usó la Telecaster (amaba el sonido claro y vibrante de Fender) y alguna Gibson .

1966. Forma Taste, con Eric Kitteringham, bajo, y Norman Damery, batería. Graban en 1967 un Lp editado después, al triunfar Rory, como Firts Taste o In The Beginning. En 1968 les sustituye por Richard Mc Cracken, bajo y John Wilson, batería. Taste toca un blues rock de alto octanaje. En 1969, publicados algunos de los mejores Lp’s de rock y blues jamás grabados, incluído el infinito Electric Ladyland, el mayor monumento a la guitarra eléctrica, los héroes de la guitarra marcan el ritmo...Rory lo es, rústico, primitivo, pero guitarra excepcional, de fuerza inusitada en sus solos, y ritmo imparable. Su energía descomunal se graba en 4 Lp’s: (Taste, On The Boards, Live Taste y At The Isle Of Wight) hoy 8, recomendables. Destaca el 2º. Si lo oyes, notarás algo inopinado: ¡un saxo!. Rory, gran multiinstrumentista, (guitarras acústica y eléctrica, bajo, percusión, dobro, slide, mandolina, sitar y armónica), toca el saxo alto con mucho sabor, que le dá una textura especial a los temas, un tinte más negro, pero sólo lo usó en éste Lp y apenas en solitario.

Giran con John Mayall, Blind Faith... Son ya una sensación del Blues Británico, sobre todo tras On The Boards. Pero el protagonismo de Rory impide su éxito, y desaparecen tras el festival de Wight. Rory reúne a Gerry McAvoy, bajo y Wilgar Campbell, batería, músicos eficaces ante sus salvajes acometidas a la guitarra. Con ellos graba en 1971 Rory Gallagher, magnífico primer Lp, y, en el mismo año, el gran Deuce. Los lectores de la influyente Melody Maker le eligen mejor guitarra en el 71 y en el 72, superando incluso a Eric Clapton.

1972, gran año. 3 Lp’s editados, Live In Europe y Blueprint y At The Isle Of Wight, de Taste. Su fama es considerable. Tras Live In Europe Rory cambia a Wilgar por el más hiriente Rod De’Ath y añade un teclista, el buen Lou Martin. Graban 2 fantásticos Lp’s en el 73: Blueprint y Tattoo. 1974. El “doble en vivo” es una institución, y el vivo su especialidad, y graba el Irish Tour 74, salvaje donde los haya, su cima artística. No volverá a lograr la perfección de éste, que se distribuyó como película documental del mismo título.

Abre Craddle Rock, tema estrella, entrada mil veces oída, muy conocida. Rory canta como un negro, con voz ronca y rota. Su guitarra, imbuída en un poderoso blues-rock, se desata y entrega toda su poder. Rory, bestia del directo, lanza largos torrentes de notas y aúlla y hace aullar su guitarra. Los solos se prolongan y el formidable final les deja exhaustos. Espeluznante, un gran momento del rock. I Wonder Who, vehículo para lucimiento de Rory, enorme blues del insigne Muddy Waters, su padre espiritual. La guitarra reina indiscutible en mil texturas y modos distintos. Rory canta y extrae bellas resonancias blues del mástil de su añeja Fender, usada dañinamente, y lanza notas que sólo él y algunos blancos (Buchanan, Bloomfield, Winter, Green...) extraen de la música nacida para grandes maestros negros. Lou intercala un buen solo y Rory comienza un imposible scat sólo con su guitarra. Y finaliza con un trepidante, vertiginoso solo...¡Dios!, hay de todo, y la multitud enloquece.

Tattoo Lady. Fuerte, fortísima. Efectiva entrada, corto y correcto solo de Lou, y Rory se suelta el pelo porque, amigos, es otro gran tema, sinónimo de muchos jugosos solos, Rory derrama las notas de su inequívoca, personalísima guitarra en primerísimo primer plano, y nos hace entrar en éxtasis instantáneo. Y un poema de amor.... a la botella en Too Much Alcohol. ¿Pero nunca había bastante, verdad Rory?. Casi un blues hablado, comienza con un tremendo slide, el aroma del whisky se mezcla con el de la guitarra sudorosa, y las cuerdas ululan notas más metálicas que ellas...sí, Rory sabe usar la slide. Los solos se suceden hasta el infinito y hace casi hablar a su guitarra, y la gente ruge su aprobación. Momento tremendo.

Un oasis. As The Crow Flies. Rory ama el folk, gran influjo. Tema muy profundo, lo toca sólo con dobro y armónica, ¡cómo la toca!. No es Junior Wells, pero te hará sudar. A Million Miles Away empieza lento y suave...Rory irrumpe y le dá la firmeza que imprime hasta a los temas más suaves. Es doliente, y lo enaltecen las hiperagudas notas que vierte su destartalada guitarra, algo similar a lo que harían Jamie Robbie Robertson o Roy Buchanan, 2 grandes de la Fender. El final lo desluce un atmosférico pero largo solo de Lou. Todos quieren oír a Rory, y pese a su gran trabajo, el desenlace no es el esperado , y los aplausos no hacen temblar el recinto.

