DINO SALUZZI: EL SELLO ALEMAN ECM PUBLICO NAVIDAD DE LOS ANDES.

Saluzzi, un género en sí mismo

 

El bandoneonista, acá acompañado por la cellista Anja Lechner y por su hermano, el clarinetista Félix “Cuchara” Saluzzi, logra con este disco uno de los hitos de su carrera. La improvisación, en su sentido más estricto, atraviesa toda la obra.

Por Diego Fischerman

Hay instrumentos ligados a ciertos géneros de manera casi obligatoria: los bronces y el jazz; la guitarra eléctrica y el rock. Pero ninguna relación es tan fuerte como la que hay entre el bandoneón y el tango. Podría decirse que cualquier sonido de ese instrumento evoca al tango y que cualquier tango hace pensar en el bandoneón, aun cuando no haya ninguno tocando. Sin embargo, hay una excepción. Y se trata, prácticamente, de un género único y encarnado en una sola persona: Dino Saluzzi. Si bien sus raíces están en la tradición del tango y, también, en una herencia menos notoria, pero igualmente significativa, que viene de la utilización del bandoneón en los grupos folklóricos de Salta y Santiago del Estero, el estilo de este salteño que pasó, en Buenos Aires, por la orquesta de Gobbi y que saltó, más adelante, a ser la figura más atípica del jazz europeo, tiene un poco de cada una de ellas, pero no se parece definitivamente a ninguna.

Desde que en 1982 el sello alemán ECM editó Kultrum, su primer disco de improvisaciones a solas, el nombre de Saluzzi fue convirtiéndose en inevitable a la hora de pensar en los creadores más originales dentro del campo de la música artística de tradición popular. Parte de esa originalidad tiene que ver con su propio estilo, con la manera de encontrar una organización más ligada a la idea de la travesía, de la improvisación en un sentido estricto –la posibilidad de detenerse o desviarse de un discurso o de unas células temáticas– que a cualquiera de las formas más habituales al jazz, con sus secuencias más o menos fijas de acordes y sus estructuras más bien simétricas. Y parte de lo que hace única a la música de Saluzzi es, también, su apertura a los encuentros con otros intérpretes y con otros géneros. En ese sentido, sus discos con músicos como Charlie Haden, Enrico Rava, Marc Johnson o el gran trompetista polaco Tomasz Stanko señalaron caminos no transitados.
La última de estas fructíferas relaciones tiene como coprotagonista a la cellista Anja Lechner, a la que conoció como integrante del Cuarteto Rosamunde, con el que grabó, en 1988, el disco Kultrum (extraño caso de disco con un nombre repetido dentro del catálogo de un mismo músico y en un mismo sello). Después llegó el bellísimo Ojos negros, de 2006 y a dúo y, tres años más tarde, con la incorporación de un ladero de años, su hermano Félix “Cuchara” Saluzzi en clarinete, y la participación de una orquesta, un álbum de título inequívoco: El encuentro. Ahora, el trío a solas acaba de publicar Navidad de los Andes. Y se trata, nuevamente, de un disco extraordinario. Cuchara incorpora también el saxo tenor y en sus intervenciones con ese instrumento, en dos tangos –“Recuerdos de bohemia” y “Soledad”– su planteo, casi literal, tiene el efecto de una especie de eco. O, más bien, de un sonido fantasmal al que se sobreimprimen las brumas del bandoneón y de un cello de sonido rico y expresividad elocuente. Con la habitual calidad sonora y el cuidado en las presentaciones de las producciones de ECM, este disco es, sin duda, uno de los hitos de su carrera.

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DINO SALUZZI: EL BANDONEON INCLASIFICABLE.

A esta altura, Dino Saluzzi debería ser una figura más que reconocida de la música popular argentina. Pero como no acaba de serlo, al menos en masividad, nunca está de más volver a presentarlo: siempre a cuestas con el bandoneón que aprendió a tocar en el pueblo salteño donde nació hace 75 años, no hace jazz ni tango ni folklore ni clásica, pero ha tocado con algunos de los mejores músicos del mundo de esos géneros, graba con el prestigioso sello alemán ECM y, aunque acaba de sacar El encuentro, el extraordinario registro del concierto dado en Amsterdam el año pasado, está empecinado en seguir acá, en su estudio del Once y buscando músicos argentinos, tangos olvidados y alguna música nueva que le llegue encabalgada al recuerdo de su infancia junto al río.