Rory lo nota y ataca Walk On Hot Coals, tema acelerado, vertiginoso. El grupo crea un cómodo colchón, Rory improvisa carreras, destiempos, acordes desordenados... algo extraño, pero la locura final de Rory levanta al público y le hace enloquecer. Mención a Lou, destacado en todo el Lp. Who’s That Coming?, con alarde inicial de Rory, tema fantástico, la guitarra recupera el pulso atrozmente rockero del inicio. Rory se explaya con una slide que parecen dos, en una carrera devastadora contra él mismo y contra Lou. El final electrizante logra una tremenda ovación del público, que se pone a cantar, en un clímax musical extraordinario. Back On My Stompin’ Ground (After Hours), jam session con una endiablada slide de Rory que recorre el tema con tremendos solos de calidad irrebatible. Es un ensayo, pero muchos grandes grupos querrían firmarlo... La guinda es Maritime, llamada así por la sala donde lograron el primer éxito. Es cortísimo (33 segundos), y un crimen que no la desarrollaran pues prometía gran belleza: mar, playas, palmeras, brisa...todo te venía a la mente. Qué desconsiderado, Rory. Irish Tour, un jalón, un hito insuperable en su carrera. Tremendo, impactante, de fuerza inusitada, la energía estalla a todo lo largo del Lp, que será recordado siempre como el mejor de Rory.

A pocos se les ofreció sustituir a Brian Jones en los Rolling Stones. Rory fué uno... y renunció, quería hacer su música. ¿Infeliz o íntegro?. Creo que lo segundo. Era un guitarrista soberbio, gran cantante, excepcional compositor... pero engrosó el olimpo de grandes músicos que pasan con pena u olvido pero crean música brillante, sincera, honesta, visceral, sangre para nuestras venas, néctar para nuestros oídos... Rory es uno, y no podemos pedirle más. Él nos muestra que no todos reciben lo que merecen por lo que dan. Oírlo es un placer limitado a un circulo acérrimo de seguidores, temo escaso pero entusiasta, que sabemos apreciar la fiereza del tosco irlandés que tanto nos hace disfrutar. Y es de los músicos más entregados, una fuerza avasalladora que sólo pide que lo oigas atentamente y captes la tremenda fuerza que pocos ofrecen tan bien como él... y comprenderás que no todos los olvidados del rock merecen serlo.

RORY TOCANDO EN VIVO!!

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RORY GALLAGHER: ANIVERSARIO

Rory Gallagher (2 de marzo de 1948 - 14 de junio de 1995) fue un músico irlandés de blues, rhythm and blues y rock. Nació en Ballyshannon, en el condado irlandés de Donegal, pero se crió y creció en Cork. Es habitualmente presentado como uno de los más influyentes músicos irlandeses y guitarrista de blues de todos los tiempos.

Muerte

La salud de Gallagher empeoraba y su capacidad creativa también, a raíz de un consumo excesivo de alcohol y la combinación de éste con fármacos que le habían prescrito para superar su miedo a volar. Desde finales de la década de los 1980, fue agravando sus problemas de salud, sin embargo, continuó de gira. El 10 de enero de 1995, en los Países Bajos, salió a escena visiblemente enfermo por lo que meses más tarde fue necesario trasplantarle el hígado. La operación fue un éxito, pero en el postoperatorio y pocos días antes de ser dado de alta, una infección (SAMR) acabó con su vida en Londres el 14 de junio de 1995. Gallagher nunca se casó y no tenía hijos.

Discografía con Taste (1966-1970)

Álbumes

El Rory Gallagher corner en Dublin

* Taste (Polydor, 1969).
* On The Boards (Polydor, 1970).
* Live Taste (Polydor, 1971).
* Live at the Isle of Wight (Polydor, 1972).
* In the Beginning, an early Taste of Rory Gallagher (Emerald, 1974). Disco no autorizado. Se editó en la discográfica propiedad de Phil Solomon, amigo de Eddie Kennedy. El material pertenece a la época en la que tocaban Eric Kitteringham y Norman Damery. Editado también como Taste First (BASF, 1974)) o Take It Easy Baby (Springboard,1976)

Singles

* "Blister of the moon" / "Born on the wrong side of town" (Major Minor, 1968). Editado por Polydor Records en 1969.
* "Wrong side of time" / "Same old story" (Plydor, 1969).
* "What’s going on" / "Wrong side of time" + "Blister on the Moon" (Polydor, 1969). Single no autorizado por el grupo que se editó en Alemania.
* "Wee wee baby" / "You've got to play" (BASF, 1972). Exclusivo para el mercado alemán.
* "What's going on" / "Railway & gun" (Polydor).
* "Blister of the moon" + "Sugar Mama" / "Catfish" + " "On the boards" (Polydor, 1982). Se editó en formato 7" y 12".
* "Born on the wrong side of town" / "Same old story" (Polydor). Exclusivo para el mercado italiano.
* "Born on the wrong side of town" / "Same old story" (Polydor). Exclusivo para el mercado japonés.
* "If I don't sing..." / "I'll Remember" (Polydor). Exclusivo para el mercado español.