Por Mariano del Mazo

“Yo soy músico de acá, de la Argentina. La vida quiso que anduviera con la valijita, de hotel en hotel, buscando el mango y desarrollando mi música. Supongo que en algo me equivoqué: nunca tuve muchas luces para planear una estrategia. En eso Piazzolla fue un maestro. Necesito tocar acá: mi inserción en la Argentina a esta altura es algo vital. Pero claro: los políticos tienen prejuicios, los que manejan la música en el país –esa mafia– tienen prejuicios y dicen que soy difícil, que soy imprevisible, que soy loco. Por eso nadie me ve, por eso parezco invisible...”

Las palabras caen por su propio peso y filo a borbotones. Los conceptos chocan entre sí, caóticos. Para encontrar una idea, o, mejor, para encontrar el modo de desarrollar una idea, Dino Saluzzi sobrevuela en círculos, va, viene, lateraliza, interroga, duda, busca aprobación y sigue. Siempre sigue. Hay algo que parece indestructible en él. Por ejemplo: una madrugada de 1980 estaba parado en una estación de tren en Suiza sin saber una palabra de otro idioma que no fuera el salteño esperando a alguien que nunca llegó; era por una gira, una serie de presentaciones. Quedó solo, con su estuche y su pilotín: así comenzó su inserción europea. El siguió.

Timoteo Dino Saluzzi nació en un pueblo del interior de Salta, Camposanto, en 1935. El primer impacto musical fueron las zambas que su padre Cayetano cantaba cuando volvía de la zafra; el primer terremoto en su cabeza, la Orquesta Sinfónica de Tucumán que escuchó a los 8 años en la ciudad de Salta, la gran capital. Ahí aprendió una palabra nueva: Bach. “Fue un crack.” Decidió que iba a ser músico. Practicaba, armonizaba en la puerta de su casa... “¿Quien te pensás que sos, Negro? ¿Beethoven?”, le decían en Camposanto. “Yo creo que de chico tuve las cosas claras”, cuenta. A los 13 se fue a Salta a estudiar con los maestros José Martí Llorea y Jacobo Fisher.

En el Noroeste, el bandoneón era el instrumento de las zambas carperas; en Buenos Aires, el tango atravesaba un período de un vigor irrepetible. “Yo no sé, parecería que para hacer tango tenés que haber nacido en Avellaneda o en Barracas. A mí me gustaba y cuando pude me fui a Buenos Aires. Siempre me interesó estudiar. Aprendí mucho del gran Julio Ahumada.” Vivió en una pensión en Lanús, tocó en las orquestas de Alfredo Gobbi y de Lorenzo Barbero, en la de Radio El Mundo... “Qué importante fue el tango. Pienso en Gobbi... por Dios. En Salgán, en Troilo. Está todo ahí. Ahora yo veo un montón de muchachos con una técnica absoluta... que no tocan nada. ¿Y sabés por qué? Porque no generan mensaje, porque no tienen narrativa. Hay que saber qué se está tocando, dónde se está tocando, hay que conocer el terreno, el medio. Pichuco te tocaba la frase Sur, paredón y después y te desarmaba...”

Entonces para vos el tango no tiene sentido en la actualidad, es parte del pasado...

–Habrá que crear una nueva narrativa. Ya no depende de la técnica. Es algo... místico. Y habrá que aniquilar el egocentrismo de los músicos, el concepto de propiedad, ese “sólo yo puedo, yo soy el capo”. Ojalá. Yo soy muy desconfiado. Desconfío de mí mismo: cuando compongo y empiezo a meter demasiadas cosas y necesito recurrir a demasiados instrumentos, desconfío. Y paso la escoba.

Después de esa incursión definitiva para su futura trayectoria en la Buenos Aires de los años ‘50, regresó a Salta. Como quien da un paso atrás pero para pegar un salto, y también para reabastecerse de cariño familiar luego del formativo período porteño. Alguna vez recordó: “Mi vieja me decía cosas como: tocate una zambita, vení, comete un locrito, ¿no te pesa el bandoneón?, te vas a arruinar la espalda. Esas cosas se añoran toda la vida...”. Por ahí anda el Rosebud de este morocho afectuoso y distante al mismo tiempo, que ahora surca las calles del Once desierto del feriado del 9 de Julio tratando de explicarse en voz alta, invitando un café en una pizzería impersonal, con la tele mostrando las últimas imágenes del naufragio de Sudáfrica y Saluzzi mezclando temas con naturalidad y pareja convicción: “Un desastre los arbitrajes, un de-sas-tre; cómo escribía Le Pera, eh; el barrio es inseguro, pero el mundo es inseguro”. Por ahí, decíamos, en Salta, entre el locrito de la madre y las zambas del padre, se agazapa el Rosebud de Saluzzi.

Paria de género (ni tanguero, ni folklorista, ni jazzero), en los ‘70 se mezcló tal vez a su pesar en la escena que como guiño a una intelectualidad que resistía la dictadura y se preparaba para leer Humor definía palabras que hoy suenan bien feas: fusión, proyección, jazz rock. Trabajó con Litto Nebbia, con Rodolfo Alchourrón, Manolo Juárez, Néstor Astarita, grabó el bandoneón de la versión original de “Sólo le pido a Dios”, se convirtió en referente de la cofradía de rockeros con discurso (Spinetta, por caso, lo adoraba; a él y a Piazzolla) y cuando pudo le dio un besito a su amada familia en Salta, un abrazo a sus queridos colegas de Buenos Aires y se tomó el olivo.

Europa esperaba de él el new tango, el after Piazzolla, el Tango Jazz. No fue fácil. Lo de Saluzzi no es nada de eso, es mucho más... o menos. Saluzzi es Saluzzi: economía de elementos, minimalismo, implosión, un lenguaje en sí mismo. Una banda de sonido en busca de una película. “Me fui a Europa con un dialecto... y pude lograr un lenguaje”, dijo. Se metió en los festivales de verano, hizo base en Munich, Alemania (cuna de su instrumento), se forró de hambre y prestigio y chocó con Manfred Eicher, el hombre que le cambió la vida. Eicher es el capo de ECM, el sello discográfico alemán que tiene fichados, entre otros, a Keith Jarrett y Tomasz Stanko y por el que pasaron desde Pat Metheny hasta Egberto Gismonti. “Sí, ECM me cambió la cabeza. Me enseñó a no tener miedo de actuar con libertad.”

Con ECM sacó, entre otros, Mojotoro, Andina, Cité de la Musique, Dino Saluzzi-Rosamunde Quartett, Ojos negros (con la cellista Anja Lechner, a la sazón, mujer de Eicher) y, ahora, El encuentro, con Lechner y con The Metrople Orchestra dirigida por Jules Buckley. El encuentro se compone de cuatro movimientos (Vals de los días, Plegaria andina, El encuentro y Miserere), es el registro del concierto dado en el Muziekgebouw aan ‘t IJ de Amsterdam el 13 de febrero de 2009 y tiene, como casi todos los últimos registros del salteño, la imposibilidad de presentarlo en vivo en la Argentina. Conspira, dice, con el anhelo no tan solapado de volver a sentir que la Argentina reconoce su música. “Estoy replanteando algunas cosas. Aunque hay caminos que no tienen salida. Yo apunto hacia lo artístico, no hacia lo masivo. Pero para hacer lo que querés necesitás plata, y la plata la conseguís con algo masivo... ¿Entonces?”

¿Entonces?

–Escuchame... yo tuve que rajar porque si no me moría de hambre. No se come con el bandoneón... Piazzolla, está bien, sólo con su temperamento logró lo que logró. Creo que de algún modo a Piazzolla lo ayudamos entre todos. Yo no sé si por pedantería o si es una simple banalidad, pero a veces siento que yo hubiera sido más útil acá que en Europa. Pero bueno, la vida es así, se va dando. Estoy tranquilo: siempre fui serio, siempre toqué mi música con suma responsabilidad. Y exijo lo mismo. A veces pienso... ¿y si hago canciones? No sé. A mí me marcó el folklore, pero el folklore de Yupanqui. Siento que si hago canciones voy a quedar con el carro a contramano. La otra vez estuve pensando en la palabra resentimiento... Porque hay quienes dicen que soy un resentido... Y puede ser, en la acepción del que siente doble. El doble de sentimiento.

Por Azcuénaga asoman los primeros cartoneros del crepúsculo. Saluzzi pide una medialuna de manteca. Como su música, la entrevista destaca por los silencios. Y en ese silencio, uno sospecha un deseo que el músico no se anima a confesar. Un deseo o una necesidad. Sin afanes psicoanalíticos, digamos que esa mole morena siente un cansancio antiguo. A los 75 años deja entrever rasgos de vulnerabilidad. Por eso, ante una pregunta, se altera como un niño.