Discografía como Rory Gallagher (1970-1995)

Álbumes


* Rory Gallagher - 1971
* Deuce - 1971
* Live In Europe - 1972
* Blueprint - 1973
* Tattoo - 1973
* Irish Tour '74 - 1974
* Against The Grain - 1975
* Calling Card - 1976
* Photo Finish - 1978
* Top Priority - 1979
* Stage Struck - 1980
* Jinx - 1982
* Defender - 1987
* Fresh Evidence - 1990
* BBC Sessions - 1999
* Let's Go To Work - 2001

Recopilatorios

* The Story So Far - 1974
* In The Beginning - 1975
* Take It Easy Baby - 1976
* A Blue Day For The Blues - 1995
* Etched In Blue - 1998
* Wheels Within Wheels - 2003
* Big Guns: The Very Best Of Rory Gallagher - 2005

Vídeos

* Irish Tour 1974 - 2000
* At Rockpalast - 2004
* The Complete Rockpalast Collection - 2005
* Live at Cork Opera House - 2006
* Live In Montreux - 2006

Fuente Wilkipedia

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MUSICA: VICTOR HEREDIA: EL GRAN GANADOR EN VIÑA DEL MAR

Canción con todos

Su tema "Ayer te vi" se llevó el premio mayor del Festival.

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LA LIRA Y LA GAVIOTA HEREDIA CON LOS DOS TROFEOS EN SUS MANOS... LA LIRA DE ORO -GALARDON ORIGINAL DEL FESTIVAL-, FUE "REVIVIDA" PARA CELEBRAR LOS 50 AÑOS DEL FAMOSO CERTAMEN.

La canción Ayer te vi, de Víctor Heredia, ganó el trofeo más importante de la 50 edición del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar: la Lira de Oro, revivido para conmemorar el aniversario del Festival, que hacía competir a las ganadoras de los últimos años. Interpretada por Emiliano del Río, este tema de 2001 se llevó también la Gaviota de Oro.

El jurado también otorgó el premio como mejor intérprete al argentino Guillermo Fernández, quien defendió la canción Soy tu ángel, compuesta por Ricardo Pald y Valeria Lynch.

El cierre de esta edición, por la que pasaron desde Juan Manuel Serrat y Juanes hasta Daddy Yankee o Simply Red, fue con la actuación del puertorriqueño Marc Anthony, celebradísima por "el Monstruo", como se llama al público del Festival.

"En realidad se dió un caso insólito, porque llegué a la final con dos temas míos, Ayer te vi y Bailando con tu sombra en el rubro folclore", explicó Víctor Heredia en conversación telefónica desde Chile y agregó: "La verdad es que fue algo impensado, porque no me presento desde hace tiempo como compositor y ahora salió esto, estoy feliz".

Heredia recordó su relación con el festival, al que calificó de "muy serio y muy importante": "Vine por primera vez en el 72, luego invitado en un show de Mercedes Sosa y la otra, seis años atrás, ya con mi repertorio. Tengo una relación muy apretada con Chile por mis canciones. Algunas como Coraje, Sobreviviendo y Razón de vivir son himnos aquí. Por eso me emocionó ver cómo todos se pusieron de pie cuando dijeron que mi canción era la ganadora".

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VINICIUS DE MORAES: SU TORMENTO

Una compilación de poemas revela las angustias del autor brasileño

FRANCHO BARÓN - Río de Janeiro - 02/03/2009

Vinicius de Moraes (Marcus Vinícius da Cruz de Mello Moraes, Río de Janeiro, octubre de 1913 - julio de 1980), aún usaba pantalón corto cuando recorría los pasillos del colegio católico Santo Inácio con versos de su autoría escondidos en los bolsillos del uniforme. Varios elementos apuntalan la poco conocida tesis de que Vinicius de Moraes fue, en realidad, una persona profundamente atormentada, ciclotímica y de complejas dudas existenciales, frente a la imagen de showman parlanchín, bromista y propenso a las copas, las mujeres bonitas y la noche que existe de su persona desde hace décadas.

La editorial brasileña Companhia Das Letras ha publicado recientemente una nueva selección de poemas del que fuera íntimo amigo del compositor Antonio Carlos Jobim, que viene a profundizar en la teoría de que Vinicius de Moraes, más allá de un icono de la bossa nova, fue un hombre eternamente angustiado. Poemas Esparsos (Poemas sueltos) incluye algunos versos inéditos, anotaciones y textos explicativos de grandes figuras de la cultura brasileña, como los poetas Ferreira Gullar y Carlos Drummond de Andrade, o el compositor y músico Caetano Veloso.

El coordinador del volumen, el también poeta Eucanâa Ferraz, inaugura el epílogo de la siguiente manera: "Los dramas de Vinicius de Moraes nunca fueron los propios de la poética. Desde Camino a la distancia, su primer libro (...), los problemas de expresión de una inquietud existencial estuvieron en un primer plano y allí permanecieron instalados, ineludibles como un destino".

Efectivamente, en los dos primeros poemarios rubricados por Vinicius, Camino a la distancia (1933) y Forma y exégesis (1935), una atmósfera de culpabilidad y desasosiego se apodera de los versos. Según explica Castello en un extraordinario ensayo publicado el pasado enero en la revista cultural brasileña Bravo!, la mujer surge en este periodo del poeta incipiente como una figura inocente e intangible, mientras que el hombre cobra la categoría de ser inferior y sucio, indigno del amor y la compañía femenina.

En ambos volúmenes, catalogados por Castello como "poesía metafísica", la masculinidad se presenta como "un lastre que mueve a los hombres por impulsos carnales y arrobos de violencia". Vinicius, a todas luces, sentía repugnancia de su propia condición masculina, pero no por ello renunció a ella.

En Brasil, a Vinicius se le conoce cariñosamente como "o poetinha" (el poetilla), un diminutivo que viene a enfatizar su faceta más primaveral o, más preocupante aún, que con no poca condescendencia rebaja su porte y solvencia como intelectual a una categoría inferior. "Vinicius rompió con la imagen de los grandes poetas y narradores de su época. Mientras Guimarães Rosa o Clarice Lispector eran figuras consagradas de la literatura brasileña, Vinicius entraba más y más en el folclore de Río de Janeiro, algo que dañó profundamente su imagen de gran intelectual", comenta José Castello, crítico literario y autor de la más completa biografía de Vinicius de Moraes, O Poeta da Paixao (El poeta de la pasión).

Vinicius de Moraes simultaneó su intensa producción literaria y periodística con una maltrecha carrera diplomática que lo llevaría a Los Ángeles, París y Montevideo. Nunca soportó las rigideces del protocolo propio de las embajadas y los consulados. Cuentan que cuando no estaba de humor para ponerse el traje y la corbata e ir a trabajar, el autor de la letra de Garota de Ipanema despachaba y recibía visitas en calzoncillos en sus dependencias de la residencia oficial. En París, las mesas de Le Bar Anglais hacían las veces de oficina en horarios de trabajo y fue allí donde continuó su descenso a los infiernos del whisky y los romances furtivos (fue en este lugar donde cultivo la infidelidad a su tercera esposa, Lila Bôscoli, con la mismísima Marlene Dietrich).

En un intervalo de 41 años, desde su primera boda hasta 1980, año en que falleció, Vinicius vivió una serie de nueve matrimonios, unos más tempestuosos que otros, sin contar con los innumerables affaires paralelos con que intentaba camuflar su eterna insatisfacción emocional. "El amor sereno significaba la muerte para él. Si no vivía en una permanente euforia amorosa entraba en depresión. Sufría lo que los psicólogos actuales denominan bipolaridad", explica Castello.

Saboreó la miel del éxito y de la fama en Brasil y en el resto del mundo, pero nunca obtuvo el respeto de los círculos intelectuales de su época. Según Caetano Veloso, el propio Vinicius le dio la clave en una conversación privada en su casa del barrio carioca de Jardim Botânico: "Yo prefiero la musiquita, las mujeres bonitas... de esta manera la poesía fluye. No quiero aquello (el trabajo disciplinado y meticuloso del poeta serio y comprometido)".

Precisamente ésa es la imagen que quedó del gran Vinicius de Moraes en el imaginario popular: la de un hombre ebrio, con un vaso de wisky en la mano, rodeado de amigos y mujeres hermosas, tarareando canciones que exaltaban la felicidad y la ligereza de los veranos eternos de Río de Janeiro.Según un biógrafo, el poeta sufría un trastorno de bipolaridad

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La industria musical

El futuro será primitivo

Qué cansinos son los profetas. Pienso en los que proclaman la extinción de las discográficas, el fin del copyright, el eclipse del CD. Entiendo que son frases rotundas, que tienen garantizado el titular y que llenan de orgullo bíblico a sus autores. Los apocalípticos se deleitan extendiendo el certificado de defunción al CD, pensando que eso supone un golpe mortal a las odiadas disqueras.

La industria musical todavía depende mayoritariamente de los compradores de CD

Ignoran que ése es el sueño húmedo de los ejecutivos más despiadados. Para ellos, la desaparición del soporte físico significaría prescindir de fábricas, almacenes, transportistas, vendedores y tiendas. Recortan gastos, adelgazan plantillas; nada de lidiar con proletarios gruñones o regatear con minoristas. ¿Un paraíso empresarial? Sí, lástima que les arrollara el tren de Internet antes de establecer un sistema de pago.

Las discográficas siempre aspiraron a simplificar su modelo de negocio. Conspiraron para cargarse el single por poco rentable. Y reemplazaron el disco de vinilo por el CD. Felizmente, el vinilicidio no se consumó. Los dj se resistieron a perder su soporte favorito y la demanda creció con las tropas retro, los amantes del beat, el soul, el punk. Ahora el vinilo es tendencia. Hasta las multinacionales vuelven a prensar y comercializar vinilos.

Para los diseñadores de futuros, conviene recordar que no suele ser "esto o lo otro". Más bien tiende a "esto y lo otro". Convivirán los soportes por comodidad, calidad sonora, fetichismo, hábitos. Leo una crónica del Digital Music Forum East, conferencia neoyorquina de profesionales donde se presentan datos y se intenta retratar al mercado. El reportero se muestra boquiabierto. Creía que la gran mayoría de los estadounidenses era como él: la música le llega vía iPods, móviles, ordenadores. Resulta que dos terceras partes de los consumidores de música en EE UU sólo escuchan CD y radio. Ignoran las descargas legales o ilegales, pasan del streaming. De hecho, la industria musical todavía depende de los compradores de CD, mucho más numerosos que los que pagan por descargas, compran entradas para conciertos o adquieren objetos de merchandising (las otras fuentes principales de ingresos). Parece que periodistas y disqueros hablamos de boquilla: tenemos poca información sólida sobre los modos en que el público consigue, usa, conserva la música.

Un experto avisa además de que tampoco son tan fiables las encuestas, los estudios de mercado y los focus groups, reuniones donde se exprime a consumidores supuestamente representativos.