¿No creés que hay un sitio vacante en la Argentina para tu música..? En una arco de público entre 40 y 60...

–Ojalá, ojalá... Tal vez le tenga que hacer caso a mi representante Daniel Randazzo y grabar acá... Porque, ¿sabés qué pasa? Los discos de ECM acá cuestan cien mangos..., ¿quién puede pagar eso? Lo mío tiene que valer 25, 30 pesos... Tengo la ilusión de empezar de nuevo, tocar aquí, con mis hermanos. Hace poco di unos conciertos con Luis Salinas. Es un buen músico, me gustaría poder repetir... Ahora él está muy ocupado con cosas de su cosecha. Ojalá, ojalá.

El tango y el folklore están siempre presentes en tu música, aun en tus obras pertenecientes a la llamada música culta... ¿Es premeditado?

–Está, siempre está. Yo no divido nada, es un todo. Se supone que el lado emotivo tiene que ver con mi infancia, con el folklore, y que lo otro es lo aprehendido... No sé, para mí es un todo. Mi música.

En el notable documental Saluzzi – Ensayo para bandoneón y tres hermanos, que muestra el proceso de composición de una obra –casi un via crucis– desde Venecia hasta Camposanto, su director Daniel Rosenfeld eligió el blanco y negro para las escenas grabadas en Europa y color para las grabadas en Salta.

“Es cierto –completa el bandoneonista– que me asaltan flashes. Recuerdos. Me veo en mi pueblo, en el río, con la gomera, en medio de los cañaverales.” Yo sé que esos recuerdos encajan en mi música. Son momentos muy gratos. Todo lo contrario al momento de la composición. Ahora mismo estoy en plena etapa compositiva. Y es terrible. Componer me genera un gran sufrimiento... Me cambia el carácter, casi no veo a nadie. Ahí no existe mi esposa, mis amigos. Después pasa y vuelvo a ser alguien normal. Bah...”

¿Te sentís más compositor que intérprete?

–La dos cosas. Me gusta la composición porque le veo posibilidad de crecimiento. Es extraño: tengo un mundo abstracto ahí, en mi cabeza, que no lo conoce nadie. Componer es poder meterme en ese mundo y separar, elegir, dejar de lado. Una vez que pesqué la idea, tengo que pensar en el desarrollo y ahí viene el crecimiento. Me resulta apasionante. El mundo del intérprete es diferente, es menos puro, lo relaciono más con esos administradores de la cultura, los secretarios, las orquestas, los que apoyan en serio la cultura, los que no. Hoy recibí una invitación para ir al Centro Amijail, donde hay un concurso de violín. Eso me parece importantísimo. Tiene que haber concursos por todos lados. Escuchame: yo hace un tiempo quise conseguir un cuarteto de cuerdas como la gente en la Argentina y fue imposible...

Cuando un alemán, un suizo o un italiano te escucha... ¿qué pensás que escucha?

–Creo que escucha a un músico argentino que tiene la aspiración de ser original.

Este sería el cierre de la nota, pero caminando por Once salen más temas como un bonus track melancólico: Jorge Luis Borges, el club Central Norte de Salta y el tango. Se revela, al final, casi sobre la cortada San Luis, el trineo de El ciudadano. De Borges dice que lo ama, que lo adora, que no para de releerlo; cita algunas ideas. De Central Norte, que es hincha desde pequeño. Y del tango, que está obsesionado con “Boedo”, de Julio De Caro. “Lo estoy sacando, estoy preparando mi propia versión, lo imagino con dos guitarras y un contrabajo... Qué tangazo...”

Finalmente siempre girás alrededor del tango y el folklore...

–Siempre. No me puedo olvidar de un montón de canciones que escuché de chico. Yo sufro las canciones, por eso les tengo tanto respeto. Siempre vuelvo a mi viejo, tocando un tango de Juan de Dios Filiberto en casa. En Camposanto, sobre una piedra. El tango se llama “Botines viejos”, ¿lo conocés? Me acuerdo de mi papá tocando “Botines viejos” y se me pone la piel de gallina. Ahí está mi verdad... No sé si en mi viejo o en el recuerdo.