Descubrió que había un abismo entre lo que contaban y su práctica real. Sus declaraciones no coincidían con lo que había en sus reproductores personales, sus coches, sus casas. Un ejemplo: los más jóvenes, siempre conscientes del factor cool, aseguraban que preferían el sonido del vinilo, por su "autenticidad", pero eso no significaba que tuvieran giradiscos activos o que ampliaran su colección más allá de lo heredado de padres y hermanos mayores.

Ah, el título de esta columna esconde un guiño a Les Primitifs du Futur, simpática orquestina francesa que suena como si nunca hubiéramos pasado de las pizarras de 78 rpm. Benditos sean los raros y los que van contra corriente.

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ANDREW LOOG OLDHAM: EL PRODUCTOR LEYENDA

Andrew Loog Oldham

El productor leyenda de los Rolling Stones describe la madurez rockera de los Ratones Paranoicos y explica la experiencia de grabación de Kill Gil.

Andrew Loog Oldham.

Trabajó con los Beatles en sus comienzos, produjo a los Rolling Stones, y también fue responsable de que Jagger y Richards comenzaran a componer sus propios temas, tuvo un sello en el que grabaron algunos de los más grandes nombres de los 60 (incluyendo a Humble Pie, Small Faces, Fleetwood Mac, John Mayall, The Nice), produjo a Bobby Womack, escribió libros, le ganó un millonario juicio a The Verve, tiene un show radial en el programa de Little Steven Van Zandt –el guitarrista de Springsteen–, y ahora está hablando conmigo. Desde Bogotá, Andrew Loog Oldham atiende el teléfono quejándose del cambio climático. Dice que en los últimos años llueve más, y que cuando sale a la calle tiene que ponerles abrigos a los perros, por el frío. "Está todo al revés", me dice en buen castellano, e inmediatamente, como recordando el objetivo de nuestra charla, menciona la palabra clave: "Ratones".

Sí, claro, Ratones. Podemos empezar hablando del nuevo disco en el que estás trabajando.
Es la primera vez que trabajamos juntos en doce años. La última vez fue con Planeta Paranoico (1996). Pero era una época de cambios en la Argentina, y también para los Ratones. Pasaron doce años; y aunque cuando conocés bien a la gente doce años son como doce minutos, por otro lado ellos ya no son chicos, ahora son hombres. Y eso se nota en su interpretación. La manera de trabajar fue completamente diferente a como lo habíamos hecho en el pasado. Antes solíamos ensayar en el estudio, esta vez ellos estaban mucho mejor preparados. El método de ensayo y ejecución fue mucho más apropiado. Roy, específicamente, estuvo magnífico. Siempre tocó bien, pero ahora su interpretación es más estadios que clubes. No es que el sonido para clubes tenga nada malo, pero nos gustan los estadios también. Digamos que ahora sonaban más James Bond que Jackie Chan.

¿Y cómo definirías tu contribución?
Mirá, una de las cosas más lindas de este trabajo, que es la música, es que antes de entrar en el estudio, vos pensás que sabés lo que estás haciendo. Especialmente con una banda como los Ratones, con los que, de hecho, he tenido una relación más duradera que la que he tenido con nadie, excepto mi esposa. Y cuando vas a hacerlo, te das cuenta de que es diferente. Hay reglas, pero no hay reglas. Tenés que ser flexible, y pedirles a los artistas que sean fieles a su arte, pero que sean flexibles al mismo tiempo. Es un poco como el fútbol, un trabajo de equipo. Es una pintura, pero es también una ecuación matemática, y tenés que adivinar el resultado correcto. Tenés que comprender lo que los demás están pensando, y tenés que hablar en términos que sean comprensibles y no sean ofensivos. Es difícil definirlo en palabras, tenés que estar allí.

Además, te gusta mantener una cuota de misterio sobre lo que hacés.
Había un gran escritor inglés ya fallecido, Kenneth Tynan, que trabajó algún tiempo como periodista. Una vez fue a entrevistar a Miles Davis al camarín, durante una actuación en Londres en 1965. Miles tenía una reputación por ser especialmente duro con la gente blanca. Entonces Tynan le dice: "Usted sabe, Mr. Davis, pienso que su disco Kind of Blue es realmente grandioso". Y Miles lo mira como queriéndolo matar, y le dice: "¿Pensás que suena bien ahora? ¡Deberías haberlo escuchado entonces!". Porque ese disco había sido hecho una década antes. Lo cual también me hace pensar en mi propia historia con los Rolling Stones: tenías que estar allí. Porque la pintura estaba todavía húmeda cuando estábamos en el estudio. Y por otra parte, cuando estás trabajando con gente, y con algo tan delicado como su talento y su arte, estás usando códigos ¿sabés?

Juanse me habló maravillas del ingeniero que está trabajando con vos actualmente, Timothy Latham.
Sí, es un maravilloso ingeniero norteamericano que he venido usando desde hace tres o cuatro años, con el que también trabajé en el disco de Charly García [Kill Gil]. En los primeros discos de los Ratones trabajé con otro estadounidense que es muy inglés, Steve Rosenthal, pero él ahora es un hombre de familia, tiene un estudio, y no viaja. El me dijo: "Llamá a Timothy, man. Vas a amarlo: él es el único ingeniero que sobrevivió a dos discos con Lou Reed".

Ahora también puede decir que sobrevivió a un disco con Charly García.
Es distinto, pero pienso que Charly García fue fácil comparado con Lou Reed. La única parte incontrolable del disco fue lo que pasó cuando estuvo terminado, no en la grabación. Yo no estuve allí, y no estoy demasiado al tanto, pero sé que hubo problemas con Internet, con EMI y, por supuesto, los problemas personales de Charly que estaban alcanzando su cenit. Pero el trabajo en el estudio, en Nueva York, fue grandioso. Para mí fue un privilegio. Yo sentí que estaba trabajando con la energía de John Lennon.

No son ni un elogio ni una comparación menores los que estás haciendo.
Es así de simple. La gran similitud entre John Lennon y Charly García es que ambos crean muy rápidamente. Saben exactamente lo que hicieron, y no necesitan venir al control [del estudio] para escuchar las tomas completas de voces. En otras palabras, en la matemática del día, ellos hacen su trabajo en el 5 por ciento del tiempo, ¿y qué van a hacer con el otro 95? Ir y ponerse locos. Pero en el estudio, no me perdería esa experiencia por nada del mundo. El tipo entiende la tela, yo sabía que estaba trabajando con un gran pintor. Yo sólo mezclé el disco, pero sé que hice que la grabación fuera mejor, y estoy feliz de haberlo hecho. Y voy a estar más feliz si él se mejora para siempre. Si lo ven, mándenle mi amor.

¿Qué recordás de tus primeras experiencias con los Ratones?
Bueno, yo no estaba bien en esa época. Básicamente, estaba en la misma condición en la que estaba Charly García recientemente. Prácticamente no salía de mi casa en Bogotá, no estaba haciendo mucho que digamos, estaba muy ocupado con mi fucking mente. Creo que la última vez que había trabajado había sido con Bobby Womack en 1983, y él estaba más loco que yo. Pero era un gran artista, aprendí tanto de él. Fue el mismo tipo de experiencia que con Charly; a veces es bueno tener la oportunidad de trabajar con los maestros. Y el respeto, el cariño y la preocupación que los Ratones me demostraron…; yo no sé cuán bueno fui para ellos, pero ellos fueron muy buenos para mí. Cuando los Ratones me llamaron –y me hicieron escuchar los cuatro primeros discos que habían grabado en Del Cielito– comprendí que tenía que tener un tremendo respeto por la invitación. Así que fue muy bueno para mi espíritu y mi autoestima. En ese momento para mí era difícil empezar un trabajo y terminarlo correctamente, y los Ratones me ayudaron a conseguirlo.

Además, los discos que hiciste con ellos en esa época, Fieras lunáticas y Hecho en Memphis, se han convertido en clásicos.
Sí, lo sé. Por eso cuando estuve en noviembre pasado en Buenos Aires y fui al concierto en Obras, ver cómo la gente recibía esos temas y la manera en que han soportado la prueba del tiempo, fue algo maravilloso.

¿Has escuchado alguna nueva música que te llame la atención?
Una banda de Irlanda que se llama The Urges; una de Francia, The Belmondos; me gusta el tema de James Bond, con Jack White. Hay mucho, pero el problema con las bandas que han surgido últimamente es que no tienen tiempo para desarrollarse. Tienen un hit y eso es todo, después es todo trabajo. Y en cierta forma es un poco triste. Sé que hacen plata y todo eso, pero yo pienso que en orden de importancia, es primero la banda, la música, luego el público, los fans, y después el dinero. Te lo explico de esta manera: para el momento en que salió el primer single de los Beatles, "Love Me Do", en octubre de 1962, ellos ya habían hecho la mitad de los shows que hicieron en toda su carrera. Las bandas ya no pueden hacer eso. El problema es… ¿te acordás de la película Basquiat? Este gran artista callejero, en uno de los diálogos hace una de las mejores descripciones de lo que significa hacerse famoso: dice algo así como: "Cuando te volvés famoso, tenés que repetir lo que el hombre blanco quiere. El no quiere que cambies, quiere que te repitas". Y eso es una vergüenza.

Por Claudio Kleiman

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MUSICA LENTA: LOS LENTOS MAS...DEL MUNDO

Los lentos más insufribles del mundo

Ah, las listas, como nos gustan, más que nada para destrozarlas. Resulta que a la gente de Onepoll.com le dio por hacer una encuesta preguntando cuál es la mejor canción de amor de todos los tiempos, y los aterradores resultados son los siguientes:

1- "Everything I Do (I Do It For You)" - Bryan Adams
Nada que las chicas de quince usen para entrar a sus fiestas de cumpleaños con el vestido blanco puede ser demasiado bueno. Dolorosa como arreglarse los dientes con Michael Fox.

2- "Always" - Bon Jovi
Si elegían "I´ll Be There For You" capaz que ni nos quejábamos (igual, tampoco es Top Five...), pero "Always" es una bofia épica llena de clichés. Pase el que sigue.

3- "I Will Always Love You" - Whitney Houston
¿Quién no fantaseó con meterle un escopetazo en el entrecejo a Whitney en plena escalada de agudos? Yo sí. Varias veces. Ayer, por ejemplo.

4- "I Don´t Want To Miss A Thing" - Aerosmith
Como duele cuando una verdadera banda de rock and roll se ablanda hasta convertirse en una usina de música para tías. También han hecho cosas mejores que este esperpento lacrimógeno.

5- "My Heart Will Go On" - Celine Dion
Ah bue, todo bien, estaban jodiendo nomás. Si sólo hubiera estado ella también adentro del maldito barco...