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ENTREVISTA AL COMPOSITOR Y BANDONEONISTA SALTEÑO DINO SALUZZI

“La música no existe sin la interpretación”

Músico inclasificable y sorprendente, es hoy una de las figuras más importantes del jazz y sus alrededores. Saluzzi habla de su vínculo con el folklore, de Europa, de la composición y de cómo se construye eso que parece indefinible: el estilo.











Por Diego Fischerman

La primera vez que tocó en Europa, con la Orquesta de George Gruntz, al ver que en un momento todos paraban de tocar, Dino Saluzzi también se detuvo. No sabía que ese silencio colectivo estaba destinado ni más ni menos que a su improvisación en el bandoneón. Desde ese momento, y desde su fundante Kultrum, editado en 1982, por ECM (el mismo sello que graba a Keith Jarrett y bajo cuya égida surgieron nombres como los de Pat Metheny o Bill Frisell), se sucedieron doce discos propios, el último de los cuales, que acaba de publicarse, se llama El encuentro e incluye obras para orquesta y solistas –él, su hermano Félix en saxo tenor, la cellista Anja Lechner– grabadas en vivo el año pasado en Amsterdam.

Saluzzi es, hoy, una de las figuras más importantes del jazz y sus alrededores, como lo prueba su participación en el disco The Green Hill, del notable trompetista polaco Tomasz Stanko. Hace mucho que no es un recién llegado y, mucho menos, un partícipe desorientado. Y ahora, junto a su grupo estable, bautizado Saluzzi Family, acaba de actuar en Buenos Aires. En los conciertos en el Teatro IFT (Boulogne Sur Mer 539) se presentó junto a Félix “Cuchara” Saluzzi en saxos, José María Saluzzi en guitarra, Matías Saluzzi en bajo y Horacio López en percusión. “La interpretación es muy importante, y no se piensa en ella suficientemente”, reflexiona en voz alta, en su estudio del barrio de Once, en Buenos Aires, adonde vuelve entre sus actuaciones europeas. Rodeado de instrumentos y partituras, entre ellas las de las nuevas piezas para piano a las que se encuentra abocado y sobre cuyo estreno habló con Horacio Lavandera (“es un intérprete extraordinario y una persona magnífica”, agrega) se sienta y habla. Lo que dice, como un río de montaña, fluye y lo va llevando de un tema a otro. De sus comienzos en el folklore, de su aprendizaje, ya en Buenos Aires, en la orquesta de Gobbi, de Europa, de la composición y del tema que en estos días lo obsesiona: “La música no existe sin la interpretación; pero la interpretación genera una cosa y si esa cosa no se mueve, la obra queda fija, petrificada. Y la obra debe moverse. Debe acercarse a lo humano. La interpretación perfecta, a veces, se convierte en el enemigo de la obra. Porque no permite nuevas interpretaciones; porque la deja inmóvil”.

Si en las músicas artísticas de tradición popular la interpretación es la que construye la obra, es posible que el hecho de haber comenzado a escribir para otros, de entregar sus obras a manos ajenas, sea lo que lleva a Saluzzi a pensar en el asunto: “Uno debe tener mucho cuidado con cómo toma las cosas –dice–. Uno no puede tomar sólo la obra de arte; hay que tomarla con su contexto. No solamente histórico. No solamente estilístico. Sino entendiendo que es la obra de una persona que ha tenido una vida en particular. Esa obra es parte de esa vida y no de otra, y el intérprete debe entrar en esa vida para que la obra tenga sentido”. Nacido en Ingenio San Isidro, en Campo Santo, Salta, hace 75 años, hijo de un músico, Cayetano Saluzzi, el bandoneonista es uno de los músicos más inclasificables de la escena actual. Estrella del jazz europeo sin hacer jazz ni ser europeo, en su música prima el gesto, esa manera de improvisar dejándose llevar por la propia belleza del sonido más que por la forma, sobre los materiales, que pueden venir desde el folklore rural argentino, desde el tango o desde ninguna parte en especial. Saluzzi, que valora la originalidad y la creación, pregunta, casi para sí mismo, “¿qué es el Colón?”. La respuesta, provisional, más indagatoria que afirmativa, no se hace esperar: “Es un lugar por donde han pasado grandes artistas, de la ópera, de la música sinfónica y de cámara. Pero no ha producido un arte propio. Falta algo”. Y suscribe una definición que el musicólogo uruguayo Coriún Aharonian utiliza para hablar de Lauro Ayesterán, “la cultura de un pueblo no es la que el pueblo consume sino la que el pueblo produce”.