Teniendo en cuenta el extraño gusto de los votantes de esta encuesta por las canciones románticas, Pop Life aporta un segundo quinteto de "temazos" que quedaron afuera por obra de la injusticia.

1- "Wonderful Tonight" - Eric Clapton
Si tocaste en Cream y alguien una vez te llamó Dios, no podés convertirte en un Phil Collins con Síndrome Pre Menstrual. Igual, después la agarro JAF y demostró que no estaba completamente jodida la versión original.

2- "Making love (out of nothing at all)" - Air Supply
Quien dice lentos maricotas, dice Air Supply. ¿Habrá en el mundo algo más blando que Graham Russell y Russell Hitchcock? Si hay, por favor, que no grabe un disco.

3- "Forever" - Kiss
La co-escribió Michael Bolton. MICHAEL-FUCKIN´-BOLTON. Todo dicho.

4- "Endless Love" - Lionel Ritchie & Diana Ross
Nunca el amor sonó tan mersa. Si Lionel fuera argentino, después de grabar semejante bofia no podría pisar el barrio nunca más.

5- "Still Loving You" - Scorpions
La versión de los alemanes es insoportablemente dramática. Pero ojo, que la del pajarraco de acá abajo no está tan mal.


Diego Mancusi

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MANU CHAO: La vida tómbola

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ALEJANDRO SOKOL: ENTREVISTA

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PETER GABRIEL: "Hola lunáticos, bienvenidos al Club de la Luna llena."

Peter Gabriel: romance de la ciencia y el arte


El músico inglés habla de sus múltiples y variados proyectos, y anticipa el show que dará en Vélez el domingo 22

Por Sebastián Ramos

"Hola lunáticos, bienvenidos al Club de la Luna llena." Desde hace seis años, una vez por mes -truene, llueva o nieve- Peter Gabriel se sienta en el sillón favorito de su casa/estudio/búnker Real World, saluda a la cámara y durante aproximadamente diez minutos habla de sus proyectos musicales, de sus reuniones en diversos foros económicos alrededor del Globo, de sus intrigantes encuentros anuales con científicos que fusionan la tecnología con el entretenimiento y el diseño y lo cuelga en su Web para que sus seguidores se mantengan al tanto de sus actividades. Desde el Full Moon Club, la imagen virtual de Gabriel se multiplica en Internet como una ajustada versión del Hari Seldon, de Isaac Asimov, aquel matemático que predecía el futuro a través de la psicohistoria en la trilogía La Fundación. "Adiós, lunáticos, hasta el mes que viene." Guiño de ojo, venia y funde a negro.

Hace tiempo que Peter Gabriel ha dejado de ser una estrella de rock. La percepción popular de su figura es más la de un científico loco, lord inglés él, que vive en su hipertecnológico búnker ecológico (algo así como la casa del Mickey Mouse de Disney Planet, pero de verdad) perdido al Sur de la campiña inglesa, muy cerca de un pueblito llamado Bath. Allí, a los 58 años, con su calva brillante, su barba y bigote blanco, y sus trajes impecables, el profesor Gabriel toca, graba, improvisa, invita a las leyendas de la música africana y a jóvenes instrumentistas británicos a delirantes jams conjuntas, remezcla viejas cintas y, cada tanto, arma las valijas y saca a pasear por el mundo su espectáculo de imagen y sonido futurista, con estética y música pop.

Esta vez le ha vuelto a tocar el turno a América del Sur y por ello aterrizará por tercera vez en Buenos Aires, el próximo 22 de marzo, sumándose a la extensa lista de artistas internacionales que se presentarán este año en el continente, en búsqueda de nuevos horizontes tras la crisis financiera que golpea al Primer Mundo desde fines del año pasado.

Gabriel no edita un disco pop con su firma desde Up , en 2002, y su predecesor, Us , se remonta a 1992. Sin embargo, el domingo pasado participó en la competencia por un Oscar con una de sus canciones, "Down to Earth", compuesta en colaboración con Thomas Newman, e incluida en los títulos de Wall-E , la última sensación animada de Pixar. "Fue una experiencia interesante", dice Gabriel en diálogo telefónico con LA NACION, a horas de haber perdido el glamoroso galardón en manos del tema "Jai Ho", del indio A. R. Rahman, perteneciente a la banda sonora de Slumdog Millionaire . "Quiero decir... es un evento mundano y lleno de fantasía. Ha sido mucho más interesante asistir que verlo por televisión, que es lo que normalmente hacemos. Perdimos, pero disfrutamos haber estado allí. Thomas, que ya ha perdido diez nominaciones a los Oscar, me dijo: «El dolor del aguijonazo por haber perdido dura apenas diez minutos; luego ese dolor es tapado por el alcohol». Y así fue."

Video: los sorprendentes shows de Peter Gabriel

-Este tour sudamericano lo encuentra sin un álbum nuevo para presentar. ¿Cómo será el show que traerá al estadio de Vélez Sarsfield?

-Aún estamos armando la lista de temas, pero como no hay un nuevo álbum, haremos una mezcla de material nuevo y viejo. Cuando giramos por Europa, el año pasado, incluimos algunas canciones que hacía mucho no tocábamos y nos divertimos mucho. Hicimos nuevos arreglos para todos los números del concierto y por eso creo que, desde nuestro punto de vista, será una experiencia divertida.