Saluzzi habla del oficio de compositor y dice que “con el tiempo se aprende a ser cauteloso. Y a escribir cosas que al otro le guste tocar. Pero, además, cuando uno es latinoamericano, el que se acerca a la música de uno espera que suene latinoamericana. Uno debe ser fiel a lo que sabe, a lo que conoce, al lenguaje universal, pero también a eso que nos nutre, que tenemos dentro y que es lo que dice quiénes somos. La otra vez estuve escuchando música de Silvestre Revueltas. Y me daba cuenta de que tocarlo, para los alemanes, era difícil. Porque tiene esa cosa, esa inclinación hacia la rítmica que, a veces, es compleja para los músicos clásicos. Porque es una rítmica que nunca se escribe exactamente igual a como suena, que se mueve un poquito por dentro. Nunca es tan medida como en Bartók o Stravinsky. Y si uno piensa una música, aunque la piense melódicamente, seguro que le va a aparecer todo el mundo rítmico del tango y del folklore. Y cosas que suenan a esta parte del Cono Sur. Y esa manera de tocar que tenemos nosotros no es fácil para los europeos”.

–¿Cómo fue, en ese sentido, su experiencia con la cellista Anja Lechner, con quien ha grabado a dúo el disco Ojos Negros y ha tocado en numerosas oportunidades?

–Ella es una apasionada por el tango. Tiene un grupo de tango en Alemania. Y quería aprender. Y eso ayudó. Al principio no nos entendíamos tanto, pero ella estaba ávida por saber. Y, sobre todo, hubo una química muy especial. Aprendió a seguirme y yo a hacerme entender. Ya cuando habíamos tocado con el Cuarteto Rosamunde yo me había sorprendido por el hecho de que ciertas cosas que escribía, cuando ellos las tocaban, no sonaban como en mi cabeza. Pero a veces eso era bueno. Y en ocasiones eran ellos los que me forzaban a mí a tocar como estaba escrito, y a mantener una regularidad rítmica y una velocidad, por ejemplo, que le hacía bien a la pieza y que yo no estaba acostumbrado a respetar con rigidez. De todas maneras siempre fue más difícil para Anja que para mí porque venimos de mundos opuestos, casi podría decirse, y se trataba de lo mío. Era ella la que tenía que entrar en mi lenguaje. Ahora, en el tango, como ella es una apasionada por compositores como Greco o Delfino, y había tocado mucha de su música, había una especie de punto de partida ya construido. Las dificultades, en todo caso, siempre son de expresión.

Saluzzi habla de la identidad de las músicas y de las dificultades que tienen los que están formados en determinadas culturas para tocar lo que se produce en otra parte. Sin embargo, él ha tocado con músicos de nacionalidades muy distintas, desde la cantante portuguesa Maria João y el trompetista italiano Enrico Rava hasta el baterista noruego Jon Christensen o el trompetista polaco Tomasz Stanko o el contrabajista estadounidense Marc Johnson. Y eso siempre ha producido músicas donde no se notaba fractura alguna. “Es que las dos cosas son ciertas –reconoce Saluzzi–. Por un lado puede haber dificultades de entendimiento, al principio. Pero cuando hay un verdadero deseo de avanzar, de construir una fraternidad, con esas diferencias se construye algo nuevo. Al fin y al cabo, la música no es ni alemana ni noruega ni argentina, sino que está hecha por gente que nació en Alemania o en la Argentina. Y eso es todo.”

–¿Qué es para usted el estilo?

–Es como la manera de hablar. Está la educación, que no es sólo lo que alguien nos enseñó sino lo que escuchábamos por la radio, lo que sonaba en los bailes, por ejemplo. Eso era distinto según uno estaba en una ciudad o en otra. Es decir, había cosas que eran iguales para todos y otras que no. Y eso es el lenguaje común. Después viene nuestra manera de hacer las cosas. En mi forma de tocar el bandoneón está lo que aprendí en Salta y lo que aprendí en el tango y lo que aprendí tocando con músicos de todas partes y de muchos géneros diferentes. Pero hay, también, cosas que son sólo mías. Yo no me doy cuenta. No podría decir “esto viene de allá y esto viene de acá”, “esto lo aprendí en tal lado y esto es personal”. Pero seguro que está. Y eso es el estilo.

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