-Después de cuarenta años en la industria y con intereses personales que van desde la economía hasta la ciencia y la tecnología, ¿qué es lo que lo sigue seduciendo de la música pop?

-Creo que la música aún es una gran manera de expresar emociones, de desarrollar ideas. Amo el ritmo, amo el sonido y algunas de mis canciones favoritas de otros artistas me llevan a lugares en donde puedo volar e imaginar situaciones que sin ellas sería imposible. Si uno lee cualquiera de los libros de ciencia que tratan la relación entre el cerebro y la música, se dará cuenta de que cada vez son más los que aseguran que la música juega un rol importantísimo en nuestra cabeza, conectando las distintas zonas de nuestro cerebro.

-¿Aún lee ciencia ficción o con toda la tecnología que tiene a su alrededor y las conferencias anuales del TED ya tiene suficiente?

-La verdad es que ahora no leo mucha ciencia ficción, pero amo la tecnología y desde hace un par de años concurro a las conferencias del TED [Technology, Entertainment, Design, por sus siglas en inglés], en la que me encuentro con personas increíbles y aprendo mucho sobre diversos temas. Para darte un ejemplo, en la última reunión, en California, estuve con un hombre que investiga planetas, cuerpos y busca cualquier situación extrema en la que pueda hallar vida más allá de la Tierra. Es gente con la que uno puede hablar 17 minutos y encontrarlas realmente fascinantes, que poseen nuevas y asombrosas ideas.

-Cuando decidió ser un artista, un músico de rock allá por los años 60, ¿imaginó que tendría este contacto tan estrecho con la ciencia?

-Mi padre era ingeniero electrónico y, si bien yo no tuve su talento, siempre tuve sus intereses en cuanto a las tecnologías potencialmente nuevas. El fue un inventor y por eso creo que me excita tanto trabajar con gente que está en la frontera tecnológica, explorando nuevos territorios e involucrada con nuevas formas de pensar. Los proyectos que unen ciencia y arte me fascinan.

-¿Y la música? ¿Qué expectativas tiene cuando enfrenta el proceso de grabación de un nuevo álbum?

-Trato que cada disco tenga su personalidad sonora, me gusta, a veces, establecer ciertas reglas en la grabación de un álbum. De hecho, esta mañana estaba discutiendo con uno de los músicos que me acompañan para no incluir guitarras en mi próximo proyecto, o utilizar una sola voz, en vez de superponer dos o tres voces. Es como un juego y, al mismo tiempo, un desafío.

-Algo de eso parece haber en su proyecto Scratch My Back...

-Sí, estoy grabando con buena parte de mis artistas favoritos. Yo hago sus canciones, y ellos hacen las mías. Es un intercambio muy interesante, en el que tratamos de fusionar artistas viejos con músicos jóvenes. Ya tenemos diez canciones y el plan es registrar seis más. Esperamos poder editarlo este año.

-Hablando de proyectos para este año... ¿dijo recientemente que no tendría problemas en volver a ser parte de Genesis?

-Bueno, fue una frase que no tendría que haber dicho. Discutimos ese asunto antes de que Genesis realizara este último tour, pero para ser honesto, es un proyecto mucho más grande de lo que quisiera y pudiera emprender en este momento.

-¿Vio la última gira de la banda?

-No, a decir verdad, no me sentí curioso al respecto.

El pionero

• Sería imposible comprender el aporte artístico de Peter Gabriel a la música pop sin tener en cuenta el riesgo estético en el que se ha movido cómodamente durante sus cuarenta años al servicio de la industria. Siempre un paso adelante, Gabriel llevó a escena el concepto arty con trajes fluo y maquillajes varios en los años 70, fue el primero en aprovechar al máximo el potencial lúdico y visual de la MTV en los 80, y el primero en desarrollar un CD-ROM interactivo a comienzos de los 90. Poco después, incorporó al arte las herramientas disponibles en Internet antes que cualquiera de sus colegas. "Lo que uno puede hacer con el software que se encuentra en Internet es casi todo lo que uno pueda imaginarse. Podés crear y encontrar herramientas que antes eran muy caras y por las que tendrías que pagar un dineral. Sin dudas, Internet está cambiando la forma en la que uno se conecta con la música."

Diccionario

• Back Street Project: el disco ida y vuelta que graba actualmente en los estudios Real World junto con varios de sus artistas favoritos. Los músicos graban canciones de Gabriel, y viceversa.

• TED: desde hace un par de años, Gabriel participa de las conferencias anuales de Technology, Entertainment, Design, en la que científicos, políticos, economistas, artistas y diseñadores desarrollan ideas para fusionar los tres tópicos centrales que les dan nombre a la reuniones.

• Witness: Gabriel participa activamente de la organización que provee apoyo práctico y logístico para que grupos alrededor del mundo denuncien la violación de los derechos humanos a través del uso del video e Internet. Por esta iniciativa Gabriel fue galardonado en 2006 con el título de Man of Peace que entregan desde 1999 los premios Nobel.

• Womad: La World of Music, Arts and Dance es una organización fundada en 1980 por Gabriel, Thomas Brooman y Bob Hooton, y se dedica a promocionar música y culturas que cuentan con escasos medios para llegar a comercializarse. Entre los artistas que pasaron por el Womad y revitalizaron sus carreras en la industria de la música se encuentran Nusrat Fateh Ali Khan y la Afro Celt Sound System.

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